15 JUIN au 22 JUILLET - scd0ac61a53793ffa.jimcontent.com · m’imprégner de cet artisanat le plus...

du 15 JUIN au 22 JUILLET

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Édito« Ce qui importe par dessus tout dans une œuvre d’art, c’est la profondeur vitale de laquelle elle a pu jaillir », affirmait James Joyce.

Cette profondeur vitale s’exprime de façon intense dans le cadre de cette 5ème édition de Consul’Art, exposition internationale qui met à l’honneur les artistes révélés par les consulats de Marseille.

40 consulats, proposant plus d’une centaine d’œuvres artistiques et artisanales, sont représentés cette année pour une édition placée sous le signe du 30ème anniversaire du jumelage avec Shanghai.

Cette belle exposition est enrichie de nocturnes, le jeudi soir. Elles permettront au public de bénéficier d’horaires plus tardifs pour profiter pleinement des animations qui mettent en valeur les multiples facettes culturelles de ces différents pays.

Car la culture est l’émanation même de l’humanité et je ne peux que me réjouir de voir autant de pays célébrés ici dans la cité phocéenne, ville d’échanges et de partage, ouverte sur le monde depuis plus de vingt-six siècles.

J’ai pris énormément de plaisir à découvrir ou redécouvrir ces artistes, à m’imprégner de cet artisanat le plus souvent patrimonial, à flâner et rêver devant cette galerie du monde.

Je souhaite à tous les visiteurs de Consul’Art de partager ce bonheur.

Cette 5ème édition promet déjà d’être un événement marquant en ce début d’été. Tous mes vœux de réussite l’accompagnent !

Jean-Claude GAUDINMaire de MarseillePrésident de la Métropole Aix-Marseille-ProvenceVice-président du Sénat

Index

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ALGERIE �� 6Fathia BOUZIANE

ALLEMAGNE �� 7KARAS

ARMÉNIE �� 8Anahit KARAPETYAN Rafik TUMANYAN

BELGIQUE �� 10Nathalie GENOT Cédrine LIXON

BOLIVIE �� 11Jhonny BLANCO Collection privée

BULGARIE �� 12Valéri TSENOV

CAP VERT �� 13Ludovina OLIVEIRA

CHINE �� 14Collection privée Collection du Consulat

CONGO BRAZZAVILLE �� 22France GAMBARELLI

CORÉE DU SUD �� 23Min Soon MOON

JAPON �� 34Tamotsu FUTAMURA Collection du Consulat

LETTONIE �� 36Talis BALTERS Uldis CELMS

LIBAN ��37Léa MALEH

MADAGASCAR �� 38Collection du Consulat Noelisoa RAVELONJANAHARY

MALAISIE �� 39Michel ANTHONY

MAROC �� 40Moulay Hicham LIDRISSI

MAURITANIE �� 41Myrto DEBARD Collection du Consulat

MEXIQUE �� 42MICHITA

PANAMA �� 44Collection du Consulat Oscar PINEDA

PAYS-BAS �� 46Wouter STIPS

PORTUGAL �� 47Carlos CASTELEIRA

RÉPUBLIQUE TCHÈQUE �� 48Iveta DUŠKOVÁ

ROUMANIE �� 49Sonia ANCA Collection privée

RUSSIE �� 50Paulina KOULIK Collection privée

SAO TOMÉ ET PRINCIPE � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � � 51Eduardo MALE Anilson NETO

SLOVAQUIE �� 52Peter ZUPNIK Juraj SERIK

SUISSE �� 53Catherine SCHMID

TUNISIE �� 54Omar DRIDI Nourdine BOUZIDI

TURQUIE �� 56Aynur ESIRGEN Collection du Consulat

DANEMARK �� 24John GORMSEN

ÉGYPTE �� 25Nevine SALEH

ÉQUATEUR �� 26Vanessa PADILLA

ESPAGNE �� 27Maria Rosa DE ISASA SANCHIZ

ESTONIE �� 28Joosep MARTINSON

ETATS-UNIS �� 29Bruce THURMAN Martin GRIZZELL

HONGRIE �� 30Sándor PINCZEHELYI Sandor DOBANY

INDONÉSIE �� 31Collection du Consulat

ISLANDE �� 32Louise DJERMOUN (LOU)

ITALIE �� 33Norberto PROIETTI Antonella BISELLI

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Algérie

Fathia BOUZIANELa chaussure montante

algérienne : le gorg« La Fantasia »

- PEINTURE -

Née le 4 octobre 1951 à Ouzidan (Algérie), cette fleuriste de métier entre tardivement dans l’univers de la peinture, se forme à l’atelier des Beaux-Arts de Marseille et acquiert rapidement sa notoriété grâce à sa soif d’apprendre. Plasticienne de talent, adepte de tendances expressives figuratives libres, Fathia Bouziane est toujours en quête de nouvelles orientations graphiques.Paysages, marines et portraits demeurent l’univers thématique créatif de l’artiste. Son concept narratif la rapproche de l’expressionnisme car il transforme le traditionnel en des formes et couleurs dictées par son inconscient avec une certaine richesse d’esprit. Depuis quelque temps, l’artiste s’est lancée dans la sculpture, entre réalisations véristes (bustes humains) et créations originales associant des matériaux de récupération tels que des outils de paysans.Son tableau « La fantasia » représente un grand sport arabe, qui réunit les attributs de l’équitation, de la chasse et de la guerre. C’est une des traditions tribales qui n’est pas prêt d’être abandonnée sous prétexte de modernité.

Tout comme les accessoires, les chaussures, qu’elles soient montantes ou basses, tiennent une place importante dans l’histoire. Que cet élément soit porté pour embellir le pied ou pour le protéger, il a vu bien des changements et des évolutions au cours du temps. Même si cette tendance à porter des chaussures montantes tend à disparaître, cette tradition persiste encore dans quelques centres tels que Tlemcem, Alger et Constantine, et notamment par les nomades, mais également les sédentaires, lors de leurs voyages dans toute la zone sud du Tell des Hauts-Plateaux et le Nord du Sahara d’Est en Ouest.Si la semelle est taillée dans une peau de vache tannée, la botte est taillée dans de la peau de mouton, comportant un motif de croissant à la pointe du pied.

- CHAUSSURES -

www.artmajeur.com/fr/member/bouzianefathiaFacebook : Fathia Bouziane

« Provence »

Allemagne

KARAS (Jean KARAS) - PEINTURE -

Né le 4 juin 1951 à Paris dans l'Ile de la Cité, Jean Karas fait des études médicales et exerce plusieurs années en cabinet. Après une visite de l'exposition de Nicolas de Staël à Martigny en Suisse, il " ose " tenter l'aventure dont il rêve depuis longtemps : exposer ses œuvres au public. Après tout, le 20ème siècle a déjà beaucoup d'autodidactes célèbres... banquier, douanier, ingénieur, architecte, et tant d'autres qui n'ont jamais fréquenté d'école des Beaux-Arts.Il crée un espace à Lourmarin en Provence où il peut accueillir ses amis peintres, sculpteurs, photographes, auprès desquels il se nourrit de conseils, apprend, approfondit certaines techniques au fil des années.

Ce coloriste minimaliste, comme il aime à se décrire, propose une peinture suggestive, spontanée, instinctive et unique dans un style très épuré, d'une grande sensibilité, sur les paysages marseillais et provençaux.Il expose maintenant en exclusivité en France à l'Espace Karas, ainsi que dans les différents pays de la communauté européenne. Depuis la Provence, des " KARAS " partent chez des collectionneurs du monde entier.

www.karas.fr

8

Arménie

Anahit KARAPETYAN- PEINTURE -

Née le 15 juin 1964 à Vanadzor (Arménie), Anahit Karapetyan vit et travaille actuellement à Marseille. Elle s’intéresse dès son plus jeune âge à l’art et apprend le piano et le dessin en autodidacte. Elle obtient un diplôme de chant et de piano et fréquente de manière conjointe des master-class de peinture. Arrivée en France, son attrait pour la peinture grandit et elle s’inspire des paysages qu’elle découvre pour créer ses œuvres où elle transmet des émotions et des vérités.

Début 2014, au moment où l’artiste entonnait un morceau du grand compositeur arménien Komitas, elle eût l’idée de créer ce tableau d’inspiration musicale. Les couleurs du tableau représentent le passé et l’avenir du peuple arménien. Le noir symbolise le chemin difficile qu’il a parcouru, et le vert, l’avenir lumineux. Le violoncelle, avec ses tessitures instrumentales et vocales, correspond à l’histoire de ce peuple. La combinaison de ces deux couleurs et de cet instrument témoigne du fameux compositeur Komitas et des ses chefs d’œuvre, elle fait appel à toute l’humanité pour la paix.

« Émotion » « Khatchkar »

Né le 30 avril 1952 à Stepanavan (Arménie), le sculpteur Rafik Tumanyan est issu de la famille du célèbre écrivain arménien Hovhannès Tumanyan. Dans la famille, ils aiment travailler la pierre de père en fils et Rafik a hérité de cet amour.Rafik a travaillé en tant que sculpteur dans plusieurs villes d'Arménie, de Russie ou encore de Géorgie. Il arrive en France en 2005 et continue à exercer son métier de sculpteur aussi bien pour les particuliers que pour les différentes administrations françaises que ce soit à Marseille, à Paris ou Avignon par exemple. Il a présenté ses œuvres telles que la statue de Pascal Paoli ou celle de Jean-Baptiste Fouque dans plusieurs expositions.Katchkar est une stèle de pierre sur laquelle se détache une grande croix en relief. C’est une œuvre d’art entre sculpture et architecture spécialement dédiée à l’une des principales manifestations de la foi : la vénération de la croix.La municipalité de Marseille a décidé en décembre 2015 de baptiser un lieu public au nom de Soghomon TEHLERIAN avec une stèle sculptée par Rafik Tumanyan qui est en cours de construction.

- SCULPTURE -

Rafik TUMANYAN

9

Arménie

11 10

Belgique

Nathalie GENOT« L’Alpiniste » « La séquentielle »

Artiste, plasticienne, scénographe, Nathalie Genot, née en Belgique en 1970, a été formée à l’École des Beaux-Arts de Saint Luc (Belgique) et vit à Marseille depuis plus de dix ans. Cette artiste aux multiples facettes a depuis toute jeune, eu l'envie de comprendre le fonctionnement du monde, le fonctionnement de l’autre, qui l’a naturellement amené à décortiquer, morceler, tester, confronter, toute situation et toute matière. Son projet en tant qu’artiste plasticienne, fait suite à une réflexion sur l’enfermement que l’on peut avoir au quotidien, la répétition de schéma de vie et comment en sortir.Son travail s’oriente vers l’expérimentation et la collaboration : des interactions se créent avec des médias. Les médias actuellement utilisés sont la photo, la vidéo, le son, l’écriture, les capteurs numériques, le fil à tisser, les bandes magnétiques, la colle, le verre et des éléments organiques. Mais aucun média n’est figé dans le temps, puisque tout est découverte et exploration...

Née le 25 août 1972 à Charleroi (Belgique), artiste pluridisciplinaire et autodidacte, Cédrine Lixon est une artiste qui exprime sa créativité dans plusieurs disciplines artistiques. Artiste verrier, designer d’objets et musicienne, tout est matière à exprimer tout ce qui compose cette artiste sensible à la simplicité de la beauté pure et au respect de l’environnement.Elle crée des œuvres en utilisant la technique de la fusion de verre, le « fusing » où il s’agit d’assembler des pièces de verre teinté dans la masse provenant des verreries de Murano en Italie et de les porter à température de fusion dans un four spécifique. Sa maîtrise de cette technique lui permet non seulement de créer des œuvres artistiques ou de décoration singulières mais qui sont également source d’inspiration dans son œuvre musicale.Véritable artiste sensible et engagée, Cédrine Lixon utilise son art et sa maîtrise du fusing pour créer des tableaux où le verre de Murano, avec lequel Cédrine entretient une véritable passion, est utilisé tel un pinceau de couleur.www.Cedrinelixon.com

- VITRAIL -

Cédrine LIXON- SCULPTURE -

httpstwitter.com/NathalieGenotFacebook : Nathalie Genot Facebook : cedrine Lixon artiste

www.nathaliegenot.comhttp://nathaliegenot.tumblr.com/

Bolivie

Jhonny BLANCO

« Aquayo traditionnel oiseaux » « Willa Massi »

- PEINTURE -

Né le 1er octobre 1965 à La Paz (Bolivie), de parents indiens Aymaras, ce peintre sud-américain autodidacte est un homme de pensée et d’action, qui s’applique à représenter les nouvelles générations boliviennes, la réalité et la dignité émergeant de la pensée andine. A La Paz, il participe à des expositions collectives dans différents lieux dédiés de la ville, puis présente son œuvre à de multiples reprises à Buenos Aires où il émigre en 1994.En 2006 il intègre le collectif de peintres du Museo de la Ciudad de Buenos Aires. Son approche de différentes techniques – huile, acrylique, aquarelle, encre, sculpture, entre autres – font que ses œuvres sont acquises par des amateurs de nombreux pays : Amérique Latine, USA, Canada, Europe, Inde, Japon, Corée….La palette des couleurs andines dans leurs vives nuances nous transporte sur les hauts-plateaux boliviens des Aymaras et dans la culture précolombienne.

La région de Chuquisaca est réputée pour ses tissus traditionnels.L'aguayo traditionnel est celui tissé à la main et utilisé par les femmes de l’Altiplano du Pérou et de Bolivie. Il peut être à base de laine de lama, de mouton ou d’alpaga, et est teint avec des colorants naturels. Dans les temps anciens, c’était l’homme qui utilisait cette étoffe d’aguayo.Il existe sept régions où les tissus en aguayo sont encore tissés de manière traditionnelle : la région Nord de La Paz, les régions autour du lac Titicaca (avec la ville de La Paz), Oruro, Cochabamba, El Centro, Potosí et enfin Chuquisaca.Chaque région possède ses propres spécificités. Les pièces d’aguayo décrivent des histoires et des symboles culturels, tous différents suivant les régions.

- TEXTILE -

Collection privée

Annie PROST

Facebook : jhonny blanco

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« Omphalos »

Bulgarie

Valéri TSENOV - PEINTURE -

Valeri Tsenov est né à Lehtchevo, Bulgarie dans une famille vivant près de la terre. Après des études dans la prestigieuse Académie des Beaux-Arts à Sofia, le peintre Valéri Tsenov s’est installé, il y a plus de trente ans, à Plovdiv, capitale culturelle de la Bulgarie et future capitale culturelle européenne (2019). Il y puise tout son art, dans l’atmosphère unique et cosmopolite de la ville.Depuis plus de dix ans, il réalise son rêve, ne vit plus que de son art et passe la plupart de son temps, jour et nuit devant le chevalet.

Ses peintures à huile et en acrylique ornent désormais les cabinets et les salles de réception des présidents bulgares, mais aussi ceux du Patriarche Œcuménique Bartholomée à Constantinople, de la présidente de l’Unesco Mme Irina Bokova, des maires de Plovdiv, ...Dans sa peinture, fenêtre exceptionnelle vers l'art et la culture bulgares, les mondes de l’esprit et de l’inconscient se superposent au monde réel en invitant nos regards vers un voyage intérieur.

www.tsenov-art.com/

« Fashion up cycling »

Cap Vert

Ludovina OLIVEIRA - TEXTILE -

Née le 7 février 1971 au Cap Vert, Ludovina Oliveira, a élu domicile dans la cité phocéenne pour créer sa marque, Bô Côsa. Cette passionnée de couture depuis sa tendre enfance, souhaite changer les codes et créer des pièces éthiques et modulables. En un coup d’aiguille, elle transforme un jeans en sarouel ou en top très original. Elle appelle ses modèles des « systèmes » car une pièce peut se porter de 20 manières différentes. La « rojupe », la robe qui se positionne en jupe longue et se tourne à 360 degrés, le « bantoceint », le bandeau qui se positionne en top ou en ceinture... Il y a toujours plusieurs combinaisons possibles.

Les modèles sont principalement créés dans des tissus de récupération, chinés ou de fin de séries. Bô Côsa, qui signifie « ton truc » en créole, n’est pas seulement une marque mais une philosophie. Ses créations les plus connues ont été détournées du drapeau cap-verdien.Elle a été exposée au Musée de la Mode en septembre 2016.

Facebook : Bô Côsa

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Chine

Collection privée Reyfeng Institution

Ming Liao est née en 1988 à Jian Yang. Ses sources d’inspiration sont notamment sa ville de naissance, une ville de la Province du Fujian en Chine. Cette ville existe depuis l’an 205 et fut l’une des premières villes dans le Sud de Chine. Jian Yang est connu pour son savoir-faire en Tenmoku, une porcelaine royale de la Dynastie de Song. Elle est réputée pour la fabrication de tasses à thé pour la famille royale.

La technique de Tenmoku fait partie du patrimoine immatériel chinois. Elle est originaire du Mont Tenmoku réputé depuis les temps anciens par son grand monastère bouddhique zen, mais aussi par sa production de thé vert de qualité. À partir de la dynastie Song, ces bols de la région de Kenyo sont devenus très à la mode. Aujourd’hui encore le Tenmoku occupe une place de premier choix lors de la cérémonie du thé dans les temples bouddhiques ou à l’occasion d’événements concernant des personnalités importantes.

Les statues des lions gardiens se situent traditionnellement devant les palais impériaux chinois, les tombes impériales, les bâtiments administratifs, les temples, les résidences des officiels et des classes aisées depuis la dynastie Han (206 avant J.-C. - 220 après J.-C.). On croyait qu'ils étaient dotés de pouvoirs protecteurs. Ils apparaissent aussi dans d'autres contextes artistiques, par exemple sur des heurtoirs et en poterie.

Les lions sont habituellement représentés par couple, le mâle reposant sa patte sur une boule décorée (qui, dans un contexte impérial, représente la suprématie sur le monde) et d'une femelle retenant un petit, enjoué, situé sur son dos (représentant l'éducation).

Porcelaine Royale de Jian « Tenmoku »Lions en jade (19ème siècle)

Ming LIAO - Collection privée

Reyfeng Institution- PORCELAINE -- SCULPTURE -

Chine

Wen Li ZHU Collection privée - Reyfeng Institution

Porcelaine royale de Ru – Celadon

- PORCELAINE -

Excellant dans la peinture à traits fins, inventeur de « l’écriture à l’allure d’or grêle », calligraphie caractérisée par des traits minces, droits, vigoureux et fondateur du « hall à dix mille lyres » , Song Huizong, désireux des objets qui correspondent à la philosophie taoïste et à son aspiration esthétique personnelle, a fusionné sur le même emplacement des meilleurs fours populaires qui se trouvaient dans la préfecture de Ruzhou, dans la province du Henan, afin de produire des céramiques destinées exclusivement à l’usage de la cour impériale. D’où l’apparition du premier four du palais dans l’histoire chinoise pour fabriquer les céramiques « Ru » en céladon bleu ciel. Mais la production du four impérial n’a duré qu’une vingtaine d’année (entre 1086 et 1116), car confrontée à d’énormes difficultés. La fin de la dynastie des Song du Nord et le transfert de la capitale vers Hangzhou ont rendu extrêmement ardue l’obtention des matières premières d’origine.Les empereurs des dynasties des Ming et des Qing se sont employés à récupérer les pièces impériales « Ru » éparpillées sur leur territoire, « leur apparition est d’une telle rareté qu’il est peu de personnes capables de les reconnaître ». En même temps, les empereurs ont consenti d’énormes moyens pour tenter de les reproduire à l’identique, mais sans y parvenir, ne serait-ce que des imitations plus ou moins proches de la réalité. Les artisans ont donc déploré que « la fabrication du céladon bleu ciel soit aussi difficile que de monter au ciel ».Interrompus pendant 800 ans entre la chute de la dynastie des Song et la fin du 20ème siècle, les céramiques « Ru » bleu ciel, trésor chéri des empereurs, n’ont fait leur retour tant espéré qu’en 1987, l’année où des experts en céramiques classiques chinoises, en ont réussi la reproduction.

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« Calligraphie Zen »

Vénérable Maitre HSING-YUN Collection privée - Reyfeng Institution

- CALLIGRAPHIE -

Shih Hsing-Yun, (Li Guoshen pour l’état civil), est né le 22 juillet 1927 dans la province de Jiangsu, en Chine. Connu dans le monde bouddhiste sous le nom de Vénérable maître Hsing-Yun. Quarante-huitième Patriarche de l’Ecole Linji Chan, Maître Hsing Yun a réalisé une œuvre monumentale, en renouvelant et modernisant le bouddhisme.La calligraphie chinoise se singularise par l'originalité et la richesse de l'écriture chinoise.La plus connue est celle pratiquée avec un pinceau. Les écoliers chinois apprennent aussi à bien calligraphier les sinogrammes avec un stylo bille ou un style à plume : cette calligraphie est appelée calligraphie au stylo à plume. Dans les temps anciens, les caractères chinois étaient gravés sur des os de boeufs ou des carapaces de tortues, puis sur des bronzes. Ensuite, on fit des livres avec des lattes de bambous reliées. On utilisait certainement une plume de bambou et du noir de fumée pour écrire. La plume de bambou est parfois encore utilisée.La calligraphie au pinceau se pratique sur du papier de riz ou sur de la soie (plus fragile). Le matériel d'un calligraphe s'appelle les Quatre trésors du Cabinet du Lettré. Il s'agit du pinceau, du papier, de l'encre et de la pierre à encre. L'histoire de l'écriture chinoise (plus de 3000 ans !)a permis de développer de nombreux styles calligraphiques.

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Pierre à encre (Duan et She)

Chine


- PIERRE À ENCRE -

Appelée « le marquis de l’encre » dans la littérature, la pierre à encre est l’un des Quatre trésors du lettré en Chine, avec les pinceaux, l’encre et le papier. Le mot qui la désigne se prononce à l’identique du mot « frotter » en chinois.

L’histoire de la pierre à encre en Chine est très longue. Entre 1000 à 1500 av. J.-C., les Chinois frottaient déjà le bâton d’encre sur des matières dures comme le jade, la brique, le bronze, le fer pour écrire. À la suite du développement de la poterie, les matériaux premiers de la pierre à encre ont changé au profit d’un genre d’ardoise trouvée uniquement dans les carrières de certaines cités. Aujourd’hui, les quatre meilleures qualités de pierre à encre sont Duan, She, Tao, Chengni, du nom de quatre villes de Chine.

Anecdote amusante : lors d’un concours de promotion qui se déroulait par un froid hiver à Pékin, alors que l’eau avait gelé sur toutes les pierres à encre, seul le lettré qui travaillait sur une pierre Duan put terminer son ouvrage et remporter ainsi l’examen, car la pierre de Duan ne gèle pas si facilement !

Chine

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Fabrication du papier à l’ancienne

La papeterie chinoise à l’ancienne est l’une des quatre grandes inventions de la Chine antique, composée d’une soixantaine d’opérations différentes. Le papier est né en Chine vers la fin du IIIème siècle avant l'ère chrétienne, sous le règne de l'empereur Chiuangdi (dynastie des Qin).C’est en 105 après JC, que Tsaï Loun, ministre chinois de l’agriculture, ayant observé des guêpes en train de construire leur nid, broya des morceaux de bambou dans l’eau, pour en faire une pâte liquide, inventant ainsi le premier papier. Il préconisa d'utiliser des fibres issues de bambou, des écorces de mûrier et surtout du lin et du chanvre. On peut le considérer comme le père du papier moderne et le rédacteur de la première certification "ISO 9000" pour la papeterie !Cet art de fabriquer le papier restera chinois jusqu'au VIIIème siècle.

Le cloisonné est une technique de fabrication de bijoux, vases et autres objets de décoration en émail qui consiste à cerner des motifs à l'aide d'une mince bandelette métallique soudée sur le champ du métal. Les alvéoles ainsi obtenues sont remplies d'émail. Le tout est ensuite cuit et poncé.Pour les objets en céramique, les cloisons délimitant le motif sont réalisées par le dépôt d'un filet d'engobe à l'aide d'une poire. Cette technique fut une spécialité des productions de Moorcroft au Royaume-Uni. La technique de la Cuerda seca, utilisée dans la céramique andalouse du XIVe siècle, se servait d'une cordelette trempée dans un mélange de cire et de poudre de manganèse pour délimiter les motifs. Cette cloison brûlait à la cuisson.

Pot à thé


- EMAIL VITRIFIÉ - - PAPETERIE -

QINGGUO LAI Collection du Consulat

Né en 1961 dans la province du Yunnan, Qingguo Lai, artisan national, est spécialisé dans la fabrication d’œuvres en métal, notamment l’étain et des combinaisons mêlant métal et porcelaine. Utilisés au quotidien à la maison, ses oeuvres représentent surtout les cultures des minorités ethniques du Yunnan et le savoir-faire artisanal de cette région, première source minière d’étain du monde.

Collection d’objets en étain

Chine

- ARTSANAT D'ART -

Chine

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« Mariage »

Ces gouaches collectées pour la plupart dans le temps même de leur création entre 1979 et 1984 dans le district de Jinshan, représentent un courant majeur de la Peinture Paysanne de Chine. Au début des années 70, les productions des centres culturels paysans étaient souvent utilisées à des fins politiques, essentiellement de propagande, certains travaux d’artistes paysans étant imprimés à des milliers d’exemplaires en tant qu’affiches. Mais dès la fin de cette décennie, des écoles se sont créées au sein même des centres culturels afin de former les « peintres amateurs paysans » partis à la campagne, notamment pour Jinshan et aussi de recueillir à travers leurs travaux, l’héritage des activités artisanales ancestrales.C’est d’ailleurs pour cela que la majorité de ces artistes sont des femmes. Ce ne sera que plus tard que les jeunes gens sortis des écoles secondaires avec une formation artistique plus ouverte, y compris sur l’étranger, formeront la nouvelle génération dont on peut voir les œuvres dans certains petits formats qui composent cette exposition qui n’avait pas été montrées en France depuis 1990.

Collection privée Françoise TIRRIBILLOT et Association Amitié Provence Chine

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Chine

« La Bourgade, un petit village au sud du Changjiang (Yangste) »

Les peintures paysannes de Jinshan trouvent leurs origines dans la vie quotidienne des villages du sud du Yangtsé. Les scènes du foyer constituent une source d'inspiration importante. Autrefois, il y avait un mur près du foyer dans les familles villageoises, qui avait pour but d'empêcher les cendres de tomber dans la marmite et les bols. On appelait ce mur « la montagne du foyer ». Les villageois invitaient souvent des peintres à dessiner sur celle-ci et tout autour. Généralement, on préférait des dessins incarnant le bonheur, comme la récolte ou l'élevage d'animaux domestiques. Parfois, on dessinait des personnages légendaires ou des paysages naturels. Aujourd'hui, les thèmes sont beaucoup plus divers. Ce foyer est décoré de fleurs et d’animaux comme le poisson symbole d’abondance et la grenouille à trois pattes qui distribue la fortune. Tout autour une scène traditionnelle d’intérieur paysan chinois.

- PEINTURE -

Françoise TIRRIBILLOT et Association Amitié Provence Chine

Mme ZHANG XIN YING

« Pays d’eau » méridional et généreux, le district de Jinshan est situé au bord de la Mer de Chine, prés de l’embouchure du Yangtsé. De nombreux canaux sillonnent le bourg et la vie s’y déroule au rythme des heures. Les pécheurs aux cormorans en bas à gauche rentrent après la pêche pendant que d’autres transportent les porcs au marché où les ménagères se retrouvent leur panier sous le bras. L’artiste s’est inspiré des travaux de broderie avec des aplats de couleur successifs créant une certaine perspective ainsi que la technique du patchwork courante dans cette région.

- PEINTURE -

« La montagne du foyer »

Chine

- PEINTURE -

« Batik »

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Congo Brazzaville

France GAMBARELLI

« La femme aux perles »

- PEINTURE -

Née à Ajaccio, France Gambarelli a toujours aimé dessiner depuis l'enfance.Tout au long de ses années de médecine, elle continue à peindre et à dessiner. Lors de sa thèse, elle dessine à l'encre de Chine sur un papier spécial l'ensemble des planches consacrées à son sujet de pathologie humaine. Elle prend par la suite des cours de perfectionnement. Ses sources d'inspiration sont puisées dans la nature et les animaux, les scènes de vie ainsi que les personnages qui expriment des émotions.

Corée du Sud

Min Soon MOON

« Moon 4 - au-delà du visible »

- CÉRAMIQUE -

Née à Kun San en Corée du Sud en 1961, Min Soon Moon s’est inspirée des rizières de sa campagne natale pour façonner son art. Après avoir étudié les Arts Plastiques à Séoul mais aussi à l’école des Beaux-Arts de Lyon, elle décide de s’installer en France en 2002 pour approfondir son style et ses techniques artistiques.Influencée par l’univers de l’encre de Chine, ses œuvres sont le fruit de techniques d’enfumage sur la céramique. Ayant réalisé des expositions personnelles et collectives à l’international, elle se tourne désormais vers d’autres supports tel que la photo pour exprimer ses idées, notamment grâce à l’atelier collectif de « la Fonderie » dont elle fait partie.

« Moon 4 - au-delà du visuel » symbolise la destruction mais aussi les traces que cette dernière laisse et qui perdurent en tant qu’héritage.Ces vestiges représentent donc à la fois des empreintes et des passages, mais aussi une continuité et un mouvement.

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Danemark

John GORMSEN

Matières 1 « the very first one »

- PEINTURE -

Né en 1964 au Danemark, John Gormsen est issu d’une famille de collectionneurs dont le père est galeriste, ce qui lui a permis d’acquérir une ouverture sur le monde de l’art contemporain considérable. Très jeune son talent est déjà remarqué et c’est à 16 ans qu’il expose pour la première fois, avec succès. Il s’inspire de la nature sauvage et «graphique» du côté Ouest de son pays bordé par la Mer du Nord. Son expression artistique est le mélange des cultures scandinave et française. Son travail subtil des couleurs, qu’il obtient en superposant des couches d’encres, plus ou moins translucides, avec des acryliques choisies et ses structures de matières minérale et végétale constitue sa signature personnelle.La superposition de couches mais aussi l’utilisation de métaux précieux tel que l’or, façonnent ses œuvres, qui par la suite deviennent de fascinantes abstractions.Son œuvre intitulée « the very first one » est une expression de joie et d’énergie positive qui explose dans les airs.

www.johngormsen.comFacebook : Gallery John GormsenInstagram : Galerie John Gormsen

Egypte

Nevine SALEH

« Felouka »

- PEINTURE -

Née en 1979 au Caire, Nevine Saleh est une artiste égyptienne diplômée du baccalauréat en Beaux-Arts de l’Université de Helwan. Elle est fortement influencée par l’école impressionniste et passionnée par les paysages orientaux et européens. Ayant vécu en Égypte mais aussi en Italie et en Belgique, elle a baigné dans différentes cultures qui lui ont permis de développer un style unique qui se caractérise par un sentiment de sérénité.

« Felouka » ou un après-midi sur le Nil représente l’interaction subtile entre le Nil, le ciel et les felouques. Les felouques sont des embarcations typiques de la région du Sud de l’Égypte notamment, de vraies perles de l’époque des Pharaons.

http://nevinemohsen.wixsite.com/artwork

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Equateur

Vanessa PADILLA- PEINTURE -

Née à Quito en 1982, Vanessa Padilla est une artiste et enseignante équatorienne résidant en France. Après avoir été diplômée en sciences de l’éducation et en arts plastiques, elle combine son savoir dans ces domaines et devient enseignante d’espagnol, mais également de dessin, sans oublier son engagement volontaire auprès des personnes analphabètes dans la région de Puembo dont la division administrative est au plus bas niveau de la ville de Quito. Son travail est le fruit de l’association entre son vécu personnel et les questions existentielles fondamentales qui régissent la philosophie contemporaine comme l’environnement humain ou la communication.Dans son pays natal, elle publie une série de livres tels que « Historia de trapos » en 2008 ou encore « El soporte poético del cuerpo » en 2013.

« Les visages du tournesol » est une démarche artistique qu’elle propose par une approche picturale, littéraire et musicale.

http://vanessapadilla.blogspot.fr/

« Les visages du tournesol »

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Espagne

Maria Rosa DE ISASA SANCHIZ

« Esgrima 1, Esgrima 2, Esgrima 3 »

- PHOTOGRAPHIE -

María Rosa de Isasa Sanchiz est née en Espagne le 18 août 1970 et réside actuellement à Madrid. Passionnée de photographie dès son plus jeune âge, elle attache une grande importance à la lumière, aux couleurs et aux détails méticuleux qui donnent vie à l’image. Après avoir obtenu un Master en Langage photographique et en Photographie digitale, elle poursuit sa formation au Centre International de la Photographie et du Cinéma à Madrid où elle est régulièrement sollicitée pour des projections.

En 2016, elle participe entre autres à la Fashion Week à Paris et à la Foire d’Art Contemporain de Madrid. Tout au long de son parcours elle participe à des publications sur internet et dans la presse nationale, notamment El País.Cet ensemble d’œuvres d’une même série est composé de trois photographies qui ont été prises en octobre 2016.

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Estonie

Joosep MARTINSON

« Ralf Tribuntsov, Papillon »

Né en 1988 en Estonie, ce jeune photographe, lui-même triple champion junior d’Estonie de basketball, a commencé sa carrière en tant que photographe professionnel dès l’âge de 15 ans. Après avoir reçu le prix du meilleur photographe de sport de lánnée 2007, il décide de tenter sa chance en Australie.

Aujourd’hui on peut le voir travailler aux côtés des meilleurs et des plus expérimentés photographes de sport du monde entier.

Il se sent à láise en photographiant des disciplines sportives diverses, mais il a sans aucun doute un faible pour l’eau. Il séxplique : « En tant que photographe de sport, j’ai été toujours attiré par l’eau. Ce chaos régulier donne des possibilités infinies. Pas une photo ne ressemble à une autre. Prendre des photos sous-marines est lúne des missions les plus compliquées. Installer des caméras et trouver le bon angle de la lumière est mille fois plus difficile que le processus de prise des photos lui-même. Mais le résultat puissant et gracieux vaut tout ce travail et me donne du courage et la force de réaliser mes projets dans des circonstances qui ne sont pas toujours les plus faciles. »

www.joosepmartinson.comFacebook : joosepmartinsonPhotography

Instagram : jmfotoz

- PHOTOGRAPHIE -

Bruce THURMAN Martin GRIZZELL

Etats-Unis

« Middle passage Big bang »

Bruce Thurman est né à Chicago en 1948. Il a étudié l’architecture à l’Université de l’Illinois et à l’École des Beaux-Arts de Paris. Il a travaillé comme architecte à Chicago, New York et dans le sud de la France jusqu’en 1981. À cette date, il s’installe à Paris et se consacre principalement à la peinture. Il commence par copier des grands maîtres dont il reproduit les œuvres à la perfection. Depuis 2008, il partage son temps et son travail entre ses ateliers de Paris et de New York. Il transcrit souvent en diptyques, œuvres classiques, anecdotes ou événements politiques afin de donner à ses créations un aspect à la fois traditionnel et moderne.L’œuvre « Baseball » est un hommage au sport national américain mais également à sa jeunesse représentée par les figurines des joueurs, tant admirées par les enfants.L’œuvre « Bowling for dollars » est à la fois artistique et artisanale : c’est un objet mais aussi une œuvre d’art. C’est un panneau en 3D qui doit son charme à sa fabrication.

http://www.brucethurman.com - Facebook : Bruce ThurmanInstagram : Bruce.Thurman

- PEINTURE -

Le travail de l’artiste américain Martin Grizzell, se caractérise par une approche transdisciplinaire, qui associe l’histoire, la sociologie et les sciences du langage. Puisant dans les traditions liées aux arts décoratifs, ses productions s’inscrivent dans une continuité de transmission de l’histoire afro-américaine. Avec plus de vingt cinq années d’expérience en art textile, Martin Grizzell, a exposé en Europe et dans sa ville natale de San Francisco. Son travail figure désormais dans les collections du Museum of African American Art and Culture de Washington.

Ce patchwork est composé de soie grise, rouille, noire, argentée et juxtaposée à un tissu de polyester français rappelant le cachemire. Cette palette symbolise la nuit et l’inconnu, plus de 100 pierres de diamants noirs étincellent, transformant le Passage du Milieu à l’intérieur du Big Bang.

- PATCHWORK -

« Baseball et Bowling for dollars »

« Sandra Tammiste, Saut dans l’eau »

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Hongrie

Sándor PINCZEHELYI

Né en 1954 à Pécs dans le sud de la Hongrie, Sandor Dobany débute dans le monde de l’art par la préparation des moulages de plâtre dans le secteur de la porcelaine manufacturée. Cette dernière a influencé considérablement sa pensée artistique.Après avoir étudié la peinture, la sculpture et l’art plastique, il se tourne vers la porcelaine et crée sa série de théières en 1985, dans le but de donner une nouvelle dimension à la création des objets d’usage quotidien. De plus, à partir de 1989, il travaille avec de grands architectes et ses œuvres céramiques architecturales se trouvent en Hongrie, mais aussi à l’étranger notamment en Grèce et en Écosse. En 2010, Il reçoit le prix artistique de sa ville natale, capitale européenne de la culture cette année-là ; il devient membre de l’Académie Internationale de la Céramique en 2011.

www.dobany.uw.hu

Né en 1946 en Hongrie, Sándor Pinczehelyi est un artiste qui pratique différentes formes d’arts plastiques tels que la peinture, le dessin et le graphisme. Il est membre fondateur de l’Atelier de Pécs (qui fût la capitale européenne de la culture en 2010) et fait partie de plusieurs groupes d’artistes. Parallèlement à son activité artistique, il fût le directeur de la Galerie de Pécs durant 22 ans et enseigne à l’École des Beaux-Arts de l’Université de la ville depuis 1999.

Son œuvre se distingue par la force des éléments visuels utilisés qui souvent sont des symboles à connotation socio-politique.

« Tasses à thé » « Oignons tricolor »

- PEINTURE - - CÉRAMIQUE-

Sandor DOBANY

Indonésie

Collection du Consulat- JEU DE SOCIÉTÉ -

Ce jeu de société traditionnel du XVIIème siècle en bois de teck, originaire de Java, était au départ un outil de comptage utilisé par des paysans afin de définir la bonne période des semis et des récoltes des plantes, à savoir les saisons sèches ou les saisons humides.Au fil du temps, il fût utilisé par des chamans pour prédire l’avenir et seules les jeunes filles de classe sociale supérieure étaient autorisées à jouer le « Congklak ».Selon l’archéologue Murray, ce jeu fût introduit par des commerçants arabes en 1640 durant la traite des esclaves africains dans le but d’entrer en contact avec la noblesse indonésienne.

Depuis le XVème siècle, ce jeu d’équipe originaire de Kalimantan sur l’île Bornéo appelé « Sepak takraw », se pratique avec une balle en rotin, tressée de façon artisanale.Ce sport proche du volley-ball consiste à se faire passer la balle, cette dernière ne doit être touchée ni par les bras ni par les mains des joueurs. Ce n’est qu’au XIXème siècle qu’apparaît le filet. C’est seulement en 1995 qu’est créée la fédération asiatique du Sepak Takraw et en 1996 la fédération internationale du Sepak Takraw, qui permet de faire connaître mondialement ce sport. Selon certains récits, ce jeu était à l’origine un sport de cohésion et non d’affrontement, cette hypothèse étant confortée par l’absence de filet et par la stratégie mise en place pour remporter la partie. Cependant avec le temps, son évolution a quelque peu changé l’esprit de communauté, malgré le fait que de nombreuses personnes continuent de le pratiquer sans filet, dans le seul but de partager un moment de convivialité. C’est un sport millénaire qui fait partie intégrante de la culture indonésienne.

« Balle de Takraw »« Congklak »

http://www.cead.space/index.php/Detail/people/id:48

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« Mystique Geysir »

Islande

Louise Djermoun est une artiste-peintre d'origine islandaise côté maternel et kabyle côté paternel. Amoureuse des grands espaces naturels, elle s'inspire de la nature en la prenant en photo, qu'elle considère comme son troisième œil. Elle utilise une technique appelée mixed-media dans ses créations, afin de rendre ses toiles en volume ou en 2D.Guide touristique en Islande, Louise Djermoun en profite pour prendre des photos puis les travaillent grâce à des logiciels et des techniques qui lui sont propres.

Cette photographie appartient à la série « la nature abstraite »

Facebook : Louise DjermounInstagram : louise_djermoun

- PHOTOGRAPHIE -

Louise DJERMOUN

« Città silensioza z et s »

« Vario Antico »

Italie

Norberto PROIETTI Collection du Musée Norberto de Spello Antonella BISELLI

Antonella Biselli est née à Deruta dans la Région de l’Ombrie au centre de l’Italie et elle est artisan d’art, spécialisée en céramique. Elle est diplômée en céramique par l’Institut d’art A. Magnini de Deruta et a été élève du maître Gianfranco Lamincia. Depuis 1995, elle travaille comme artisan décorateur dans l’entreprise artisanale de céramiques artistiques Gialletti Giulio, à Deruta. L’œuvre Vario Antico a été spécialement créée pour la 5ème édition de l’exposition Consul’Art. Elle représente une assiette d’un diamètre de 46cm, en style de la Renaissance avec une décoration « a squame e ornato » inspirée par le Petal pack de la fin du XVème siècle. La technique utilisée est celle classique de la céramique de Deruta : revêtir la terre cuite avec de l’émail, puis peindre l’œuvre avec des oxydes minéraux naturels. Pour fixer les couleurs, imperméabiliser et lui donner de l’éclat, l’œuvre est recouverte d’une substance vitreuse avant de procéder à la deuxième cuisson.

En collaboration avec l’Institut Culturel Italien, le Consulat et le Musée Régional de la Céramique de Deruta.

Né en 1927 en Italie, Norberto Proietti exprime très jeune son attachement à l’architecture, à la sculpture et aux phénomènes de la nature, mais c’est en 1952 qu’a lieu sa première rencontre avec la peinture. Après avoir traversé les frontières de son pays, il intensifie ses relations avec des collectionneurs américains, ce qui lui permet d’exposer ses œuvres aux quatre coins des États-Unis. Il s’inspire de l’Ombrie, sa région natale, pour peindre des paysages médiévaux. En ce qui concerne la sculpture, il est reconnu pour des œuvres réalisées par modélisation du bois d’olivier. Il a longtemps collaboré avec la Galerie Russo de Rome et de nombreux historiens de l’art se sont intéressés à lui. Il est également présent dans de célèbres catalogues d’art parmi lesquels, le Catalogue international d’Art Moderne.

http://www.museonorberto.com

- PEINTURE - - CÉRAMIQUE-

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« Au sang de l’Arbre »

Japon

Né au Japon en 1941, Tamotsu Futamura est très vite remarqué par ses enseignants pour ses talents de dessinateur et d’aquarelliste. Jeune diplômé de l’Université de Photographie de Tokyo, il débute sa carrière en 1960 en tant que photographe de presse spécialisé dans le sport automobile, tel que le Championnat du Monde des Rallyes. Il réalise plusieurs films publicitaires, campagnes publicitaires et éditions de calendriers pour des annonceurs concernés par le monde automobile comme Toyota et Mitsubishi.

Son travail est reconnu pour être influencé par l’art cinématographique français et italien, mais aussi par la peinture japonaise. Son style est façonné par sa recherche de la « note bleue » qui se définit par une symphonie harmonique entre un paysage, sa flore, sa faune, l’homme et l’automobile, notamment par l’intégration de l’effort d’accélération et de vitesse dans un entourage vivant paisible.

Il insuffle au sport automobile des tonalités artistiques et poétiques ce qui permet d’en avoir une vision nouvelle à travers le monde.Cette photographie a été prise lors du 40ème Rallye Safari Martini au Kenya.

- PHOTOGRAPHIE -

Tamotsu FUTAMURA

Japon

Collection du Consulat

- JOUET -

Autel de poupées « Hina ningyo »

Fête des garçonsAu Japon, on célèbre chaque année, le 5 mai, la fête « Kodomo no hi », la journée des enfants. C’est une ancienne tradition qui fût introduite à la Cour durant la période de Nara, au VIIIème siècle. C’est une fête qui célèbre les enfants en général, et les garçons en particulier. C’est durant la période d’Edo (1600-1868), dominée par les guerriers, que l’on prend pour habitude, à l’occasion de cette fête, d’offrir aux garçons des pièces d’armures.De nos jours, on n’offre plus d’armure aux enfants, mais on en expose dans les maisons afin de perpétuer cette tradition.

Fête des fillesLes poupées Hina sont exposées dans les maisons le 3 mars de chaque année, afin de célébrer « Hina matsuri », la fête des petites filles. Elles représentent la cour impériale à l’époque de Heian, période à laquelle est apparue cette tradition. Il existe de nombreux types d’autel, du plus imposant au plus modeste, et certains foyers japonais en fabriquent même en origami.De nos jours, il n’est pas nécessaire d’exposer toutes les poupées, et les gens se contentent souvent de représenter simplement le couple impérial.

Armure de samouraï « Gogatsu ningyo »

- JOUET -

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Lettonie

Tālis Balters et Uldis Celms travaillent en Lettonie dans des régions différentes, mais avec l’idée commune de fabriquer des objets en bois uniques en leur genre et forme.

Tālis Balters porte un regard moderniste sur le travail des bois. Ces objets se remarquent par les formes pures et actuelles. Il utilise l’assemblage de différentes matières de bois rendant l’effet de coloration et de forme géométrique intéressant.

Uldis Celms a un regard différent et plus traditionnel à l’utilisation de bois. Ces cuillères sont finement travaillées et la structure de chaque bois est bien respectée et bien visible. De cette manière à chaque utilisation nous pouvons nous rappeler la beauté de la nature qui nous entoure.

La Maison Koaka a pour principe de mettre en valeur le travail des artisans amoureux du bois et voulant prolonger la vie des arbres en fabriquant des objets du quotidien, en ayant choisi les méthodes de travail naturelles et respectueuses pour l’environnement. Différents types de bois, avec différentes textures sont travaillés manuellement en utilisant comme seul traitement, l’huile de lin qui protège le bois, prolonge sa durée de vie et rend son utilisation quotidienne saine et écologique. La Lettonie par sa situation géographique et son patrimoine culturel est le lieu parfait pour le développement de l’artisanat du bois.

- PLANCHE À DÉCOUPER ET CUILLÈRES EN MERISIER, NOISETIER, POMMIER -

Tālis BALTERS (Planche) Uldis CELMS (Cuillères)

(Maison KOAKA)

Liban

Léa Maleh est née en 1983 à Beyrouth et naturalisée française. Après avoir vécu les faces sombres de la guerre civile dans les sous-sols de Beyrouth, son expérience, ainsi que la coexistence avec différentes cultures et religions au Liban ont profondément influencé sa personnalité. Ses œuvres parlent souvent des dégâts et de la discorde causés par les conflits religieux ainsi que les préjugés qui en découlent. Formée par l’Académie Libanaise des Beaux-Arts, elle démarre sa carrière en tant que designer au Liban où elle conçoit des pièces uniques sur mesure, en collaboration étroite avec des artisans spécialisés.

Depuis 2014, elle se dédie entièrement à la matérialisation de ses questionnements sociaux à Paris. L’artiste se dirige naturellement vers les nouvelles technologies, telles que l’impression 3D et le fraisage numérique, avec lesquelles elle explore un monde de possibilités infinies. S’en suit un questionnement sur les différents regards portés à sa création, qui deviendra récurrent dans son travail. Lors de ses vernissages, Léa Maleh essaie de donner une autre dimension à ses œuvres en proposant un échange avec son public, elle désire faire de son art une conversation engagée.

- SCULPTURE -

Léa MALEH

Ana Fakhour - (I am Proud)Digital milling on walnut wood

Natural finish40,2 x 39,4 x 2,9 cm

Ana Metlak - (I am Like You)Digital milling on zebrano wood


Ana Insan- (I am Human)Digital milling on walnut wood


Ana Horr- (I am Free)Digital milling on rose wood

Natural finish40,2 x 12,9 x 8 cm

Ana Faranci- (I am French)Digital milling on walnut wood


Ana Fannan- (I am an Artist)Digital milling on olive wood


Ana Aayish- (I am Alive)Digital milling on zebrano wood


View of the exhibitionEach piece stands on a custom made metal

support. The idea is to walk between the different messages.

Léa Maleh

« Une arabe dans la ville »

Madagascar

Collection du Consulat- SCULPTURE -

L'appellation palissandre regroupe différentes essences de bois, du genre Dalbergia, poussant sous les tropiques, notamment à Madagascar. Il est signe de force, de solidité et de constance. Les noces de palissandre renvoient à un couple qui célèbre ses 65 ans de mariage. Ses grandes qualités, tant mécaniques qu'esthétiques, en ont fait un bois très recherché dès le XVIIIe siècle pour réaliser notamment des meubles haut de gamme et des instruments de musique. C'est aussi un bois souvent utilisé pour réaliser des sculptures puisque, malgré sa solidité, il est assez facile à sculpter.

Cette œuvre est une sculpture faite à partir de pièces en palissandre, représentant des scènes de vie quotidienne malgache.

Noelisoa Ravelonjanahary naît sur les hauts plateaux de Madagascar au moment où la République acquiert son indépendance. Elle entre dans la vie active en tant qu’assistante de projets. Déjà passionnée de couture, elle s’y adonne pour créer des vêtements pour ses amis et domine de mieux en mieux les bases de la coupe. De fil en aiguille, elle quitte tout pour se consacrer entièrement à la couture, à la recherche et à l’application-couture sur la soie malgache. Elle commence sur la soie de culture bombyx puis elle poursuit son travail avec de la soie sauvage malgache très fragile, retirée de fils d’araignée des forêts sauvages. Sa renommée nationale s’est construite sur sa maîtrise de cette matière ancestrale qu’elle a su moderniser.Après plusieurs défilés et expositions, elle s’expatrie à Marseille en 2003 et ouvre sa première boutique Française « Maitrise de SOIE » en 2015. Formée aussi pour être «Conseillère en Image », elle ne cesse d’habiller et de sublimer par ses créations, les jolies mariées marseillaises depuis maintenant dix ans.

- TEXTILE -

Noelisoa Ravelonjanahary

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Tenues d’apparat des hautes terres « Voamboana »

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« Pohon Beringin »

Malaisie

Michel Anthony est né à Perak, en Malaisie. Il vit et travaille à Nice. Autodidacte, citoyen du monde, il se consacre entièrement à la sculpture et à la peinture depuis 2003.Influencé par ses origines multiculturelles et sa curiosité pour la nature, son art s'inspire également des nombreuses rencontres faites au cours de se voyages.Récompensé par de nombreux prix, il continue de créer dans son atelier du Vieux-Nice et d'honorer les commandes institutionnelles et privées.

www.anthonymichel.com

- SCULPTURE -

Michel ANTHONY

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« Transe »

Maroc

Né le 11 novembre 1977 au Maroc, Moulay Hicham Lidrissi, vit et travaille à Nice. Après une formation complète aux Beaux-Arts de Casablanca, sa ville natale, il explore avec passion les signes et les formes issus de l’histoire de son pays. Il figure parmi les jeunes artistes du Maroc, soucieux d’abandonner les prestiges de la peinture occidentale pour interroger les voies et les moyens de l’artisanat, en s’attachant à la rêverie de la terre, via le jeu coloré de la géométrie.

Chargés de signes, les dessins de cette œuvre redonnent vie aux mythes, aux gestes, à la vision du monde, d’un temps disparu mais dont les arts pariétaux du Maghreb et d’Europe ont porté jusqu’à nous les coutumes de l’histoire.

- PEINTURE -

Moulay Hicham LIDRISSI

« La cérémonie du thé »

Mauritanie

Née en 1900 dans un petit village des Hautes-Alpes, Myrto Debard a grandi dans une atmosphère familiale animée par la musique, la peinture et la poésie, ce qui lui a permis de manifester un tempérament artistique très jeune. Son père pasteur est appelé en Algérie, c’est donc à Alger qu’elle étudie à l’École des Beaux-Arts, où elle rencontre Paul Belmondo avec lequel elle noue de solides liens d’amitié. Puis, elle travaille pendant cinq ans à l’Atelier Lucien Simon avec Othon Friez. Myrto Debard entreprend alors une série de voyages qui la conduisent au Niger, au Mali et en Mauritanie, où elle rencontre "les hommes bleus" dont la noblesse et le mystère la séduisent et qui marqueront toute son œuvre.Ses voyages, qu'elle poursuit pendant près de trente ans encore, lui font découvrir la Casamance, la Guinée, la Côte-d'Ivoire, la Haute-Volta, où elle renouvelle sans cesse son inspiration. Enfin et parallèlement à cette œuvre si riche, Myrto Debard a écrit et publié: Cinq contes africains, un roman policier et composé de délicats poèmes.Elle est décédée à Paris le 30 octobre 1983.

Myrto DEBARD Collection du Consulat

- PEINTURE -

« Poignards mauritaniens »

L’artisanat mauritanien est très diversifié. Il utilise le bois, le cuir, l’argent et l’or. Les hommes travaillent les métaux et le bois, les femmes le cuir, la vannerie et les tissus. Chaque communauté qui forme la mosaïque qu'est le territoire mauritanien possède ses traditions propres et donc son artisanat.Les poignards sont la plupart du temps en bois indéfinissables, souvent de récupération, mais les applications de métal, fer, cuivre, laiton, leur confèrent une grande noblesse. Les motifs sont découpés dans des plaques de fer ou de laiton et fixés avec des clous de cuivre.

- ARTISANAT -


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Mexique Mexique

MICHITA MICHITA- TABLEAU MURAL TEXTILE -

Née à Managua au Nicaragua, Michita étudie les civilisations méso-américaines à la Sorbonne et suit une formation continue en histoire et techniques des Arts et Traditions Populaire Latino-Américaines. Elle se dit « mexicaine d’adoption » puisqu’elle a vécu à plusieurs reprises au Mexique dans les années 1980 et 2000. C’est durant ses longs séjours qu’elle se dédie à l’étude de l’art traditionnel et populaire mexicain sur l’ensemble du territoire. Ses recherches l’ont menée à s’approcher des différentes méthodes de travail propre à l’Art Populaire.Michita apprend la broderie avec un groupe de femmes Chamula qui font partie de la population Maya et participe également à plusieurs ateliers d’art textile traditionnel mexicain au musée textile de Oaxaca. L’artiste s’inspire principalement de la réalité populaire, ses œuvres nous en apprennent bien plus que n’importe quel discours, dès lors que l’on sait en interpréter toute la symbolique.Cette œuvre est une création originale cousue et brodée à la main, inspirée du monde Maya et d’Andy Warhol pour l’assemblage.

Inspirée des poupées mexicaines traditionnelles appelées « Marias », l’artiste a élaboré la poupée Naïla qui est la première d’une série, pour rendre hommage à la population afro-mexicaine reconnue depuis peu. Elle est présente dans la côte de Oaxaca et Guerrero. Cette poupée a été nommée ainsi comme un clin d’oeil à la chanson du même nom de l’artiste mexicaine-américaine originaire de Oaxaca, Lila Downs. Tout comme les poupées réalisées par les femmes indigènes (mazahuas, otomis entre autres), l’artiste a fait cette poupée à la main et a utilisé des tissus mayas, velours, rubans et séquins.

De même que pour la poupée « Naila », l’artiste a fait la poupée « Fridita » à la main et a utilisé des tissus mayas, velours, rubans et grains de l’Amazonas. Elle a élaboré cette poupée au visage de la peintre Frida Kahlo.

www.artemichita.com

« Jaguars célestes » « Naïla et Fridita »

- POUPÉES -

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- PEINTURE -

Né en août 1951 au Panama, Oscar Pineda a commencé ses études d’art dans son pays natal. Après avoir poursuivi ses études au Mexique, il s’est perfectionné en dessin au fusain et à la plume sur le papier.

Son œuvre Pichones représente deux pigeons amoureux partageant une pomme, qui représente la passion.

« Pichones »

Oscar PINEDA

PanamaPanama

Les Kunas avec environ 60 000 représentants constituent le groupe indigène le plus important du Panama. Il occupe depuis le milieu du 19ème siècle une étroite bande de terre et environ 360 îles, dont 51 sont habitées.Inspirée par la faune et la flore tropicales panaméennes, l’origine des molas se trouve dans les motifs de protection traditionnelle de la peinture corporelle. Le principe essentiel d’une mola est de laisser aussi peu que possible de surfaces libres car celles-ci, selon la croyance des Kunas pourraient donner asile à des esprits maléfiques. Ainsi les molas servent souvent de "livres d'histoire vivante" où des plantes thérapeutiques et des motifs de protection sont représentés au moyen d'une symbolique cachée et où des légendes et contes sont racontés. Les couleurs basiques typiques d'une mola qui sont le rouge bordeaux, le orange et le noir, reprennent aujourd'hui encore les couleurs végétales autrefois utilisées pour la peinture corporelle. Réalisé entièrement à la main par les femmes indiennes, le Mola désigne les rectangles de tissus qui ornent à l’origine les blouses de l’habit traditionnel féminin et même quelques robes des designers internationaux comme la française Hélène Breebaart. La création d’une Mola représente des dizaines d’heures de travail manuel minutieux et seules quelques artistes sont capables d’exécuter des Molas de grande valeur sur lesquels elles travaillent parfois plusieurs mois.

En ce qui concerne ces deux sacs, l’un d’eux est fait de fil de henequen et l’autre de toile de coton « manta sucia » avec les Molas propres à la faune panaméenne. Ces Molas sont faits à la main par les Kunas indigènes de la région de San Blas au Panama.

Sacs avec Molas des Kunas

- SACS -


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Né en 1962 au Portugal, Carlos Casteleira vit et travaille actuellement à Aix-en-Provence. Il a suivi une formation d’optique instrumentale ainsi qu’une formation de photographie à la Faculté de Saint-Charles. Il est diplômé de l’École Nationale de Photographie d’Arles.Ses sources d’inspiration sont centrées autour des missions photographiques de l’organisme américain de la «Farm security administration » avec Walker Evans ou encore de la « Délégation à l’aménagement du territoire et à l’action régionale » (DATAR). La relation entre l’homme, son habitat et son milieu ainsi que les relations rurales et urbaines, locales et globales, l’intéressent particulièrement.

Ces images ont été réalisées lors d’un programme Erasmus avec des étudiants de l’Ecole d’Art d’Aix-en-Provence, en partenariat avec la Faculté des Beaux-Arts d’Aix-en-Provence, ainsi que de l’Université d’Architecture de Porto. Elles appartiennent à la série « Porto, Lisbonne et le Portugal ». La coopérative des tailleurs de pierre fondée en 1914 est notamment reconnue pour sa tour emblématique, située tout près du point culminant de la ville, le Mont Tadeu, qui sert aujourd’hui encore à alimenter une partie de la ville en eau. Ces images ont été prises sur l’axe de la Rue da Alegria avec une technique d’impression au jet d’encre.

www.identitesnouvelles.comFacebook : carlos.casteleira

Instagram : casteleira

« Tour des Tailleurs de Pierre / Monte Tadeu »

Carlos CASTELEIRA

Portugal

- PHOTOGRAPHIE -- PEINTURE -

Né en 1944 aux Pays-Bas, Wouter Stips est un peintre graphique et sculpteur. Il étudie à l’académie des Beaux-Arts de Rotterdam et partage l’esprit et l’énergie des artistes Cobra, tels que Corneille, Appel ou encore Lucebert. Ses œuvres sont acquises par des « collectionneurs Cobra » à travers le monde. Son style unique se définit par ses couleurs vives et ses rêves d’enfant. Dans ses œuvres, Stips saisit chaque occasion pour manifester ses idées sur un support qui lui plaît, qui met sa créativité en éveil et il continue avec des lithographies, des sérigraphies mais aussi avec de la musique. Cinéaste réputé et directeur à la télévision, il s’est réorienté pour redevenir artiste peintre, écrivain et sculpteur à plein temps, un retour sans hésitation à ses racines. En 2004, il est récompensé par le prix de la Reine Béatrice.

Cette œuvre est une sérigraphie créée en Espagne illustrant un livre de poésie de l’artiste.

www.stipsgallery.nl

« Le Chat et Moi – de toi à moi »

Wouter STIPS

Pays-Bas

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Roumanie

Sonia ANCA

Sonia ANCA, de nationalité française, est née en 1968 à Bucarest en Roumanie.Elle est dessinatrice, peintre et sculpteur. C’est une ancienne élève de l’école Nicolae-Tonitza, de l’Académie des Beaux-Arts de Bucarest et de la Villa Arson de Nice. En 1993, elle fonde à Grasse l‘Académie supérieure des Beaux-Arts « Anca-Sonia » dont elle est la directrice artistique et pédagogique. La « préhistoire contemporaine » est son thème de prédilection, décliné sous plusieurs aspects et techniques.Cette œuvre représente un cheval, animal auquel l’artiste attache une certaine importance par sa puissance, sa noblesse et sa fragilité, symbolisant l’équilibre. Domestiqué par l’homme depuis la nuit des temps, il l’a accompagné comme témoin intemporel dans cette continuité qu’est la préhistoire contemporaine.

www.anca-sonia.comFacebook : Anca Sonia, fondatrice et directrice de l ‘École des Beaux-arts

Ces flûtes proviennent de la zone de Sibiu, plus précisément des villages situés au pied des Carpates.

Cette zone est connue pour son fort attachement à la culture traditionnelle qui permet ainsi de perpétuer les techniques et connaissances artisanales.

« Mouvement »

- ARTISANAT -- PEINTURE -

Collection privée Iuliu Adrian HANZU

« Flûtes traditionnelles »

- PEINTURE -

Née à Prague, Iveta Dušková vit et travaille à Marseille. Après avoir étudié dans une école de graphisme et à l’Académie des Beaux-Arts de Prague, elle poursuit ses études à Aix-en-Provence avec une formation de graphisme par l’informatique. Elle place sa pratique artistique autour des interrogations sur la mémoire et l’identité. Elle porte un intérêt particulier à l’expérience vécue par un individu qui, influencé, par la mémoire familiale, le lieu et l’enfance, peut déterminer la compréhension, les émotions et le ressenti dans son propre corps. Elle s’intéresse aussi au paradoxe entre être et paraître dans le temps et l’espace, par conséquent la notion du temps est toujours présente. Son travail a pour objectif d’engager un dialogue avec le spectateur afin d’élargir le territoire sensible de chacun.

Ces images ont été travaillées après digitalisation de sa propre voix. Elle considère la pierre comme le porteur de mémoire, une empreinte de l’émotion ressentie et pour la partager, elle accompagne la sculpture en pierre de la vidéo ou du son qui donne un mélange de nouvelles technologies avec la sculpture classique.

Mail : [email protected] site : ivetaduskova.wix.com

Iveta DUŠKOVÁ

République Tchèque

« Expériences sonores n°1 à n°6 »

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São Tomé et Principe

Né le 15 septembre 1973, Eduardo Male plasticien (peinture et sculpture) vit et travaille à São Tomé. Il a étudié les arts plastiques à l’école supérieure d'Art et de Design de Leiria au Portugal. Il travaille les végétaux, en particulier la feuille de bananier. Il s’intéresse désormais à une autre matière, le fer, qu'il sculpte en 3D pour reproduire les insectes et oiseaux qui peuplent la riche forêt santoméenne. Il expose ses œuvres en France et à l'étranger notamment au Portugal, aux Pays-Bas, en Espagne, au Mozambique, en Angola et à São Tomé. Il est l'un des artistes contemporains les plus prolifiques de São Tomé. Clin d’œil à Marseille 2017, Capitale Européenne du Sport, Eduardo Male a réalisé "Sveltes silhouettes" pour évoquer la variété et l'universalité du sport.

www.eduardomale.com

Natif du sud de São Tomé, Anilson Neto est un artiste autodidacte qui s'est inspiré très tôt de la vie locale pour sculpter dans le bois de cidrela les scènes traditionnelles, principalement les fêtes votives au cours desquelles musique et danse rapprochent les générations.

« Sveltes silhouettes »

Eduardo MALE- PEINTURE - - SCULPTURE -

Anilson NETO

« Puita, la fête au village »

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Russie

Née en 1964 à Moscou, Paulina Koulik vit et travaille entre Marseille et Moscou. Elle fait ses études à l’institut polygamique de Moscou où elle est diplômée en Beaux-Arts. Elle participe à plusieurs expositions internationales notamment à Moscou, Bruxelles et Munich. Elle pratique la danse pendant plus de 10 ans ce qui lui a inspiré cette installation basée sur le tango argentin. À ce titre, le choix de cette musique et de cette danse était une évidence : les romances russes sont reconnues pour être très sentimentales et les paroles décrivent la rencontre, le bal, les rêves d’amour, le mystère, la fascination…Composée sous forme de valse, la musique du tango argentin est parfaitement adaptée aux danseurs. Pour Paulina Koulik, le tango argentin est la plus sensuelle des danses, suggérant à la fois une rencontre, la sensualité mais aussi les émotions. Son objectif est de montrer l’aspect de la relation non seulement entre l’homme et la femme, mais surtout entre un individu et la société, en observant chacun de ses membres.

Dans la tradition russe, la petite fille aidait sa mère dans les travaux du quotidien et apprenait à coudre et à broder. Très tôt, elle est exemptée de la plupart de ces travaux et se met à préparer sa dot de mariage (nappes et serviettes).L’objectif de ce geste est de montrer son savoir-faire, demander et prouver du respect au sein de sa nouvelle famille.

Cette nappe en lin brodée de fil d’or est une dot de mariée du 18ème siècle, ayant servi à la cour de la tsarine.

« Parmi le bal tumultueux »

Paulina KOULIK- ARTISANAT D’ART -- INSTALLATION VIDEO -

Collection privée

Nappe lin brodée fil d’or (dot de mariée)

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Née en 1942 à Toronto au Canada, Catherine Schmid achève ses études par l’obtention du diplôme « Bachelor of Arts » de l’Université de Toronto. Elle commence alors une carrière d’enseignante. Elle voyage beaucoup pour faire de la peinture et expose ses tableaux dans de nombreux pays tels que l’Italie, l’Allemagne, la Suisse ou encore l’Indonésie. En effet, le Cross Cultural Institute à Jakarta a monté une exposition de ses dessins et de ses peintures appelée « Indonésie : la première impression d’une artiste canadienne ».« Au-delà des limites » est une œuvre faisant partie de la série « Espace fragmenté ». Inspirée de l’architecture moderne et de la division des espaces, sa démarche est structurée et analytique. Cependant, le message vient de l’imagination et revêt une dimension psychologique. Elle utilise la technique de l’acrylique sur toile dont plusieurs couches sont peintes avec des pinceaux en mousse mais aussi la technique « hard edge » caractérisée par de grandes lignes droites. Les lignes très fines sont grattées dans le noir avec un bâton de bambou.

www.artistepeintre-catherineschmid.com

« Au delà des limites »

Catherine SCHMID

Suisse

- PEINTURE -

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Slovaquie

Peter ZUPNIK

Né à Levoča en Slovaquie en 1961, Peter Zupnik étudie la photographie appliquée à l’École secondaire des arts et métiers de Košice dans les années 1976-80. De 1981 à 1986, il poursuit des études supérieures de photographie artistique à l’université FAMU de Prague. Depuis 1987, il bénéficie du statut de photographe indépendant. En 1995, il quitte Prague pour Paris. Ses photographies ont été exposées dans les galeries du monde entier. Ses œuvres figurent dans les nombreuses collections publiques : Maison Européenne de la Photographie, Centre Georges Pompidou, Fond National d’Art Contemporain, Musée de l’Élysée à Lausanne et dans d’autres institutions et collections privées.

« La photographie arrête le temps et les choses ordinaires se transforment toutes seules en échappant à la réalité, c’est notre imaginaire qui les modèle, il suffit de leur donner un regard attentif. ».

www.zupnik.eu

Né en 1968, Juraj Šerík est diplômé de l’École Secondaire d’Apprentis en Ingénierie Mécanique. Après avoir terminé ses études, il débute dans la vie professionnelle en tant que mécanicien puis il travaille comme artisan. Il est l’arrière petit-fils et petit-fils des célèbres maîtres-rétameurs slovaques Jozef Holanik-Bakeľ et Jakub Šerik.Il apprend le métier de rétameur au début des années 1980 auprès de son grand-père et commence à travailler indépendamment le fil de fer à partir de 2002. Il crée alors un atelier de production d’objets en fil de fer.

Il continue la production d’articles de luxe, fonctionnels et décoratifs, fabriqués en fil de cuivre, tissés selon des techniques de vannerie qui rappellent celles de la dentelle.

« Les Aliens 1 et 2 »

- ARTISANAT D’ART -

Juraj SERIK Collection de l'Ambassade

« Le Coeur de Kysuce »

- PHOTOGRAPHIE -

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Tunisie Tunisie

Omar DRIDI

Omar Dridi est un artiste peintre tunisien né en 1995 à Beja .Il participe régulièrement à de nombreuses expositions : l'une des premières a été organisée en 2010 à la Maison de la culture Ammar Farhat. Omar Dridi est un peintre autodidacte et n'a jamais pris de cours de peinture. Actuellement il encadre des jeunes pour les initier à la peinture.Il aime voyager et découvrir de nouvelles cultures. Très influencé par l’héritage du grand peintre tunisien Ammar Farhat, qui est lui-même autodidacte, ce jeune créateur, riche du patrimoine tunisien et amazigh, est particulièrement sensible à l'architecture de la vieille ville. A travers les arts de l'artisanat tunisien et de sa propre palette, il communique sur la beauté de son pays. Il est membre actif de l’Union des Artistes Plasticiens Tunisiens.

https://www.facebook.com/omar. BlackchrisInstagram : dridi1150

Nourdine BOUZIDI est un artisan tunisien né le 2 avril 1965 à Jendouba, une ville du Nord-Ouest de la Tunisie.

Il s’est spécialisé dans les métiers du bois et les objets d’ornement. Son œuvre « Charrue en bois » est inspirée du labour de la terre : une technique de travail du sol , ou plus précisément de la couche arable d'un champ cultivé, utilisant autrefois les animaux comme locomotives.

De nos jours, avec la mécanisation, la charrue en bois devient un élément de décoration et un objet de patrimoine.

« Vaga »

Nourdine BOUZIDI

« Charrue en bois »

- PEINTURE - - SCULPTURE -

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Née en 1952 à Istanbul, Aynur Esirgen débute son parcours artistique suite à ses études aux Beaux-Arts. Elle travaille en tant qu’enseignante d’art plastique et continue parallèlement ses travaux personnels dans le domaine. Elle s’inspire principalement des paysages naturels de Turquie qu’elle a eu la chance de parcourir lors de ses voyages dans différentes régions du pays. La nature et la place de l’être humain dans la nature constituent l’ensemble de ses œuvres.Cette œuvre représente un paysage d’Istanbul au printemps qui reflète le réveil de la nature par le biais de l’arbre de Judée en floraison.

« Istanbul »

Aynur ESIRGEN

Turquie

- PEINTURE -

L’ebru est l’art traditionnel turc qui consiste à créer des motifs colorés en appliquant des pigments de couleur au goutte-à-goutte. Les dessins et les effets employés dans l’art du papier marbré sont, entre autres, des fleurs, des feuillages, des motifs ornementaux, des entrelacs, des mosquées et des lunes. Ils sont utilisés pour la décoration dans l’art traditionnel de la reliure. Les artistes, les apprentis et les praticiens de l’ebru considèrent leur art comme faisant partie intégrante de leur culture traditionnelle, de leur identité et de leur mode de vie. Cette tradition se pratique sans distinction d’âge, de sexe ou d’origine ethnique, et joue un rôle important dans l’autonomisation des femmes et l’amélioration des relations dans la communauté. L’art collectif de l’ebru encourage le dialogue à travers des échanges amicaux, renforce les liens sociaux et consolide les relations entre les individus et les communautés.

Ce tableau fait d’un mélange de couleurs représente Sainte-Sophie et la Mosquée Bleue.

« Ebru Sanati »


Turquie

- TABLEAU EN PAPIER MARBRÉ -

RemerciementsNous adressons nos remerciements les plus chaleureux à :

• Mme Françoise TIRRIBILLOT, Présidente de l'Association Amitié Provence Chine pour le prêt d'œuvres d'art issues de ses collections personnelles et de celles de l'Association Amitié Provence Chine

• L’Ambassade dÉstonie et Mme Rea RANNU-IDEON, Conseillère culturelle, Déléguée Permanente adjointe dÉstonie auprès de lÚNESCO

• La Galerie d’Art Beddington Fine Art (Bargemon, Var)

• L'Institut Culturel Hongrois de Paris en la personne de Mme Judith BARANYAI, chargée de programmation artistique

• L'Ambassade d'Equateur à Paris, pour sa collaboration active en la personne de Mme Sophie CUENCA, du service culturel

• La Mairie de Deruta et le Musée Régional de la Céramique de Deruta (Italie)

• Le Musée NORBERTO de Spello (Italie)

• Mme Tamara ANDGOULADZE, Alliance Franco-Russe

• L'Institut Culturel Slovaque de Paris et son directeur M. Dan JURKOVIC

• L’Office National de l'Artisanat, Ministère du Tourisme et de l'Artisanat de Tunisie, en la personne de Mme Ons AMMAR

• Reyfeng Institution et sa présidente Mme Jiajia WANG

Maison de l’Artisanat et des Métiers d’Art 21, Cours d’Estienne d’Orves - 13001 Marseille

04 91 54 80 54

Accès Métro 1 . Station Vieux-Port Bus 83 . Arrêt Hôtel de Ville

Plus de renseignements sur www.maisondelartisanat.org

www.marseille.fr

Entrée libre mardi à vendredi : 10h-12h / 13h-18h

samedi : 13h-18h Nocturnes jeudi : 18h-21h00 (sauf le 13 juillet 2017)

15 JUIN au 22 JUILLET - scd0ac61a53793ffa.jimcontent.com · m’imprégner de cet artisanat le plus...

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