L’expression musiques du monde est un terme générique qui couvre les musiques qui ne font pas partie des principaux courants occidentaux : la pop, le rock, la musique classique, le jazz, le rap, la musique électronique... et qui contiennent des composantes ethniques ou traditionnelles.

L’expression plurielle « musiques » est préférée au singulier « musique » car elle rend davantage compte de la réalité diverse des cultures du monde et de leurs expressions musicales.

La « musique du monde » serait plus abstraite, désignant alors soit une partie des musiques du monde soit plus souvent, une tendance musicale récente correspondant à un métissage entre divers genres ou styles.

L'Afrique recèle d'innombrables arts locaux qui reflètent une grande variété de cultures qui ne cessent d'évoluer au fil du temps. Ces créations ont été considérées comme de véritables objets d’art surtout à partir du début du XXe siècle, notamment sous l’influence des peintres cubistes. La découverte de cet art a alors notablement influencé l'art moderne occidental.

La vaste portée de l'art indien est fortement liée avec l'histoire culturelle, les religions et les philosophies qui placent la production d'art et le mécénat dans des contextes sociaux et culturels propres à l'histoire de cette vaste partie du monde. Sachant que par « art indien » on considère l'art des sociétés et des cultures du sous-continent indien et des espaces de l'Asie du Sud-Est.

Tout au long de l'histoire, le Japon a subi de soudains assauts d'idées extérieures et nouvelles, suivis de longues périodes de repli sur lui-même. Au fil du temps, les Japonais développèrent la capacité d'intégrer, d'imiter et finalement d'assimiler et de s'approprier ces éléments issus de cultures étrangères en les complétant de leurs propres préférences esthétiques.

L’art aztèque s'inscrit dans une tradition culturelle millénaire dont toute la production fait partie du cœur de l'espace mésoaméricain. Les Mexicas, autre nom des Aztèques, héritiers de plus de trente siècles de civilisation, adoptent et améliorent en effet les techniques artistiques et architecturales des peuples qui, avant eux, dominèrent le Mexique central.

Au contraire de l'Occident, il n'existe pas de conception esthétique stricte en Océanie. Un objet est paré de beaux atours non pour décorer mais pour relier cet objet à l'ensemble du monde, lieu d'expression et de rencontres entre le Visible et l'Invisible. Et il arrive régulièrement que l'objet le plus simple, le plus humble soit le réceptacle du divin absolu, source d'une grande exaltation.

Eliel Lazo & friends

Petit panorama d’un set de percussions cubaines

La musique cubaine est le résultat de la fusion entre la percussion africaine et la guitare espagnole. Cette fusion sera plus tard enrichie par d’autres instruments musicaux arrivés de l’Amérique du Sud tels les «claves» et les maracas , faites à partir des arbres typiques cubains appelés « güiro ». Le , genre musical né vers la fin du XIXe siècle, constitue la base de pratiquement toute la musique cubaine contemporaine, étant lui aussi le précurseur de la Salsa et s’étant vite répandu à Cuba pendant les premiers vingt ans du XXe siècle.

Santiago de Cuba est le berceau de nombreux genres musicaux cubains tels le et le Son, des rythmes qui se sont diffusés partout et qui ont influencé à leur tour d’autres musiques du bassin caribéen. On sait que le Son cubain est arrivé à Santiago au début du XXe siècle, et qu’il a vu le jour dans les montagnes qui entourent cette ville. On l’a entendu pour la première fois de la voix des Guajiros (fermiers) qui allaient d’une contrée à l’autre, guitare à la main, en faisant courir des bruits et des nouvelles tels les troubadours du Moyen Âge. C’était aussi le temps de la naissance de la Première République, ainsi, le Son est devenu un excellent moyen pour renforcer les idéaux de liberté du peuple et les plus grandes aspirations de la jeune nation cubaine.

En somme, la grande famille musicale cubaine, composée de Salsa et Mambo , Son et Boléro, des guitares et percussions, de danse et feeling, a conquis le monde, et en partant se Santiago de Cuba a fait salle comble à La Havane, Paris, Mexico et New York, pour s’installer à jamais au sommet de la culture universelle.

Mambo Son BoleroSalsa

Yuri Buenaventura (de son vrai nom Yuri Bedoya) est un chanteur colombien de salsa né à Buenaventura le 19 mai 1967. Le prénom de Yuri est un hommage au cosmonaute russe Youri Gagarine, qui avait été le premier homme à effectuer un vol dans l'espace le 12 avril 1961.

Il a pris le pseudonyme de Buenaventura, grand port sur la côte pacifique de Colombie, endroit resté proche de ses racines africaines où l'on joue un tambour, le cununo, qu’on retrouve, quasi identique, au Mali et en Équateur.

Ne me quitte pas Yuri Buenaventura

Jacques Brel, né à Schaerbeek (Région de Bruxelles-Capitale, Belgique) le 8 avril 1929, et mort le 9 octobre 1978 à Bobigny (France), est un auteur-compositeur-interprète, poète, acteur et réalisateur belge francophone. Dans les pays francophones, Brel devient un acteur populaire ayant tourné dans une dizaine de films. Il réalise également deux films dont l'un d'entre eux, Le Far West, est nommé pour la Palme d'Or au Festival de Cannes en 1973. Avec plus de 25 millions d'exemplaires vendus à l'international, Brel devient le quatrième meilleur artiste belge de tous les temps.

Ne me quitte pas J. Brel

- Commentaire d’écoutes comparées : Comparer cet extrait de la musique de Yuri Buenaventura, avec la chanson Ne me quitte pas de Jacques Brel.

Voici une liste d’éléments à comparer :

MélodieLangue

CaractèreFormation

Genre

Musique traditionelle japonnaise

Les musiques traditionnelles japonaises s’accordent avec les autres formes d’art de la même époque : cérémonie shintoïste, chant bouddhique, spectacle de danse et pièce de théâtre. Parmi les instruments typiques, on peut citer le tambour taiko, le luth shamisen, la flûte shakuhachi, ou encore la harpe koto.

Aujourd’hui, les festivals donnent la part belle aux fanfares qui font perdurer l’existence des chants traditionnels et folkloriques. Certaines régions au Japon développent leur propre mélodie originale comme sur l’île d’Okinawa dont la musique, relatant la vie rurale des habitants, est jouée principalement au luth régional sanshin accompagné de tambour.

La musique japonaise englobe les musiques importées des continents chinois et occidentaux qui se sont intégrées après plusieurs siècles d'évolution au patrimoine musical du Japon. Ainsi, les instruments venus de Chine, de Corée et d'Asie du Sud-Est, ont évolué de telle manière au Japon qu'ils ne ressemblent plus guère aux instruments d’origines. Quant au chant rituel bouddhique, originaire de l'Inde et de la Chine, il ne présente aujourd'hui plus aucun point commun avec ses ancêtres étrangers. On peut donc considérer comme japonaises les formes musicales qui, sans être nées au Japon, ont connu dans ce pays une évolution spécifique.

La musique japonaise traditionnelle s'étend sur quatre époques principales : préhistorique, antique, médiévale et moderne (du llle siècle avant J.-C. au XIXe siècle). A ces formes musicales traditionnelles s'ajoutent la musique contemporaine, influencée par la musique occidentale et la musique folklorique, très riche au Japon.

Taiko veut dire « tambour » en japonais. Les Japonais préfèrent utiliser le terme plus spécifique wadaiko littéralement « tambour japonais », associé depuis longtemps à l'histoire du Japon.

On trouve déjà des traces de Taiko au VIe siècle dans les sépultures de haniwa, sortes de figurines anthropomorphes en terre cuite, certains sont représentés un tambour à la main.

La pratique du taiko fait appel à un travail corporel exigeant tel qu'on le retrouve dans beaucoup de pratiques telles que les arts martiaux traditionnels. Faire le « bon son » demande un ancrage et une stabilité du bassin qui permet d'accéder à la souplesse, le silence intérieur et à la joie profonde que procure cette pratique.

En ce sens, le taiko peut être considéré, selon les sensibilités, comme une musique, un art martial, une méditation ou une danse. Chaque groupe développe généralement plus fortement l'un de ces aspects.

Pratiquants de Taiko du groupe Kodo

Exemple de rencontre et d’influence avec le groupe des Blue man et le groupe Kodo lors d’un concert commun.

Concert Blue man & Kodo

Le Blue Man Group est un groupe artistique constitué par Phil Stanton, Chris Wink et Matt Goldman formé en 1991 à New York.

Le Blue Man Group est composé de trente-huit membres, dont les trois fondateurs et une chanteuse. De renommé mondialement, Blue Man Group a remporté de nombreuses récompenses pour ses productions théâtrales. Les critiques les définissent comme « révolutionnaires, délirants, visuellement renversants et musicalement puissants ». Ils sont surtout connus pour utiliser des tubes de tailles différentes, de la peinture et des bidons durant leurs concerts.

Douze millions de spectateurs ont déjà assisté aux performances du Blue Man Group à travers le monde.

Blue Man a aussi conquis le petit écran avec ses apparitions dans des spots publicitaires pour Intel Pentium 3, Pentium 4 et Centrino (2000-2005). Ils ont également collaboré à l'élaboration de la bande-son du film d'animation Robots (2005) en créant les 25 nouveaux instruments de percussion nécessaires.

Blue man group - Shake your booty

Le jazz est un genre de musique né aux États-Unis au début du XXe siècle par les noirs américains. Cette musique vient du croisement du blues, du ragtime et de la musique classique. L'une des caractéristiques du jazz est d'utiliser l'improvisation et de donner une grande place au rythme.

Le jazz a évolué très rapidement tout au long du XXe siècle et il existe de très nombreux styles de jazz, parfois très différents les uns des autres. Le jazz possède donc une très grande diversité de styles, parfois difficiles à reconnaître comme étant du jazz.

Les morceaux de jazz peuvent être chantés ou uniquement instrumentaux. Ces morceaux sont en général assez courts (de 2 à 6 minutes) et sont souvent des chansons, ou ont la même structure qu'une chanson (succession refrain-couplet-refrain).

L'une des principales caractéristiques du jazz est d'utiliser l'improvisation, c’est-à-dire que le musicien invente la mélodie qu'il joue, il ne suit pas de partition, même s'il respecte en général l'harmonie du morceau. Une autre caractéristique est le swing: c'est une rythmique d'allure balancée et décontractée.

Le flamenco est un genre musical et une danse datant du XVIIIe siècle qui se danse seul, créé par le peuple andalou, sur la base d'un folklore populaire issu des diverses cultures qui s'épanouirent au long des siècles en Andalousie.

À l'origine, le flamenco consistait en un simple chant a cappella dont le premier genre fut la toná, établie dans le triangle formé par Triana, Jerez et Cadix. Les claquements des mains pour accompagner ce chant s'appellent «  palmas », la danse, el baile (bailaor pour le danseur). La percussion se fait souvent avec le cajon, rapporté du Pérou par Paco de Lucía, avec les pieds (zapateado, une sorte de claquette inspirée de la danse de groupe de type traditionnel dite « chacarera » toujours pratiquée dans certains pays d'Amérique latine) et les castagnettes d'origine arabe (égyptienne) suivies du mouvement des poignets, une fusion stylistique entre la chacarera, le mouvement artistique du toreo de salon, et de danse du ventre. La guitare classique en français est la guitara flamenca.

Hot House - Charlie Parker & Dizzy Gillespie Los tarantos - Carmen Amaya

Chano Domínguez est un pianiste et compositeur de jazz. Son oeuvre singulière est définie par ses origines espagnoles.

En 40 ans de carrière, il a ébloui toutes sortes de publics, y compris d'autres musiciens couvrant les deux mondes du jazz et du flamenco. Ses talents d'interprète sont très recherchés pour son authentique intégration à la fois du jazz et du flamenco.

Chano Dominguez a réalisé une intégration insolite entre les rythmes et les langages du jazz et du flamenco, créant un style unique qui le place parmi les meilleurs musiciens pratiquant cette forme d'art. Internationalement acclamé, il a influencé et changé l'histoire du flamenco-jazz.

Oye como viene - Chano Dominguez

On entend par musique arabo-andalouse la musique originaire d’Al-Andalus, qui est le nom donné par les Arabes à la péninsule ibérique qu’ils occupèrent pendant sept siècles durant lesquels ils organisent une vie de cour sous le règne de grands califes. Après la chute de Grenade en 1492 et donc la fin de la présence arabe en Al-Andalus, de nombreuses familles trouvèrent refuge au Maghreb, véhiculant ainsi de l’autre côté de la Méditerranée un patrimoine culturel dont la musique constitue une identité très influente. Après 1609, date de l'expulsion définitive des « Morisques », le Maghreb, devient l'unique défenseur et continuateur de cette tradition musicale. Cette musique, originaire d’Al-Andalus, a continué de se développer au Maroc, en Algérie et en Tunisie sous la forme de « noubas ». Ce style s’est ensuite répandu dans quelques autres pays du Maghreb et du Mashreq, lui conférant en chaque lieu, des caractéristiques propres.

Sanakay - La musique arabo-flamenco

La chanteuse Waed Bouhassoun