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Dossier de presse - Festival 38e Rugissants - 04 76 51 12 92 - [email protected] - www.38rugissants.com

Presse - OPUS 64 - 01 40 26 77 94 – [email protected] 31/07/07

19e édition – Grenoble / Isère - 20 novembre au 1er décembre 2007

Dossier de presse

Dossier de presse - Festival 38e Rugissants - 04 76 51 12 92 - [email protected] - www.38rugissants.com Presse - OPUS 64 - 01 40 26 77 94 - [email protected]

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38e Rugissants Benoît Thiebergien Direction artistique

11, rue Jean Jacques Rousseau 38 000 Grenoble

tél. : 04 76 51 12 92 fax : 04 76 51 28 27

[email protected]

Contact presse locale 38e Rugissants

Audrey Bernard [email protected]

tél. direct : 04 76 51 71 11

Contact presse nationale et internationale OPUS 64 Valérie Samuel, Patricia Gangloff, Sandrine Nawrot 71, rue Saint Honoré – 75 001 Paris tél. : 01 40 26 77 94 fax : 04 40 26 44 98 [email protected] www.38rugissants.com


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EDITO 4

CALENDRIER 5

KRONOS QUARTET 6

“ L’EPOPEE DE GILGAMESH ” DE GERARD ZINSSTAG CREATION 2007 8

“ LE BUS DES GENIES ” 10

“ APRÈS LE SILENCE ” CREATION 13

“ THE BAGHDAD MONOLOGUE ” CREATION 15

“ POLYPHEM ” CREATION 17

“ TRANS-BAROQUE EXPRESS “ LES MUSICIENS DU LOUVRE - GRENOBLE ET ROULA SAFAR CREATION 21

SAEID ET NAGHIB SHANBEHZADEH 24

ZIYA AZAZI / SERGE ADAM CREATION 25

“ LES AVENTURES DU PRINCE AHMED ” DE LOTTE REINIGER film d’animation 27

HISTOIRES TOMBEES DU CIEL 28

“ MAKI ” INVITE CAMEL ZEKRI CREATION 30

DUO BALLAKE SISSOKO / DRISS EL MALOUMI 32

“ GAZING POINT ” CREATION 33

“ LES NOUVELLES MUSIQUES DU MOYEN-ORIENT ” NIEUW ENSEMBLE 35

“ AZALAI ” CREATION 37

“ SAMAMSHA ” 39

NUIT DE CLOTURE : MUTAMASSIK 40

INFORMATIONS PRATIQUES 41

LES LIEUX DU FESTIVAL 42

PARTENAIRES 43

LES 38e RUGISSANTS : LA STRUCTURE, L’EQUIPE 44

38e RUGISSANTS : HISTORIQUE 45


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“ O rien t( s ) ” La 19e éd i t ion de s 38e Rug is san t s po se un regard su r l 'O r ien t , du Maghreb au Ma shrek , à t rave rs de s d ia logue s a r t i s t ique s e t mus icaux , souvent en c réa t ion , nour r i de rencont re s e t d 'échange s, mai s, s i modes tes so ien t - i l s , à l 'oppo sé de ce d ia logue de sourd en tre l 'Occ iden t e t l 'Or ien t que nou s impo sent l 'ac tua l i té e t le s méd ias quo tid iennemen t. Du mythe de Gi lgame sh à l ' invas ion de l ' I rak , de s contes ju i f s , chré t ien s e t mu su lman s à l 'évoca t io n de la guer re au L iban , de s danse s e t mu sique s sou fie s d 'au jou rd 'hu i à la mémo i re a rménienne , des rencont res en tre l 'O r ien t , l 'A f r ique e t l ' Inde , chaq ue propos i t ion mus ica le po rte un regard ac tue l su r un morceau d 'O r ien t , pa r des a r t is te s anc rés e t engag és dan s le monde d 'au jourd 'hu i. Pu isan t tan tô t dans la t rad i t ion , tan tô t dan s l 'éc r i tu re conte mpora ine ou le s techno log ie s , tan tô t dan s le s deux , leu r langage mu s ica l t radu i t un dés i r i r répre s sib le de té moigne r e t d 'ê t re à l 'écoute d 'un Or ien t , rée l ou imag ina ire , r iche e t comp lexe , au coeur de l 'ac tua l i té con tempo ra ine . Benoît Th iebe rg ien


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Mardi 20 novembre

20h La Rampe - Echirolles Kronos Quartet p.6

Jeudi 22 novembre 14h30 Séance scolaire (à partir de 12 ans)

20h30

L’heure bleue, Saint Martin d’Hères “ L’Épopée de Gilgamesh ” de Gérard Zinsstag CREATION 2007

p.8

Du vendredi 23 au dimanche 25 novembre

Jardin de ville – Grenoble “ Le Bus des génies ” par le collectif Alternative Nomade et le Caravanserail p.10

Vendredi 23 novembre 10h Séance scolaire (à partir de 12 ans)

De 15h à 20h

Jardin de ville – Grenoble “ Le Bus des génies ” p.10

14h30 Séance scolaire (à partir de 12 ans)

Hexagone, Scène nationale de Meylan “ Polyphem ” de Zad Moultaka CREATION p.17

20h30 Odyssée, Espace culturel - Eybens “ Après le silence ” de Gilles Mardirossian CREATION p.13

Samedi 24 novembre De 14h à 20h Jardin de ville – Grenoble “ Le Bus des génies ” p.10

17h30 Auditorium du Musée de Grenoble “ The Baghdad Monologue ” CREATION p.15

20h Hexagone, Scène nationale de Meylan “ Polyphem ” de Zad Moultaka CREATION p.17

Dimanche 25 novembre De 11h à 17h Jardin de ville – Grenoble “ Le Bus des génies ” p.10

11h Salle Olivier Messiaen - Grenoble “ Trans-Baroque Express “ Les Musiciens du Louvre - Grenoble et Roula Safar CREATION

p.21

16h30 & 18h Musée Dauphinois - Grenoble Saeid et Naghib Shanbehzadeh p.24

Mardi 27 novembre 9h30 & 14h30 Séances scolaires (à partir de 11 ans)

Espace 600 - Grenoble “ Histoires tombées du ciel ” Contes juifs, chrétiens et musulmans

p.28

20h Hexagone, Scène nationale de Meylan Ziya Azazi / Serge Adam CREATION p.25

Mercredi 28 novembre

14h15 Cinéma le Meliès - Grenoble “ Les aventures du prince Ahmed ” de Lotte Reiniger film d’animation

p.27

19h30 Espace 600 - Grenoble “ Histoires tombées du ciel ” Contes juifs, chrétiens et musulmans

p.28

20h30 Salle Edmond Vigne – Fontaine “ Maki “ invite Camel Zekri CREATION p.30

Jeudi 29 novembre 10h Séance scolaire (6 – 11 ans)

Salle Edmond Vigne – Fontaine “ Maki “ invite Camel Zekri CREATION p.30

12h30 EVE – Campus universitaire Duo Ballaké Sissoko / Driss El Maloumi p.32

19h30 MC2 : Grenoble – Salle de création “ Gazing Point ” CREATION p.33

Vendredi 30 novembre

20h30 MC2 : Grenoble – Salle de création “ Les nouvelles musiques du Moyen-Orient ” Nieuw Ensemble

p.35

Samedi 1er décembre

19h30 MC2 : Grenoble – Grand Théâtre “ Azalai ” Une rencontre musicale transsaharienne CREATION

p.37

22h MC2 : Grenoble – Salle de création “ SamAmsha ” Une rencontre musicale indo-persane p.39

Minuit MC2 : Grenoble - Bar Nuit de clôture : Mutamassik p.40

L ’ a d r e s s e d e s s a l l e s : s e r e p o r t e r p a g e 4 2


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Programme Mugam Sayagi de Franghiz Ali-Zadeh (Azerbaijan) Lullaby Traditional (arrangements Jacob Garchik) Hold me, neighbor, in this storm d’Aleksandra Vrebalov Evic Taksim de Tanburi Cemil Bey (arrangements Stephen Prutsman) Aha gèdawo de Gétatchèw Mèkurya (arrangements Stephen Prutsman) Escalay (Water Wheel) d’Hamza El Din (Nubie) Entracte Oh Mother, the Handsome Man Tortures Me Unknown (arrangements Kronos, transc. Ljova) Alap from Raga Mishra Bhairavi de Ram Narayan (Inde) (arrangements Kronos, transc. Ljova) Chang Music IV de Dimitri Yanov-Yanovsky (Ouzbekistan) Mugam Beyati Shiraz de Rahman Asadollahi (Iran) (arrangements Kronos, transc. Ljova)

Le Kronos Quartet est sans doute le quatuor à cordes le plus connu aujourd’hui sur la scène internationale. Depuis plusieurs décennies, il joue et enregistre des musiques issues de toutes les époques : de Guillaume de Machaut à Richard Wagner, de Jimi Hendrix à Tan Dun. Le Kronos est spécialisé dans les nouvelles musiques et a une longue histoire de commande d'œuvres inédites - plus de 600 à ce jour. Il a notamment collaboré avec de nombreux compositeurs minimalistes, dont Arvo Pärt, Steve Reich, Philip Glass, Terry Riley…, et a aussi travaillé avec des compositeurs d'origines très diverses, venus d’Afrique ou d’Asie. A l’occasion de ce concert à Grenoble, le Kronos Quartet a choisi de construire son programme autour de la thématique “ Orient(s) ” des 38e Rugissants 2007 en interprétant des œuvres écrites pour lui par des compositeurs venant du Proche-Orient au sous-continent indien.

Coaccueil : La Rampe - Echirolles / 38e Rugissants

David Harrington violon John Sherba violon Hank Dutt alto Jeffrey Zeigler violoncelle

Mardi 20 Novembre - 20h La Rampe - Echirolles Durée : 1h15 avec entracte - Tarifs : de 9,5 à 20 euros

KRONOS QUARTET (USA) Programme d’œuvres de compositeurs orientaux


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Le Kronos Quartet “ J'ai toujours voulu que le quatuor soit plein de vie, d'énergie, cool, dérangeant et absolument sublime ou immonde si c'est ce qu'il doit être. Mais il doit exprimer ce qu'est la vie. Raconter toute l'histoire avec grâce, humour et profondeur. Et la raconter en entier si possible. “ David Harrington Le Kronos Quartet est un quatuor à cordes fondé par le violoniste David Harrington en 1973. Depuis 1978, le quatuor est basé à San Francisco (Californie). L'effectif initial comprenait David Harrington et John Sherba aux violons, Hank Dutt à l'alto et Joan Jeanrenaud au violoncelle et est resté inchangé durant plus de vingt ans. En 1999, Jennifer Culp a remplacé Jeanrenaud, remplacée à son tour par Jeffrey Zeigler en 2005. Kronos a aussi travaillé avec des compositeurs d'origines très diverses, tels Franghiz Ali-Zadeh originaire d'Azerbaïdjan, Clint Mansell du Royaume-Uni ou encore le compositeur argentin Osvaldo Golijov. Golijov, récompensé par le prix de la fondation MacArthur Fellow a composé de nombreuses transcriptions et œuvres originales pour le quatuor Kronos qui ont donné lieu à des disques tels Caravan et Nuevo. Récemment, le quatuor Kronos a commencé un programme d'appel aux compositeurs âgés de moins de 30 ans, dans l'espoir de mettre au jour de jeunes compositeurs modernes. Kronos couvre une très grande étendue de genres musicaux : musique mexicaine, musique expérimentale, musique pré-classique, bandes originales de films (Dracula, Requiem for a Dream, Heat, The Fountain), jazz et tango. Kronos a même enregistré des adaptations de Purple Haze de Jimi Hendrix, de Sigur Rós (Flugufrelsarinn), de Television (Marquee Moon) ou de Raymond Scott (Dinner Music for a Pack of Hungry Cannibals). En plus des compositeurs, Kronos a collaboré avec des artistes du monde entier, dont le légendaire chanteur de Bollywood Asha Bhosle, le peintre américain d'origine mexicaine Gronk, la soprano américaine Dawn Upshaw, les pop-rockers mexicains de Café Tacuba, le groupe tsigane roumain Taraf de Haïdouks, les post-rockers écossais de Mogwai ou le Dj brésilien Amon Tobin. Kronos s'est produit en concert avec le poète Allen Ginsberg, Astor Piazzolla, le Modern Jazz Quartet, Tom Waits, David Bowie ou Björk. Il est apparu dans des enregistrements avec les auteur-compositeurs Dave Matthews, Nelly Furtado, Rokia Traoré, Joan Armatrading ou le chanteur de musique country Don Walser, spécialiste du yodel.


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CRÉATION 2007

L’Epopée de Gilgamesh a été écrite en Babylonie il y a environ 35 siècles, dans la langue usuelle qui prévalait à cette époque : l’akkadien. Ce texte d’une force et d’un souffle prodigieux relate l’histoire d’une grande amitié, source de prouesses surhumaines accomplies par Enkidou, le natif du désert et Gilgamesh, le superbe et arrogant roi d’Ourouk. Ce roi, qui se voulait l’égal des dieux, perd son ami le plus cher, Enkidou, devenu malade au contact de la civilisation. Inconsolable et révolté, Gilgamesh décide alors d’entreprendre un voyage au pays des morts, dans une recherche désespérée, pour y découvrir le secret de l’immortalité, et y découvrir peut-être aussi l’origine de l’humanité. Comment restituer aujourd’hui la beauté et la spontanéité de ce texte, sans tomber dans le piège mélodramatique ? Gérard Zinsstag a choisi de le mettre en musique avec un ensemble instrumental restreint, sobre et en même temps hétérogène. Quatre percussionnistes sont assis en demi-cercle, avec, entre chacun d’eux, un instrument traditionnel : une harpe, une contrebasse, une clarinette et un saxophone ; au centre, un échantillonneur synthétiseur produit des sons à prédominance concrète, tels le vent, les vagues, la pluie, la foudre… C’est une femme qui nous racontera ce mythe issu de l’aube de l’humanité. Son récit sera ponctué par la projection d’images en mouvement perpétuel composée de gros plan de terre rouge, ocre, noir, comme un discret rappel à l’origine réelle du texte de Gilgamesh : le Moyen-Orient. Gérard Zinsstag a fait ses premières études à Genève (Collège Calvin et le Conservatoire de Musique de Genève). Il poursuit sa formation musicale d'abord au Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris (1961-63) puis à l'Accademia Chigiana à Sienne. De 1964 à 1967 il vit à Rome, voyageant à travers l'Europe en qualité de musicien flûtiste itinérant. En 1967, il rejoint l'Orchestre de la Tonhalle à Zürich qu'il intégrera jusqu'en 1975, date à laquelle il se consacre exclusivement à la composition. Il étudie ensuite avec Hans Ulrich Lehmann au Conservatoire de Zürich (1973-75), et avec Helmut Lachenmann à Stuttgart et Hanovre. Il participe aux cours d'été de Darmstadt de 1976 à 1978 avant de passer une année aux Etat-Unis en 1979. La bourse du DAAD à Berlin lui est attribuée de 1981 à 1982, et en 1982 il est stagiaire à l'Ircam. Gérard Zinsstag dirige ensuite le festival "Tage für neue Musik" à Zürich de 1986 à 1994. Il participe à des séminaires et donne de nombreuses conférences (Bamberg, Berkeley, Moscou, Paris - CNSMDP, CSM, Ircam et Sorbonne , Salzbourg, Taïpei, Zürich).

Coproduction : Musiques Inventives d’Annecy / CRR Conservatoire à Rayonnement Régional de l’Agglomération d’Annecy et des Pays de Savoie. En partenariat avec le Centre International de Percussion de Genève (CIP). l'Auditorium de Seynod et la Ville de Zurich Commande d’Etat. Avec le soutien de Pro Helvetia et de la Fondation Suisa Coaccueil : 38e Rugissants / L’heure bleue

D’après une traduction de Jean Bottéro, adapté par Gérard Zinsstag Gérard Zinsstag composition Perrine Maurin chorégraphie – mise en scène Ensemble Pléïade direction Jean-Paul Odiau harpe, saxophone, clarinette, contrebasse, clavier Christophe Torion Thierry Debons Didier Métrayer Florian Feyer percussions Marianne Pichon récitante Franck Picart danse

“ L’EPOPEE DE GILGAMESH ” DE GERARD ZINSSTAG

Œuvre pour ensemble instrumental, électronique, récitante et danseur

Jeudi 22 Novembre - 20h30 L’heure bleue – Saint Martin d’Hères Séance scolaire – 14h30 (à partir de 12 ans) Durée : 1h15 – Tarifs : de 8 à 15 euros


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Perrine Maurin Concepteur, metteur en scène et chorégraphe de la performance-dispositif

Après des études littéraires et d’arts du spectacle, Perrine Maurin rentre au Conservatoire National de Région de Strasbourg puis intègre la section metteur en scène du TNS de Strasbourg. Elle travaille ensuite comme assistante de Chantal Morel et de Thierry Bédard sur différentes pièces jusqu’en 2004. Également comédienne, elle joue dans Hors

Piste spectacle de théâtre-forum puis dans 4.48 de Sarah Kane, mise en scène par Hubert Colas et dans Beaucoup de

bruit pour rien mis en scène par Jean-Claude Berutti ainsi que dans Surtout quand la nuit tombe mis en scène par Augustin Bécard. Par ailleurs, s’intéressant à d’autres univers artistiques, elle conçoit une installation sonore et vidéo à la Galerie d’art contemporain Faux Mouvement à Metz dans le cadre du collectif Peu Importe. (2000–2001). Elle assiste aussi à la réalisation sur le documentaire Image(s) En quête d’identité de Lino Tonelotto puis s’occupe de la direction d'acteur et d’assistanat artistique sur l'installation interactive/performance Présence de Lino Tonelotto En 2005, elle met en scène Radiographies avec sa compagnie Cie Les patries imaginaires. Marianne Pichon récitante Après avoir suivi des cours avec Philippe Duclos aux Ateliers Gérard Philippe (Saint-Denis), Marianne Pichon commence les tournées nationales dès 1991, dans «Un caprice» d’Alfred de Musset puis dans «Mais n’te promène donc pas toute nue!» de Georges Feydeau. Les créations et tournées s’enchaînent à partir de 1992, avec les mises en scène de Stéphane Vérité, puis avec d’autres créations mises en en scène par Ursula Mikos. Cependant une grande partie de son travail est intimement lié à la musique ; elle participe ainsi à des créations comme «Alice c’est merveilleux, non?», spectacle musical de T. Zaboïtezff et Stéphane Vérité, «Journal Intime» avec le Sextuor à cordes de l’Artois, et aussi un rendez-vous "Mozart" avec l’orchestre et le chœur de Bondy, où elle s’est penchée sur les lettres du compositeur — une recherche sur le texte qui sera également explorée en 2004 avec ses lectures/spectacles intitulés «Le mot, la lettre, le verbe». Son activité s’ouvre par ailleurs aux tournages vidéos tout comme aux films d’entreprise (et à la direction de castings. Elle intervient également dans les ateliers pour petite enfance et troisième âge et des ateliers d’acteurs (au Centre Dramatique National de Caen) et de recherche (à la faculté des Sciences et Technologies de Lille 1) ainsi qu’à la direction du stage AFDAS ‘jeux, espace et respiration’, au centre chorégraphique de Roubaix/Tourcoing. Franck Picart danseur

Diplômé au Conservatoire National Supérieur de Paris en danse contemporaine, il intègre la compagnie d’Anne Dreyfus avant de rejoindre François Raffinot au Centre Chorégraphique National du Havre durant quatre années. Il y rencontre Emmanuelle Vo-Dinh qui crée la compagnie Sui Generis et commence avec elle une recherche chorégraphique qui durera sept ans. Il participera activement en qualité d’assistant à toutes ses créations, à diverses performances et aux actions artistiques autour du travail de la compagnie. En 2005, à la demande de François Raffinot, il remonte Adieu avec le CCN de Nancy-Ballet de Lorraine. En 2006, il intègre Les Patries Imaginaires, structure dirigée par Perrine Maurin, et participe en tant que performer au dispositif (Un Temps) créé à l’Arsenal de Metz et en tant que comédien au projet Un Complet, pièce autour des « Fragments d’un discours amoureux » de Barthes. Fouille Diptyque, créé en mai 2006 au Triangle à Rennes, est son premier travail en tant que chorégraphe. Ensemble Pléïade, direction : Jean-Paul Odiau Cet ensemble est né à Annecy autour du festival Concerts d’Hiver et d’Aujourd’hui (MIA en novembre) et des résidences de compositeurs longue durée organisées en relation avec le centre de création musicale MIA. Cet ensemble est composé d’instrumentistes enseignant au CNR de l’Agglomération d’Annecy et des Pays de Savoie, renforcé ponctuellement par des solistes, en fonction des œuvres et des effectifs nécessaires à l’exécution des oeuvres. Le répertoire est basé sur l’interprétation d’œuvres de compositeurs vivants, en donnant une part importante aux musiques mettant en oeuvre les techniques « mixtes ». La création est largement favorisée, notamment par des commandes passées aux compositeurs en résidence. Certains de ses membres mènent parallèlement une carrière de soliste.


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Le Bus, un concept

La démarche artistique du label Alternative Nomade et de la société Caravansérail s’articule autour du voyage et de la rencontre, elle mêle cinéma documentaire, art vidéo, photographies et chroniques de voyage. Ce projet a été initié et est dirigé par Sylvain Grolleau. Proche du public, des gens, avec eux, Alternative Nomade se concrétise aujourd’hui sous la forme d’une structure de

diffusion originale et symbolique : un bus dissimulé sous un chapiteau. Le voyage commence aux portes de cette structure qui, la nuit, s’illumine de mille feux. Les passagers/spectateurs entrent dans une galerie circulaire, espace d’exposition. Ils déambulent autour du bus dans un univers plastique et expérimental, premiers pas vers l’ailleurs. L’itinéraire les mène vers les portes du bus, en partance pour les routes du monde.

Trois espaces

à l’avant du bus, le simulateur : le pare-brise avant et les fenêtres latérales ... un spectacle documentaire « en relief », un film immersif, sensitif, scénarisé et diffusé simultanément sur 7 écrans, projeté sur le pare-brise avant et les six fenêtres latérales du BUS, selon le principe d’un simulateur de voyage. ... simuler la réalité d’un voyage à travers le regard d’un cinéaste, immerger le passager/spectateur dans une ambiance et une temporalité qui ne sont pas les siennes, le rendre témoin de rencontre et d’émotions vécues aux quatre coins du monde.

à l’arrière du bus, le salon documentaire : le pare-brise arrière ... une salle de cinéma conçue comme un salon marocain où sont projetés des films documentaires sur le pare-brise arrière. Ces films prennent le temps, cherchent à comprendre la réalité d’un être, d’un pays, d’une communauté. Ils invitent les passagers/spectateurs à s’arrêter au bord de la route pour aller plus loin dans la rencontre.

autour du bus, le déambulatoire ... une exposition de photographies, de vidéos d’art et de carnets de route accompagnée de diffusions sonores et de créations lumière complètent le dispositif. C’est aussi l’occasion de rencontrer les membres du collectif Caravansérail, dans un espace convivial autour d’un thé à la menthe...un bus, un concept

Pause café et restauration proposées par le secours populaire En partenariat avec la Semitag Partenaires spécifiques au Bus des Génies : Association Atmosphères 53, le Kiosque - Centre d’Action Culturelle du Pays de Mayenne, la Médiathèque du Pays de Mayenne, L’Union Européenne - Programme Leader +, le Pays de Haute Mayenne, le Conseil Régional des Pays de la Loire, la Communauté de Communes du Pays de Mayenne, de l’Ernée, du Bocage Mayennais, de Lassay-Le-Horps, de Villaines-la-Juhel et des Avaloirs, la Ville de Mayenne, le Conseil Général de la Mayenne.

Sylvain Grolleau direction artistique, concepteur, mise en scène Pierre Guicheney Sylvain Grolleau réalisation Abdelhadi Lasfar, François de la Pattelière, Pierre Guicheney vidéo Jean-Luc Manaud, Ann Cantat-Corsini photos Phil Von création sonore

“ LE BUS DES GENIES ”

PAR LE COLLECTIF ALTERNATIVE NOMADE ET LE CARAVANSERAIL

Installation vidéo documentaire itinérante / Performances musicales (sous réserve)

Du Vendredi 23 au Dimanche 25 Novembre Jardin de Ville – Grenoble Séance scolaire Vendredi 23 novembre – 10h (à partir de 12 ans) Durée : 1h30 - Tarifs : 5 euros (1séance) – 7 euros (2 séances)


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Le Bus des Génies, le spectacle Ce spectacle a été réalisé à partir des images et des savantes musiques des rituels Gnawa et Yorouba tournées au Maroc et au Nigeria. C’est une plongée vertigineuse au cœur de leurs cérémonies secrètes qui est offerte à des passagers-spectateurs qui ne pourront sans doute jamais y participer. -> A l’avant du Bus dans le simulateur Ni didactique ni dogmatique, “ Le Bus des génies “ retrace le processus d’initiation propre au rituel gnawa. A l’instar de la Lila, le simulateur dévoile les parties les plus secrètes des rites gnawas, mais ne nomme rien. Il s’adresse au cœur, au ventre, à l’intuition. Particulièrement intenses sont les séquences filmées avec une mini DV par Abdelhadi Lasfar au cours des rituels célébrés dans sa famille. Les moments d’intimité du quotidien de sa mère voyante et maîtresse du culte sont autant de fenêtres ouvertes sur l’absolue normalité de la vie rituelle et des actes magiques dans la tradition gnawi. Ils apportent un contrepoint serein aux transes extatiques des grands initiés de la maisonnée gnawi de Casablanca. “ Le Bus des génies “ est le fruit du mariage heureux d’un collectif qui a su s’approprier les ressources du médium vidéonumérique en le sublimant et d’une approche documentaire au plus près des hommes…et de leurs génies. Le partage convivial du thé convaincra ceux qui en douteraient encore que quelque part, des hommes bien réels savent partager des moments de présence totale dans la plus simple intimité. Un partage et une empathie qui ont toujours été au cœur des recherches menées par Pierre Guicheney, Sylvain Grolleau et l’équipe du Caravansérail. D’où l’évidence de leur rencontre. -> A l’arrière du Bus dans le salon documentaire “ Transes ” de Ahmed el Maanouni - 1981, 52’ Créé dans les années 1970, le groupe “ Nass El Ghiwane ” est à l’origine d’une explosion musicale qui reste, pour les jeunes, le cri de leurs désirs, de leurs frustrations et de leur révolte. “ 7 nuits et 7 jours ” de Maurice Dorès - 1982, 48’ Ce film documentaire décrit une cérémonie au Sénégal, appelée le Ndepp, organisée par les Lebou pour honorer leurs esprits héréditaires et pour leurs demander de permettre la guérison d’un de leurs membres. Ici, une mère qui refuse de s’occuper de son nouveau-né. Exécuté durant plus de sept jours et sept nuits, c’est une cérémonie compliquée avec un ensemble de règles précises. Elle fait participer la communauté entière. “ Gnaouas ” de Izza Gemini - 1990, 26’ L’Afrique Noire coule dans les veines du Maroc. Esclaves venus à partir du XVe siècle avec l’or du Soudan Occidental, les Gnaouas ont formé des confréries qui pratiquent encore des rituels de possession et d’exorcisme qui empruntent autant au monde préislamique qu’aux rituels des divinités africaines. Ces cérémonies religieuses et thérapeutiques, accompagnées par la basse du grand luth hajhouj, le crépitement des crotales métalliques et le battement sourd du tambour appellent le mlouk, le génie bienveillant qui descendra sur le danseur au sommet de sa transe. “ Le Bal des Génies ” de Pierre Guicheney - 1999, 50’ Marrakech : une plongée dans le monde secret et chaleureux des Gnawas : musiciens, prêtresses et initiés du culte de possession des descendants d’esclaves marocains. Ahmed Baqbou, un des plus grands maîtres de musique gnawa vivants, est notre guide dans cet univers où esprit festif, virtuosité musicale et présence de l’invisible pouvoir des génies se conjuguent avec un rare bonheur. “ Stambali ” de Nawfel Saheb-Ettaba - 2000, 52’ Introduit en Tunisie par d’anciens esclaves subsahariens, le stambali est un culte voué à l’adoration des esprits qui seraient à l’origine des maladies et des souffrances. Pour conjurer leur malédiction et apaiser leur colère, des rituels sont célébrés, telle la zaria de Sidi Saâd, un pèlerinage de trois jours auquel ce film nous invite, au rythme du gûmbri et des chkackek, des danses et des transes, qui marquent les différentes étapes de cette célébration. Si la zaria permet aux officiants, des guérisseurs appelés arifa, de se ressourcer, de consolider leurs liens avec les esprits et de puiser l’énergie nécessaire à leur pratique, au-delà de son caractère sacré, c’est aussi un moment de fête et de retrouvailles.


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-> Autour du Bus dans le déambulatoire Vidéo documentaire de Pierre Guicheney “ Interview de Suzanne Wenger ”/ Edé, Nigeria 2002 Suzanne Wenger témoigne de sa rencontre avec le culte des Orishas, dans les années 1950 à Édé, au Nigeria. Ici, Madame Wenger décrit l’unique voie qui permette d’appréhender réellement les mystères des origines celés dans les cultes des Orishas et des génies : par capillarité, complicité, immersion, initiation, contamination, “comme à travers la peau”. Série photos sur diapositives et vidéos Documentaire d’Ann Cantat-Corsini “ Transes et musiques Gnawas ” / Essaouiara et Tanger, Maroc, 2001-2002 Au Maroc, les confréries gnawa rassemblent les descendants des esclaves ramenés d’Afrique de l’ouest. Lors des fêtes traditionnelles gnawa, les femmes se retirent parfois dans les arrières-cuisines pour danser, ce sont des Adras. Au rythme des verres à thé martelés sur les plateaux, elles dansent jusqu’à atteindre un état de transe. Vidéo documentaire de François de La Patellière “ Taïfat ” / Région de Marrakech, Maroc, 2005. Procession de la maisonnée initiatique de la prêtresse gnawa Fatna Adnan vers le mausolée du saint Moulay Abdallah Ben H’sein. Série photo de Jean-Luc Manaud “ Mouloud des Gnawa ” / Marrakech, Maroc, 1996. Pierre Guicheney et Jean-Luc Manaud réalisent pour Géo Magazine un reportage sur les fêtes du Mouloud (nativité du prophète Mohammed) telles que les célèbrent les Gnawas dans la région de Marrakech. Les photos ont été prises dans la médina de Marrakech, autour du mausolée du saint Moulay Brahim (dans les contreforts de l’Atlas) et à Tameslouth (20 km de Marrakech) où est érigé le mausolée du saint Moulay Abdallah Ben H’sein. Taïfat (processions), moussem (pélerinage) et lilas (cérémonies d’invocation des génies). Photographies anciennes, collection privée de Saadi Hamid “ Yazman ”, cartes postales du début du siècle de musiciens gnawas des rues

Sylvain Grolleau direction artistique, concepteur, mise en scène “ Étudiant, je rêvais de cinéma, de voyages, de cirque - de façon débridée, sans perspective vraiment définie. Certains traits de ma personnalité se précisent pourtant dès cette époque : l’enthousiasme, le sens du groupe et une certaine aptitude à animer un projet commun, la curiosité pour l’autre et puis, avec mes premiers déplacements importants, le sentiment très fort d’appartenance à un seul monde et le désir de contribuer au dialogue des hommes et des cultures, la nécessité de s’engager aussi, de prendre parti. Parallèlement, bien que n’étant ni acteur, ni musicien, ni danseur moi-même, le théâtre, la musique, la danse, les arts du spectacle, prennent plus d’importance concrète dans ma vie, à travers mes amitiés, mes amours, mes rencontres, et finalement mon travail... J’ai été conduit à dépasser l’idée du film et à concevoir un événement spectacle dans lequel le film garde certes une place essentielle comme témoin direct de la réalité à la fois multiple et commune des hommes d’aujourd’hui, mais où sa projection est en quelque sorte théâtralisée, mise en scène, où il se fait lui-même chorégraphie et musique par le jeu du montage et de la mise en espace. “ Il ne s’agit jamais pour Sylvain d’être l’esclave du réel, mais au contraire de poser un regard à l’oeuvre, qui fait des choix. Le besoin qu’a Sylvain de filmer les personnes dans leur va-et vient, dans leur quasi-errance, semble exprimer avec une immense profondeur la situation d’un monde en transit, basculée, (bercée, déracinée ?) entre le modèle traditionnel et l’appel d’un modèle occidental… Sur le terrain, ce style sous-entend une démarche originale qui, pour l’avoir vu à l’oeuvre, doit être encouragée et développée. Le travail de Sylvain est un travail d’apprivoisement, sa caméra lui colle à la peau, elle se pose et laisse venir le mouvement, la parole, la vie de l’autre.


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CRÉATION

Entraîner l’auditeur dans un voyage sonore et musical à travers la mémoire arménienne, voilà l’objectif de cette création dont le titre, Après le silence, révèle aussi l’ambition profonde : restituer les traces effacées sur les lieux du crime par le déni, mais restées vivantes dans la mémoire des descendants de la funeste odyssée des Arméniens d’Anatolie, déportés et massacrés dans le désert de Syrie en 1915-1916. Après le silence conjugue écriture instrumentale, enregistrements phonographiques et traitement électroacoustique : une œuvre contemporaine construite à partir d’héritages musicaux orchestrant des mémoires sonores recomposées et des mémoires historiques restituées. Une création originale qui au-delà de la proposition musicale et de l’écoute, invite le corps immergé dans un système de diffusion constitué de multiples haut-parleurs à ressentir la dimension spatiale. Inscrit dans une trajectoire personnelle, ce projet est pour l’auteur une forme de pèlerinage artistique sur les chemins de ses ancêtres, d’où le recours au langage musical traditionnel et à la phonographie, autrement dit à un langage susceptible d’exprimer le lien intime entre territoire et “ paysage sonore ”. Commande du GMEA avec le soutien de l'Etat Production GMEA, Centre de création musicale d’Albi –Tarn, en partenariat avec La Muse en Circuit, Centre national de création musicale – Alfortville. Coaccueil : 38e Rugissants / Odyssée - Ville d’Eybens

Gilles Mardirossian composition enregistrements « phonographies » et traitements sonores Anouch Donabédian, kamantcha Virginia Pattie-Kerovpyan chant Vahan Kerovpyan zarb et percussions améniennes Véronique Chanteau Photographe, plasticienne Laurent Sassi spatialisation par microphones, mixage Benjamin Maumus mise en espace studio, assistant musical

Nicolas Carrière,

programmation temps réel

“ APRES LE SILENCE ” DE GILLES MARDIROSSIAN

Une composition musicale sur les traces des mémoires arméniennes

Vendredi 23 Novembre - 20h30 Odyssée, Espace culturel - Eybens Durée : en cours – Tarifs : de 5 à 15 euros


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Gilles Mardirossian composition enregistrements « phonographies » et traitements sonores Né en 1966, Gilles Mardirossian a suivi des études musicales à L'Ecole Normale de Paris et à la Schola Cantorum. Après l'obtention d'une licence de musicologie à Paris IV Sorbonne, il découvre l'univers de la prise de son en travaillant dans plusieurs studios d'enregistrement et en suivant des formations en informatique musicale (Ircam, CMI/CIDMA). En 1990, il rejoint Radio France qui l'engage en tant que réalisateur pour les chaînes de France-Musiques et France-Culture. Dans un même temps, il suit un cursus en composition électroacoustique à l'Ecole Nationale de Musique de Pantin dans la classe de Christine Groult, qui s'achèvera par le Prix de Composition Electroacoustique. Depuis 2002, il réalise pour France-Culture les Ateliers de Création Radiophonique (ACR), qui lui ouvrent un espace de création et de recherche d'une synthèse entre le documentaire et la fiction, l'écriture dramatique et l'articulation sonore. Véronique Chanteau photographe plasticienne Née en 1959, Véronique Chanteau vit et travaille à Paris. En 1982, elle obtient le diplôme d'architecture intérieure de l'école Boulle, puis suit différents ateliers de techniques anciennes de peintures à l'huile et de gravure en taille douce. Au fil des ans, elle expose ses gravures et réalise de nombreuses fresques publiques et privées. Aujourd'hui, elle travaille en tant que peintre murale, et poursuit sa recherche artistique essentiellement en photographie. Virginia Pattie Kerovpyan chant Virginia Pattie Kerovpyan est née à Washington (États-Unis) où elle étudie le chant et prend part à des ensembles de musique ancienne et des chorales en tant que choriste et soliste. Arrivée en France en 1974, elle continue ses études de chant à l'École normale supérieure de musique de Paris et au Conservatoire national supérieur de musique. Elle participe à des concerts et à des enregistrements de disques avec divers ensembles de musique renaissance et baroque. En 1976, elle participe à la formation de l'ensemble Kotchnak, et en 1985, de l'ensemble de chant liturgique arménien Akn. Anouch Donabédian kamantcha Anouch Donabédian est née à Marseille. Après avoir étudié le violon, elle apprend à jouer le kamantcha avec le maître Gaguik Mouradian d'Arménie. Elle travaille avec différents ensembles arméniens et musiciens français, et se joint à l'ensemble Kotchnak en 1999. Vahan Kerovpyan zarb et percussions améniennes Né à Paris, Vahan Kerovpyan joue des percussions depuis son enfance. Il travaille le dhol avec Edmond Zartarian, le zarb et le dap avec Madjid Khaladj. Il joue également du piano et percussions jazz, et chante avec la chorale Akn. Depuis 2003, il se produit au sein l'ensemble Kotchnak.


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CRÉATION

Inspiré du livre “ What I heard about Iraq ” d’Eliot Weinberger.

L’action se passe dans une maison de Bagdad. La télévision diffuse les informations… Une femme rentre. Peu à peu, elle entame un monologue qui décrit son expérience de la réalité. La voix parlée ou chantée s’insère alors dans la structure rythmique d’une bande sonore électroacoustique composée d’une riche et complexe palette de sons. Le texte traite d’un contexte politique aussi vieux que la civilisation et qui se répète à travers les âges : l'interventionnisme des forts et des puissants afin de “ protéger ” ou de “ libérer ” les faibles. Le compositeur examine l'idée que les puissants ont le droit ou même le devoir d'employer la force afin de corriger ce qu'ils voient - ou disent voir - comme de la mauvaise conduite, de la malchance ou de l'incompétence chez les faibles. Alejandro Viñao traite le sujet du point de vue de ceux qui subissent la force plutôt que dans une perspective philosophique. Dans The Baghdad Monologue, l’attention est portée sur l'expérience personnelle d'une femme vivant les interventions, juxtaposant sa situation critique à la rhétorique employée pour justifier les interventions.

“ The Daughters of Sarah “ Cette œuvre, extraite de l'opéra Abraham On Trial (dont la première a été présentée au Lunction Theatre à Cambridge en mai 2005 par le Electric Voice Theatre) sera interprétée en première partie. Cet opéra met en perspective l'histoire biblique d'Abraham et d'Isaac avec une histoire contemporaine qui se déroule en Californie. Le mari de Rosa, John, est jugé pour le meurtre de leur fille, qu’il a assassiné pensant ainsi répondre à la volonté de Dieu. Dans cette série de scènes courtes, extraites de l'opéra, Rosa s’interroge sur sa peine, sa culpabilité et sa colère. Elle finit par décharger sa colère sur Abraham, celui qui le premier sacrifia son propre fils. Coaccueil : 38e Rugissants / Musée en Musique

Alejandro Viñao (Argentine) composition et diffusion Frances Lynch (Grande Bretagne) voix

Charlotte McClelland Lumière

Miranda Melville Scénographe Andrew Lowett Compositeur de “The Daughters of Sarah “

“ THE BAGHDAD MONOLOGUE ” DE ALEJANDRO VIÑAO pour soprano et musique électronique

“ THE DAUGHTERS OF SARAH “ DE ANDREW LOWETT

Samedi 24 Novembre – 17h30 Auditorium du Musée de Grenoble Durée : 1h – Tarifs : de 7 à 15 euros


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Alejandro Viñao composition et diffusion Alejandro Viñao est né le 4 septembre 1951 à Buenos Aires en Argentine où il a étudié avec le compositeur russe Jacobo Ficher. Il vit en Grande-Bretagne depuis 1975 où il a suivi des études àl'Université royale de musique et à l'Université de Londres. Viñao a reçu un certain nombre de prix et de récompenses internationaux dont le “Golden Nica“ Prix Ars Electronica (1992), le premier prix du Rostrum international du Conseil international de la musique de l'UNESCO (1984) … Sa musique a été jouée dans l'ensemble de l'Europe et des Etats-Unis lors de festivals internationaux tels que le festival de Tanglewood, le festival d'automne de Varsovie et du London Proms. Il a reçu des commandes de divers ensembles et structures dans le monde tel qu'l’I.R.C.A.M en France, le MIT aux Etats-Unis, l'orchestre de symphonie de BBC et le Kronos quartet. Pendant les années quatre-vingt, Viñao a travaillé à l’IRCAM à intervalles réguliers et en 1987 il fut compositeur en résidence au M.I.T. aux Etats-Unis. En 1994 Alejandro Viñao a reçu le prix Guggenheim fellowship en composition. Sa pièce Apocryphal Dances fut présentée en première par l'Orchestre symphonique de la BBC à Londres en 1997. La même année Viñao a été invité au Japon pour présenter sa musique dans un Concert portrait et son opéra de chambre Rashomon a été présenté en première en Allemagne. Ce travail avait été commandé par ZKM pour l'ouverture de leur nouveau bâtiment à Karlsruhe. Depuis lors Rashomon a été produit à Paris, à Londres et à Gothenburg. Frances Lynch voix Frances est née à Glasgow en Ecosse. Elle est la directrice artistique et l’interprète du Electric Voice Theatre mais aussi compositrice et professeur de chant. En tant que directrice artistique du Electric Voice Theatre, Frances a joué pour Radio France, le ZKM en Allemagne, l’Opéra de Gothenburg en Suède, l’IRCAM à Paris et l'Almeida à Londres. Sa compagnie a récemment pris part à la création de “Don’t Breathe a Word” par Andrew Lovett et Fraser Grace, et elle est actuellement en résidence au Young Composer of Dyfed au Pays de Galles. En août 2007 The Electric Voice Theatre préparera le “Nye tand eh” de Paul Barker, pour sept voix, initié lors d’une résidence en Californie. En juillet 2006, elle a joué à l’ISCM World New Music Days à Stuttgart, dans “Hearing Voices” en collaboration avec le Centre de recherche dans le théâtre musical et l’Opéra à l'Université du Sussex. En septembre 2007, elle est invitée au festival Musica Viva au Portugal où elle chantera en solo avec un ensemble et un système électronique. La dernière œuvre, qu’elle a composé, “Tailgneachd nam Buidsean” (“The Witches’ Prophesy”) créée pour le Choeur Gaélique de Londres, sera jouée au Mòd en Ecosse en octobre. Elle vient également de terminer sa participation à un album celtique contemporain pour Gungho Music. Andrew Lowett compositeur Après un diplôme de musique à l’Université de Cambridge, Andrew Lovett étudie à l'Ecole de musique et au théâtre Guildhall à Londres et à l’Université de Londres où il obtint un diplôme en composition. Il se spécialise dans la composition, l'opéra et le théâtre électroacoustique. En mai 2005, l'opéra Abraham On Trial est présenté en première au Lunction Theatre de Cambridge par le Electric Voice Theatre. The Colour of Sadness pour saxophone soprano et ordinateur lui est commandé par le saxophoniste français Damien Royannais, qui l'a enregistré en 2004. Unknown Terrors pour violoncelle, clavier et électronique, fut commandé par le réseau de Sonic Arts Network, et est présentée en première par Judith Mitchell et Clive Williamson et diffusé lors d’une émission sur la radio 3 en avril 2000. Voyage pour ensemble et musique électroacoustique a été exécuté par le London Sinfonietta au théâtre de la Reine Elisabeth à Londres en avril 1999, dirigé par Martyn Brabbins. Il a également crée différentes pièces de théâtre telles que : The Cambridge Greek Play (Hippolytus (1992) and Birds (1995), and The Yellow Boat (2000), Michelle and The Landlady (2001), War Monologues, (2003, 2004), Gaugleprixtown (2005) pour la compagnie Menagerie Theatre Company.


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CRÉATION Programme

Aes-Ustum pour chanteuse et 6 instruments , Françoise Kubler (chant) Polyphem CRÉATION 2007 pour percussion seule, Claudio Bettinelli (percussions) I had a dream pour chœur et bande son Non pour zapateado et bande son, Yalda Younes, danse Entracte

Autre silence pour une chanteuse et neuf instruments, Françoise Kubler (chant) Stalinorgel CRÉATION 2007 pour accordéon et bande son, Pascal Contet (accordéon) An-Nâs pour trio à cordes et percussion Neb Ankh pour voix et électronique, Françoise Kubler (chant)

L’installation A l’extérieur de l’Hexagone, des bonbonnes de gaz sont disposées en carré, éclairées. Une bande son est diffusée par des haut-parleurs et reproduit le crépitement du feu, des souffles, des sifflements… Le chemin A l’intérieur, on emprunte une sorte de tunnel sonore. La dimension électroacoustique, chargée de créer cette sensation de volume, puise son matériau dans le souvenir de la guerre et sa transformation par la mémoire. Le Spectacle Au bout du couloir, on pénètre dans la salle obscure du concert comme pour une cérémonie. Le spectateur, assistant, par ce trajet parcouru entre des émotions primitives et leur transformation artistique, à l’alchimie de la création. Les pièces sont nombreuses, assez courtes, chacune donnant une voix singulière à l’expérience de la guerre.

Enfant de la guerre, la musique de Zad Moultaka est traversée par ses réminiscences sonores. Polyphem pose ici la question universelle de l’appropriation de la violence, de sa transformation. En proposant au regard et à la sensation acoustique des objets quotidiens (bombonnes de gaz) dont la mise en scène fabrique une beauté paradoxale, entre la banalité et la peur, l’installation plastique et sonore nous invite à expérimenter cette fascination des combats et de la mort, à interroger en nous cette part d’ombre qui peut à tout moment nous faire basculer dans la violence. Frontière ambiguë entre les deux pôles de la beauté et de l’horreur. Le concert, conçu aussi comme un spectacle, présente des pièces récentes du compositeur explorant le même univers. Une quête d’une vérité intérieure où les détournements de la haine sont déjoués par les processus de création.

Commande 38e Rugissants. Coproduction : 38e Rugissants / Hexagone, Scène nationale de Meylan / Ensemble Orchestral Contemporain / CNR de Grenoble. Avec le soutien de la SACEM, du CNR de Grenoble et de la Muse en Circuit- centre de création musicale d’Alfortville.

Zad Moultaka composition installation sonore Françoise Kubler chant Pascal Contet accordéon Claudio Bettinelli percussions Yalda Younes danse flamenca

Ensemble Orchestral Contemporain, direction Zad Moutaka Ensemble vocal Temps relatif chef de cœur Luc Denoux

“ POLYPHEM ” DE ZAD MOULTAKA (LIBAN)

GUERRE ET CREATION Installation sonore et concert

Samedi 24 Novembre - 20h L’Hexagone, Scène nationale de Meylan Séance scolaire vendredi 23 novembre 2007 à 14h30 (à partir de 12 ans) Vernissage vendredi 23 novembre à 20h et samedi 24 novembre à 19h30 (sous réserve) Durée : 1h30 avec entracte – Tarifs : de 9,5 à 20!


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Zad Moultaka composition et installation sonore Zad Moultaka poursuit depuis 1993 une recherche personnelle sur le langage musical, intégrant les données fondamentales de l’écriture contemporaine occidentale – structures, tendances, familles et signes – aux caractères spécifiques de la musique arabe – monodie, modalité, rythme, vocalité, oralité… Cette recherche est assortie à de nombreux domaines d’expérimentation : organologiques, sémiologiques, timbriques, prosodiques, harmoniques, électroacoustiques…La lente maturation d’une forme d’expression propre a fait naître, à partir de 2003, une série d’œuvres dont la périodicité s’est peu à peu amplifiée. De la musique chorale à la musique d’ensemble, de la musique de chambre à la musique vocale soliste, des installations sonores à la chorégraphie… Aujourd’hui Zad Moultaka ressent le besoin d’expérimenter, d’une façon plus approfondie, ce qu’il a déjà mis en œuvre dans ses partitions antérieures. Après avoir tissé des relations fructueuses avec des musiciens, des ensembles instrumentaux et vocaux et bâti de véritables aventures avec Ars Nova, le Chœur de chambre les Eléments, les ensembles Sillages et Symblema, Musicatreize, le Netherland Radio Choir, le chœur de chambre de Strasbourg…, il vient de signer, à travers son projet “ Mezwej “ une convention de résidence avec la Fondation Royaumont. Ce projet, très spécifique, est centré autour de l’articulation des langages musicaux, à la charnière écriture / oralité et met en œuvre le versant “ hérité ”, arabe, de sa personnalité musicale. Ensemble Orchestral Contemporain L'Ensemble Orchestral Contemporain créé en 1992, dirigé par Daniel Kawka, est une formation modulable de 15 à 35 musiciens. Sa vocation est de promouvoir l'expression sonore incarnée par l'instrumental pur, la mixité des sources (instrumentale et électroacoustique), la théâtralité, sous toutes ses configurations d'émission, à travers des programmations thématiques et un répertoire allant des oeuvres classiques du XXème siècle, à la création de compositeurs vivants. Luc Denoux chef de cœur Après des études de musicologie, Luc Denoux s’oriente vers l’art vocal et choral et suit la classe de direction de choeur de Bernard Tétu au CNSM de Lyon. Il débute sa carrière en conduisant les chœurs de l’Opéra de Tours ainsi que l’orchestre et les chœurs de l’université de musicologie de cette ville. Très intéressé par la pédagogie et la pratique des chœurs d’enfants, il dirige ensuite six années la maîtrise de Dole Franche-Comté, conduisant ce chœur d’enfants à un très haut niveau : Cantates de Bach, messe de Charpentier au festival du Haut Jura, ou Requiem de Mozart sous la baguette de J.C Malgoire à l’Opéra Théâtre de Besançon. Poursuivant ce lien entre pratique artistique et pédagogie, il est depuis 1999 professeur chef de chœur au CNR de Grenoble, où il met en place un enseignement nouveau de chant choral de l’enfance à l’âge adulte. Depuis trois années, il est chargé par le Conseil Général de l’Isère de développer des activités vocales et chorales tissant des liens entre la pratique professionnelle et la pratique amateur. Avec la naissance de « Temps relatif » - ensemble vocal, il met ainsi en place une pratique professionnelle dans le département.

Temps relatif Ensemble vocal à géométrie variable basé à Grenoble, Temps relatif produit des concerts en s’attachant à tisser des liens à travers le temps et l’espace. Il cherche à relier l’auditeur d’aujourd’hui aux musiques du passé, l’artiste d’hier à celui d’aujourd’hui, l’auditeur à la diversité des musiques. Il met en valeur les répertoires des musiques contemporaines en les rendant accessibles aux publics les plus divers. Françoise Kubler chant À la suite de sa rencontre avec Cathy Berberian, Françoise Kubler explore de nombreuses facettes du répertoire contemporain : Berg, Webern, Schoenberg, Berio, Boulez, et devient l’interprète privilégiée de compositeurs comme F.-B. Mâche, Pascal Dusapin, James Dillon, Philippe Manoury, Georges Aperghis, Marc Monnet, Ivan Fedele… En 1981, elle a fondé avec Armand Angster (clarinettiste) l’ensemble Accroche Note spécialisé dans la création l’interprétaion des œuvres contemporaines. Elle se produit en soliste en France et à l’étranger sous la houlette de chefs prestigieux, tels que David Robertson, Pierre Boulez, Peter Eötvös… D’autres ensembles dirigés font appel à sa voix : l’ensemble Ictus, l’ensemble InterContemporain, Ars Nova… Elle aime également à interpréter les pages les plus classiques du répertoire romantique et de la musique française… Son attachement à la musique improvisée l’a accompagnée tout au long de son parcours et l’a enrichie grâce à des partenaires ingénieux : M.-P. Drouet, Armand Angster, J.-D. Hégé, ou encore Irène Schweitzer avec qui elle a fondé un duo chant et piano en 2002.


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Claudio Bettinelli percussions Percussionniste, soliste, membre de l’ensemble orchestral contemporain de Lyon. Il créera la pièce Polyphem pour percussion seule le 24 novembre 2007 à l’Hexagone Meylan (Grenoble) dans le cadre du Festival 38e Rugissants et de l’événement "Polyphem", guerre et création, conçu par le compositeur Zad Moultaka. Claudio Bettinelli obtient en 2002 son certificat d’études supérieures du CNSMD de Lyon (classe de Jean Geoffroy). Sa démarche créatrice incite le jury à lui décerner une mention spéciale “originalité du programme” puis il reçoit un prix spécial “originalité des instruments” au concours international de percussions de Genève. Très ouvert musicalement, il affectionne de vivre des expériences très diversifiées en ce domaine, touchant aussi bien la musique classique que la musique contemporaine, ou le théâtre musical, l’improvisation, et la musique assistée par ordinateur.

Pascal Contet accordéon Après des études en Allemagne (Musikhochschule de Hanovre chez Elsbeth Moser) et au Danemark (Conservatoire Royal de Copenhague chez Mogens Ellegaard), Pascal Contet s’est fait connaître en France depuis 1993 et en Europe pour son travail sur le nouveau répertoire pour accordéon. Il a collaboré avec de nombreux compositeurs. De 2002 à 2005 il a été directeur du festival “ Mon bel accordéon “ diligenté par le Théâtre 71 de Malakoff. En 2006, le Parc de la Villette lui demande de programmer deux jours autour de l’accordéon “ Des Rives d’accordéon “. A partir de la saison 2007-2008, Pascal Contet sera artiste-associé auprès de l’Allan – Scène Nationale de Montbéliard dirigée par Didier Levallet.

Yalda Younes danse flamenca Yalda Younes est danseuse. Proche d’Israël Galván, elle cherche dans le flamenco une rigueur et un “ sello “ très personnel pour aborder les rivages de la création contemporaine. Ses origines libanaises, son imprégnation de la culture orientale, donnent à ses gestes une force et une fragilité nées de cette ambiguïté initiale. Née à Beyrouth le 13 avril 1978, Yalda Younes a suivi toute son enfance des cours de ballet classique à l’Académie Garzouzi de Beyrouth, sous la direction de Rafik Garzouzi, danseur libano-brésilien. En juin 2006, Yalda Younes créée “ NON “ de Zad Moultaka, une œuvre musicale et chorégraphique, pour environnement électroacoustique et zapatéado, violent réquisitoire contre la guerre. Cette pièce créée à Beyrouth, en hommage au journaliste Samir Kassir, assassiné un an plus tôt, est reprise plusieurs fois (Sanlucar de Barrameda, Fondation Royaumont, Paris, Marseille, Toulouse, Bilbao, etc…).

Les Œuvres

Aes Ustum pour soprano et ensemble

Aes ustum est un terme alchimique qui désigne l’oxyde de cuivre ou la chaux de Venise. Tiré d’un livre sur l’alchimie ancienne, ce texte de Roger Bacon a servi de base pour l’écriture de cette oeuvre. Le fer, le cuivre, le plomb, l’étain, l’argent et l’or, six matières traversées par une voix soprano et mis en vibration par six instruments. Oscillant sans cesse entre écriture mesurée et récitatif (stabilité et instabilité), cette matière cherche en vain, à se libérer de sa propre pesanteur et reflète ainsi la condition tragique des Hommes. La pièce se termine par l’or aussi “ misérable “ que le fer avec une légère transformation du timbre. Le “ fer ” et “ l’or ” le “ bien ” et le “ mal ”, malheureuses notions fondatrices de notre monde contemporain. Polyphem pour percussion seule Cette pièce donne son nom à l’ensemble du projet. Polyphem désigne un missile anti-navire subsonique à moyenne portée (spécialisé dans les frappes chirurgicales) et c’est aussi le nom du fils de Poséidon et de la nymphe Thoosa, vaincu par la ruse d’Ulysse, géant mythologique à un seul oeil. I had a dream pour chœur et environnement électroacoustique

Construite sur le fameux discours de 1963 de Martin Luther King, cette pièce d’essence vocale, met en relief les schémas rythmiques et mélodiques de la rhétorique noire américaine. La bande son reprend intégralement le discours du pasteur, le chœur en suit chaque fluctuation vocale, chaque fois que la parole s’approche de l’ombre d’un chant, ce mouvement est capté et prolongé par le chœur, ce même processus étant utilisé pour les séquences rythmiques.


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Chaque scansion est répercutée par la masse vocale et deux grosses caisses, révélant ainsi un chant et une pulsion intérieure profonde, essence même du gospel.

Non, hommage à Samir Kassir pour zapateado et diffusion électroacoustique avec Yalda Younes, danse. (2006)

Cette pièce, écrite en hommage à Samir Kassir, assassiné le 2 juin 2005, puise dans le matériau de la mémoire, de la guerre, de la peur et de la fascination que le compositeur transforme. Sous les pas de la danseuse rugissent les sons des mitraillettes, des explosions, dans une lutte et un rituel quasiment tauromachique, une dimension tragique qui renforce le sentiment d’une Liberté inaliénable. Autre silence pour contralto et ensemble

Autre silence semble clôturer un cycle. Le compositeur visite les vestiges d’un monde disparu. Où l’on reconnaît des fragments d’une vie antérieure. Cette pièce, chantée en arabe, est particulièrement orientale dans son rapport au vide et au silence. Comme une aspiration. La vacance d’un secret. L’état intérieur est privilégié au détriment d’une quelconque action. “ Je sais qu’ils ne veulent pas que je parle d’eux, car chaque fois que je le fais, ils se rappellent le massacre. Les morts se souviennent, les souvenirs sont aussi poignants que des couteaux. ” Stalinorgel pour accordéon et bande son

Cette pièce pour accordéon solo est accompagnée d’une bande son, celle-ci utilise les ressources exploitées dans l’installation plastique et sonore du parvis (bonbonnes de gaz et haut parleurs). Crépitement de feu, souffles, claquements et sifflements mettent en résonance et prolongent la personnalité de l’accordéon. Entre gestes violents et désespérés pour conjurer la guerre et chants et respirations plaintifs, cette pièce emprunte son nom au lanceroquettes russe Katioucha surnommé Stalinorgel par les Allemands. An Nâs pour trio à cordes et percussions

An Nâs est une œuvre de musique de chambre pour trio à cordes et percussions. Elle se compose de quatre “ solos ” successifs : violon, alto, violoncelle et percussions, relativement lents et “ aérés ”. Après cette exposition, ils sont suivis de la reprise en tutti de ces mêmes quatre parties qui à présent se superposent. Le tout est enchaîné dans un grand recueillement et ressemble à une cérémonie rituelle. L’oreille, qui s’est déjà accoutumée à chaque forme, jouit d’en reconnaître les traces, tout en découvrant, déconcertée, une cinquième forme, comme quelque chose de latent qui resurgit. Neb Ankh pour voix et environnement électroacoustique

Cette pièce en trois mouvements, est un travail sur les mélismes, les lignes orientales et toutes les possibilités et les ressources de la voix, de la parole, de l’énergie. Telle une Nefertiti moderne, lors de son dernier voyage dans un sarcophage égyptien, la chanteuse, emporte avec elle les objets qu’elle a aimés dans sa vie, et leur environnement sonore : ustensiles de cuisine, cosmétiques, sons d’aujourd’hui, musiques, un parfum de variété arabe...


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CRÉATION Programme Ta mikra Dimotika, extraits Epigrammes d’Alexandros Markeas Folk Songs, Loosin yelav, Azerbaijan love song, Rossignolet du bois, A la femminisca de Luciano Bério extraits de Il Primo Omicidio d’Alessandro Scarlatti Lamento della Ninfa de Claudio Monteverdi Musiques traditionnelles (chansons afghanes et turques, kolos / danses yougoslaves) Textes de Nicolas Bouvier extraits de L’Usage du monde et de Le dehors et le dedans Plus que des concerts, ce sont des voyages que Mirella Giardelli suscite et c’est à une nouvelle échappée qu’elle nous invite. Elle s’est, pour ce faire, entourée de Roula Safar. Cette chanteuse et guitariste d’origine libanaise à la voix exceptionnelle et singulière ne s’interdit aucune audace ni curiosité et a exploré les origines des musiques populaires et savantes. L’écouter, c’est entrer en musique dans les plus anciennes civilisations, retrouver l’essence de la musique baroque, et même, à travers l’écriture de nos compositeurs contemporains, saisir le primitif. Six musiciens de l’Atelier des Musiciens du Louvre-Grenoble participeront à l’aventure. Ils tresseront ensemble un moment unique placé sous le signe du métissage des répertoires (chants traditionnels afghans et turcs, Monteverdi, Scarlatti mais aussi Bério et le jeune compositeur contemporain Alexandros Markeas….) Entremêlés aux notes, les mots du voyageur et photographe Nicolas Bouvier soutiendront cette errance à travers les continents et les siècles. Et puisque ce concert sera matinal, le public sera invité à poursuivre le voyage culinairement autour d’un brunch et à prolonger le plaisir avec un moment d’échange musical improvisé entre Roula Safar, les musiciens de l’Atelier des Musiciens du Louvre-Grenoble et les musiciens grecs, catalans, du Maghreb… de passage à Grenoble dans le cadre du Festival des musiques méditerranéennes.

Le brunch sera sous la forme d’un buffet où chacun pourra, s’il le souhaite, acheter des spécialités orientales pour se restaurer. Commande et Coproduction : Les Musiciens du Louvre-Grenoble / 38e Rugissants Avec la complicité d’AMAL / Festival des musiques méditerranéennes

L’Atelier des Musiciens du Louvre · Grenoble Mirella Giardelli Clavecin et direction artistique Geneviève Bois, Laurent Lagresle, Simon Dariel, violons Nadine Davin, alto Pascal Gessi, violoncelle André Fournier, contrebasse Roula Safar voix, guitare et percussions

“ TRANS-BAROQUE EXPRESS “

LES MUSICIENS DU LOUVRE – GRENOBLE ET ROULA SAFAR (LIBAN)

Brunch musical

Dimanche 25 Novembre – 11h30 Salle Olivier Messiaen - Grenoble 1ere partie : 1h15 suivi d’un brunch (hors compris dans le prix du billet) 2ème partie : échange musical improvisé (durée improvisée… ) Tarifs : de 9 à 17!


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Roula Safar voix, guitare, percussions

Roula Safar s’accompagne de la guitare et d’instruments de percussions. Quand elle arrive en France au mois de mai 1976, fuyant avec sa famille la guerre du Liban, elle ne sait pas encore qu’elle deviendra mezzo-soprano, mais elle est déjà certaine de son engagement pour l’art pour la paix. D’ailleurs sa famille l’encourage depuis toujours à chanter et à jouer de divers instruments, tout comme son frère - Jean-Claude Séférian - qui fait une carrière européenne d’auteur-compositeur-interprète. Roula Safar a aussi plus d’une corde vocale à sa guitare. Elle chante notamment sous la direction de Colemann, Denève, Davin, Foster. En musique contemporaine, elle crée le rôle de « la femme du tailleur » dans l’opéra Go-gol de Levinas, Les Aragon de Levinas, Femmes et Piranhas de Baschet, Salam-shalom de Larbi. Depuis son arrivée en France elle redécouvre la poésie arabe arabophone, qu’elle met en musique avec autant de bonheur que la poésie arabe francophone de Georges Schéhadé ou de Nadia Tuéni. Ses récitals de créations personnelles sont des moments de rêve et de partage où l’homme retrouve sa dignité.

Mirella Giardelli directrice artistique de l'Atelier des Musiciens du Louvre – Grenoble Mirella Giardelli pianiste et claveciniste de formation, a été l’assistante musicale de Jean-Claude Malgoire à l’Atelier Lyrique de Tourcoing où elle a assuré les fonctions de cheffe de chant. Très vite, elle se voit également confier la direction musicale d’opéras. Au cours de l’été 1997, elle est engagée par le Festival de Salzbourg comme cheffe de chant pour un opéra de Mozart dirigé par Marc Minkowski. Dès lors, elle participe aux productions des Musiciens du Louvre - Grenoble. A partir de 2003, elle s’installe à Grenoble et imagine un nouveau projet artistique et culturel en lien avec le travail de Marc Minkowski, basé sur une forte composante expérimentale et ancré dans le territoire rhône-alpin : ainsi naît l’Atelier des Musiciens du Louvre-Grenoble. Parmi les productions de l’Atelier : L’enfance de l’art (où L’Art de la Fugue de Bach s’entremêle aux souvenirs des années d’apprentissage de musiciens), Philémon et Baucis (opéra pour marionnettes de Haydn mis en scène par Emilie Valantin), un feuilleton Stendhal (série de concerts-lecture autour de La Chartreuse de Parme), le Jeu de la Grenouille

(Platée de Rameau en version nomade et ludique), 1707 : Il Primo Omicidio (d’A.Scarlatti, mis en scène par B. Meyssat), Tendres Ténèbres (un concert-lecture avec Nancy Huston, d’après un texte original écrit et lu par l’auteur), Poulenc : poétiques correspondances (proposition théâtrale et musicale autour de la vie de Francis Poulenc), Giono/Schubert - un roi sans divertissement. (concert-objet radiophonique entremêlant le Voyage d’hiver de Schubert et des extraits du Roi sans divertissement de Giono). L’Atelier des Musiciens du Louvre - Grenoble Placé sous la direction musicale de Mirella Giardelli, l’Atelier des Musiciens du Louvre - Grenoble a été créé en janvier 2005. Conçu en contrepoint de l’activité orchestrale des Musiciens du Louvre - Grenoble, le projet d’Atelier s’inscrit dans une culture du répertoire, une attention au style et une polyvalence dans l’interprétation que partagent Marc Minkowski et Mirella Giardelli. Véritable « académie de musique », l’Atelier dépasse la seule logique orchestrale. Il associe différentes disciplines (musique, théâtre, littérature, marionnettes) et différents acteurs (musiciens de l’orchestre, chœurs constitués, musiciens amateurs, jeunes professionnels…) à la recherche de nouvelles formes de concerts. En découle une saison de rêveries musicales, de formes inattendues et une incursion dans le répertoire abordé par des biais originaux. Parmi les productions de l’Atelier : L’enfance de l’art (où L’Art de la Fugue de Bach s’entremêle aux souvenirs des années d’apprentissage de musiciens), Philémon et Baucis (opéra pour marionnettes de Haydn mis en scène par Emilie Valantin), un feuilleton Stendhal (série de concerts-lecture autour de La Chartreuse de Parme), le Jeu de la Grenouille

(Platée de Rameau en version nomade et ludique), 1707 : Il Primo Omicidio (d’A.Scarlatti, mis en scène par B. Meyssat), Tendres Ténèbres (un concert-lecture avec Nancy Huston, d’après un texte original écrit et lu par l’auteur), Poulenc : poétiques correspondances (proposition théâtrale et musicale autour de la vie de Francis Poulenc), Giono/Schubert - un roi sans divertissement. (concert-objet radiophonique entremêlant le Voyage d’hiver de Schubert et des extraits du Roi sans divertissement de Giono).


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Alexandros Markeas (18 novembre 1965 à Athènes) Né en 1965 à Athènes, Alexandros Markeas étudie le piano et l’écriture au Conservatoire National de Grèce. Etudes qu’il poursuit au CNSM. Parallèlement il se consacre à la composition. Il suit au CNSM les classes d’écriture, d’analyse et de composition de Guy Reibel, Michael Levinas, Marc-André Dalbavie et obtient les premiers prix de contrepoint, fugue et composition. Il est aussi sélectionné pour suivre le cursus annuel de composition et d’informatique musicale de l’IRCAM. Cherchant à enrichir son travail au contact de différents domaines d’expression (texte, théâtre, arts plastiques, vidéo), il s’intéresse au théâtre musical, à la musique pour l’image, ainsi qu’à la composition pédagogique. Il obtient des commandes de l’Etat Français, de Radio France, du Musée du Louvre, du Centre d’Art Polyphonique, de la Fondation Royaumont, du Festival Roma Europa, du Festival d’Aix en Provence, du Festival d’Athènes... En 1999 il est nommé pensionnaire de l’Académie de France à Rome à la Villa Médicis et en 2001 il reçoit le prix Hervé Dujardin de la SACEM.

Luciano Berio (24 octobre 1925 à Oneglia, 27 mai 2003 à Rome) Compositeur italien réputé pour ses travaux expérimentaux et son travail de pionnier dans la musique électroacoustique. En 1951, il se rendit aux États-Unis à Tanglewood pour étudier chez Luigi Dallapiccola qui poussa son intérêt vers les principes du sérialisme. Il participa aux Ferienkurse für Neue Musik à Darmstadt où il fit la connaissance de Pierre Boulez, Karlheinz Stockhausen, György Ligeti et Mauricio Kagel. Il commença à s’intéresser à la musique électronique et fonda en 1955 à Milan le « Studio di Fonologia Musicale » avec Bruno Maderna. Il y invita de nombreux compositeurs comme Henri Pousseur et John Cage. Entre autre, il devint éditeur d’une revue consacrée à la musique expérimentale, les « Incontri Musicali ». En 1960, il retourna à Tanglewood et, à l'invitation de Darius Milhaud en 1962, il devint professeur au Mills College à Oakland, Californie. À partir de 1965, il enseigna à la Juilliard School of Music où il fonda l’« Ensemble Juilliard » qui se consacre à la musique contemporaine. En 1966, il gagne le « Prix Italia » pour son œuvre Laborintus II. En 1968 sera présentée au public son œuvre la plus marquante, la Sinfonia. En 1972, il retourna en Italie. De 1974 à 1980, il fut directeur du département d’acoustique de l’IRCAM à Paris. À Florence, il fonda, en 1987, le Tempo Reale, un centre de même orientation que l'IRCAM. De 1994 à 2000, il fut compositeur en résidence à Harvard. Il y composa jusqu’à la fin de sa vie. Il meurt le 27 mai 2003.

Alessandro Scarlatti (2 mai 1660 à Palerme, Naples le 24 octobre 1725) Né à Palerme en 1660, ses parents l’envoient suivre des études musicales à Rome dès l’âge de 12 ans. Son premier opéra, Gli equivoci nel sembiante (1679), obtient à Rome et ailleurs un grand succès et lui vaut d’être nommé maître de chapelle de la reine Christine de Suède. De retour en Italie, il quitte Rome pour Naples vers 1683 et dirige alors la troupe du Théâtre San Bartolomeo. Puis, de 1684 à 1703, il est maître de la Chapelle royale de Naples. Entre 1703 et sa mort, il ne parvient pas vraiment à trouver de poste satisfaisant. En 1715, le Pape le nomme chevalier. Deux ans plus tard, il revient à Rome où il peut assister au succès de son opéra Il trionfo dell’onore, repris 18 fois à Naples. Il passe les trois dernières années de sa vie retiré à Naples. Alessandro Scarlatti n’appartient à aucune école connue, on ne possède aucun renseignement précis ni sur ses maîtres, ni sur ses élèves. Néanmoins, dans une certaine mesure, ses très nombreux opéras constituent un lien entre l’opéra vénitien et l’opéra napolitain.

Claudio Monteverdi (15 mai 1567 à Crémone, Venise le 29 novembre 1643) Figure clé entre la Renaissance et le Baroque, Giovanni Antonio Claudio Monteverdi fut un compositeur de tout premier rang, conscient de sa place de choix dans l’évolution de la musique de l’époque et capable comme nul autre d’intégrer évolutions formelles, mises en musique de textes, harmonie et ornementation dans les traditions dont il avait hérité. Né à Crémone en 1567, il va passer la première partie de sa vie (jusqu’en 1612) à la cour de Mantoue au service du duc Vincenzo Gonzague. Il y compose essentiellement des madrigaux et deux des œuvres les plus célèbres de l’histoire de l’opéra : L’Orfeo (1607) et L’Arianna (1608). En 1613, il prend le poste de maestro di capella à San Marco de Venise. Ayant survécu à la peste qui frappe Venise en 1630-1631, Monteverdi entre dans les ordres l’année suivante. Plusieurs théâtres d’opéra publics s’étant ouverts à Venise à partir de 1637, le compositeur vieillissant se voit demander de nouveaux ouvrages dramatiques.


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Originaire d’Iran, l’ensemble Shanbehzadeh interprète principalement la musique de Bousher, province du Sud du pays, dans le golfe persique. Cette région se caractérise par le mélange de traditions persanes, arabes, africaines et indiennes qui a constitué au fil du temps et dans la vie de tous les jours, une identité particulière et singulière en Iran. L’ensemble Shanbehzadeh est interdit de concert à Téhéran depuis 10 ans pour avoir joué une musique trop festive et trop dansante au goût du pouvoir réligieux. Saeid Shanbehzadeh est un véritable spécialiste du Neyanban (cornemuse iranienne). Il sort de son instrument des sons envoûtants et étonnants, proches parfois du free jazz. Egalement excellent danseur, son corps et son instrument ne font plus qu’un pour une démonstration surprenante qui évoque la transe. Ce n’est plus uniquement une musique traditionnelle qu’il nous interprète mais une musique nouvelle dans laquelle il introduit des sonorités particulières et des improvisations personnelles. Pause café proposée par le secours populaire Coaccueil : 38e Rugissants / Conseil général de l’Isère : Service des pratiques artistiques - Culture et lien social

Saeid Shanbehzadeh chant, Neyanban (cornemuse iranienne) Naghib Shenbezhadeh tombak, zabertempo

SAEID ET NAGHIB SHANBEHZADEH

(IRAN)

Dimanche 25 Novembre – 16h30 & 18h Musée dauphinois - Musiques au cœur des musées – Grenoble Durée : 1h15 – Entrée libre


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CRÉATION Depuis de nombreuses années, Ziya Azazi mélange dans son atelier les danses contemporaines occidentales, les danses classiques orientales et les danses rituelles soufies. Le tournoiement du derviche tourneur lui sert de point de départ de son travail à travers la danse improvisée occidentale. De la même façon que les derviches tourneurs cherchent à atteindre les frontières de leurs limites physiques et mentales, Ziya transforme cette rotation rituelle en une chorégraphie subtile où chaque mouvement, chaque révolution entraîne lentement le danseur vers sa propre métamorphose. C’est un même engagement que Serge Adam adopte dans son rapport à l’instrument. Trompettiste atypique, manipulateur de son, il multiplie les expériences artistiques aux limites de l’improvisation, de l’expérimentation sonore, curieux des rencontres inédites avec les autres arts. Tel un explorateur des états musicaux instables, il développe sa musique dans un aller et retour incessant entre engagement physique avec l’instrument et détachement aérien de l’électronique. Dans cette rencontre inédite, Ziya Azazi et Serge Adam sur une même scène, ce sont deux parcours atypiques, guidés par une même recherche : le centre de gravité de leur propre démarche qui attire et absorbe le mouvement chorégraphique et le geste instrumental dans un même “ vortex ” assimilant deux cheminements, l’un puisant ses racines dans le temps dilaté des rituels de transe soufie, l’autre dans le temps suspendu de l’improvisation. Commande et production 38e Rugissants. En collaboration avec Quoi de Neuf Docteur et le Tanzhaus NRW de Düsseldorf Avec le soutien de l’ Hexagone de Meylan. Quoi Quoi de Neuf Docteur est soutenu par la Drac Ile de France et la Sacem

Ziya Azazi (Turquie) chorégraphie, danse Serge Adam (France) composition, trompette, électronique

ZIYA AZAZI / SERGE ADAM (TURQUIE / FRANCE)

Mardi 27 Novembre – 20h Hexagone, Scène nationale de Meylan Durée : 1h – Tarifs : de 9,5 à 20 euros


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Serge Adam composition, trompette, électronique Après une formation en trompette, analyse musicale et écriture aux Conservatoires de Caen et de Versailles, et d’improvisation à l’IACP avec Alan Silva et Itaru Oki, Serge Adam mène une double activité de compositeur et de trompettiste improvisateur. Lauréat de plusieurs concours de composition (la Défense, Besançon), il a écrit des pièces pour la danse contemporaine (Tootoo Tentation), pour l’ensemble de trompettes de Paris (Blindheadir). Aujourd’hui, davantage tourné vers des performances interactives, intégrant de l’improvisation, de l’écriture et de la technologie (électronique, vidéo) quelque soit le nombre de solistes et la taille de l’orchestre, Serge Adam développe des projets de rencontres, où l’interaction devient plus construite, tout en restant instinctive.

Ziya Azazi chorégraphie, danse Ziya Azazi est né en 1969 dans l'Antakya en Turquie. En 1986 il s’installe à Istanbul où il obtient un diplôme d’ingénieur des mines. De 1989 à 1992, il apprend la gymnastique en autodidacte. Puis il est engagé au théâtre d'état d'Istanbul de 1990 à 1994, où il crée ses premières œuvres chorégraphiques. Il s’installe à Vienne en 1994 et poursuit son travail avec la danse contemporaine et la gymnastique. Entre 1994 et 1999, il participe à de nombreux festivals et travaille avec différents groupes de danse viennois. En 1999 il reçoit la bourse du “Summer dance week

vienna (danceweb)” avec mention honorable du jury européen en tant que "danseur d’Autriche le plus exceptionnel de l'année ". Il a reçu ce prix pour l’interprétation de son solo "Unterwegs tabula rasa". De 2000-2002, Ziya Azazi fut engagé comme danseur au "Volksoper de Vienne", au "theaterhaus Stuttgart " et " Grand théâtre de Genève". En 2004, il a travaillé avec Jan Fabre pour le Trobleyn . Il a dansé dans de nombreux pays européens, en Afrique du Nord, au Proche-Orient et au Moyen-Orient, en Amérique latine et aux Etats-Unis. Il a travaillé avec, entre autres, Cem Ertekin, Aydin Teker, Sebastian Prantl, Philippe Arlaud, Anne-Marie Gros, Ismael Ivo, Marcia Haydée, Yoshi Oida, Thierry Smits and Jan Fabre. Depuis 1999, il étudie la danse traditionnelle des soufis (derviches tourneurs) et il a chorégraphié beaucoup d'interprétations sur ce thème comme ses solos le “work in progress I & II . Il a aussi interprété des danses traditionnelles avec Mercan Dede, Sertap erener and sabri tulug tırpan. Avec ses deux solos “Dervish in progress” et 'Azab" (qui a été présenté en première en 2005 au Brésil), il a joué en Autriche, en Allemagne, en Belgique, en Hollande, en Hongrie, en Turquie, en Italie, en Espagne, en France, en Angleterre, au Brésil, au Venezuela, en Colombie et en Iran. Ces solos font partie intégrale de son spectacle "derviche" qui tourne actuellement dans le monde entier.


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Projection sur copie neuve du film “ Les aventures du prince Ahmed “ de Lotte Reiniger (Allemagne, 1924-1926). Le prince Ahmed, fils du calife, pour s’être opposé au mauvais mage qui convoite sa sœur Dinarsade, est emporté dans les airs par le cheval enchanté du mage. Parvenu au pays Wak-Wak, il s’éprend de sa reine Pari Banu. Mais le mage enlève la reine qu’il vend à l’empereur de Chine comme épouse. Réalisé au début des années vingt, ce film est à la fois l’un des chefs-d’œuvre esthétiques du cinéma d’animation, le premier long métrage du genre, l’une des œuvres les plus originales du cinéma expérimental et d’avant-garde de l’époque, et la plus raffinée et appropriée des illustrations des Contes des Milles et Une Nuits transposée à l’écran. Les Aventures du Prince Ahmed réussit une synthèse expressive d’une rare richesse. Le film renoue avec les arts les plus anciens de l’“animation“ où s’origine le cinéma. Ceux millénaires des théâtres d’ombres orientaux, dits ombres chinoises, qui donnaient vie, comme ici, aux aventures, exploits et métamorphoses des personnages ; puissances et lieux mythologiques dont les récits merveilleux des Mille et Une Nuits forment une anthologie. Suivi d’un débat avec François Cau du Petit Bulletin Films en multidiffusion au Méliès (d’autres films sur le thème de l’Orient sont en cours de programmation)

En partenariat avec le Méliès et le Petit Bulletin

“ LES AVENTURES DU PRINCE AHMED ” DE LOTTE REINIGER

Film d’animation

Mercredi 28 Novembre – 14h15 Cinéma le Méliès - Grenoble Durée : 1h45 (film 1h15 – débat : 30mn)


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Spectacle jeune public

Histoire de se remémorer que juifs, chrétiens et musulmans s’abreuvent aux sources du même

livre.

Histoire de goûter à ce qui nous différencie.

Histoire de laisser dire aussi par la musique ce que la parole orientale nous inspire.

Histoire encore de se laisser surprendre par les mélodies et la malice de ces histoires toujours

débordantes de vie sitôt désenfouies.

Les contes d’origine religieuse entrent souvent en littérature sous la forme d’histoires pétries de bonnes intentions, et somme toute, un peu fastidieuses. La tradition orale en revanche a longtemps véhiculé un tout autre répertoire qui, en conservant une stricte inspiration religieuse, constitue un contrepoint subtil au droit chemin. Car on peut exprimer là avant que la parole ne soit couchée sur le papier les méandres de la vie véritable et les difficultés à suivre la règle. Pour cette raison même, les histoires édifiantes du quotidien le deviennent véritablement, en portant en elles comme un parfum de souffre ; la morale et son contraire ; la peur et le rire de Dieu ; le bon et le mauvais caractère... En marge du bon ton et des jugements de valeur, les “ Histoires tombées du ciel ”, contes des sages juifs, chrétiens et musulmans, vont puiser aux sources de ces traditions populaires. Le spectacle, théâtral et musical, brasse et entremêle les trois traditions du Livre. Toutefois, chacune des traditions parle dans sa tonalité, et c’est à travers leurs assonances et leurs dissonances, que les histoires trouvent ici toutes leurs saveurs. Ainsi, les différents héros, prêtres, rabbins, derviches, saints, illuminés, ou communs mortels, cherchent et poursuivent leur voie, avec mille interrogations, un fin sourire, et surtout… en bonne intelligence.

Coaccueil : 38e Rugissants / Espace 600, Scène Rhône-Alpes

Jean-Jacques Fdida voix, centour Haroun Teboul oud, voix, ney Keyvan Chemirani zarb, daf, udu

“ HISTOIRES TOMBEES DU CIEL ” Contes juifs, chrétiens et musulmans

Mercredi 28 Novembre – 19h30 Espace 600 - Grenoble Séances scolaires Mardi 27 Novembre – 9h30 & 14h30 (à partir de 11 ans) Durée : 1h15 – Tarifs : de 4,5 à 12 euros


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Jean-Jacques Fdida voix, centour Jean-Jacques Fdida a grandi à Paris dans le quartier de Belleville, au carrefour de différentes langues, couleurs, et traditions du monde. Depuis, son goût des différences et des mélanges n’a jamais cessé de nourrir son travail de création. Auteur, musicien, comédien et metteur en scène, Jean-Jacques Fdida entremêle jeu d’acteur, musique et contage. Grand amateur de musique , il joue du Santour. De ses rencontres avec des musiciens venant du Jazz, de la musique classique ou traditionnelle, jaillit une nouvelle forme de spectacle, où parole et musique sont en pleine harmonie. Sur scène, on le retrouve avec compositeurs et interprètes tels que, Jean-Marc Padovani, Elise Caron, Jean-Marie Machado, Keyvan Chemirani, Anello Capuano, Heroun Teboul … Lauréat de la Villa Médicis Hors les Murs, Jean-Jacques Fdida travaille actuellement à Jérusalem sur les contes et récits de tradition orale liés au Livre de la Genèse.

Haroun Teboul oud, voix, ney Haroun a étudié la musique classique ottomane et la musique Soufie pendant quinze années auprès de Kudsi Erguner, maître incontesté du ney et musicologue renommé. Il approfondit sa pratique des autres instruments en Turquie, au Conservatoire d'Istanbul auprès de musiciens de l'orchestre de Radio Istanbul, notamment avec le virtuose Mehmet-Emin Bitmez pour le Oud, et le Tenbur. Son style de chant est directement inspiré de celui des Muezzins d’Istanbul, qu’il a fréquenté en Turquie, mais également lors des tournées des « Derviches tourneurs », auxquelles il a participé en Europe et dans le monde. Au delà de la musique classique ottomane, il a abordé différentes musiques populaires avec des musiciens turcs, kurdes, arméniens, arabes du Moyen-orient et d'Afrique du Nord, berbères et indiens. Il figure aujourd'hui parmi les quelques musiciens européens ayant une formation traditionelle de haut niveau, et sa virtuosité personnelle lui permet d'aborder avec aisance les mélanges les plus novateurs. Keyvan Chemirani zarb, daf, udu

Keyvan Chemirani a commencé à apprendre le Zarb dès l’âge de 13 ans auprès de son père, assimilant rapidement la technique et le savoir traditionnel. En 1989, il entame une carrière internationale en tant que soliste et accompagnateur. Il joue aussi du udu, une cruche en terre utilisée en Orient et en Afrique, ainsi que du bendir et du riqq, deux percussions méditerranéennes. Avec son père et son maître Djamchid et son frère Bijane, ils forment le Trio Chemirani et se produisent partout dans le monde. Tout en puisant dans la poésie persane, les Chemirani composent et développent des formes modernes où l’accent est mis sur les polyrythmies et sur la multiplicité des sons ; le trio dévoile à son auditoire les possibilités infinies des percussions persanes. La parfaite concision du langage, la vertigineuse circulation du dialogue, la variation infinie du toucher conjuguées avec une complicité hors du commun, font de cette formation une réussite scénique et discographique complète. Musicien prolifique et curieux, Keyvan Chemirani donne de nombreux concerts avec différentes formations traditionnelles : avec Hassan Tabbar (musique traditionnelle persane), l’Ensemble Kudsi Erguner (musique ottomane), l’Ensemble Méditerranéen de Pedro Aledo, l’Ensemble de Ross Daly (musique grecque et turque), l’Ethnic Archipel (quartet de percussions), Juan Carmona (flamenco), avec Irshad Hussein Khan, Ravi Shankar Mishra (rencontre de percussions indienne et iranienne ). De même avec des formations de jazz, de musique contemporaine ou improvisée : Chant harmonique avec David Hykes, le Quartet de world-music « Ur » avec Michel Bismut, Jorge Pardo et Nabil Khalidi, le Trio Alazar avec Carlo Rizzo et Michel Montanaro, le Septuor Vibracordes, le Duo Machado-Chemirani, le Quartet Chant du Monde avec Jean-Marc Padovani.


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CRÉATION

Ce spectacle est né en 2005 de la réunion de cinq artistes français sous la tutelle de l’association Culture Ailleurs à Grenoble (France). Tous ces artistes habitués aux échanges internationaux et plus particulièrement en Europe, Afrique et Etats-Unis ont rassemblé leurs expériences autour d’un spectacle animé nommé “ Maki ”. Ils ont réuni leurs savoirs artistiques et échangé leurs idées sur ce thème pour créer un spectacle d’ombre placé sous le signe de l’improvisation et de la poésie visuelle et sonore. Composés de quatre montreurs d’images, deux musiciens et une danseuse, MAKI promène les esprits voyageurs dans un dédale d’ombres, de lumière, de sons manipulés et mixés en direct sur un large écran, pour une longue migration à travers les héritages de l’histoire, la mixité des cultures, la poésie du voyage… C’est un cinéma manuel d’improvisation destiné à tous les publics. Ce spectacle inventé à Dakar, lors d’une résidence entre artistes grenoblois et africains offre un moment rare de poésie sonore et visuelle. Il traite des problèmes identitaires liés à l’histoire, du rapport entre culture traditionnelle et culture contemporaine. Il questionne notre environnement, la notion de territoire et de frontière. Il place l’improvisation au cœur de la démarche artistique. Il pose la question de la norme et se positionne par rapport à la grande production du spectacle. Dans le cadre de cette soirée, ces artistes s’associent au guitariste algérien Camel Zekri, reconnu sur la scène française des musiques électro-acoustiques. Coproduction : 38e Rugissants / Ville de Fontaine / COREAM

Avec Anne-Julie Rollet musicienne électroacoustique Antoine Louisgrand artiste plasticien, montreur Sébastien Perroud artiste plasticien, montreur Julien Lobbedez artiste éclairagiste, montreur Céline Perroud danseuse Xavier Quérel cinéaste Camel Zekri guitare

“ MAKI ” INVITE CAMEL ZEKRI (ALGERIE) Cinéma d’ombre, danse et musique électroacoustique

Mercredi 28 Novembre – 20h30 Salle Edmond Vigne - Fontaine Séance scolaire Jeudi 29 novembre – 10h (6 – 11 ans) Durée : 1h15


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Camel Zekri guitare

Aussi à l'aise dans les musiques traditionnelles qu'électroniques, il se partage entre de multiples activités. Avant tout il est un compositeur/multi-instrumentiste, jouant de la guitare (1er prix de guitare classique aux conservatoires de Paris) de l'oud et de l'ordinateur (sur lequel il a développé de nouvelle pratiques musicales, poussant les logiciels dans leurs retranchements). Le paradoxe entre tradition et technologies n'est qu'apparent : Camel est un garçon fier de ses racines et parfaitement à l'aise dans son époque. Dans son cursus, on trouve pêle mêle une licence de musicologie à Paris IV, des stages à l'Ircam (où enseigne Pierre Boulez), des concerts virtuels avec Edwin van der Heide et Atau Tanaka et 10 ans de musique antillaise ! Esprit curieux de tout, il est allé en Algérie suivre l'enseignement de Hamma Moussa, maître du diwan de Biskra. Sa maîtrise instrumentale a fait de lui un grand spécialiste des musiques improvisées. Mais c'est peut-être dans ses multiples expériences pédagogiques et ses dons pour mettre en place de belles opérations que son humanisme radieux transparaît le plus. Il a créé et dirigé une chorale scolaire autour de répertoire égyptien et maghrébin pour la cité de la Musique à Paris. Aux côtés de jeunes des cités françaises et de la chanteuse Annick Nozati, il a participé à une création qui mélait rap, raï et improvisation. En compagnie de Dominique Chevaucher et de Jibo Bage, il anime un atelier " Conte et musique " pour les enfants. Il participe activement à la mise sur pied des " Nuits Atypiques de Koudougou " et organise avec soin la deuxième édition du " Festival de l'eau ". Une de ces belles idées dont il a le secret : en 1996, des artistes (musiciens, cinéaste, photographes, marionnetiste…) issus de diverses origines géographiques ont descendu le fleuve Niger en pirogues. Le soir, ils s'arrêtaient dans les villages, campaient sur place et faisaient la fête avec les gens du coin. De ce voyage sont nées de belles rencontres. Et lors du "Retour du fleuve " certains de ces musiciens aussi bien ceux qui étaient partis que ceux croisés sur place- se sont retrouvés sur des scènes en France. Etre humain en perpétuelle ébullition, empli de beaux projets, Camel a malgré tout un grand défaut : il oublie souvent de penser à lui.

L’association Culture Ailleurs L’association Culture Ailleurs fut créée en 1995 par S.Perroud, J. Lobbedez et D.Follet. “ Octobre 1995, nous entreprenons un voyage en Afrique noire en auto stop où nous prenons le temps de rencontrer les populations, les cultures des différents pays. Ce choix a fondé les orientations, l’éthique et la démarche artistique de l’association. Au cours de ce périple nous nous sommes arrêtés dans le village de Gounfan, dans le nord ouest du Mali. Depuis, l’association a fait 10 voyages en Afrique, notamment au village de Gounfan, devenu son camp de base en Afrique de l’Ouest. Au-delà des relations de travail, ce sont de réels liens de confiance qui se sont installés avec les Gounfankés. Cette base solide permet aujourd’hui à l’association de s’ouvrir sur tout le continent africain. “


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En prélude à la création Azalai, une rencontre brillante entre le grand joueur de oud marocain Driss El Maloumi et le virtuose de la kora malien Ballaké Sissoko pour un voyage entre des mélodies berbères et rythmes mandingues. Ballaké Sissoko – Mali Parmi les harpes du pays mandingue, la plus célèbre est la “ kora ”, harpe en calebasse à chevalet et à 21 cordes : “ sept pour le passé, sept pour le présent, sept pour le futur ”, dit la légende. Fils de “ djeli ” (griot) et virtuose de l’instrument, Ballaké Sissoko a résolument choisi le futur. Multipliant les rencontres et collaborations avec des artistes du monde entier (Inde, Iran, Europe…), il métisse les cordes de son instrument avec une sensibilité et une virtuosité qui fait de lui un “ passeur ” entre les univers musicaux.

Driss El Maloumi – Maroc La virtuosité et le talent du oudiste marocain Driss El Maloumi s’appuient sur une très solide formation musicale classique arabe et occidentale. Dépassant la tradition, il s’aventure dans des territoires musicaux où la rencontre instrumentale, l’immersion dans des genres nouveaux, musique baroque et jazz notamment, irriguent sa créativité, son inventivité et donnent naissance à une musique puissamment évocatrice, ouverte, délicate et surprenante, qui provoque la sensibilité et la spiritualité de l’auditeur. Driss El Maloumi sait puiser dans la profondeur de l’âme soufie et tous les genres de la tradition orientale pour créer une couleur musicale ou s’exprime aussi sa culture berbère.

Coaccueil : Grenoble Universités / EVE / 38e Rugissants

DUO BALLAKE SISSOKO / DRISS EL MALOUMI

(MALI / MAROC)

Jeudi 29 Novembre – 12h30 EVE Campus universitaire - Saint Martin d’Hères Durée : en cours – Entrée libre


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CRÉATION

De tous les musiciens turcs, le virtuose du ney, Kudsi Erguner, est l'un des seuls à avoir suivi, en matière de musique savante ottomane, un enseignement traditionnel initiatique auprès d'un maître, son propre père. Le fils du célèbre compositeur contemporain Karlheinz Stockhausen, Markus Stockhausen, a lui aussi été initié par son père puis a collaboré régulièrement avec lui en se produisant, à titre de soliste, dans plusieurs de ses opéras. Leur rencontre impromptue, il y a quelques années, a donné naissance au projet “ Gazing Point ”, qui signifie littéralement “ regarder fixement un point ”. S’inspirant librement de l’esprit du soufisme, Gazing Point est une “ méditation musicale ”. Pour ce projet, Markus et Kudsi ont choisi de collaborer avec le percussionniste Mark Nauseef, très influencé par les traditions orientales, Walter Quintus, l’orfèvre de la diffusion sonore, et le calligraphe irakien Hassan Massoudy. Celui-ci, dont les calligraphies réalisées en direct sur grand écran, rejoindra la démarche des musiciens, par la recherche de la spontanéité du geste et de l'instantanéité de l'expression.

Accueil : 38e Rugissants. Avec le concours de la MC2 : Grenoble

Avec Kudsi Erguner (Turquie) – ney Markus Stockhausen (Allemagne) - trompette, flügelhorn Mark Nauseef (Allemagne) - cloches, bois, gongs Hassan Massoudy (Irak) - calligraphies projetées Walter Quintus (Allemagne) - son

“ GAZING POINT ”

(TURQUIE / ALLEMAGNE)

Jeudi 29 novembre – 19h30 MC2 : Grenoble – Salle de création

Durée : 1h30 - Tarifs : de 9 à 20!


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Les artistes

Kudsi Erguner - Turquie

Le maître du ney, Kudsi Erguner, un disciple des mevlevî, a été initié à la tradition musicale turque en jouant du ney dans les cérémonies derviches, aux côtés de son père, et a est apparu sur plusieurs enregistrements célèbres consacrés à la musique soufie. L'ordre mevlevî, fondé au XIIIe siècle par le grand théologien Mevlana Jalalu'ddin Rumi, est le groupe soufi le plus célèbre. Le ney était/est joué durant les danses extatiques du rituel de la trance de la branche mevlevî du soufisme, connue aussi sous le nom de "derviches tourneurs".

Markus Stockhausen – Allemagne

Le fils de Karlheinz Stockhausen, Markus Stockhausen, a collaboré régulièrement avec son père et s’est produit, à titre de soliste, dans plusieurs ses opéras traitant de la spiritualité et de la mythologie. Les principaux intérêts de Markus, en tant que trompettiste, se portent vers la musique contemporaine et la musique improvisée, incluant son propre style de musique de dévotion qui transcende tous les genres musicaux.

Mark Nauseef - Allemagne

Markus et Kudsi ont collaboré avec le percussionniste Mark Nauseef dont la démarche musicale embrasse la recherche, l'étude et l'interprétation de traditions musicales diverses, allant de la musique indienne, balinaise, javanaise et ghanéenne, aux musiques contemporaines et improvisées occidentales. Mark utilise le plus souvent une collection de cloches de temple chinois, indien, japonais et tibétain, où ces instruments sont souvent utilisés pour reposer l'esprit et garder l’attention durant la méditation.

Hassan Massoudy, - Irak

Ces musiciens seront rejoints sur scène par l’artiste irakien Hassan Massoudy, dont les calligraphies en direct seront projetées sur grand écran. Hassan Massoudy, par cette pratique, rejoint la démarche des musiciens de ce projet, à la recherche de la spontanéité du geste et de l'instantanéité de l'expression.


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Les œuvres (sous réserve, programme en cours d’élaboration) Deewan (2007) de Rasheed Al-Bougaily (Koweït) Nouvelle œuvre pour setar et Nieuw Ensemble (2007) de Kiawasch SahebNassagh (Iran) commande Festival d’Automne à Paris

Tahkte Oriental pour ensemble arabe (ney, oud, qanun, djoza) et Nieuw Ensemble de Shafi Badreddin (Syrie) Ru'ia Fi Maa d’Hiba Al Kawas (Liban) commande Festival d’Automne à Paris

Nouvelle œuvre pour kamancha et Nieuw Ensemble (2007) d’Alireza Farhang (Iran) commande Festival d’Automne à Paris

Madih (2007) pour ensemble et dix instrumentalistes occidentaux ‘hymns of praise’ dans la tradition Sufi de Samir Odeh-Tamimi (Palestine) Bien que la musique occidentale ait exploré beaucoup de nouveaux territoires, durant le XXe siècle, la plupart de ces innovations sont demeurées conformes aux traditions occidentales. Dans notre société multiculturelle, des changements sont cependant survenus. Dans la musique contemporaine, la dernière décennie a donné lieu à un changement significatif, l’émergence de nombreux compositeurs de cultures non-occidentales. En combinant intuitivement des éléments issus de leur culture d’origine, ces derniers ont donné un nouveau souffle aux styles occidentaux contemporains. Progressivement, ces compositeurs ont introduit des instruments traditionnels dans leurs propres compositions. C’est cette nouvelle approche qui a conduit Joël Bons, directeur artistique du Nieuw Ensemble d’Amsterdam, à monter un programme dédié aux compositeurs du Moyen-Orient pour son ensemble « occidental » et instruments traditionnels orientaux. Une sorte de retour aux sources, puisque, de fait, de nombreux instruments européens sont dérivés d’instruments anciens provenant notamment du Moyen-Orient (ney, qanun, oud, setar…). Mais aussi un regard artistique sur l’avenir, de jeunes compositeurs issus d’une partie du monde tiraillée entre la richesse de ses cultures ancestrales et la complexité, souvent douloureuse, de son actualité contemporaine.

Coréalisation Nieuw Ensemble - Amsterdam / 38e Rugissants. Avec le concours de la MC2 : Grenoble En collaboration avec le Festival d’Automne à Paris, programme “La scène artistique du Moyen-Orient”, 2007

Arie van Beek direction Wafaa Safar ney (Syrie) Taoufik Mirkhan qanun (Syrie) Laith Abd Al-Amir oud (Irak) Bassam Hawar djoza (Irak) Massoud Shaari setar (Iran) Houmân Roomi kamancha (Iran) Sardâr Mohammad Djani oud (Iran)

Vendredi 30 novembre – 20h30 MC2 : Grenoble – Salle de création

Durée : 2h - Tarifs : de 9 à 20 euros

“NOUVELLES MUSIQUES DU MOYENT-ORIENT”

NIEUW ENSEMBLE (AMSTERDAM)


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The Nieuw Ensemble Le Nieuw Ensemble a été fondé en 1980 à Amsterdam. Sa composition instrumentale est unique. Elle combine des instruments à cordes pincées comme la mandoline, la guitare et la harpe, de même que des instruments à vent et des percussions. Depuis 1982, Ed Spanjaard en est le chef principal. Face au manque de compositions pour ce type de formation, le Nieuw Ensemble a décidé de construire son propre répertoire, maintenant un contact continu avec des compositeurs de pays, de cultures et de générations différentes et par le biais d’ateliers à long terme avec de jeunes compositeurs. Plus de quatre cents pièces ont été ainsi écrites pour l'ensemble. Des programmes consacrés au travail de compositeur tels Berio, Boulez, le Charretier, Donatoni, Ferneyhough, Kagel, de Leeuw, Kurtág, Loevendie et Nono ont connu un fort succès. L'ensemble a été vanté pour sa programmation innovatrice. Il a ouvert des festivals comme la Complexity (1990), Rules & Games (1995), Improvisations (1996), le Festival of Plucked Instruments (1998) et le Refined Ear on microtonality (2003). En 1998, le Nieuw Ensemble et son directeur artistique, Joël Bons, ont reçu le prix du fond de la musique Prince Bernhard pour leur « programmation vivante et audacieuse, qualifié même de révolutionnaire, tant au sens figuré que littéral du mot. » Depuis 1991, des programmes composés d’œuvres écrites spécialement pour l'ensemble par de compositeurs chinois tels Tan Dun, Qu Xiaosong, Xu Shuya, Chen Qigang et Guo Wenjing ont suscité un vif intérêt. En 1997, le groupe s’est rendu en Chine offrant des concerts à Shanghai et Beijing. Le Nieuw Ensemble jouit aujourd’hui d’une grande renommée internationale. Il s’est produit dans plusieurs festivals comme la Biennale de Venise, Settembre Musica, Ars Musica à Bruxelles, Donaueschinger Musiktage, Musica Strasbourg, Holland Festival, Warsaw Autumn, Huddersfield Festival, Agora, Stockholm New Music et le Festival d’automne à Paris. Le Nieuw Ensemble a produit des enregistrements de Donatoni, Carter, Ferneyhough, Gerhard, Loevendie, Poulenc, Guo Wenjing et de compositeurs chinois, de même que des films documentaires sur Boulez et cinq compositeurs chinois.


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CRÉATION

Créé à Niamey au Niger, en janvier 2007 lors de l’édition fondatrice des “ Transsahariennes des Arts et de la Culture ”, ce projet musical réunit différents artistes issus de pays sahélo-sahariens pour une rencontre inédite. Á l’image des grandes caravanes qui ont sillonné pendant des siècles le désert et réunit l’Afrique du Nord et l’Afrique noire, “ Azalai ” est un voyage musical transsaharien imaginaire, à la frontière du monde arabe et du monde africain. Il réunit des musiciens issus de pays qui ont le Sahara en partage pour une création où traditions et expressions contemporaines entrent en dialogue et tissent progressivement un répertoire nourri de l’apport musical et culturel de chacun des artistes en présence. L’ensemble nigérien Mamar Kassey, du chanteur et flûtiste Yacouba Moumouni, est l’hôte de cette rencontre. Constitué de quatre musiciens, il accueille les solistes invités venant d’autres pays : le joueur de oud marocain Driss El Maloumi, le joueur de kora malien Ballaké Sissoko, le percussionniste d’origine égyptienne Adel Shams El Din, le oudiste et musicien électronique d’origine tunisienne Smadj. Celui-ci instille à cette rencontre le souffle des nouveaux sons et des rythmes numériques qui donne au groupe une énergie nouvelle et le propulse vers des territoires inédits dans lesquels les musiciens peuvent librement s’aventurer et inventer de nouveaux chants partagés.

Commande et coproduction : Fondation Azalai (Niamey) / 38e Rugissants, avec le concours de l’OIF, du Centre Culturel Franco-Nigérien Jean Rouch. En partenariat avec la Maison de la Musique de Nanterre, Bonlieu, scène nationale d’Annecy et MC2 : Grenoble. Avec le soutien de la SACEM

Mamar Kassey (Niger)

Yacouba Moumouni voix, flûtes peuls Seyni Halidou molo, komsa Adamou Daouda karangou Boubacar Soulemane calebasse

Adel Shams El Din (Egypte)

darbouka, riq Driss El Maloumi (Maroc) chant, oud Ballaké Sissoko (Mali) kora Smadj (France /Tunisie)

oud, électronique

“ AZALAI ” Une rencontre musicale transsaharienne

Samedi 1er décembre – 19h30 MC2 : Grenoble – Grand Théâtre

Durée : 1h30 – Tarifs : de 9 à 20 euros Formule les 2 concerts du 1er décembre : de 12 à 26 euros


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Les artistes Mamar Kassey – Niger

Groupe phare du Niger, les Mamar Kassey, où l’acoustique s’unit à l’électrique, où se retrouvent peuls, haoussas, germas, mêlent avec finesse tradition et modernité,. Le groupe a pour leader un musicien charismatique : Yacouba Moumouni, chanteur exceptionnel, danseur émérite et flûtiste virtuose. Tel le fleuve Niger au cours large et implacable, le groupe Mamar Kassey entraîne le public dans une énergie où rites ancestraux et progrès cohabitent naturellement, à l’image de l’Afrique d’aujourd’hui.

Driss El Maloumi – Maroc

La virtuosité et le talent du oudiste marocain Driss El Maloumi s’appuient sur une très solide formation musicale classique arabe et occidentale. Dépassant la tradition, il s’aventure dans des territoires musicaux où la rencontre instrumentale, l’immersion dans des genres nouveaux, musique baroque et jazz notamment, irriguent sa créativité, son inventivité et donnent naissance à une musique puissamment évocatrice, ouverte, délicate et surprenante, qui provoque la sensibilité et la spiritualité de l’auditeur. Driss El Maloumi sait puiser dans la profondeur de l’âme soufie et tous les genres de la tradition orientale pour créer une couleur musicale ou s’exprime aussi sa culture berbère.

Ballaké Sissoko – Mali

Parmi les harpes du pays mandingue, la plus célèbre est la “ kora ”, harpe en calebasse à chevalet et à 21 cordes : “ sept pour le passé, sept pour le présent, sept pour le futur ”, dit la légende. Fils de “ djeli ” (griot) et virtuose de l’instrument, Ballaké Sissoko a résolument choisi le futur. Multipliant les rencontres et collaborations avec des artistes du monde entier (Inde, Iran, Europe…), il métisse les cordes de son instrument avec une sensibilité et une virtuosité qui fait de lui un “ passeur ” entre les univers musicaux.

Smadj – France / Tunisie

Virtuose du oud et de l’électro-dub arabisant, Smadj a inventé un son qui mélange ses racines nord-africaines avec la musique électronique, latine, le jazz et les sonorités orientales. Expert en manipulations électroniques et magnifique joueur de oud, Smadj multiplie les expériences de métissage musical. Une ouverture sur le monde aux frontières des époques et des sonorités. Á travers le groupe DuOud qu’il a cofondé avec Mehdi Haddab, il a su donner au jeu de oud une nouvelle dimension. Véritablement salué par la critique, DuOud a tourné dans le monde entier.

Adel Shams el Din

Adel Shams el Din, musicien égyptien installé à Paris, est passé maître dans l’art de la percussion, notamment sur le riqq (tambour sur cadre à la membrane unique en peau de poisson, ou de chèvre fine, portant dix paires de cymbalettes), devenant ainsi une référence en matière de percussions orientales. Percussionniste attitré de l’ensemble Al-Kindî depuis sa création, partenaire de nombreuses aventures musicales, il est en même temps un soliste à part entière.

Sa connaissance, comme sa parfaite maîtrise de tous les rythmes les plus complexes, en font un interprète respecté et très sollicité par les musiciens professionnels du Proche-Orient, d’Afrique du Nord ou de France.


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SamAmsha signifie en sanscrit “ partage égal ” ou “ héritage commun ”. C’est autour de cette idée que deux virtuoses des percussions, dépositaires, l’un de la tradition iranienne, l’autre de celle de l’Inde du Nord, ont choisi de croiser leurs chemins musicaux et de faire dialoguer leurs traditions respectives dans un répertoire inédit. Cette création s’appuiera sur les liens évidents que les deux cultures musicales, moyen-orientale et indienne, ont entretenu depuis des siècles à travers les migrations des populations et les influences mutuelles qu’elles ont exercées l’une sur l’autre. Mais dépassant la tradition, ces deux artistes, rompus aux rencontres musicales contemporaines, puiseront dans leurs expériences multiples les bases d’une musique nouvelle nourrie de leur propre parcours artistique.

Prabhu Edouard est un joueur de tabla d'origine sud-indienne. Deux fois lauréat de la bourse du gouvernement indien, Prabhu est un disciple émérite du maëstro Pandit Shankar Ghosh auprès duquel il a étudié à Calcutta pendant plusieurs années. Rythmicien versatile ouvert à l'expérimentation musicale, Prabhu a déjà joué et enregistré en compagnie de nombreux musiciens de Jazz, notamment Dave Liebman, Marc Ducret, Chris Hayward, Nicolas Genest, Ravi Magnifique, Ali Delfaut, Magic Malik. Son intérêt pour l'innovation artistique l'a conduit à travailler aux cotés de personnalités telles que : Maurice Béjart, Jean Pierre Drouet, JC Paré (danseur contemporain), Astad Debu (danseur contemporain indien).

Keyvan Chemirani a commencé à apprendre le zarb dès l’âge de 13 ans auprès de son père, assimilant rapidement la technique et le savoir traditionnel. En 1989, il entame une carrière internationale en tant que soliste et accompagnateur. Il joue aussi du udu, une cruche en terre utilisée en Orient et en Afrique, ainsi que du bendir et du riqq, deux percussions méditerranéennes. Avec son père et son maître Djamchid et son frère Bijane, ils forment le Trio Chemirani et se produisent partout dans le monde. Production Festival Climats - Cité internationale de Paris. Accueil 38 Rugissants avec le concours de MC2 : Grenoble

Keyvan Chemirani (Iran) zarb, daf, bendir Prabhu Edouard (Inde) tablas, kanjira, oudou

“ SAMAMSHA “ Une rencontre musicale indo-persane

Samedi 1er décembre – 22h MC2 : Grenoble – Salle de création

Durée : 1h25 – Tarifs : de 6 à 17 euros Formule les 2 concerts du 1er décembre : de 12 à 26 euros


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Nuit de Clôture Mutamassik (qui signifie littéralement ténacité en arabe), est la seule DJ féminine du circuit international dans le domaine des musiques electr’orientales. Mutamassik est spécialisée, selon ses propres termes, en ‘Sa’adi hardcore’ et ‘Baladi breakbeats’, genre qui s’inspire des musiques traditionnelles égyptiennes (on retrouve le sa’adi et le baladi notamment dans la belly-dance – bande son de la danse orientale) et afro-orientales mixées avec des beats hip-hop et des basses très profondes qu’on retrouve particulièrement dans la jungle et la drum’n bass. Mutamassik, Giulia Loli de son vrai nom, a collaboré, entre autres, avec Arto Lindsay, les Musiciens du Nil, Natacha Atlas… D’origine italo-égyptienne, Mutamassik, a vécu de longues années à New York, elle vient de s’installer récemment en Italie, près de Rome. Ses apparitions en France sont rares, on l’a malgré tout vu notamment au Printemps de Bourges, aux Belles Nuits du Ramadan et au Festival Newbled 2005.

MUTAMASSIK Sa’adi hardcore / Baladi breakbeats

Samedi 1er décembre – Minuit MC2 : Grenoble – Bar

Entrée libre


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Contact/information Bureau du Festival 38e Rugissants 11, rue Jean-Jacques Rousseau 38000 Grenoble Tél 04 76 51 12 92 - Fax 04 76 51 28 27 www.38rugissants.com [email protected] Arrêt du tramway : Maison du Tourisme, ligne A et B

Réservations et billetterie Les billets sont en vente : - auprès des salles de concerts - dans les magasins Fnac, Carrefour, Géant - sur www.fnac.com - au 0892 68 36 22 (0,34 euros TTC/min)

Tarifs Pour permettre à tous de découvrir la programmation du festival, des tarifs préférentiels sont étudiés en accord avec nos salles partenaires, renseignez vous ! Titulaires de la carte Alices, Cezam, TTI… Jeunes de moins de 18 ans, étudiants de moins de 26 ans, intermittents et professionnels du spectacle… Contactez les salles de concerts ou le bureau du festival.

Groupes, scolaires, comités d’entreprise Venez groupés et contactez Audrey Bernard (04 76 51 12 92 ou [email protected]) chargée des relations publiques pour étudier un tarif adapté.

Modifications Les 38e Rugissants se réservent le droit de modifier programmes, distributions, dates, heures et lieux en cas de nécessité. Certaines précisions pourront être données ultérieurement. .


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MC2 : Grenoble 4, rue Paul Claudel 38 000 Grenoble billetterie : du Mardi au Vendredi de 12h30 à 19h

le Samedi de 14h à 19h – tel. : 04 76 00 79 00

et sur internet : www.mc2grenoble.fr

Hexagone Scène nationale de Meylan 24, rue des Aiguinards 38 240 meylan billetterie : du Lundi au Vendredi de 13h à 18h45

tel. : 04 76 90 00 45

site : www.hexagone-meylan.asso.fr

L’heure bleue rue Jean Vilar 38 400 Saint Martin d’Hères billetterie : du Lundi au Jeudi de 14h à 18h

le Vendredi de 13h à 17h

tel. : 04 76 14 08 08

site : www.ville-st-martin-dheres.fr

Musée en Musique Auditorium du Musée de Grenoble Place Lavalette 38 000 Grenoble billetterie : du Lundi au Vendredi de 10h30 à 12h30

et de 14h à 18h30 – tel. : 04 76 87 77 31

www.museemusique.com

Espace culturel Odyssée d’Eybens 89 Avenue Jean Jaures 38 320 Eybens billetterie : du Lundi au Vendredi de 16h à 19h

tel. : 04 76 62 67 47

site : www.ville-eybens.fr/equip/audito_odyssee.php

Musée Dauphinois 30, rue Maurice Gignoux 38 000 Grenoble 04 76 85 19 01 site : www.musee-dauphinois.fr

La Rampe - Echirolles 15 avenue 8 mai 1945 38130 Echirolles billetterie : par téléphone, du Lundi au Vendredi

de 10h à 18h – Sur place, de 12h à 18h

tel. : 04 76 40 05 05

site : www.ville-echirolles.fr

Salle Olivier Messiaen 1, Rue du Vieux Temple 38100 Grenoble Rens. : 04 76 42 43 09 Espace 600 Scène Rhône-Alpes Le Patio / 97 Galerie Arlequin 38100 Grenoble billetterie : du Lundi au Vendredi de 10h à 13h et de

14h à 18h – tel. : 04 76 29 42 82

site : www.espace600.fr EVE Campus Universitaire 701 avenue centrale, campus 38402 Saint Martin d’Hères Rens. : 04 56 52 85 15

Cinéma le Meliès 3, rue de Strasbourg 38000 Grenoble 04 76 47 99 31 site : www.cinema-grenoble.com/cinema-melies.htm

Cinémathèque de Grenoble 4 rue Hector Berlioz 38000 Grenoble 04 76 54 43 51

Salle Edmond Vigne Rue des Alpes 38600 Grenoble Rens. : 04 76 26 25 58

www.38rugissants.com


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Partena ire s in st itut ionnels

L'association 38e Rugissants est subventionnée par le Ministère de la Culture - DRAC Rhône-Alpes, la Ville de Grenoble, le Conseil Général de l’Isère et le Conseil Régional Rhône-Alpes. Elle est également soutenue par Grenoble Alpes Métropole et l'ONDA (Office National de Diffusion Artistique).

Partena ire s pro fess ionne ls

CNV (Centre National de la Chanson, des Variétés et du Jazz) / FCM (Fonds pour la Création Musicale) / SACEM (Société des Auteurs, Compositeurs et Éditeurs de Musique) / SPEDIDAM : La SPEDIDAM (Société de Perception et de Distribution des Droits des Artistes-Interprètes de la Musique et de la Danse) est une société d’artistes-interprètes qui gère les droits de l’artiste-interprète (musicien, choriste ou danseur) en matière d'enregistrement, de diffusion et de réutilisation des prestations enregistrées.

Partena ire s méd iat iques (sous réserve)

France musique / Le Petit Bulletin / Mondomix / Radio Campus / Télérama

Partena ire s culture ls nat ionaux et internat ionaux

AMAL / Festival des musiques méditerranéennes / Auditorium de Seynod et la Ville de Zurich / Bonlieu, scène nationale d’Annecy / Centre Culturel Franco-Nigérien Jean Rouch / Festival Climats - Cité internationale de Paris / Fondation AZALAI – Niamey / Fondation Suisa / GMEA, centre de création musicale d’Albi / la Muse en Circuit (Alfortville), centre national de création musicale / le Centre International de Percussion de Genève (CIP) / le Festival d’Automne à Paris / l’Organisation Intergouvernementale de la Francophonie / Maison de la Musique de Nanterre / Nieuw Ensemble - Amsterdam / Pro Helvetia / Quoi de Neuf Docteur / Tanzhaus NRW de Düsseldorf

Partena ire s culture ls rég ionaux

CRR Conservatoire à Rayonnement Régional de l’Agglomération d’Annecy et des Pays de Savoie / CNR de Grenoble / Conseil général de l’Isère : Service des pratiques artistiques - Culture et lien social / COREAM / Ensemble Orchestral Contemporain / Espace 600, Scène Rhône-Alpes – Grenoble / Grenoble Universités – EVE / Petit Bulletin / Hexagone, Scène nationale de Meylan / La Rampe – Échirolles / le Méliès - Grenoble / Les Musiciens du Louvre-Grenoble / L’heure Bleue – Saint Martin d’Hères / le Secours populaire / MC2 : Grenoble / MIA (Musiques Inventive d’Annecy) / Musée en Musique – Grenoble / Odyssée, ville d’Eybens / Semitag – Grenoble / Ville de Fontaine

Partena ire technique

S.P.E


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Les activités À l’initiative du Festival et de la saison des Musiques Nomades, l'association 38e Rugissants est une structure permanente qui développe toute l'année une activité de production, de diffusion et de médiation dédiée aux musiques en création : • Commande d'œuvres, direction artistique et production exécutive de spectacles en création • Mise en œuvre de projets " transculturels " internationaux • Aide aux projets en création d'artistes locaux • Conception de spectacles ou d'installations sonores en milieu urbain ou rural sur des sites patrimoniaux ou naturels • Résidences de compositeurs et d'interprètes en collaboration avec les structures d'enseignement musical et avec l'Education Nationale : créations d'œuvres pédagogiques, rencontres et conférences, stages, master classes • Médiation et formation des publics : conférences, colloques, rencontres, sensibilisation des relais de publics, édition de documents musicologiques • Edition de " produits culturels dérivés " : CD, CD Rom, DVD, vidéogrammes de création, outils pédagogiques multimédia... • Ingénierie culturelle, organisation de manifestations à l'étranger

Le Conseil d'Administration Président : Jean Pierre Saez Vice-présidente : Françoise Novarina Olivier Bernard, Jean-Luc Gaudin, Jean-Luc Idray, Jean-Paul Marry, Kathy Nellens, Laure Berlioz.

L'équipe Direction : Benoît Thiebergien Administration : Pascal Huissoud Communication et Relations publiques : Audrey Bernard Production : Olivia Labat Infographie, web, multimédia : Alexandre Hébert Secrétariat de direction : Isabelle Lopes Technique : Aude Soyer - SPE

Presse nationale OPUS 64 Valérie Samuel, Patricia Gangloff, Sandrine Nawrot 71, rue Saint Honoré – 75 001 Paris tél. : 01 40 26 77 94 fax : 04 40 26 44 98 [email protected]

Contact 11, rue Jean-Jacques Rousseau 38000 Grenoble Tél. 04 76 51 12 92 - Fax 04 76 51 28 27 [email protected] www.38rugissants.com

Crédits Photographiques : ©Lavabre (p.10) - ©Véronique Chanteau (p.13) - ©Herbie Clarke (p.15) - ©Jules Geai (p.17) - ©Rémi Pollio (p.21) - ©Brice Pelleschi (p.25), ©Max Moser, Vienna (p.25) - ©Antoine Louisgrand (p.30) - ©Hassan Massoudy (p.33) - ©Kadir Van Lohuizen (p.35) - ©Benoit Thiebergien (p.37).


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Grenoble/Isère – France

Historique

En 1989, naissait à Grenoble une manifestation qui allait devenir en quelques années un des premiers festivals européens consacrés à la création musicale.

Se démarquant de l’image institutionnelle de la musique contemporaine de la fin des années 80, le Festival 38e Rugissants a, par l’originalité de sa démarche artistique, très vite conquis un large public, séduit les artistes et les professionnels, intrigué puis attiré les responsables institutionnels et acquis une reconnaissance internationale dans le domaine des musiques de création. Opéras, œuvres symphoniques et lyriques, théâtre musical, musiques improvisées,

spectacles pluridisciplinaires intégrant la danse ou les arts visuels, projections électroacoustiques, performances et installations sonores, ont permis de sensibiliser un

large public à la diversité des approches actuelles de la création sonore et musicale. En dix-sept ans à Grenoble et en Isère, les expérimentations les plus audacieuses ont trouvé de nouveaux espaces de réalisation et renouvelé l’approche du public en investissant l’espace urbain et les sites naturels : opéra subaquatique pour public immergé (“ Chrysallis ”, de Michel Redolfi – 92), récitals d’oiseaux et d’insectes (Bernard Fort – 90 – 04), concerts gustatifs pour l’oreille et le palais (Thierry Besche – 95), musiques pour espaces sidéraux (“ le Noir de l’Etoile ” de Gérard Grisey – 92) ou profondeurs telluriques (“ Cantus Umbrarum ” de Light

Wave – grottes de Choranche – 98), Symphonie de clochers à l’échelle d’une ville entière (“ Campana ” de Llorenç Barber – 00), concert de public (Pierre Sauvageot – 03)… Sensibles aux nouvelles “ migrations des esthétiques ” liées à l’accroissement des échanges artistiques au niveau mondial, le festival à été un des premiers à initier des créations “ transculturelles ”, associant des artistes du nord et du sud, opérant un pont entre tradition et modernité.

De ces rencontres, sont nés de nombreux projets qui ont ensuite parcouru le monde : ” Autres Contacts ” de J.P. Drouet avec Adama Dramé et Les Percussions de Strasbourg, “ Amakwaya ”, de G. Dazzi, rencontre d’un chœur francais et sud-africain, “ Les douze Lunes du Serpent ” de F.B. Mache avec les Percussions de Taïwan, “ Endless Trails ” d’A. Brizzi rassemblant des artistes français, indien, finlandais et brésilien autour de la transe, “ Transtambourins ” de C. Rizzo, rassemblant des tambourins d’Inde, d’Europe, du Moyent-Orient et du Brésil…

Chrysallis Opéra subaquatique

Michel Redolfi

Cantus Umbrarum Grottes de Choranches

Light Wave

Campana Symphonie de clochers

Llorenç Barber

Concert de public Pierre Sauvageot

Adama Dramé Percussions de

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De plus, la programmation du Festival a donné une part importante aux arts sonores et numériques, a donné leur place à des projets artistiques basés sur Internet, puis expérimenté les “ Satellite Cabarets ”, concerts en réseau. Ils ont relié ainsi Grenoble à Johannesburg (01) et Salvador de Bahia (02), pour des performances et créations à distance et en temps réel par liaison numérique haut débit. Ces dix-sept années ont permis aux “ 38e ” de produire ou coproduire plus de 150 créations “ mondiales ” et d’accueillir sur les scènes grenobloises et de l’Isère quelque 3000 artistes venus de toutes les rondeurs de la planète, représentant quelques 600 concerts et spectacles. Chaque année quelques 10 000 spectateurs investissent les lieux de représentation, franchissent

les portes des structures culturelles partenaires sans lesquels le Festival n’aurait pu s’ancrer dans la région grenobloise et trouver les espaces de la création et les outils de la production : scènes nationales, salles de spectacle, musées, bibliothèques, conservatoires et écoles de musique… En contrepoint du Festival, les 38e organisent depuis 1997 les

“ Musiques Nomades ”, cycle de concerts mensuels toute la saison dédiés aux musiques du monde, dans leurs grandes formes “ savantes ” mais aussi dans une dynamique de création et de renouvellement. La structure 38e Rugissants, au-delà du Festival et des Musiques Nomades, met en œuvre également toute l’année un ensemble d’activités dédiées aux musiques nouvelles : scènes ouvertes aux jeunes créateurs, projets pédagogiques et de formation, résidences de création, production de CD, CDrom, DVD et documentaires. Elle est, par ailleurs, de plus en plus sollicitée sur des conceptions de projets, direction artistique et de production, formation, ingénierie culturelle en France et à l’étranger. Elle a initié en Mauritanie, avec le Centre Culturel Français, le Festival des Musiques Nomades de Nouakchott en février 04, première manifestation

d’ampleur internationale dans le pays. Elle en assure aujourd’hui la direction artistique et la formation des responsables mauritaniens de l’événement. En dix-sept ans de créations, de productions et diffusions internationales, les 38e ont contribué à leur façon à renouveler l’image de la création musicale contemporaine affranchie des idées reçues, ouverte aux mutations technologiques et sociales, sensible aux métissages et rencontres avec les cultures du monde, aux collaborations interdisciplinaires et transculturelles. Ils

ont permis d’élargir les publics à la diversité des musiques qui s’inventent aujourd’hui par-delà le monde par le plaisir de la découverte et de la rencontre. Initiés par Benoît Thiebergien en 1989, les 38e Rugissants sont animés aujourd’hui par une équipe permanente. La structure est subventionnée par le Ministère de la Culture, la ville de Grenoble, le Conseil Général de l’Isère et la Région Rhône-Alpes. Elle reçoit le soutien également de la Sacem, la Spedidam, l’Adami, le Fcm, le Cnv, l’Onda, la Métro, ainsi que de nombreux partenaires culturels français et étrangers.

Endless Trail - Aldo Brizzi

Warda – Camel Zekri Musiques Nomades

Satellite Cabaret Grenoble

Salvador de Bahia

Luc Martinez

Festival International des Musiques Nomades de

Nouakchott

©J.P

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Label 38e Rugissants productions


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Dossier de presse - CMTRA · Dossier de presse - Festival 38 e Rugissants - 04 76 51 12 92 -...

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