Guide de l’enseignant -...

L’Orchestre du Centre national des Arts du Canada et le Théâtre Platypus présentent

Boris Brott, chef d’orchestre

Guide de l’enseignant De la maternelle à la 6e année

Table des matières

Illustration : Marc Audet

Guide de l’enseignant Émilie à la rescousse de l’orchestre 2

Message aux enseignants 3

À propos de ce guide 4

Attente du curriculum 5

Programme du concert 9

Notes de programme 10 Johann Pachelbel Canon de Pachelbel Gioachino Antonio Rossini

Ouverture de Guillaume Tell de Rossini Ludwig van Beethoven

Symphonies nºs 6 « Pastorale » et 9 « Choral » de Beethoven Piotr Ilitch Tchaïkovski Casse-noisette, opus 71: Danse russe (Trepak ) de Tchaïkovski Antonin Dvořák Danse slave nº 1 en do majeur, opus 46 de Dvořák Edvard Grieg Suite nº 1 « Peer Gynt », opus 46 de Grieg Paul Abraham Dukas et La Péri : Fanfare Aram Khachatourian Dmitry Borissovich Kabalevski Komedianti (Les Comédiesn), opus 26 de Kabalevski

Activités connexes 15

Artsvivants.ca 21

Guide d’audition 22

Bibliographie des ressources disponibles à la Bibliothèque publique d’Ottawa 23

FRISE CHRONOLOGIQUE de la boîteàmusiqueCNA.ca 26

Le Centre national des Arts et les vedettes 27 Le Centre national des Arts du Canada L’Orchestre du Centre national des Arts Boris Brott, chef d’orchestre Théâtre Platypus Peter Duschenes, auteur et comédien Danielle Desormeaux, comédienne

De quoi se compose l’Orchestre du CNA? 32

Disposition de l’Orchestre du CNA 35

À savoir avant votre visite 36

Autres guides de l’enseignant de l’Orchestre du CNA 37

La Fiducie nationale pour la jeunesse et l’éducation, qui célèbre ses dix ans cette année, est soutenue par Astral Radio, la Financière Sun Life, Michael Potter,

le partenaire fondateur TELUS, les amis et spectateurs du Gala annuel du CNA, ainsi que les membres du Club des entreprises et du Cercle des donateurs de la Fondation du CNA.

Message aux enseignants


Pinchas Zukerman Directeur musical, Orchestre du Centre national des Arts

À mes collègues éducateurs,

Le rôle de l’éducation musicale n’a jamais été aussi primordial qu’aujourd’hui pour assurer l’avenir du Canada comme société innovatrice axée sur la créativité.

Votre Orchestre du Centre national des Arts est fier de compter dans ses rangs de nombreux musiciens parmi les plus talentueux au Canada, qui partagent tous avec le même enthousiasme ma conviction que la musique a le pouvoir d’enrichir la vie des jeunes. Je vous invite à amener vos élèves à la salle Southam du Centre national des Arts pour vivre l’expérience de concerts donnés par l’un des meilleurs orchestres du monde sous la direction de notre premier chef des concerts Pops Jack Everly, ainsi que des maestros Boris Brott et Alain Trudel.

Cette année encore, nous vous proposons trois concerts – destinés aux élèves de tous les niveaux – qui s’inscrivent parfaitement dans le programme d’éducation musicale de l’Ontario et du Québec. Les enfants de l’ensemble du primaire découvriront les instruments de l’orchestre dans le programme Émilie à la rescousse de l’orchestre mettant en vedette le Théâtre

Platypus, et les élèves de la 4e année à la 8e année (2e secondaire) en apprendront sur la vie, l’époque et l’œuvre du grand compositeur Jean-Sébastien Bach dans une toute nouvelle production du CNA intitulée A-BACH-cadabra! placée sous le thème de l’Halloween. Le programme Rodgers et Hammerstein au cinéma, destiné quant à lui aux élèves du secondaire, mettra en lumière les liens entre la musique orchestrale et le cinéma d’Hollywood. Nous sommes également heureux d’offrir des guides d’accompagnement complets qui vous aideront à préparer vos classes à assister aux matinées.

J’espère que les programmes que nous avons créés pour vous et vos élèves pour l’année scolaire 2011-2012 vous plairont, et je vous remercie d’intégrer la musique à votre programme d’enseignement.

Cordiales salutations,

À propos de ce guide


Renseignements généraux :

Tél. : 613-947-7000 x390 / Téléc. : 613-992-5225 / Courriel : [email protected]

www.cna-nac.ca

Nous avons conçu ce guide de l’enseignant pour vous présenter le programme du concert. Vous y trouverez :

les notes de programme expliquant les œuvres que vous entendrez au concert;

les notices biographiques du chef d’orchestre et des artistes, et une fiche d’information sur l’Orchestre du CNA;

une liste d’activités pédagogiques à faire en classe avec vos élèves

Nous espérons que ce guide de l’enseignant vous aidera à bien préparer vos élèves afin qu’ils profitent pleinement du concert. Nous vous proposons des activités pédagogiques de différents degrés de difficulté. À vous de choisir en fonction du niveau auquel vous enseignez. Si vous avez des commentaires ou des questions au sujet du concert, n’hésitez pas à nous écrire à l’adresse suivante : [email protected]. Au plaisir de vous voir au CNA!

Pour obtenir de plus amples détails sur l’éducation musicale au CNA, communiquez avec nous :

L’Orchestre du Centre national des Arts du Canada

mailto:[email protected]

Attente du curriculum


Les documents Programme d’apprentissage à temps plein du jardin d’enfants et Éducation artistique liés au programme d’enseignement (« curriculum ») de l’Ontario énoncent les attentes générales et spécifiques associées à chaque classe. Les possibilités d’écoute et de réponse aux enregistrements et aux prestations musicales en direct sont aussi abordées. (NOTA : Sauf indication contraire, les attentes ci-après sont adaptées du curriculum anglais de l’Ontario – The Arts.)

Jardin d’enfants : Les galeries d’art, théâtres, musées et salles de concert (si possible) constituent des environnements enrichissants pour des sorties, et pour explorer la collectivité locale et ses ressources.

1re - 3e année : Aux premiers cycles du primaire, les élèves s’initient aux éléments de la musique par le chant et l’écoute, et en bougeant sur un éventail de chansons, de rythmes et de chants. Leurs expériences doivent inclure un assortiment très varié de musiques enregistrées et en direct (…) et ils doivent se familiariser avec l’étiquette dans une salle de concert.

4e - 6e année : Les élèves de la 4e à la 6e année se concentrent sur le développement de leurs capacités de lecture de la notation musicale et sur la mise en application de leur connaissance des éléments de la musique par l’interprétation (en chantant, en bougeant, en jouant d’un instrument), la création et l’écoute (…) et apprennent à formuler une pensée critique sur la musique qu’ils entendent.

Les activités d’apprentissage du présent guide amèneront les élèves à développer leur connaissance des notions de base/éléments de la musique, ainsi que leurs habiletés telles qu’elles sont décrites dans les attentes pour chaque classe, selon la façon dont lesdites activités seront utilisées en préparation et en réponse au concert.

Activités d’écoute : Les élements de musique (page 20)

Attentes générales et spécifiques pour le jardin d’enfants M2. Démontrer des connaissances et habiletés fondamentales acquises par l’exposition à la musique et aux activités musicales; M2.1 Explorer différents éléments de la musique (par ex. le rythme, le timbre, la vitesse, le volume). M4. Exprimer des réponses à différentes formes de musique, y compris les musiques d’autres cultures; M4.1 Exprimer des réponses à la musique en bougeant, en établissant des liens avec leurs propres expériences ou

en parlant de la forme musicale. Notions de base — Orienter l’écoute vers l’exploration des notions de base et des éléments de la musique tels qu’ils sont introduits de la 1re à la 6e année. Attentes générales et spécifiques de la 1re à la 6e année C2. Analyse et appréciation : mettre en application le processus d’analyse critique (Éducation artistique, pages 18-19) pour communiquer leurs impressions, leurs idées et leurs conclusions en réponse à différentes musiques et expériences musicales; 1re année : C2.1 Exprimer, sous différentes formes, leurs réactions initiales et leurs réponses personnelles à des prestations

musicales. C2.2 Décrire les façons dont les éléments de la musique sont utilisés à différentes fins dans la musique qu’ils

jouent, écoutent et créent. 2e année : C2.1 Exprimer, sous différentes formes, leurs réponses personnelles à des prestations musicales. C2.2 Décrire les façons dont les éléments de la musique sont utilisés à différentes fins dans la musique qu’ils

jouent, écoutent et créent. 3e année : C2.1 Exprimer, sous différentes formes, leurs réponses personnelles à des prestations musicales. C2.2 Décrire les façons dont les éléments de la musique sont utilisés dans la musique qu’ils jouent, écoutent et

créent. 4e, 5e et 6e année : C2.1 Exprimer en détail, sous différentes formes, leurs réponses personnelles à des prestations musicales. C2.2 Identifier les éléments utilisés dans la musique qu’ils jouent, écoutent et créent, et décrire de quelle façon ils

sont employés.


Définitions : symphonie, mouvement, concerto, sonate (page 14) Ces termes décrivent les formes de la musique que les élèves entendront au concert. Bien que les concepts de « symphonie, mouvement, concerto et sonate » ne figurent pas parmi les « notions de base » identifiées pour la 1re à la 6e année en musique, les élèves sont priés de décrire la musique qu’ils entendent en utilisant le processus d’analyse critique (Les Arts, attente D2 : Analyse et appréciation). Le continuum de l’élément « forme » est décliné ci-dessous; les élèves sont ensuite amenés à identifier et à décrire, selon leur classe, en quoi les phrases, sections ou mouvements sont identiques, semblables ou différents. Les élèves décrivent aussi la musique à l’aide des autres éléments de la musique identifiés comme « notions de base » pour chaque classe. Notion de base « FORME » : 1re année • forme : phrase, appel et réponse 2e année • forme : phrase, forme binaire (AB), simple – couplet et refrain 3e année • forme : section, forme ternaire (ABA) 4e année • forme : couplet et refrain; pièce comportant une introduction ou une coda; reprises simples 5e année • forme : compositions en quatre sections ou plus (par ex., AABA, ABAC [alternance entre un refrain, A, et des improvisations, B et C], rondo [par ex., ABACADA]) 6e année • forme : thème et variations; reprises (par ex., première et deuxième conclusions) L’exploration des termes « symphonie, mouvement, concerto et sonate » se fera dans le cadre des attentes C3 et C3.2 pour les élèves de la 1re à la 6e année alors qu’ils compareront les différents aspects des compositions musicales, les compositeurs et leur contexte historique à l’aide des « Notes de programme » du guide. C3. Exploration des formes et des contextes culturels : Démontrer une compréhension de différents genres et styles musicaux d’hier et d’aujourd’hui, e de leurs contextes socioculturels et historiques. 1re, 2e et 3e année : C3.2 Identifier, par l’interprétation ou l’écoute, une variété de formes musicales associées à des collectivités, des

époques et des lieux différents. 4e année : C3.2 Démontrer, dans l’écoute, une sensibilité aux caractéristiques des formes et des traditions musicales associées

à des collectivités, des époques et des lieux différents. 5e année : C3.2 Comparer certains aspects de la musique d’une culture ou d’une période historique donnée avec les aspects

correspondants de la musique d’une autre culture ou période historique (par ex., comparer des caractéristiques choisies des musiques de l’ère baroque et de la période classique, en utilisant un diagramme de Venn; rédiger un compte-rendu sur la musique d’une autre société, en comparant cette musique avec une autre qui leur est plus familière).

6e année : C3.2 Comparer certains aspects de la musique d’une culture ou d’une période historique donnée avec les aspects

correspondants de la musique d’une autre culture ou période historique (par ex., comparer des caractéristiques choisies des musiques de l’ère baroque et de la période classique, en utilisant un diagramme de Venn; rédiger un compte-rendu sur la musique d’une autre société, en comparant cette musique avec une autre qui leur est plus familière).

Histoires en musique (page 15)

Attentes générales et spécifiques pour le jardin d’enfants M4. Exprimer des réponses à différentes formes de musique, y compris les musiques d’autres cultures; M4.1 Exprimer des réponses à la musique en bougeant, en établissant des liens avec leurs propres expériences ou

en parlant de la forme musicale.


Attentes générales et spécifiques de la 1re à la 6e année C2. Analyse et appréciation : mettre en application le processus d’analyse critique (Éducation artistique, pages 18-19) pour communiquer leurs impressions, leurs idées et leurs conclusions en réponse à différentes musiques et expériences musicales; 1re année : C2.1 Exprimer, sous différentes formes, leurs réactions initiales et leurs réponses personnelles à des prestations





sont employés.

Chaises musicales (page 15); Les instruments et leur famille (page 16) Ces deux activités visent à développer la compréhension de la notion de base « timbre »; la classification des instruments de l’orchestre en termes de matériaux, de fabrication et de qualité sonore. Notion de base « TIMBRE » : 1re année • timbre : qualité de la voix (par ex., voix parlante, voix chantante), percussions corporelles, qualité sonore des instruments (par ex., percussions à sons déterminés et indéterminés), sons environnementaux et sons « trouvés ». 2e année • timbre : classification des instruments par l’écoute de leur sonorité (par ex., les vents [bois, cuivres], les cordes, les instruments électroniques, les membranophones, les percussions à hauteurs de sons définies). 3e année • timbre : classification des instruments par mode de production des sons (par ex., produisant des sons en les frottant, en les frappant, en les agitant, en soufflant). 4e année • timbre : homogénéité sonore des instruments d’un ensemble (par ex., les instruments de l’orchestre ou d’un autre type de formation, pris individuellement). 5e année • timbre : couleur sonore à des fins particulières (par ex., utilisation de trompettes pour une fanfare, de flûtes pour évoquer des chants d’oiseaux, de divers instruments pour produire des climats particuliers). 6e année • (passage en revue des notions de « timbre » acquises en 5e année).

L’Étiquette à observer durant le concert (page 20)




Attentes générales et spécifiques de la 1re à la 6e année C2. Analyse et appréciation : mettre en application le processus d’analyse critique (Éducation artistique, pages 18-19) pour communiquer leurs impressions, leurs idées et leurs conclusions en réponse à différentes musiques et expériences musicales; 1re, 2e, 3e, 4e et 5e année : C2.3 Identifier, avec exemples à l’appui, leurs forces et leurs faiblesses comme interprètes, créateurs et auditeurs

de musique. 6e année : C2.3 Identifier, avec exemples à l’appui, leurs forces et leurs faiblesses comme compositeurs, interprètes, créateurs

et auditeurs de musique.

En forme avec l’orchestre! (page 21)



Attentes générales et spécifiques de la 1re à la 6e année C2. Analyse et appréciation : mettre en application le processus d’analyse critique (Éducation artistique, pages 18-19) pour communiquer leurs impressions, leurs idées et leurs conclusions en réponse à différentes musiques et expériences musicales; 1re année : C2.1 Exprimer, sous différentes formes, leurs réactions initiales et leurs réponses personnelles à des prestations





sont employés.

Programme du concert

TCHAÏKOVSKI Casse‐Noisette, opus 71 « Danse russe » (Trepak)

BEETHOVEN Symphonie nº 6 en fa majeur, opus 68 « Pastorale » IV. Allegro V. Allegretto

BEETHOVEN Symphonie nº 9 en ré mineur, opus 125 « Choral » IV. Finale : Hymne à la joie

DUSCHENES, MARIO Organized Chaos

KABALEVSKI Komedianti (Les Comédiens), opus 26 II. Galop : Presto

KHACHATOURIAN Suite Gayane nº 2 VI. La danse du sabre

GRIEG Suite nº 1 « Peer Gynt », opus 46 I. Le matin

DUKAS La Péri : Fanfare

ROSSINI Ouverture de Guillaume Tell

PACHELBEL Canon

DVORÁK Danse slave nº 1 en do majeur, opus 46

(sous réserve de modifications)

Orchestre du Centre national des Arts du Canada

Boris Brott, chef d’orchestre

EN VEDETTE : Théâtre Platypus

Peter Duschenes, auteur et comédien Danielle Desormeaux, comédienne

Œuvres au programme de cette matinée scolaire :

Dates : Le mardi 8 mai 2012 de 10 h à 11 h (anglais) de 12 h 30 à 13 h 30 (anglais) Le mercredi 9 mai 2012 de 10 h à 11 h (français) Lieu : Salle Southam, Centre national des Arts Durée : Environ 60 minutes, sans entracte

Une incroyable aventure commence quand Émilie, une fillette de dix ans, assiste à une prestation de la Neuvième symphonie de Beethoven. Hypnotisée par la beauté de la musique, elle est attirée sur scène. Mais son audace lui vaut de sérieux ennuis quand elle est confrontée au monstre Cacophonius, maître des ténèbres et du bruit. Émilie doit vaincre la bête pour sauver la musique et l’orchestre. Salué comme une « production saisissante », ce concert théâtral explore le rythme, la mélodie et l’harmonie à travers la musique des plus grands compositeurs.


Johann Pachelbel (1653-1706) L’organiste et compositeur allemand Johann Pachelbel était l’un des plus importants musiciens de la tradition baroque en Allemagne, laquelle allait atteindre son apogée avec l’avènement de J.-S. Bach. Né à Nuremberg, il a été admis à l’université d’Altdorf à quinze ans, mais a dû quitter l’institution peu après, faute d’argent. De 1670 à 1672, il a étudié au Gymnasium Poeticum de Ratisbonne, où il a eu pour mentor Kaspar Prentz, qui l’a initié à la musique italienne de son temps. Pachelbel n’a pas tardé à s’imposer comme l’un des plus grands organistes d’Allemagne. Après avoir servi à la cathédrale Saint-Étienne de Vienne (1673–1677), il est devenu organiste de la cour d’Eisenach (1677–1678). Il a ensuite occupé différents postes avant de rentrer à Nuremberg en 1695, où il a fini ses jours (ses funérailles ont eu lieu le 9 mars 1706).

Canon de Pachelbel Même s’il ne s’agit pas tout à fait d’un canon, cette pièce est construite sur un motif de basse qui se répète du début à la fin. La texture musicale gagne en complexité à mesure que s’enchaînent les parties, mais après avoir atteint son point culminant, le morceau se conclut de façon relativement calme.

Nul compositeur de son temps n’a joui d’un succès comparable à celui de Rossini. Il a acquis de son vivant un prestige, une richesse, une popularité, une influence dont ne pouvaient que rêver ses pairs. Ce compositeur italien est célèbre pour ses opéras, dont beaucoup sont encore régulièrement interprétés partout dans le monde. Il en a écrit de deux types : buffa (comiques) et seria (sérieux).

Gioachino Antonio Rossini (1792-1868)

Ouverture de Guillaume Tell de Rossini

Cet opéra est le dernier qu’ait composé Rossini. Tous les amateurs de dessins animés reconnaîtront immédiatement cette musique. Des images de cow-boys et du Far West viendront à l’esprit de tous, jeunes ou moins jeunes. Sa haute énergie finale est particulièrement familier par son utilisation dans la radio et la télévision Américaine selon The Lone Ranger. La Finale est un ultra-dynamique "charge de cavalerie" galop annoncée par cornes et des trompettes, et est joué par le grand orchestre.


Notes de programme

Ludwig van Beethoven (1770-1827)

Beethoven a écrit neuf symphonies. Une symphonie est une œuvre pour un grand ensemble d’instruments (un orchestre), qui comporte (habituellement) quatre parties, appelées « mouvements », et dont la forme obéit généralement à certaines règles bien précises. Beethoven adorait se promener dans les bois et les champs en périphérie de Vienne, et il a traduit cet amour de la nature dans l’une de ses plus grandes symphonies, la Sixième, écrite en 1808. Cependant, comme nous le savons tous, le calme et la beauté de la nature sont quelquefois perturbés par des orages effrayants. L’un des mouvements de la Sixième symphonie (le quatrième) dépeint un tel orage en musique. On entend tomber les premières gouttes de pluie, puis le tonnerre qui se rapproche, le vent qui se lève et, finalement, les torrents d’eau qui tombent du ciel. Les tambours, les trombones et le piccolo (une petite flûte au son très aigu) ajoutent encore plus de force à cette puissante musique.

Ludwig van Beethoven, l’un des trois ou quatre compositeurs les plus célèbres de l’histoire de la musique, est né en Allemagne mais a passé la majeure partie de sa vie à Vienne, la capitale de l’Autriche. On dit souvent de Beethoven qu’il était un « titan », parce qu’il possédait une personnalité si forte qu’il a pu imposer au monde sa propre façon de faire, au lieu de se plier aux règles que chacun suivait. Jusqu’à l’époque de Beethoven, les compositeurs étaient traités comme des domestiques. Beethoven a amené le monde à considérer les compositeurs comme des personnes hors du commun, qui méritent tout notre respect et notre admiration pour le travail difficile qu’ils accomplissent.

Téléchargez le guide de l’enseignement « Initiation à Beethoven »

sur le site Artsvivants.ca (volet Musique) (voir Ressources, Ressources pour enseignants) plus amples détails à propos la vie, l’époque et la musique de Beethoven!

Symphonies nºs 6 « Pastorale » et 9 « Choral » de Beethoven

La Sixième symphonie, dite la « Pastorale », prend sa source dans l’amour de la nature de Beethoven, qu’il dépeint sous la forme d’une série de tableaux musicaux. Se situant désormais à des années-lumière de la structure classique, cette symphonie est beaucoup plus longue et plus complexe. Parvenu à la Neuvième, Beethoven avait intégré dans la forme symphonique la poésie, des voix solistes et un chœur, ainsi qu’un foisonnement de contrastes des plus saisissants. À l’époque où la Neuvième a été donnée pour la première fois en public, à Vienne, en 1824, Beethoven était déjà pratiquement sourd. Malgré tout, il a tenu à diriger lui‐même l’orchestre. Mais il a continué à battre la mesure après la fin du morceau, parce qu’il n’entendait pas que l’orchestre avait cessé de jouer. L’une des sopranos est venue poser la main sur son épaule afin qu’il se retourne face au public, qui applaudissait à tout rompre. La Neuvième Symphonie de Beethoven ne cesse d’émouvoir ses auditeurs partout dans le monde. On a pu l’entendre pendant les manifestations étudiantes à Beijing (Chine) en 1989, et à l’occasion du démantèlement du mur de Berlin (Allemagne) en 1990. Cette oeuvre est devenue un symbole d’unité, d’amour du prochain, et du formidable pouvoir de la musique sur ses auditeurs, dont elle peut quelquefois changer la vie à jamais.


Le « Trepak » est l’une des danses les plus célèbres et populaires du ballet Casse-Noisette de Tchaïkovski. Cette danse folklorique russe d’origine ukrainienne, à la fois festive, jubilatoire et athlétique, est traditionnellement dansée par les hommes et comporte la fameuse prisiadka, ce pas en forme de vigoureux coup de pied lancé à partir d’une position accroupie. Dans le « Trepak » de Tchaïkovski, on entend un motif répété qui s’accélère peu à peu tout au long de la danse. En écoutant attentivement cette musique de danse, on repère aisément les moments où les danseurs font des bonds ou des pirouettes, car la musique devient soudainement plus forte ou est accentuée pour marquer ces sauts. Tchaïkovski a composé le ballet Casse-Noisette en 1891-92. Le Casse-Noisette est devenu peut-être le plus populaire de tous ballets dans le monde occidental et est effectuée principalement à l'époque de Noël.

Casse-Noisette, opus 71 : Danse russe (Trepak) de Tchaïkovski

Antonin Dvořák (1841-1904) Antonin Dvořák grandit dans une famille de musiciens dans le petit village de Nelahozevec en Bohême. À 12 ans, il joue déjà de l’orgue, du piano, de l’alto et du violon. Tout jeune, il est baigné par les rythmes et la musique folklorique inventive qui ponctuent la vie de sa région natale et qu’il intégrera plus tard dans ses compositions. À 16 ans, il entreprend des études musicales formelles à Prague et adhère à un nouveau courant appelé le nationalisme. Il se rend plus tard en Amérique où il travaille deux ans au Conservatoire national de musique de New York. Il touche annuellement 15 000 $ – salaire faramineux à l’époque – pour seulement trois heures d’enseignement quotidien pendant huit mois par année. Il retourne ensuite dans son pays, où il continue à composer pendant les dix dernières années de sa vie.

La musique nationaliste puise dans les rythmes et les chants folkloriques du pays où elle est née. Dvořák intégrait à ses compositions des mélodies et des rythmes de sa Tchécoslovaquie natale pour illustrer la beauté de la musique de son pays. (Plus tard, il s’est inspiré de la musique folklorique américaine pour composer sa Symphonie « du Nouveau Monde » signée durant ses années aux États-Unis.)

Piotr Ilitch Tchaïkovski (1840-1893) Piotr Ilitch Tchaïkovski est né dans la petite ville de Votkinsk, dans les monts Oural, en Russie. À huit ans, il a déménagé avec sa famille à Saint-Pétersbourg, la capitale. Enfant, il était déjà un excellent musicien, mais ses parents estimaient que ce n’était pas une profession « convenable », de sorte qu’il a plutôt étudié le droit. Toutefois, même à la faculté de droit, Tchaïkovski a poursuivi sa formation musicale. Plus tard, il a quitté son emploi au ministère de la Justice pour entrer au Conservatoire de Saint-Pétersbourg. Son diplôme en poche, il est parti s’établir à Moscou pour enseigner au nouveau conservatoire de la ville. Ce conservatoire existe toujours et porte aujourd’hui son nom. Fervente admiratrice de la musique de Tchaïkovski, une riche veuve du nom de Nadezhda von Meck est devenue, pendant de nombreuses années, sa bienfaitrice. Elle lui envoyait de l’argent régulièrement pour qu’il puisse se consacrer à son art sans se soucier de gagner sa vie. Étrangement, Madame von Meck se refusait à rencontrer Tchaïkovski, si bien que pendant quatorze ans, ils ont communiqué exclusivement par lettres. Tchaïkovski a dédié sa Quatrième symphonie à sa bienfaitrice.

TCHAÏKOVSKI


Le plus important compositeur norvégien de la période nationaliste romantique. Quatrième enfant d’une famille de cinq, il a reçu ses premières leçons de piano de sa mère et a commencé à composer dès l’âge de quatorze ans. À l’été de ses quinze ans est survenu un événement qui allait être déterminant pour sa carrière : un ami influent de la famille Grieg, Ole Bull, a persuadé les parents d’Edvard de l’envoyer étudier au Conservatoire de Leipzig. Là, il a eu de nombreux professeurs qui l’ont aiguillé sur la voie du succès.

Edvard Grieg (1843-1907)

De toutes les oeuvres dramatiques et vocales de Grieg, celle-ci est la plus ample et la mieux connue. Grieg a écrit cette musique sur les mots du dramaturge Henrik Ibsen. (La plupart des compositions vocales sont créées de cette façon, le compositeur écrivant de la musique sur le texte préexistant d’un auteur.) Une suite est une composition musicale dans laquelle s’enchaînent plusieurs courtes pièces qui ont un thème commun ou racontent une histoire.

Suite nº 1 « Peer Gynt », opus 46 de Grieg

Paul Abraham Dukas (1865-1935) et La Péri : Fanfare Ce compositeur, critique musical et professeur français était si exigeant envers lui-même qu’il a détruit la plupart de ses compositions, ne léguant à la postérité qu’une poignée d’œuvres qu’il jugeait à la hauteur de ses attentes. La Péri est la dernière qu’il ait publiée. Il ne l’avait écrite qu’à titre d’exercice, et ce n’est qu’à l’insistance de ses amis que le compositeur a renoncé à la détruire. La fanfare initiale a été ajoutée au tout dernier moment, et reste aujourd’hui l’un des passages les plus populaires de l’œuvre entière.

Danse slave nº 1 en do majeur, opus 46 de Dvořák Les Danses slaves de Dvořák ont marqué le début de sa renommée internationale. Elles mettent en valeur les couleurs musicales de sa patrie. Son œuvre laisse transparaître les influences de la musique folklorique, en particulier tchèque, et de quelques compositeurs antérieurs qu’il vénérait, notamment Mozart, Haydn, Beethoven et Schubert, ainsi que celle de ses contemporains Wagner et Brahms — avec lequel il s’était lié d’amitié.


Aram Khachatourian (1903-1978)

Dmitry Borissovich Kabalevski (1904-1987) Le compositeur russe Kabalevski s’est également signalé comme pianiste et comme écrivain. Au contraire de bien des compositeurs célèbres, il n’a commencé à composer que sur le tard. Son père était mathématicien, et souhaitait le voir embrasser une profession plus en rapport avec la sienne. Mais Kabalevski manifestait un tel talent de pianiste qu’il a fini par en faire une carrière et, de fil en aiguille, s’est mis aussi à la composition.

Komedianti (Les Comédiens), opus 26 de Kabalevski

Il s’agit sans doute de l’œuvre légère la plus populaire qu’ait écrite Kabalevski. La guerre a éclaté peu après, et le compositeur a participé à l’effort de guerre en écrivant un grand nombre de chansons, d’hymnes et de cantates.

Compositeur soviétique d’origine arménienne, Aram Khatchatourian a étudié au Conservatoire de Moscou. Il a laissé une oeuvre abondante; sa musique vigoureuse fait écho aux chansons folkloriques de son enfance.

Russia

Moscow


Qu’est-ce qu’un mouvement? C’est la plus longue partie d’une composition

musicale jouée de façon ininterrompue et séparée des autres mouvements par des pauses.

Qu’est-ce qu’une symphonie?

Une symphonie est une longue composition très structurée pour grand orchestre,

généralement en quatre mouvements.

Qu’est-ce qu’une sonate? Une sonate est un morceau de musique,

en trois ou quatre mouvements, écrit pour un seul instrument, ou un instrument solo avec

accompagnement de piano, par exemple la flûte ou le piano.

Qu’est-ce qu’un concerto? Un concerto est une composition musicale,

habituellement en trois mouvements, dans laquelle un instrument soliste joue une partie solo, en

« dialoguant » avec un orchestre complet.

La Machine musicale Un(e) élève se place devant la classe et amorce un geste « mécanique » en émettant un son (par exemple, l’élève plie les genoux et se redresse alternativement en répétant chaque fois « oum!… pa!… oum!… pa!… »). Tandis que l’élève continue de répéter toujours le même geste et le même son, un(e) autre élève se joint à lui ou à elle et se greffe à la machine, en créant son propre geste et son propre son. (On comprendra mieux comment se combinent les différents éléments de la musique — et l’exercice n’en sera que plus amusant! — si les gestes sont reliés entre eux, comme les engrenages et les courroies d’une mécanique bien rodée. Par exemple, si le geste du premier élève ressemble au mouvement d’un dispositif qui fait passer des objets d’un côté à l’autre de son corps, le deuxième élève peut « recevoir » ces « objets » et les lancer en l’air à mesure, le troisième peut les « attraper » et les « aplanir », et ainsi de suite…)

Activités connexes

Histoires en musique 1. Écoutez l’« Hymne à la joie » de la Neuvième symphonie de Beethoven. Demandez aux élèves de créer une histoire ou un dessin inspirés de cette musique. Que raconte la musique? Que pouvait-il se passer dans la vie de Beethoven quand il a écrit cette pièce? 2. Ouvrez un débat sur le climat d’une pièce musicale. Qu’est-ce qui fait qu’une œuvre rend un son triste ou joyeux, effrayant ou victorieux? Certains instruments ont-ils la propriété de créer un climat bien précis? Est-ce une question de rythme? De dynamique (c’est à dire de relation entre les sons)? L’emploi d’accords majeurs ou mineurs joue-t-il un rôle? Demandez aux élèves de penser à une musique qu’ils connaissent, quel qu’en soit le genre. Au-delà des mots, qu’est-ce qui nous amène à ressentir telle ou telle émotion? Comment la musique raconte-t-elle son histoire?

Chaises musicales Assurez-vous que les élèves connaissent les diverses familles de l’orchestre : cordes, vents, cuivres et percussions. Demandez-leur ensuite de constituer des groupes représentant les diverses familles musicales et placez-les dans la classe selon la disposition d’un orchestre sur scène. En vous inspirant du jeu des chaises musicales, faites un jeu sur les familles d'instruments de musique. Tant que l’on entend la musique, les élèves peuvent se déplacer librement dans les différentes sections consacrées aux diverses familles d’instruments… Lorsque la musique s’arrête, les élèves que vous désignez doivent pouvoir vous dire dans quelle famille d’instruments ils se trouvent.


IDÉE D’ACTIVITÉ Faites jouer en classe un extrait de la Danse slave nº 1, puis divisez la classe en

groupes et demandez à chacun de chorégraphier une petite danse sur cette musique, à présenter devant le reste de la classe!

Les instruments et leur famille A. Identifie l’instrument et la famille à laquelle il appartient (cordes, vents, cuivres, percussion). B. Colorie chaque instrument.

NOM : _______________________


1. Nom de l’instrument : __________________________ Famille : ___________________________





5. Nom de l’instrument: ___________________________ Famille: ___________________________





Les instruments et leur famille — Réponses


1. Instrument : cor Famille : les cuivres 2. Instrument : timbale Famille : les percussions 3. Instrument : trompette Famille : les cuivres 4. Instrument : violoncelle Famille : les cordes 5. Instrument : flûte Famille : les vents 6. Instrument : violon ou alto Famille : les cordes 7. Instrument : triangle Famille : les percussions

8. Instrument : basson Famille : les vents 9. Instrument : maracas Famille : les percussions 10. Instrument : tuba Famille : les cuivres 11. Instrument : clarinette Famille : les vents 12. Instrument : tambourin Famille : les percussions 13. Instrument : cymbales Famille : les percussions 14. Instrument : xylophone Famille : les percussions

L’Étiquette à observer durant le concert Discutez des moments où il est approprié de parler (applaudissements, entracte) et des moments où il faut se taire (quand des interprètes parlent ou jouent) lorsqu’on assiste à un spectacle en direct :

A) dans un théâtre; B) dans une salle de concert (Exemple : La salle Southam du Centre national des Arts); C) dans un stade (Exemple : Place Banque Scotia); D) dans un parc.

Décrivez en détail ce qui se passe pendant un spectacle, depuis l’arrivée dans le hall du lieu de présentation (salle de concert, théâtre, etc.). Exemple : Vous présentez votre billet, vous recevez un exemplaire du programme, le placeur vous dirige vers votre siège, l’orchestre se réchauffe sur la scène, le violon solo monte sur scène (applaudissements) et invite les autres musiciens à accorder leur instrument, le chef d’orchestre monte sur scène (applaudissements) et le concert commence…Consultez À savoir avant votre visite à la page 36.

Activités d’écoute : Les élements de musique Écoutez un enregistrement de la musique de Bach à la page 9 de ce guide et analysez-le en utilisant le guide d’audition à la page 22. Quels éléments (exemple : temps, mesure, rythme, etc.) pouvez-vous identifier? Écoutez l’enregistrement en classe, arrêtant aux moments appropriés pour identifier les éléments.

Le Monde merveilleux des sons 1. Vous pouvez créer des sons de différentes hauteurs en plaçant votre lèvre inférieure contre le goulot d’une bouteille en verre et en soufflant dans l’ouverture. Essayez de remplir plusieurs bouteilles avec différentes quantités d’eau. Pouvez-vous jouer une gamme sur les bouteilles? Pouvez-vous composer une pièce que quelqu’un d’autre pourrait jouer? Essayez de frapper les bouteilles à l’aide d’un crayon ou d’une baguette. 2. Créez une liste de sons qui vous paraissent bien aller ensemble. Tenez compte du volume (fort ou faible), du timbre, de la couleur et de la qualité sonore — comme le ferait un compositeur en choisissant ses instruments. Par exemple : bourdonnement d’une abeille vapeur d’eau à ébullition, miaulement d’un chat chants d’oiseaux, carillon éolien avion en vol, pots entrechoqués sonnette, coups frappés à la porte aspirateur, enfants qui sautent dans l’eau. 3. Faites asseoir un groupe d’élèves en cercle, le dos tourné au centre. Désignez un « chef d’orchestre » qui se placera au milieu et touchera une personne à la fois : la personne touchée doit émettre un son avec sa voix, dont la force peut varier du murmure jusqu’au cri. Les autres élèves qui tournent le dos au centre du cercle doivent essayer d’identifier la source du son. Peuvent-ils reconnaître un(e) ami(e) grâce au timbre et à la qualité de sa voix? Est-ce la même habileté qui nous permet de reconnaître la « voix » de tel ou tel instrument? Entendons-nous la même chose selon que nos yeux sont ouverts ou fermés?


En forme avec l’orchestre! Amenez votre classe au gymnase pour culbuter sur les tapis, courir en rond, sauter à la corde, faire rebondir des ballons et jouer avec les cerceaux au son de la musique. Ce sera un bon exercice, très amusant, qui aidera tout le monde à puiser de l’énergie dans la musique. Soyez attentifs aux accélérations et aux décélérations du tempo (la vitesse de la musique), et modelez‐y le rythme de vos mouvements. Encouragez les mouvements larges sur les crescendos (quand le son s’amplifie) et plus retenus sur les decrescendos (quand le son diminue).



MESURE C’est la partie de la musique qui permet de taper du pied. Les mesures les plus courantes regroupent deux, trois ou quatre battements, appelés temps. Essayez de suivre la mesure en écoutant la musique.

MÉLODIE C’est la partie de la musique qu’on peut fredonner, siffler ou chanter. On dit aussi un air. Certaines mélodies bondissantes sont difficiles à chanter, mais faciles à jouer sur un instrument comme le violon.

TEMPO C’est la vitesse d’exécution de la musique, qui peut varier du très lent au très rapide. On utilise généralement des termes italiens pour décrire le tempo : par exemple, adagio veut dire très lentement; andante, modérément; allegro, vivement; presto, très vite.

NUANCES Les nuances désignent les variations du volume sonore (fort ou bas) auquel la musique doit être jouée. Dans la musique baroque, il est fréquent que le volume varie brusquement plutôt que graduellement.

TIMBRE C’est la sonorité propre à chaque instrument. Le son aigu du violon diffère sensiblement de celui, plus grave, de l’alto et de la voix profonde du violoncelle, même si les trois jouent exactement la même note.

HARMONIE Derrière la mélodie, on peut entendre des groupes de notes appelés accords, qui ont chacun leur son propre. Ces accords peuvent se suffire à eux-mêmes ou appuyer une mélodie. Le compositeur les emploie pour créer le climat qu’il veut établir à chaque moment.

Guide d’audition

des ressources disponibles à la Bibliothèque publique d’Ottawa Préparée par Zela Eggleston

Services à la jeunesse, Bibliothèque publique d’Ottawa

Bibliographie

Cette liste des ressources est également disponible dans le site Web de la Bibliothèque publique d’Ottawa à

http://ottawa.bibliocommons.com/list/show/70643687_22950011539087/91803612_emily_saves_the_orchestra

LIVRES SUR BEETHOVEN The Mysteries of Beethoven’s Hair by Martin Russell (Book – 2009) 780.92 BEETH-M Beethoven’s World by Jennifer Viegas (Book – 2008) 780.92 B415v The 39 Apartments of Ludwig Van Beethoven by Jonah Winter (Book – 2006) WINTE Edu-Manga: Ludwig Van Beethoven by Takayuki Kanda (Book – 2006) 780.92 B415K Ludwig Van Beethoven by Eric Michael Summerer (Book – 2006) 780.92 B415sum Beethoven: Un livre Musical par Lene Mayer-Skumanz (Livre – 2007) 780.92 B415MAY

LIVRES SUR TCHAÏKOVSKI Tchaikovsky by Ann Rachlin (Book – 1993) 780.92 T249R2 Tchaïkovski par Ann Rachlin (Livre – 1994) T249R Tchaikovsky Discovers America by Esther Kalman (Book – 1994) KALMA James Mayhew Presents Ella Bella Ballerina and the Sleeping Beauty by James Mayhew (Book – 2008) MAYHE The King and I (DVD - 1999) KING

LIVRES SUR L’ORCHESTRE, LES COMPOSITEURS ET LA MUSIQUE inderella (DVD - 2002) 792.642 C574da Two Scarlet Songbirds: A Story of Anton Dvorak by Carole Lexa Schaefer (Book – 2001) SCHAE The Story of the Incredible Orchestra: An introduction to Musical Instruments and the Symphony Orchestra by Bruce Koscielniak (Book- 2000) 784.2 K86

Pour plus de renseignements, veuillez consulter le site de la Bibliothèque publique d’Ottawa à : www.biblioottawalibrary.ca


http://ottawa.bibliocommons.com/list/show/70643687_22950011539087/91803612_emily_saves_the_orchestra

http://ottawa.bibliocommons.com/item/show/295069026_the_king_and_i

http://ottawa.bibliocommons.com/item/show/284371026_cinderella









http://www.biblioottawalibrary.ca

Those Amazing Musical Instruments! Your Guide to the Orchestra through Sounds and Stories by Genevieve Helsby (Book – 2007) 784.19 H484 The Composer is Dead by Limony Snicket (Book – 2009) SNICK The Story of the Orchestra: Listen While You Learn about the Instruments, the Music, and the Composers Who Wrote the Music by Robert Levine (Book – 2001) 784.2 L665 Children’s Book of Music [an Introduction to the World’s Most Amazing Music and Its Creators] (Book – 2010) 780.9 CHILD *The Secret Lives of Great Composers: What Your Teachers Never Told You About the World’s Musical Masters by Elizabeth Lunday (Book – 2009) TEEN 780.922 L962

CD DE MUSIQUE

Beethoven’s Wig: Sing along Symphonies, Richard Perlmutter (Music CD – 2002) 780 P451b1 Beethoven’s Wig: 2 More Sing along Symphonies, Richard Perlmutter (Music CD -2004)780 P451b2 Beethoven’s Wig: 3 Many More Sing along Symphonies, Richard Perlmutter (Music CD – 2006) 780 P451b3 Beethoven’s Wig: 4 Dance along Symphonies, Richard Perlmutter (Music CD – 2008) 780 P451b4 *Symphony No. 9 “Choral”, Ludwig van Beethoven (Music CD – 2005) 782.2184 B415S9c The Best of Tchaikovsky, Peter Ilich Tchaikovsky (Music CD- 2004) 784 T249be Tchaikovsky Discovers America, Peter Ilich Tchaikovsky (Music CD – 1993)780 T429c Tchaikovsky’s Nutcracker: An Interactive Musical Adventure for Kids by Peter Ilich Tchaikovsky (Music CD – 2005) 784.21556 T249N1 Le lac des cygnes: conte musical, Peter Ilich Tchaikovsky (Musique sur disque compact – 2000) 784.21556 T249L *Pachelbel’s Canon and Other Baroque Favorites, Taverner Consort (Music CD – 2004) 780.9032 T232 *pour adultes ou adolescents





*Pachelbel: Forever by the Sea, Johann Pachelbel (Music CD – 1995) 786.741878 P116 The Kids Collection of Greatest Classics Vol. 3 (Music CD – 2002) 784.2 K46 *Greatest Hits, Gioacchino Rossini (Music CD – 2005) 784.2 R835g784.21556 T249NI784.21556 T249NI

DVD Beethoven Lives Upstairs (DVD – 2002) BEETH The Nutcracker (DVD – 1997) 792.842 N976E Rossini’s Ghost (DVD – 2002) ROSSI The Swan Lake Story: A Dance Fantasy (DVD – 2007) 792.842 S972a Fantasia (DVD – 2000) FANTA

CD-ROM ET LIVRES SUR CD Tchaïkovski pour les enfants: Caisse Noisette: Le lac des cygnes par Carole Bourgon (Livre – 2002) BOURG Tchaikovsky’s Nutcracker: The Music Game (Games and Interactive Media – 2003) 784.21556 T249NM *pour adultes ou adolescents




Écoutez gratuitement en ligne des œuvres de célèbres compositeurs canadiens et d’ailleurs dans la

FRISE CHRONOLOGIQUE de BoiteamusiqueCNA.ca

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La FRISE CHRONOLOGIQUE de BoiteamusiqueCNA.ca renferme des centaines d’enregistrements musicaux de l’ère baroque à aujourd’hui, et une mine d’information pour les enseignants, les élèves et les mélomanes. Accessible à partir du site Web primé Artsvivants.ca, la FRISE CHRONOLOGIQUE est un outil multimédia qui situe dans leur contexte les œuvres jouées par l’Orchestre du CNA sur un calendrier interactif couvrant 300 ans. Les enseignants y trouveront d’innombrables ressources : plans de leçons prêts à utiliser, liens thématiques, activités pédagogiques, exercices d’écoute et beaucoup plus!

http://BoiteamusiqueCNA.ca/



http://Artsvivants.ca/

Le Centre national des Arts et les vedettes


Inauguré officiellement le 2 juin 1969, le Centre national des Arts est l’une des grandes institutions créées par le gouvernement fédéral à l’initiative du premier ministre Lester B. Pearson pour souligner le centenaire de la Confédération. Le motif de l’hexagone a servi d’élément architectural de base pour la construction du CNA, centre par excellence des arts de la scène au Canada. Conçu par Fred Lebensold (ARCOP Design), l’un des plus grands architectes de salles de spectacle d’Amérique du Nord, l’immeuble est largement considéré comme un fleuron de l’architecture du XXe siècle. Les créateurs du CNA, quoique convaincus par la beauté et le caractère fonctionnel du complexe, estimaient qu’il ne devait pas être qu’une structure de briques et de mortier et qu’il lui fallait, selon les termes de Jean Gascon, ancien directeur du Théâtre français du CNA (1977-1983), « un cœur qui bat ». Un programme visant à exposer des œuvres d'art visuel à l’intérieur de l’immeuble a permis de réunir une des plus remarquables collections permanentes d’art contemporain canadien et international du pays. Cette collection compte quelques commandes spéciales telles que Hommage à RFK (murale) de l’artiste contemporain canadien de renommée mondiale William Ronald, Les Trois Grâces d’Ossip Zadkine, et une grande sculpture de bronze indépendante et sans titre de Charles Daudelin. En 1997, le CNA a accroché sur ses murs, grâce à la collaboration de la Banque d’œuvres d’art du Conseil des Arts du Canada, plus de 130 œuvres d’art contemporain canadien. La salle Southam, où se produit l’Orchestre du Centre national des Arts, est équipée du plus grand écran de cinéma du pays et d'un rideau de scène créé par Micheline Beauchemin. Aujourd’hui, le CNA travaille avec d’innombrables artistes du Canada et du monde entier, des plus prometteurs aux plus célèbres, et s’associe à maintes organisations artistiques de partout au pays.

Situé au cœur de la capitale nationale, en face de la place de la Confédération et à deux pas de la colline du Parlement, le Centre national des Arts compte parmi les plus grands complexes des arts de la scène au Canada. Le CNA est le seul centre multidisciplinaire bilingue des arts de la scène en Amérique du Nord, et il dispose d'une des plus grandes scènes du continent.

Centre national des Arts du Canada


L’Orchestre du Centre national des Arts du Canada récolte sans arrêt des éloges, qu’il s’agisse de tournées au Canada ou à l’étranger, d’enregistrements ou de la création de commandes d’œuvres canadiennes. L’Orchestre, placé actuellement sous la direction du célèbre chef, violoniste et altiste Pinchas Zukerman, continue d’attirer les compliments, aussi bien à l’étranger que chez lui à Ottawa où il donne plus de 100 concerts chaque année.

L’Orchestre du Centre national des Arts

L’Orchestre du CNA a été créé en 1969, en qualité d’orchestre attitré du Centre national des Arts qui venait alors d’ouvrir ses portes. Jean-Marie Beaudet en a été le premier directeur musical et Mario Bernardi, le chef fondateur (puis le directeur musical de 1971 à 1982). Ont succédé à M. Bernardi Franco Mannino (de 1982 à 1987), Gabriel Chmura (de 1987 à 1990), Trevor Pinnock (de 1991 à 1997). En avril 1998, Pinchas Zukerman était nommé directeur musical de l’Orchestre du CNA. En plus de proposer une série complète de concerts d’abonnement au Centre national des Arts pendant la saison, l’Orchestre effectue des tournées dans diverses régions du Canada et dans le monde entier. Depuis l’arrivée de Pinchas Zukerman, les activités éducatives représentent un volet extrêmement important de ces tournées. Le CNA a élaboré des guides pédagogiques qui sont distribués dans les écoles élémentaires des régions visitées par l’Orchestre et celles des autres régions du Canada. Le public a été en mesure de suivre chaque tournée sur des pages Web entièrement interactives, lesquelles sont désormais archivées sur le site Web éducatif que le CNA consacre aux arts de la scène, www.Artsvivants.ca.

Pinchas Zukerman a dirigé l’Orchestre au cours de tournées au Canada en 1999, 2002, 2004, 2005, 2006 et 2008, en Europe et en Israël en 2000, et aux États-Unis et au Mexique en 2003, proposant des activités éducatives allant des ateliers de maître aux séances de questions, en passant par les répétitions par sections d’orchestres de jeunes et les matinées scolaires. La Tournée de l’Orchestre dans l’Ouest canadien en 2008 a comporté plus de 140 activités éducatives. La Tournée de novembre 2011 de l’Orchestre au Canada atlantique a comporté 79 activités éducatives. L’Orchestre du CNA a une discographie de 40 enregistrements, dont six avec Pinchas Zukerman consacrés respectivement à Haydn, Vivaldi, Beethoven, Schubert et Mozart (deux enregistrements : un CD consacré aux quatuors avec flûte et un CD double présentant de la musique orchestrale et des quintettes à cordes). Par ailleurs, la commande d’œuvres originales à des compositeurs canadiens – 90 jusqu’ici – a toujours été un volet important du mandat du Centre national des Arts. L’Orchestre du CNA propose un certain nombre de programmes visant à encourager la connaissance et l’appréciation de la musique chez les jeunes. En plus de la très populaire série Aventures familiales TD avec l’Orchestre du CNA proposée en abonnement aux familles, l’Orchestre offre aux écoles différents moyens d’initier les élèves à la musique classique. Les Matinées scolaires, les répétitions publiques et l’émission de billets à tarif spécial pour les élèves du secondaire permettent aux jeunes de venir entendre l’Orchestre dans sa propre salle, au CNA. Par ailleurs, le programme Les Musiciens dans les écoles transporte directement la musique dans les écoles.

http://www.artsvivants.ca/

Boris Brott chef d’orchestre


Le maestro Boris Brott a commencé à jouer du violon à l'âge de trois ans et il n'avait que cinq ans lorsqu'il s'est produit pour la première fois avec l'Orchestre symphonique de Montréal. À 14 ans, il a obtenu une bourse pour étudier la direction d'orchestre et, peu de temps après, alors qu'il était encore adolescent, il a fondé l'Orchestre philharmonique des jeunes de Montréal. À 18 ans, Boris Brott est devenu chef d'orchestre adjoint de l'Orchestre symphonique de Toronto. À 24 ans, il a remporté le Concours international de direction d'orchestre Dimitri Mitropoulos à New York et est devenu l'assistant de Leonard Bernstein. Il est célèbre au Canada et au-delà des frontières pour avoir lancé pas moins de six orchestres différents et dirigé de nombreux ensembles du monde entier à titre de chef invité. Il se donne deux objectifs principaux : aider les jeunes artistes et attirer de nouveaux publics à la musique. En plus de diriger le New West Symphony à Los Angeles (Californie), dont il est le directeur musical, le maestro Brott dirige l'Orchestre de chambre McGill à Montréal. Il organise, en compagnie de sa femme Ardyth, avocate et auteure de livres pour enfants, les festivals de musique Brott qui se tiennent au printemps, en été et en automne à Hamilton (Ontario) et dont l'élément central est le National Academy Orchestra, l'école de formation nationale de musiciens d'orchestre du Canada. En 2006, il a été décoré de l’Ordre de l’Ontario.

Théâtre Platypus

Le 28 janvier 1990, à Kitchener (Ontario), un monstre de 40 pieds a fait irruption dans un concert de l’Orchestre symphonique de Kitchener-Waterloo, déclenchant une « bataille » qui mettait aux prises des marionnettes, des masques, un acteur, 45 musiciens et l’une des plus belles musiques symphoniques du monde. Le monstre et l’auditoire se sont « affrontés » pour déterminer lequel allait triompher, du bruit ou de la musique : la musique a gagné, bien sûr, et le monstre Cacopholous a été détruit. Cet événement marquait les débuts du Théâtre Platypus, une compagnie qui s’est donné pour mission de présenter de la musique classique aux jeunes auditoires dans un contexte théâtral à la fois intelligent, divertissant et participatif.

Depuis cette première prestation, le Théâtre Platypus a été encensé par les directions d’orchestres, les critiques, les enseignants, les parents et enfants d’un océan à l’autre. La compagnie a donné plus de 250 spectacles en collaboration avec au-delà de 50 orchestres, pour ne mentionner que notre bien-aimé Orchestre du Centre national des Arts et les orchestres symphoniques de Montréal, Toronto et Vancouver, Houston, Seattle et Atlanta, le Minnesota Orchestra et orchestres philharmoniques de Hong Kong et de Malaisie.

La compagnie compte plusieurs concerts symphoniques à son actif : « À la recherche du chant perdu », « Émilie à la rescousse de l’orchestre », « Bach to the Future », « Song of the Forest », « Charlotte et le marchand de musique », « A Flicker of Light on a Christmas Night » et, désormais, «Musique au clair de lune ».

« Platypus » est le nom anglais de l’ornithorynque : à l’image de cet animal tantôt terrestre et tantôt aquatique,

le Théâtre Platypus appartient à la fois au monde de la musique et à celui du théâtre.


Peter Duschenes avait 13 ans lorsque ses frères ont monté une production pour marionnettes de L’Histoire du soldat d’Igor Stravinsky. Ils ne tenaient pas tellement à la participation de leur benjamin, mais à la dernière minute, ils ont eu besoin d’une voix pour le soldat et ont appelé Peter à la rescousse! C’est ainsi qu’il s’est initié à la fois à la pratique théâtrale et à la fusion du théâtre et de la musique. Seize ans plus tard, sa maîtrise en théâtre du California Institute of the Arts en poche, Peter fondait le Théâtre Platypus avec son frère Michael, pour continuer d’associer théâtre et musique classique. Comme directeur artistique du Platypus, Peter s’est attiré les plus grands éloges pour ses présentations innovatrices de musique symphonique à de jeunes auditoires. Son habileté à animer les salles de concert en combinant théâtre et musique lui ont valu de nombreuses commandes émanant d’orchestres de partout au pays. Auteur primé, il a écrit les sept pièces symphoniques du Platypus et la pièce en un acte Lost River, qui a remporté le concours national de dramaturgie du Theatre BC en 1991. Comme acteur, il a joué pour plusieurs compagnies au Canada et aux Etats-Unis. Il a incarné récemment Richard dans Richard III de Shakespeare au Quantum Theatre de Pittsburgh, et Louis Ironson dans Angels In America au Centaur de Montréal. Peter vit à Ottawa avec son épouse, Sarah, et leurs enfants, Magda et Theo.

Peter Duschenes auteur et comédien

Danielle Desormeaux comédienne

Danielle Desormeaux est une artiste pluridisciplinaire établie à Montréal, où elle travaille comme actrice, marionnettiste, instrumentiste et chanteuse, en anglais et en français. Ses plus récentes apparitions au petit et au grand écran comprennent des rôles dans le film oscarisé Affliction, dans Stardom de Denys Arcand et dans Four Days, Lassie, Are You Afraid Of The Dark? et The War of 1812. Collaboratrice régulière de la série d’animation The Kids From Room 402, elle a aussi prêté ses talents vocaux à de nombreux dessins animés, documentaires télévisés et dramatiques radio, notamment : Arthur, The City Mouse and the Country Mouse, The Little Lulu Show, Caillou, Riopelle, The Vikings, The Ball and the Pins et A Recipe for Murder. Elle se produit régulièrement comme chanteuse et instrumentiste avec différentes formations musicales, incluant l’ensemble a cappella Out of the Mouths of Babes and Diviners, un quintette de gospel et de rythm & blues qui s’apprête à enregistrer son premier CD. Sur scène, Danielle est apparue au Centre national des Arts, à la Place des Arts, au Centaur, au Centre Saidye Bronfman, à l’Upper Canada Playhouse et à la Great Canadian Theatre Company, en plus de participer récemment à la création et à l’interprétation de MöcShplat et Ümlout, deux collectifs de Clowns Gone Bad qui ont charmé la critique.



Tous ces instruments, sauf la harpe, ont quatre cordes.

Le son est produit par le frottement de l’archet sur les cordes.

On peut aussi pincer les cordes avec les doigts; c’est ce que l’on appelle le « pizzicato » (terme italien qui signifie « pincé »).

Plus les instruments sont gros, plus leur sonorité est grave. Par exemple, le son du violon est plus aigu que celui de la contrebasse.

Chaque instrument à cordes est fait de pièces de bois collées et vernies avec soin, sans aucun clou ni vis.

SECTION DES CORDES

20 violons

6 altos (instrument un peu plus gros que le violon)

7 violoncelles (instrument beaucoup plus gros que l’alto)

5 contrebasses (Oh là! C’est deux fois plus gros qu’un violoncelle!)

1 harpe

L’Orchestre regroupe 61 hommes et femmes qui se produisent ensemble sur différents instruments de musique. Ils sont divisés en quatre sections (cordes, vents, cuivres et percussions) mais unis par un but commun : faire de la musique ensemble. Comme vous le savez peut-être, les orchestres n’ont pas tous la même taille. Les ensembles plus petits sont des « orchestres de chambre» (entre 20 et 34 musiciens), et les plus grands, qui comptent entre 60 et 110 musiciens, sont appelés « symphoniques » ou « philharmoniques ».

L’Orchestre du CNA est donc un orchestre symphonique, ni trop grand ni trop petit – juste la bonne taille pour vous transporter et vous divertir.

Saviez-vous que l’archet dont on se sert pour jouer d’un instrument à cordes est fabriqué en bois et monté avec du crin de cheval?

De quoi se compose l’Orchestre du CNA?


SECTION DES VENTS

2 flûtes 2 hautbois 2 clarinettes 2 bassons

Ces instruments sont essentiellement des tuyaux (de bois ou de métal) percés de trous. Quand le musicien souffle dans le tuyau, il couvre certains trous avec les doigts de manière à produire des notes différentes.

Certains instruments à vent produisent les sons grâce à une anche. L’anche est un petit morceau de bois qui vibre entre les lèvres du musicien lorsque celui-ci souffle dans l’instrument pour produire un son.

Parmi les quatre instruments de la section des bois, seule la flûte n’a pas d’anche.

La clarinette est un instrument à anche simple, alors que le hautbois et le basson sont des instruments à anche double. Cela signifie que les hautboïstes et les bassonistes soufflent dans une double anche pour produire un son.

La plupart sont en bois, comme l’ébène, sauf la flûte, qui est généralement en argent.

Les flûtes produisent les plus hautes notes, et les bassons, les plus graves.

SECTION DES CUIVRES

2 trompettes 5 cors 3 trombones 1 tuba

Les cuivres sont sans aucun doute les instruments les plus sonores de l’Orchestre, ce qui explique que les musiciens qui jouent des cuivres sont moins nombreux que ceux qui jouent des instruments à cordes.

Les cuivres sont faits de longs tuyaux de métal enroulés en boucles de tailles diverses et se terminent par un pavillon en forme de cloche.

Le son est produit par la vibration des lèvres du musicien lorsqu’il souffle dans une embouchure qui ressemble à une petite coupe circulaire.

Les cuivres sont équipés de petits mécanismes – les pistons – qui permettent de modifier le son en changeant la longueur de la colonne d’air à l’intérieur du tuyau chaque fois que le musicien enfonce ou relâche un piston.

Saviez-vous que la plupart des cuivres

ont une valve qui permet de laisser

couler la salive que pro-duit le musicien

en soufflant dans l’instrument?

Saviez-vous que les anches sont fabriquées avec la canne du rotin, que l’on appelle plus communément « bambou »?


SECTION DES PERCUSSIONS

1 ensemble de timbales 2 percussionnistes qui jouent du xylophone, du marimba, de la caisse claire, des blocs de bois, des cymbales et des tas d’autres instruments qui produisent des sons intéressants.

Les instruments à percussion aident l’orchestre à garder le rythme.

Cette famille comprend trois types d’instruments : en métal, en bois et en peau.

Ces instruments ont soit une hauteur de son « déterminée » (c’est-à-dire qu’ils peuvent produire les notes de la gamme, comme le xylophone) ou une hauteur de son « indéterminée » (c’est-à-dire qu’ils produisent un son qui n’est pas une note précise; c’est le cas de la caisse claire).

On produit généralement les sons en frappant les instruments à l’aide d’un bâton ou avec les mains.

On peut varier la hauteur du son des timbales en modifiant la tension de la membrane, à l’aide des vis fixées à la caisse ou d’une pédale.

Visitez le

Labo d’instruments

sur Artsvivants.ca

(volet musique) et

faites l’expérience

en ligne de

vos instruments

préférés!

Saviez-vous qu’une timbale ressemble à un grand chaudron?

Mais elle ne sert pas à faire de la soupe!


Disposition de l’Orchestre du CNA

altos premiers violons

timba

les e

t

percu

ssio

ns

hautbois

bassons cors

contrebasses

flûtes

clarinettes

trompettes

tuba seconds violons

harpe

trombones

chef d’orchestre

violoncelles


Étiquette Nous sommes conscients que vos élèves n’ont pas tous la même expérience en matière de sorties culturelles (certains en sont à leur premier spectacle, d’autres en ont vu plusieurs) et nous vous invitons à lire attentivement les directives ci-dessous afin que vous puissiez tous vivre une expérience des plus agréables.

Arrivez tôt Nous vous prions d’arriver au moins 30 minutes à l’avance pour les matinées de l’Orchestre.

Soyez respectueux! Code vestimentaire : vous pouvez suivre le code vestimentaire en vigueur à votre école.

Il est interdit d’apporter de la nourriture et des breuvages dans la salle de spectacle.

Nous vous prions de ne pas sortir ou entrer dans la salle durant la représentation afin de ne pas déranger les interprètes et les spectateurs. Les va-et- vient ruinent la magie du spectacle!

Silence! – échangez vos commentaires après la représentation.

Il est strictement interdit d’apporter des téléphones, des appareils photo ou des iPods dans la salle, ainsi que d’envoyer des messages texte, d’écouter de la musique ou d’enregistrer le spectacle.

Exprimez-vous! Lors d’un spectacle de musique, regardez les musiciens pour savoir à quel moment applaudir. Lorsque le chef d’orchestre se tourne et fait face aux spectateurs, cela signifie que les musiciens ont terminé et que vous pouvez applaudir.

Amusez-vous! Les artistes puisent leur énergie dans l’interaction qui s’établit entre eux et le public. Alors amusez-vous bien, profitez du moment et laissez-vous porter par l’aventure! Les arts de la scène nous permettent de découvrir d’autres points de vue et d’apprendre des choses nouvelles sur nous-même et sur les autres. Chaque spectateur ressent à sa façon ce qui se déroule devant lui : il faut savoir respecter cette démarche d’exploration, tant chez soi que chez les autres.

Les enseignants et les surveillants doivent rester en compagnie des élèves en tout temps.

Lors des matinées scolaires, les élèves devront partager la salle avec un public adulte.

Pour de plus amples renseignements sur le contenu d’un spectacle, veuillez communiquer

avec le coordonnateur de l’éducation et du rayonnement du département.

À savoir avant votre visite


Jetez un coup d’œil à tous les Guides de l’enseignant des matinées scolaires

de l’Orchestre du CNA que vous pouvez télécharger gratuitement à partir

du volet Musique du site Artsvivants.ca (voir Ressources musicales, Ressources pour les enseignants)

De la maternelle à la 6e année

Émilie à la rescousse de l’orchestre Le mardi 8 mai 2012 10 h à 11 h (anglais) Le mardi 8 mai 2012 12 h 30 à 13 h 30 (anglais) Le mercredi 9 mai 2012 10 h à 11 h (français)

De la 4e à la 8e année / 2e secondaire

A-BACH-cadabra! Le lundi 31 octobre 2011 10 h à 11 h (anglais) Le lundi 31 octobre 2011 12 h 30 à 13 h 30 (anglais) Le mardi 1er novembre 2011 10 h à 11 h (français)

De la 7e à la 12e année / Niveau secondaire

Rodgers et Hammerstein au cinéma Le jeudi 20 octobre 2011 11 h à 12 h (bilingue)

Le vendredi 21 octobre 2011 11 h à 12 h (bilingue)

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