Artistes en 2014 à la Galerie22

Kenny AdewuyiGérard Alary

Julien AllègreNicole Bottet

Gisèle Buthod-GarçonClaude Champy

Bernard DejongheEdmée Delsol

Nathalie DeshairsIsabelle Durand

Christiane FilliatreauGérard Fournier

FrantaFrédérick Gagnè

Daniel GrobetAlain Grosajt

Francis GuerrierRaymond Guerrier

Jean-Luc Guin’AmantBertil Hansson

Tetsuo HaradaErnst Günter Herrmann

Medjid HouariDominique Limon

Alberto Lescay

Partick LosteBrigitte Marionneau

Enrique Mestre-JaimeSetsuko Nagasawa

Jean-Philippe PernotDanielle Prijikorski

PouyuPierre Ribà

Florian RosierGottfried Salzmann

ShahabuddinFrancisco Sepulveda

Kasono TakamuraPaule Tavera-Soria

Akiko ToriumiCamille Virot

Christian von SydowJean-Marie Zazzi

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03Aux Arts etc.

La Galerie 22 est née en 2007 quand elle ouvrit ses portes, le 29 juin, à Coustellet, au cœur du Lube� ron. L'ambitionportée par ce projet est de faire connai�tre des artistes contemporains, franc�ais, japonais ou de tout autre nationalitéet dont le travail s'ancre dans un he� ritage artistique fort tout autant que dans une réelle contemporanéité.Novateurs, créateurs, les artistes présents à la Galerie 22 sont des auteurs à la posture affirmée qui, par delàl'effervescence des modes et des images faciles, signifient leur œuvre absolument.

Ils participent de ce tissage de l'histoire de l'art et le revendiquent, par leur travail, au-delà du verbe. C'est cet absoluque je m'emploie à présenter, diffuser et faire connai�tre par les expositions, la présence sur des salons et lespartenariats qui se de� veloppent chaque année.

C'est cette ambition qui pousse chaque année la galerie à ouvrir des horizons nouveaux en accueillant des artistesconnus ou inconnus. Une synergie qui nous conduit à porter leur art à la connaissance des amateurs, descollectionneurs, des béotiens aussi.

J'espère que votre passion de l'art accompagnera ce projet pour l'ancrer toujours plus dans l'univers des arts.

Jane Moze� lius Dreyer

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Kenny AdewuyiSculpture

Né en 1959 au Nigéria.

Collections publiques :

1985 : Sculpture Garden . Ahmadu Bello University, Zaria. Nigeria.

1998 : Alliance Française. Kaduna. Nigeria.2001 : Ecole des Arts Plastiques. Saint Dié

des Vosges. France.2004 : Maison de France. Lagos. Nigeria.

Centre Georges François Leclerc. Dijon. France.

2011 MJC Philippe Desforges Nancy

Symposiums Internationaux :

2002 : « 12ème Festival International de Sculpture : Camille Claudel »La Bresse. Hautes Vosges. France.

2004 : « 14ème Festival International de Sculpture :Camille Claudel »La Bresse. Hautes Vosges. France.

Galeries permanentes :

Galerie Musée des Arts Derniers, Paris.Galerie Art Espace 83, La Rochelle.Galerie 22 , Coustellet.Beddington Fine Art Sculpture Garden,Bargemon.The Mojo Gallery, AL Quoz 1, Dubai.Signature Gallery, Lagos, Nigéria.

Si une sculpture s'inscrit dans l'espace,définit même son espace, celle de KennyADEWUY! s'inscrit aussi dans le temps,dans un autre temps, un temps suspendu,un temps qui n'oublie pas l'homme. Les vis-ages de ces sculptures, malgré leur pe-titesse, ne sont pas inexpressifs, au con-traire, ils expriment une concentration in-tense, il sont en accord avec leur temps, enméditation ou en contemplation.Ces femmes et ces hommes s'accrochent àleur terre, ils sont la terre et dépassent leursouffrance individuelle pour rejoindre uneterre humaine où ils pourront enfin semouvoir librement.Chez les Dogons, le pied est le premierbourgeonnement de l'embryon, chez Ken-ny ADEWUYI, sculpteur nigénan, chaque s-culpture est une naissance, une naissancede l'homme mais aussi et toujours la nais-sance de l'humanisme.

Gérard AlaryPeinture

Né en 1945 à Avignon, vit et travaille à IvryJuste arrêtée, comme fascinée, à l’endroitoù la figure disparait pour laisser place à samatérialité, la peinture de Gérard Alarynous parle de l’effacement, de nos viescomme balayées par un vent métaphysiquedepuis la naissance jusqu’à la mort, de cequi anticipe la finitude comme de ce qui enrêve un immobile prolongement. C’est unepeinture qui remplit de sa matière l’espaceoù elle se produit sans pour autant nier cetespace, mais au contraire en en signifiantle vide, en parcourant et lisant le lieu tou-jours indéchiffrable n’est pas a priori l’ob-jet de cette peinture : arrêtée à l’endroitprécis où la figure disparaît, elle proposecomme image de cette figure en voie d’ab-sence les multiples consistances de sa réal-ité matérielle. La disparition de la figureparle ainsi de nous- mêmes, de la vie tellequ’elle nous tient et nous agite, gicle etcoule, pleure, rit, court, s’étale, réjouit,lasse ou fulgure, telle aussi qu’elle menacesans cesse de s’effacer derrière nous dans lamort qui vient, telle que le corps qui va laperdre persiste à la porter. La peinturepeut alors nous parler de notre conditiond’être bien au-delà de ses prétextes appar-ents, comme le faisait dans notre traditionla peinture dite religieuse, bien au-delà del’illustration de tel ou tel épisode du grandlivre de la Bible.

Extrait texte Jean-philippe Vienne

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Julien AllègreSculpture

Né en 1980 à Arles, France.

L’oeuvre de Julien ALLEGRE nous parled'âme humaine. Loin de l'image conven-tionnelle du corps, son expression défi nosreprésentations formelles.Tout d'abord, ilguette les vestiges abandonnés, retenantd'eux les barils. Il découvre avec délecta-tion l'inépuisable ressource de cettematière, superstar de la consommation,témoin des belles années de cettedernière et du pouvoir de la mondialisa-tion d’aujourd’hui. Il s'est aussi crée ungenre de part son mariage entre fer etbronze, sorte de matière ambivalentepourvue de traits à la fois de vieillesse,chargée d'histoire, immancablement frag-ile, mais aussi embellie de traits de no-blesse par la surface du bronze synonymede richesse et d'intemporalité.

Extrait texte M. LANDERER

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Nicole BottetPeinture

Collections publiques:Musée de l’Albertina Vienne Autriche Musée Nichido Kasama Japon Bibliothèque nationale de France Musée Jenish Vevey Suisse Musée Carolino Augusteum SalzbourgAutriche Musée Olympique Lausanne Suisse Albertina Museum Vienne/Autriche MuséeCaroleum Augusteum -Salzbourg/Autriche Bibliothèque nationale Paris/France MuséeNichido de Kasama – JaponMusée Essl Klosterneuburg Autriche

Bibliographie :N.Bottet Texte de Gilbert LascauxFragments international Editions 2011

« Ecrits »Gérard Grisey Ed.Guy lelong col-lection MF 2008. Dont un extrait titré “ 3compositeurs et un peintre”

Le temps Effeuillé texte de ValérieDuponchelle. Edition de l’Amateur Paris2002

L’Instant Immobile N.Bottet. Texte de JeanMarie Dunoyer 1999

Livre d’artiste, lithographies sur 35 pierreset texte de nicole bottet EditionsNeuhauser Kunstmühle, SalzbourgAutriche.

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Chaque tableau de Nicole Bottet étonne,surprend. Il séduit. Il suppose une éléganceimprévue, un charme soudain, une simplic-ité harmonieuse. Il propose des variations,des rythmes modifiés, des fugues discrètes,les jeux de l’équilibre et des instabilités, lesoscillations, l’espace mouvant, les sillages,les transparences, les traces, les em-preintes.Chaque tableau est une chance, une bara-ka, une aubaine. Il est une occasion, unsort. A chaque coup de pinceau, l’artisteose, elle se lance. Elle risque sans cesse.Dans le champ de la création, elle est uneaventurière. Elle tente et décide. Elle essaieet fonce. Elle agit à la bonne occasion, dansle lieu convenable, au moment favorable,par les gestes appropriés, à la belle heure,pour la joie et par la joie. L’opportunité estirréversible, comme le premier chant ducoq à l’aube. L’artiste voyage à l’intérieurde l’inexploré.

Texte Gilbert Lascault

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Gisèle Buthod-GarçonCéramique

Gisèle Buthod-Garçon travaille la tech-nique du Raku depuis 1982 ce qui lui a per-mis d’étudier les effets de métallisation etde réaliser ses pièces en combinant le tour,la plaque, le modelage.Les formes qui témoignent d’une grandemaîtrise plastique appellent un émail é-pais, sensuel, presque moelleux, aux nu-ances nacrées, avec des traces d’ocrepresque or filant dans le blanc. Fruits de sesrecherches plus récentes, des piècesprésentent un intérieur émaillé telle unenacre de coquillage, tandis que l’extérieurgarde un aspect d’argile gris mat délicate-ment perlé de sels d’argent, l’ensembleévoquant un raffinement certain.Son œuvre est forte et sûre… Avec lasonorité mate et métallique de ses émauxet la luisance de ses lustres. De grandesformes lisses, puissantes, équilibrées,asymétriques.

Institutions et Musées:

Musée de la céramique à SèvresMusée Art et Industrie “ la Piscine” àRoubaixMusée Adrien Dubouché à LimogesCollection du FRAC Languedoc RoussillonCollection FRAC Basse NormandieMinistère de la Culture Française Belgique Musée Ariana à Genève

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Claude ChampyCéramique

Claude Champy est un céramiste françaisné en 1944.Diplômé de l'École parisienne des métiersd'art (anciennement installée dans l'HôtelSalé), Claude Champy travaille à la produc-tion dans une faïencerie avant de constru-ire un premier four à bois, à Plaisir (Yve-lines).Fin 1972, il quitte définitivement l'usinepour se consacrer entièrement à son pro-pre travail.En 1975, sa participation à l'exposition « 18artistes et la terre » (Saint-Rémy-de-Provence, galerie Noëlla Gest) le propulseau rang des jeunes céramistes parmi lesplus prometteurs de la création française.L'année suivante, la galerie Sarver, à Paris,lui consacre une exposition.Depuis, Claude Champy a été exposé aumusée des Arts décoratifs de Paris, auMusée national de céramique de Sèvres(qui a acquis plusieurs de ses pièces).Depuis 1979, il expose régulièrement à l'étranger. En juin 2009, le principe de l'exposition« [Des] artistes et la terre » est relancé avecla publication, sous la direction d'Arnauldde l'Épine du livre 8 artistes & la terre1. Enseptembre 2010, la Galerie XXI2 expose leshuit artistes en question à Paris.La production de Claude Champy se dé-cline non seulement à travers les formestraditionnelle de la poterie (bols, pots, vas-es...) mais aussi par grands thèmes aux-quels il revient régulièrement : « Boîtes »,« Falaises », etc.

Il est aujourd'hui l'un des rares céramistesfrançais reconnus à l'échelle interna-tionale.DistinctionEn 1988, Champy reçoit le Grand Prix dumusée Suntory de Tokyo. Il noue à cetteépoque des liens durables avec descéramistes japonais.

Expositions :2005 Galerie Holstein, Bremen, RFA

Galerie Capazza, Nancay, FranceGalerie Kouei-Gama,Tokoname.Japon

2006 Galerie Pierre, ParisGalerie Fusion, Toulouse Galerie Loes et Reinier, Deventer, Pays-BasKünstlerresidenz in Fuping,China

2007 « collect », Londres, Grde-Bretagne2008 Galerie Geneviève Godard, Lille

Galerie Hélèné Porée, Paris2009 Galerie B15, Munich, Allemagne

Galerie Capazza, Nancay, France2010 Musée de Sèvres

Cie de la Chine et des Indes

Bernard DejongheCéramique

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Né en 1942. Vit et travaille à Plaisir, France1964-68 Ecole des Métiers d’Art à Paris

Collections publiques :

Arles, France, Musée Réattu.Coburg Germany, Kunstsammlungen vesteCoburg.New York, USA, Corning Museum.Evreux, France, Musée de l’Ancien Evêché.Faenza, Italie, Musée International de laCéramique.Lausanne, Suisse, Musée des Arts Décorat-ifs.Londres, Victoria and Albert Museum.Nagahama city, Japon, Kurokabe Museum.Réseau des Grands Sîtes de FranceAthène , Grèce, Benaki MuseumMusée du verre de ConchesNice, France, Musée d’Art contemporain.Paris, France, Musée des Arts Décoratifs.Sapporo,Japon Hokkaido Museum ofModern Art.Sars Potteries, France, Musée du VerreSèvres, France, Musée National deCéramique.Inchéon, Korea, Musée International de laCéramique.

Turin Italie, Musée du Design.Athène, Grèce, Benaki Museum.

PRIX :1994 World Glass now, Hokkaido Museumof Modern Art, Assahi Shinbum Prize1995 Paris, Grand Prix National du Min-istère de la Culture1996 Prix Culturel de la ville de Bourges2001 Paris Prix Bettencourt pour l’intelli-gence de la main2006 Paris - Maitre d'Art

2009 Musée d’Hyères, Chapelle des templiers Inchon Muséum, Corée du Sud, “Adventures of the fire“ .Musée de Sarreguemines, “Rouges“. Strasbourg „ La Chaufferie“ Fusions noires – Fusions Blanches“ .

2010 Baden Baden Allemagne Galerie BLondres Galerie Besson - Collect.Paris Galerie Varnier.Nançay Galerie Capazza.

2011 Ecouter le Monde- Musée archéologique de Bibracte. Musée de Biot.

Edmée DelsolCéramique, verre

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1997 Galerie Braggiotti, Amsterdam,Hollande, 19991999 Galerie Ortilles, Paris, 20022001 Galerie Nadir, Annecy2002 Galerie Marianne Brand, Car-rouge Genève 2003 Galerie Fusion, Toulouse2004 Galerie F.Duduit, Honfleur 2005 Galerie Pierre, Paris2006 Abbaye d’Arthous, ConseilGénéral des Landes, avec M. Réquéna2007 Galerie Capazza2009 Galerie H. Porée, Paris2010 Galerie Compl. d’Objet, Rouen,1996, 1998, 2001, 2007, 2010, Martot2011 Galerie G.Godar, Lille, 1998,2001, 2006, 20112011 Sèvres, Cité de la Céramique, Re-tour d’Afrique2012 Avignon, Chapelle du Miracle

Collections publiques et Musées

Musée des Arts Déco, ParisMusée du Verre, Sars PoteriesMusée d’ElbeufErnsting Stiftung Alter Hof Herding Coes-feld-Lette Musée de SèvresFRAC de Basse Normandie

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Nathalie DeshairsPeinture, Encre & Pierre noire

Née en 1964 à Grenoble. (France)Vit et travaille à Menton.Enseigne à l’école d’Arts Plastiquesde Menton de 1993 à 2004.Etudie à l’école des Beaux-Arts d’Aix enProvence de 1983 à 1987.Expositions :2012 Au-delà des Apparences, Annecy

Bogéna Galerie, ST Paul de VenceEspace Eqart, MarciacParcours de l’art , AvignonGalerie 22, Coustellet

2011 Galerie 22 CoustelletBogena Galerie ST_Paul de VenceGalerie Claudine Legrand, ParisJack Drougard Gallery, ST Emilion

2010 Lille Art Fair (J. Drougard Gallery)Affordable Art Fair (J. Drougard gallery ) ParisGalerie Otero. La Colle/LoupGalerie Sievi, Berlin Galerie 22, CoustelletEspace Eqart, Marciac

2009 Lille Art Fair, Galerie du ChâteauFoire d’Art contemporain,L’Isle surla SorgueJack Drougard Gallery, St EmilionGalerie 22, CoustelletTour Lascaris, GorbioSt-Art, Strasbourg (J. Drougard Gallery)

2008 Château des terrasses, Cap d’AilGalerie Otero, St-Paul de Vence

LE CORPS ET L’ÂME - OU « L’INSOUTEN-ABLE LÉGÈRETÉ DE L’ÊTRE »

Fragile, dynamique et léger à la fois,présent et fort de caractère dans un galbe,tremblant et à peine visible à d’autres en-droits, le graphisme de Nathalie Deshairsressemble à des cordes offrant une har-monie de multiples nuances. On observedes lignes qui respirent, enflent et se re-tirent en suivant une silhouette de grandeplénitude ou celle d’un être frêle. Desméandres se croisent, s’entrelacent, sevolatilisent en haut de la toile pour réappa-raître quelque part en bas. Fagotés dans unpoint culminant, ces traits constituent danschaque œuvre le centre névralgique, don-nant naissance à une énergie qui sepropage sur la toile entière. Fine coloriste, l’artiste utilise pour les fondsde ses toiles une gamme chromatique at-ténuée et jamais opaque. Elle fait vibrer cesarrière-plans grâce à la superposition deplusieurs couches translucides. Quelquescoulures ou grattages ainsi que deshachures offrent à l’œil une profondeur in-

saisissable. Les formes se détachent dufond tel un fil de fer qui sert de squelettepour une sculpture. La matière dans cestoiles se compose de teintes douces ou ac-centuées, d’un jeu de lumière, du clair-ob-scur et du plein et vide.Sur le chemin d’une recherche profondequant à la liaison entre chromatisme etgraphisme, Nathalie Deshairs réduit dansses compositions noir et blanc le langagesecondaire des couleurs pour accentuer ladualité entre la légèreté et la pesanteurdes matières. Photographe, graveur et peintre à la fois,elle a réalisé ses œuvres à l’huile ainsi qu’aufusain et à la pierre noire. L’artiste nousprésente le corps humain comme une car-nation de l’âme. Ses œuvres sont la quin-tessence d’une fatalité des contraires entrematière et spiritualité à laquelle noussommes exposés tout au long de notre vie,cette « insoutenable légèreté de l’être ».

Katharina Kolb, Juillet 2009.

Isabelle DurandCéramique

Née à Lille en 1970.

1986 à 1988 Diplomée de l’Institut SaintLuc de Tournai , section décoration.

1989-1990 Ecole des Beaux de Paris (coursdu soir).

1992-1993 Ecole Beaux Arts de Tourcoing.

1995 Cours avec la céramiste MichèleFISHER.2003 Stage avec Camille Virot

1998 à 2002 Cours du soir de modelage etde céramique à l’Ecole des Beaux Arts deTOURNAI sous la direction du sculpteurEmile DESMET.

Expositions :

Galerie 22 à Coustellet, Galerie del’Ancienne Poste à Toucy, GalerieGeneviéve GODAR à Lille, Treigny enBourgogne, Galerie WINANCE à Tournai,Biénnale de la céramique à Chartres deBretagne, galerie EMPREINTES à Aydat,Galerie 22 à Coustellet, au jardinBotanique du Montet à Vandoeuvre, à Sionau marché de la céramique, au FestivalInternational de la Geographie à Saint Dié.

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Christiane FilliatreauCéramique

Née en 1952.

1968 - 1973 Beaux-Arts de MARSEILLE(Diplôme national de céramique,).1974 - Stage chez BEN-LISA à PUYRICARD(pratique du four à bois à hautetempérature).1974 - 1977 Enseigne à l’Université deProvence section Art Plastique1976 - Intallation d’un atelier personnel.

Nombreuses expositions depuis 1974 à ce jouren France , Suéde, Dannemark, Belgique..

« Les cases nourricières » par leur densitéexprime l’ambivalence de leur identité.Formes oblongues taillées dans la masse dela matière elles se dressent érectiles,phalliques. Mais coiffées du téton maternelelles induisent aussi dans la même œuvre,l’idée de l’allaitement, de la sève nourri-cière, vitale et celle de l’abri rassurant, pro-tecteur.Lorsque les « cases » se parent de colliers,de guirlandes ou de collerettes debroderies de terre, l’aspect ludique cède laplace dans l’atelier à une bien étrangeséance d’exorcisme du souvenir. L’artiste u-tilise « le fil rouge » à coudre ou à broderpour un long et patient travail de passe-lacet entre les couches de terre comme s’ils’agissait de renouer le fil ancestral d’ungeste perdu et qui dans le même soufflelaissait réaffleurer les traces disparues aveclui, des visages, des sentiments des ab-sences ou des vides à combler.

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Déchirures, failles à recoudre au fil noir,surjets de blessures en mal de cicatrisation.L’œuvre plus loquace que les aveux mal-adroits, soigne et atteint l’universel dèslors que celui qui la reçoit accepte ces lec-tures subliminales dans lesquelles il se perdet se retrouve.

Il n’est pourtant pas question de se limiterà lire dans l’œuvre de Christiane les attrib-uts manifestes de la féminité (sein, sexe,lèvres) et les symboles en creux qui s’y rat-tachent, (coupe, vase, corolles, fil) pour serendre à l’évidence que l’artiste ne se satis-fait pas seulement de cette complétude ouharmonie à travers la bipolarité des genres.

Elle semble aller plus loin encore, exaltantson propre féminin comme une force ma-tricielle, réceptive, essentielle dans laquelles’origine sa puissance créatrice. Acceptantau travers de ses œuvres, d’aller vers cet es-sentiel de sa propre métamorphose : « Vasvers toi-même et deviens ce que tu es »,elle apprivoise le creux, le vide en elle, partà sa rencontre pour l’épouser. Elle dit sou-vent désirer « sculpter le vide à l’intérieurde ses pièces » où s’origine la forme à voir.Comme si au bout du conte l’harmoniedans l’unité s’était reconstruite et Fillia-treau de reconnaître et de saluer enfinChristiane, la toute-femme et mère de sesenfants et de ses oeuvres.La paume des mains peut alors devenirberceau.[....]

[....]Christiane Filliatreau entre rigueur et s-incérité, les deux limites qu’elle donne à saquête, fait partie de ces artistes qui ontchoisi l’humilité- et par conséquent lesmarges- pour créer. A ceux qui se sententprêts de se mettre en chemin, celui del’éveil, ou dignes de tenter l’expérienced’un vrai questionnement sur le sens de larecherche artistique… qu’ils aillent donc àsa rencontre.

Myriam Boutrolle

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Gèrard FournierSculpture

Né en 1948 à Rodez.Expositions :

2011 Galerie 22 , Coustellet2010 Galerie Capazza, Nancay2009 Galerie Art-Pluriel, LYON

Galerie Sordini, MARSEILLE« Les Jardins des Paradis », CORDESMusée de HYERES

2008 Musée du Verre, CARMAUX (rétro-spective)2007 Galerie Fusion, TOULOUSE

Galerie M. Cazin, Siniane la Rotonde2006 Galerie L’ivre d’Art, RODEZ

Galerie Sordini, MARSEILLETerra-mémoria, BOZOULS Galerie Art-Pluriel, LYON

2005 Galerie L’ivre d’Art, RODEZ Galerie Castang, PERPIGNAN

COLLECTIONS PUBLIQUES:

USA : Musée de Scottsdale, ArizonaMusée de Mobile, ALABAMA

France : Musée de CONCHESMusée du verre, CARMAUXFondation Villa’ Datris,Isle sur la Sorgue

Allemagne :Musée de BAMBERG

Peint depuis la fin des années 60. Pratique la gravure taille-douce de 1976 à 1986.Sous l’influence de la gravure et de l’environnement dans lequel il vit, travaille le schisteet aborde la sculpture.« D’abord le plaisir de la découverte quand la pierre m’interpelle par sa forme naturelle,sa structure, son mouvement, ses lignes. En suite il faut l’asseoir, lui trouver son équilibrequi va la révéler et lui donner toute sa présence. L’humaniser en introduisant dans cettematière une idée, une trace, qui sera traduite par une architecture de lumière : le verre,jouer avec le minéral, l’opacité et la transparence. Créer le mystère, l’insolite dans l’équili-bre et l’harmonie. Ma démarche traduit surtout ce besoin profond que j’ai d’être en har-monie avec la nature. «

G.Fournier

FrantaPeinture, sculpture

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Œuvres dans les collections publiques - Fondation Verannemann- Kruishouten, Belgique- Galerie Nationale, Prague- Musée tchèque d’arts plastiques, Prague- Musée de Moravie, Brno- Zapadomoravske Museum, Trebic- Galerie Vysociny, Jihlava- B.Russel Fondation, Londres- Musée d’Art Moderne , Paris- Centre national d’art contemporain,Paris- Fonds nationaux de l’Etat, Paris- Bibliothèque Nationale de France, Paris- Musée Chéret, Nice- Musée d’Art Contemporain, Dunkerque- Musée de la Ville, Menton- Ville de Grenoble- Musée de la Peinture, Grenoble- Musée départemental, Epinal- Musée des Beaux-Arts, Lyon- Maison de la Culture, Grenoble- Musée Cantini, Marseille- Musée de la Ville, Toulon- Fondation Maeght, Saint Paul-de-Vence- Château-musée, Cagnes sur Mer- Musée d’Art Moderne, Baux de Provence- Musée Picasso, Antibes

- Musée des Arts graphiques, Roquebrune-Cap-Martin- Fonds régional pour l’art contemporain,Alsace- Fonds régional pour l’art contemporain,Aquitaine- Musée municipal, Besançon- The United Nations Special Committeeagainst Apartheid- Fonds régional pour l’art contemporain,Champagne-Ardenne- Musée de la Castre, Cannes- Fondation Vincent Van Gogh, Arles- Cité des sciences et de l’industrie, La Vil-lette- The Solomon R.Guggenheim Museum,New York- Bronx Museum of the Arts, Bronx, NewYork- Brooklyn Museum, Brooklyn, New York- Haggerty Museum of Art, Milwaukee- Israël Museum, Férusalem- Stedelijk Museum, Amsterdam- Museo d’Arte Moderno, Castelanza- Fondazione Pagani, Legnano- Kunstmuseum, Bochum- Kunstmuseum, Düsseldorf - Kourtala Diop Collection, Dakar- Musée d’Art Moderne, Belgrade- Musée d’Art contemporain, Skopje- Musée d’Art moderne, Ljubljana- Musée d’Art moderne, Slovejn Gradec- Musée de la Ville, Sarajevo- Ghetto Museum, Terezin- Antonie Deussen Stifung, Zurzach- Collection pour Lidice- Musée d’Art contemporain, Nagoya- Collection Hiroshi Hasegawa, Tokyo- Université Masaryk, Brno- Ville de Tourette-Levens

Frédérick GagnéPeinture

Né à Québec, Canada le 30 avril 1978. Ilest diplômé en Arts Plastiques avecmention du Campus Notre-Dame-de-Foyen 1999. Il a aussi étudié la psychologie.

Poésie directionnelle :Son travail est une désincarnation du réel.Une image captée, projetée, esquissée puisrévélée. Attentif et actif dans son environnementses recherches s'articulent entre villes enmouvement et architectures industrielles. Alors l'infrastructure utile aux procédés defabrication ou d'évolution devient visibledans son œuvre. On remarque cette implication dans safacture graphique et surréaliste,décomposée, recomposée en plusieurscouches, plusieurs plans, plusieursperspectives.Expositions personnelles : 2012 : « Rétrospective » Espace Culturel

Carnot, Is-Sur-Tille 2011 : « Opole/opole » Bibliothèque de

Cascina, Pise, Italie2010 : « Solitudes urbaines »CaisseEpargne

Bourgogne-Franche-Comté, Dijon2009 : «Carnet de voyage » Salond'honneur

et hall de la Gare de Dijon-ville2008 :« Galerie Mahana », Dole (39)2007 :« Archétypes », Galerie deGemeaux,

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Daniel GrobetSculpture

Daniel Grobet est né en 1936 à St. Imieren Suisse. Il fait ses études de théologie etdirige l’association des étudiants protes-tants à Paris. Il exerce ensuite le ministèrede pasteur dans l’église réformée deFrance en Corse pendant huit ans.

Atypique, son parcours artistique ne s’in-scrit nulle part. Il lui suffit d’une rencontrepour découvrir une autre voie, une voiesans doute plus à même d’exprimer sa com-préhension du monde, de l’homme : ce futAlexandre Calder. Lors d’une expositionMiró que Daniel Grobet et sa famille visi-tent à la Fondation Maeght à St. Paul-de-Vence, il s’arrête devant une sculpture deCalder, il regarde ce mobile, fasciné,bouleversé :“il me semblait, que ce travail des équili-bres pouvait devenir le mien, ou, mieux en-core, qu’il aurait pu de tout temps être lemien”.Cette profonde compréhension de l’équili-bre qui lui est révélé soutient sa décision. Ilsuit sa vocation de sculpteur et acceptecette exigence intérieure de vouloirautrement exprimer la richesse de la créa-tion. Le matériau s’est également imposéclairement de lui-même: le plus simple, leplus commun, le plus aérien, le fer.Un an plus tard, Daniel Grobet quitte saparoisse et son ministère pastoral au sein

de l’église réformée de France avec l’ac-cord bienveillant de ses membres. Autodi-dacte, il apprend à travailler le fer encréant ses premières oeuvres mobiles.Si le changement fondamental vient de lavision de Calder, la voie de Daniel Grobetest pourtant tout à fait différente, origi-nale et personnelle. Les éléments constitu-ant la sculpture, parfois nombreux, sontsimplement posés les uns sur les autres enéquilibre, tout en recherchant l’esthétiquedu mobile en son entier.“Je suis fasciné par les équilibres, les lu-mières et les ombres, accompagnés d'éner-gies simples ( eau, vent, sable, feu), généra-teurs de mouvement. C'est pourquoi ceséléments, ces phénomènes sont devenus lecentre de ma recherche, parce qu'ils corre-spondent bien à la manière dont je perçoisla terre tournant sur elle-même etl'homme cherchant à s'y établir depuis lesorigines entre misère et bonheur. J'essaiede les traduire visuellement car nous lescherchons tous, physiquement et morale-ment durant toute notre existence. Cetterecherche commence avec nos premierspas.Pour moi, l'équilibre engendre le mouve-ment, et le mouvement une transforma-tion de la visionde l'objet, etl'objet uneforme animéedans l'espace.En fait je ne s-culpte pas lefer, je le plie, jele tord, je lefrappe et jem'astreins parla conjugaisonet l'harmonisa-tion des lignesà sculpter l'e-space”.

2012 Galerie art4art - CH - ErlenbachChateau de Barjac - Barjac

2011 Galerie 22 - Coustellet2010 “Trajectoires”,exposition rétrospec

tive, organisé par la MAC’A auCloître St. Louis - Avignon

2010 Publication du DVD “Trajectoires”: Portrait d’un artiste à l’occasion del’exposition “Trajectoires”à Avignonun film de Maria VanMunster

2009 Fondation Pierre et Poppy Salinger2008 Galerie art4art - CH - Erlenbach2007 Eric Linard Galerie F - La Garde

AdhémarGalerie Ursula Huber - CH - Basel

2006 Galerie des Amis des Arts CH - Neuchâtel12ème Parcours de l'Art Avignon Invité d'honneur

2003 Galerie des Amis des Arts,Neuchatel2002 Galerie «Cotérue» Barbizon

Télévision Suisse Romande"Racines«Et pourtant..., elles tournent »

2001 Galerie Ursula Huber Olten - CH

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À la fois questionneur ténu du passé deshommes et témoin assidu de leur pré-sent, Alain Grosajt voyage. Pompéi, Bei-jing, Venise… peu importe quand lacréation est « un développement mentalqui fait circuler d’un endroit à un autre», dit-il. En 2011, l’artiste visite la Chine.Comme à son habitude, il s’est à peinedocumenté sur les terres qui l’accueille-ront, favorisant d’abord l’imprégnationspontanée pour les mieux accueillir lui-même : ainsi est-ce son pas sur la Chinede chacun – quand bien même s’agirait-il du pas d’un geste à venir, l’œil déjà ledirige, secrètement – qui invente saChine intérieure.La vastitude chinoise s’exprime dans ladémesure, celle de la bué changeante oùse voile le lit de la Li ; celle des innombra-bles odeurs florales qui nimbent leshautes bosses de Guilin ; celle de cesbosses elles-mêmes, mille mamelons cal-caires que résume un énigmatique trian-gle, de dense légèreté. Encore est-elledans les millions d’yeux et dans chaqueregard surgi, croisé, volé, surpris, dé-laissé, à peine vu –jamais oublié –, doncdans toute trace de ce passage : de l’hé-mophile tampon pékinois le carré incer-tain, discrètement déformé par la sur-af-firmation de son encre, jonche çà et làtoiles et papiers d’un baiser anémique,de même la photo d’une famille juive deShanghai érodée par une queue de pin-ceau ou les idéogrammes échappés desjournaux, symboles vouant leur signi-fiants primeurs dans la forge aquatiquedu souvenir – l’atelier, bien sûr, dontbien malin sera celui à oser dire où ilcommence, s’il n’est partout.Un petit nouveau fait son apparitiondans la choséité du lieu magique : le thé,grande feuille goûteuse dont l’infusions’avère un liant de choix. Infiltrant la fi-bre, fut-elle de lin ou de lokta – la mon-tagne, encore, d’un orient élargi desaphorismes poétiques aux plateaux hi-malayens –, elle voiture la techniquepar-delà la sage main qui la croit

conduire. Entre le geste rapide du calli-graphe et l’application soignée de cesmarques, un contraste saisissant imposeune troublante dynamique de l’émotion. La question se pose : toile ou papier ?L’une est dans la tension quand l’autreimpose la paradoxale diaphanéité de lamain qui fermement le brasse. De là àvoir de faux-papiers sans la toile ou destoiles à papier… toujours la superposi-tion s’adonne à ses facéties, de la photoimprimée sur une autre, de la photoprise d’un sujet avec photo, et ainsi desuite, en un jeu d’ombre redoublée dontla quiddité refuse de se révéler. « La Chine est rouge, gris et or », nous ditAlain Grosajt, dont le sourire fait huir lesnénuphars. Le temps, c’est lui, macariteici-bas.

Texte Bertrand Bolognesi

Alain GrosajtPeinture, Encre & Cendre

Expositions :1994 - Centre d'Art contemporain PrésenceVan Gogh, Saint-Rémy-de-Provence Chapelle du Collège, Carpentras Galerie Cobra Fine Art, San Fancisco, Etats-Unis2004 - Espace d'Art contemporain AndréMalraux, Colmar2007 - Port Palace, Monaco2008 - Galerie 22, Coustellet2009 - Galerie 22, Coustellet • Centre cul-turel Beausoleil2010 - Musée des Alpilles, Saint Remy deProvence Galerie Jean Marc Laik Kobienz Allemagne Musée de géologie et d'ethnographie,Roque d'Antheron " Le temps se trace " Galerie 22 " Marelles " , Coustellet2013 - 4éme biennale Allauch 1ère exhibition internationale ShenghangChine2014 - Galerie 22 , CoustelletGalerie Jean-Marc Laik , KoblenzCollections publiques et privées :Fonds régional d'art contemporain deFranche-Comté , Collection BNP ,Collec-tion Centre d'Art contemporain PrésenceVan Gogh, Saint-Rémy-de-Provence. Nombreuses collections privées

Francis GuerrierSculpture

Né le 2 janvier 1964 dans le sud de laFrance, au pied des Alpilles, fils du peintreRaymond Guerrier et de Francesca Guerri-er, sculpteur céramiste.L’art dans une multitude de formes estprésent au quotidien dés son enfance.Cette manière de vivre avec l’art, en ac-cord, en harmonie active s’impose commeune nécessité.

Octobre 2009 Exposition avec Le sculpteurStéphane Guiran, Galerie FJ, 11 rueMiromesnil, 75008 Paris.Christophe Malavoy lui confit la scénogra-phie de « Romain Gary » présenté en no-vembre 2007 au Théâtre Montparnasse.Décembre 2008 Apres de multiple collabo-rations pour le théâtre, en tant que scéno-graphe, avec le metteur en scène GillesMartin : «Décadence» «la ravissanteronde» «Les enfants»… Dernière création: «Murs» : 5 monolithes de 5 Mètres dehaut. Janvier 2009. Jean Michel Wilmotte, pourle Hall d’entre du siège de Schneider Elec-tric lui commande une sculpture monu-mentale : « L’éléphant électrique » Février 2010 Exposition Mairie du 6emeParis2010 -2011 se consacre à la réalisation de s-culptures monumentales.Juin 2011 scénographie l’Opéra «MADAMEBUTTERFLY» dans une mise en scène deChristophe Malavoy.

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Raymond GuerrierPeintre

Raymond GUERRIER ( 1920-2002).Chevalier des Arts et des Lettres.La peinture de Raymond Guerrier est àl’image de l’homme qu’il fut, robuste etpoétique. Secrète, silencieuse, intran-sigeante, elle ne se livre pas au premier re-gard.Intègre, fuyant tous compromis, mû parun instinct infaillible, Guerrier aspire à l’au-thenticité d’un engagement dont il a en-tendu l’appel.Dans son face à face avec la nature, recon-duit à l’atelier, il prend conscience de la vievraie. Un ordre grave s’impose à lui, na-turel, en écho au primitivisme originel deschoses.C’est en poète qu’il peint le réel, grave etmystérieux. Au-delà du vocabulaire plas-tique primitif qu’il revendique, ce terrienest porté par une tendresse qui renoueavec les phénomènes constutifs de notresensibilité originelle.Mal dissimulée sous une rudesse domptée,sa pudeur est balayée par sa propension àla fraternité dont son regard sur les êtres etla nature est riche de sa confiance enl’avenir.Avec certitude, Guerrier a traqué le soleil.Sa renaissance quotidienne est le gage à lapermanence de la vie .

Lydia Harambourg

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Jean-Luc Guin’AmantPeinture, gravure

Les peintures de Jean-Luc Guin’Amant ontintégré le lyrisme des Abstraits qui leprécédèrent au cours du siècle dernier, at-tiré par une résolution des contraires : é-paisseur de la matière-monde, trans-parence de l’immatériel. Une tentative defusions qui évoque la musique en ce qu’ellepropose tantôt l’aérien, tantôt le toniqueet le fracassant. La lumière y est sous-ja-cente, sourd en superposition : résines,huiles, lavis libèrent les pigments sur lafragilité –réelle ou évoquée- des supports.Chaque peinture, elle-même génératriced’invention ou de rêve, propose ainsi unelecture libre. L’abstraction s’affronte au si-lence, les salves de couleurs transmettentl’énergie du geste qui les compose, tou-jours en quête d’une évocation quiéchappe et devient mystère. Nous sommesconfrontés à une saisie qui exprime puis-samment et qui se syncope, qui s’inter-rompt, pour laisser au spectateur la placede sa propre rythmique.L’artiste assemble et déconstruit par deslignes et par des taches qui n’imposent pasun contenu, mais une voie. Cette route estune soute. Car il y a convergence d’uneprofondeur qui émerge et d’une écriturequi pulse sur la surface.Les techniques et les matières sont com-posites, mais toujours unifiées par une vi-sion ou par un thème. Le traitement duthème est lui-même tenté par des agence-ments divers, des ensembles de formula-tions qui vont au bout d’un imaginaire. Ilexiste donc, dans cette orchestration mul-tiple, un décodage homogène des percep-tions qui réunit ces emprises du concept oudu réel sous une même main. Le systèmetonal et les obsessions de l’artiste sontalors à l’œuvre.[...][...]Pour autant, la peinture de Guin’A-mant ne renonce pas à dire : par subtilitésde touches et de recouvrements, il suggère l’hystérieet le calme des éléments,entre désignation et disparition.

Les fragments que proposent les tableauxsuccessifs donnent à voir une immensité,une succession dramatique et intense. Delointaine et horizontale, la mer devientvolcan, incarnant ainsi l’ambiguïté de lacondition humaine. Dans cette factured’oppositions et de troubles, Guin’Amantmet à jour, par étapes, la richesse d’unevariabilité. Depuis toujours, dans l’histoirede la peinture, la masse liquide, opaque outranslucide, se prête à cette union des con-traires. Ici, dépôts de lumière sur les fonds,là, métaphore en reflet de l’air et du ciel.Mer, matière initiatique, qui relie dans letemps, mais aussi dans l’espace, matrice o-riginelle, et « source » d’anéantissement.Le paradoxe trouve son comble dans l’im-age d’une barque dont on ne sait si elle a-vance ou si elle coule. Aussi ambiguë etambivalente, la représentation d’un mâtqui s’estompe, réverbère allumé surl’océan, apparition fragile, mais qui suffit àfaire reculer l’ombre. On songe aux é-vanescences de Turner.Cette écriture n’estsans rappeler aussi les vibrations et lesprésences des œuvres de Cy Twombly , etl’on se souvient des tragiques sombres deGasiorowski.[...]

Texte de Tita Reut

GALERIES EN PERMANENCE :Galerie Jamoz 22 Coustellet .France Galerie Dung Bui. St Paul de Vence. France Galerie La Hunne Brenner. Paris. FranceGalerie Internet Henrik Kummel. ParisFrance Galerie Envie D'art. Paris. FranceGalerie Pascal Vanhoeck. Cachan. FranceGalerie Bergman.Stockholm. SuedeGalerie Bergman. Goteborg. Suede Galerie Christine D.Gauthier. Kansas U.S.A. Galerie Degraaff. Saugatuck. U.S.A.Nines a Gallery. Douglas . USAGalerie Nord. Orebro. SuedeGalerie Spaziotemparenao. Milan. ItalieGalerie Sjöhästen. Nyköping, SuédeGalleri Ingela S. Stockholm .SuédeGalerie BackYard.Copenhague.Danmark

COLLECTIONS PUBLIQUES : En France : les Artothèques de Miramas,de Limoges et de Valence, la ville d'Argen-teuil et de Soisy. Le Musée de St Maur lesFossés. Au Canada la ville de Montréal, EnSuède les villes de Kalstad et de Örebro eten Suisse la ville de Zurich. Aux U.S.A. : laChase Manhatan Bank ( N.Y.C.) et G. Ter-bovitch inc. Design (Kansas city) et diverscollectionneurs à Chicago, West PalmBeach ……….

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Bertil HanssonPeinture, Aquarelle & Photographie

Quelques expositions récentes 2012 Galerie Svae, Gjøvik, NorwayLilla Galleriet, Helsingborg, SwedenGalerie Gullmarn, Uddevalla, SwedenGalerie 22, Coustellet, Cabrières d'Avi-gnon, France2011 Galerie Våga Se, Stockholm, SwedenBildkällaren, Falköping, SwedenGalerie Ismene, Trondheim, Norway2010Galerie Langegården, Bergen, NorwayGalerie A - Galleri A Minor, Oslo, NorwayGalerie aux quatre vents - St.Julien leMontagnier, FranceFärgelanda Konsthall-Färgelanda, SwedenGalerie HIS, Arendal, Norway2009Galerie Ismene, Trondheim, NorvègeGalerie Bäckalyckan, Jönköping, SuèdeGalerie 22, Coustellet, FranceGalerie Stockselius, Skövde, Suède2008Galerie A, Oslo, NorvègeGalerie Olsson & Uddenberg, Gotheborg,Suède

Né en 1950 à Lysekil, Suède,Vit et travaille en Vaucluse

Tetsuo HaradaSculpture

44Né en 1949 à Niigata au Japon, il étudieaux beaux-arts à Tamabi à tokyo ets’installe à Paris en 1973.“ Ma recherche s’oriente vers des volumesaux contours légers, voluptueux, libress’inspirant des parties du corps humain,comme des paysages poétiques, charnels.je redécouvre la taille directe avec lemarbre italien de façon plus intuitive,progressive. dans la douceur et la finessede la matière, mes outils transmettent mesdesseins. Je délivre des formes des blocs :une épaule, un ventre bombé, un seinsoyeux, a tension d’un muscle, le creux desreins, le grain d’une peau, un paysagetendre et chaleureux....Mon cheminement commence par un rêvequi se prolonge sur le papier, une lignespontanée au crayon sur mon carnet, puismes formes sont affinées sur des dessins auformat raisin et parfois sur des toiles. Cen’est qu’après ce parcours sensible quecertaines formes seront sculptées.Dans mon atelier de nombreux blocs demarbre, de granit, de bois m’attendent. Jechoisis la matière en fonction dessensations que je veux transmettre. En cemoment, je suis inspiré par les marbres

ltaliens, les mêmes qu’employait Michel-Ange, mais j’ai envie de donner une lecturetactile. Mon plaisir serait de voir mesvisiteurs caresser mes sculptures pour lescomprendre en les touchant, voyager.“

Ernst Günter HerrmannSculpture

Né en 1941 à Erfurt , Allemagne.Herrmann étudie l'architecture de 1961 à1968 à Berlin et à Londres. Il termine sa for-mation en 1969 à l'université de Stuttgart.De 1969 à 1974, il est professeur à l'univer-sité de Californie à Los Angeles. Il revienten Europe et installe son atelier enProvence jusqu'en 1978.Ernst Günter Herrmann a tout d’abord tra-vaillé avec l’espace urbain en reliant l’in-dustrie et la nature en Europe avant derevenir à ses racines artistiquesprovençales.Les formes des œuvres d’Ernst Günter Her-rmann sont proches des cadres irréguliers.Il joue essentiellement avec le paradoxede la vie ; monumentale et minimaliste à lafois. Il délimite les grands espaces sans leurvolume et sans leur matière cette dé-matérialisation et aussi un dialogue entrela surface industrielle et son écriture per-sonnelle.La matière, la fragilité qui se manifeste ir-révocablement dans le cerveau du specta-teur font appel à la perception incon-sciente qui cherche à comprendre les qual-ités structurales.Ses sculptures, découpées au plasma dansune tôle de 10 à 12 mm, sont emboitéesl’une dans l’autre par des encoches précis-es. Les dimensions varient de 0,50 à 4,00 m,en acier ou inox.

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Medjid HouariSculpture

Ancien Elève des Beaux-Arts de ParisMédaille d’Or des Artistes FrançaisSociétaire du Salon d’AutomneSpécialiste du travail du métalPrix de la Fondation TAYLOR - mai 2009.Prix EDF - 1998.Prix de la Fondation JOHNSON - juin 1984.Prix WELER - 1976.Exposition dans l’Atrium de la tour CŒUR-DEFENSE en juin – juillet 2009 (voir video).Exposition à la galerie LYNX INTERIORS àChelsea, New York, depuis le printemps2008.Exposition permanente à la galerie Pierre-Alain CHALLIER, rue de Belleyme à Parisqui a repris le catalogue artistiqued’ARTCURIAL.Biennale 109, Cité Internationale des Arts,Paris : participation régulière.MAC 2000 : participation régulière.Salon de Mai, Espace Commines, Paris.Réalités Nouvelles, Parc Floral de Paris.Grands et Jeunes.Exposition personnelle à la mairie de La-Celle-Saint-Cloud au printemps 2008.Exposition personnelle à la mairie de Saint-Nom-la-Bretèche à l’automne 2007.Exposition personnelle à l’égliseSalpétrière, Paris, en 2006.Exposition personnelle au Crédit Mutuelde Bretagne à Brest, d’avril à juin 2006Exposition chez ARTCURIAL, Rond Pointdes Champs-Elysées à Paris et à Monaco de2000 à 2006.

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Alberto LescayPeinture

Né en 1950 et vit à Santiago de Cuba, Membre de l’Association Internationaledes Artistes Plasticien ( AIAP).Membre de l’Union des Ecrivains et Artistesde Cuba (UNEAC)L’Univers poétique de Lescay repose surtrois pôles : Eros, Magie et Envol. Eros,toute sa peinture est un élan vers la pleni-tude, c’est la vie avec la grande joie degrandir. Magie, car cette progression com-mence par l’invocation élémentaire (terre, bois, os, chair animal, plumes, sang,feu, métaux, obscurité et lumière): desforces et des puissances qui s’échappentvers d’autres dimensions plus hautes. En-vol, comme le chant qui donne un carac-tère vivant à la peinture et le transformesoudainement.Alberto est le plus grand artiste Cubainactuel. Dans son oeuvre sculpturale et sou-vent monumentale on peut mentionner :Figure Equestre de Antonio Maceo, bronzede 16 m. de haut, à Santiago de Cuba ;Monument à l’Esprit Guerrier àPuerto Cabello au Vénézuela; Monumental Cimarronà Santiago de Cuba ; ensemblesculptural Jardin de l’Amour de Santiagode Cuba; sculpture à Ernesto Che Guevaraà La Havane; monument à Neg Mawo,monument à José Marti, place José Marti, àMontpellier ...

Exposition à Santiago de Cuba -Cuba,Suisse, Allemagne, Canada, Espagne,Mexico, Colmo-bie, République Dominicaine, Union Soviétique, Montpellier-France, Malaisie.

Collection dans les Musées : Musée Emilio Bacardi à Santiago de Cuba- Cuba, Musée Na-tional de Bellas Artes, Ciudad de a Habana,Collection privée : Danny Glover, Gérard De-pardieu, Antonio Guillem, Miguel Barnet, José Oleszcovski Wasserteil

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Dominique LimonPeinture, Gravure & Sculpture

Quelques expositions récentes

2009 - Galerie Artfolio - Singapour

Galerie 22 - Coustellet

2006 - Galerie Daniel Amourette – Rouen

Galerie 16/10 Avignon

2004 - Galerie Daniel Amourette - Rouen

Galerie Jas de la Rimade – Carcès

2003 - Domaine de la Jeannette, Hyères.

2002 - Galerie Daniel Amourette - Rouen

2001 - Galerie Jas de la Rimade - Carcès

Dominique-Pierre Limon est né en 1946.Il vit et travaille en France

La couleur va son élan comme le cœurimpulse son rythme au sang, comme laSorgue se défait entre les roches et peigneéchevelant ses algues.

La couleur - parfois noir contre blanc - bienque veloutée, se fait hirsute, mord surl'autre, s'affranchit du contour, s'évade desformes closes, déborde ivre de teindre lemonde.

Bleu roi, violet, carmin s'énamourent; levert est rivière et algue et vent et herbe dela rive ; le soleil fait tache rose, mauve,jaune, indigo.

Dominique Limon dont le trait dresse,ramasse vers le ciel, donne liberté à lapalette, insurge les mots, fait polémiquer

les tailles et contre-tailles. Il sait, berger,qu'à son signal le troupeau rameuté le suit.Flûte de pan ses brosses et pinceaux quifont danser la toile, ses prairies colorées,culbutent ses plans, soulèvent les plagespolychromes. Dans le bougé de l'instant lesaisit le furtif d'une nymphe, le charmed'un pas ancien, l'enchantement del'enfance : antan qu'estompent la nettetéde la ligne ou la douceur d'acrylique.Visages, corps s'immiscent, disparaissentdans un rideau de roseaux, herse ou réseaueffaçant ce qui passe.

Patrick LostePeinture

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Né en 1955 à Perpignan. Vit et travaille à l’Albère Pyrénées Orientales.

[Patrick Loste n’illustre jamais le monde de schevaux. Il ne peint pas ses propres animaux(lemot est-il encore juste?), qui vivent en semi-liberté sur sa terre de montagnardpyrénéen. Il ne fait pas d’images. Il peint d’inconnus cavaliers ,infimes passeursd’immensité. À l’arrache, il peint des Saints Georges qui affrontent,des cavaliers quichassent, des fauconniers qui regardent le ciel. Il ne cesse de peindre des fabuleuxcentaures, ses doubles impossibles. Autant de prétextes créatifs, autant de voies pour quele cheval peint puisse habiter enfin la terre innombrable. Après la peinture, chevaucher labête le remet en selle.... Au centre de son art, le cheval centre l’homme.Patick Loste peint l’entité cheval-homme, celle qui crée l’étendue par sa foulée, quifusionne l’homme aux sources de sa profonde et secrète animalité, qui incarne l’instinctde vie le plus profond, celle qui érotise l’intime relation de la bête humanisée au cavalieranimalisé qui la monte, et celle enfin qui abolit pour un temps l’impensable distance quisépare l’homme de sa nature.]

Extrait texte Christian Noorbergen

Brigitte MarionneauCéramique

Née en 1958 , vit près de La Borne, France

Du corps au paysageS’ils sont paysages, les volumes – qui portenttoujours le titre “Au bord du paysage” – sont aussiproches du corps. Tout l’évoque : hauteur etépaisseur – à peu près celle d’un buste -, arêtessouples et anguleuses, équilibre etdéhanchement, ouvertures-orifices appellantl’oeil, les doigts, le souffle. Sur leur peau veloutéede lait, de neige, de marbre, entre mat et satin,Brigitte Marionneau lance le pinceau du crin…Dans l’harmonie libre et précise du geste, terre etciel s’unissent. La rapidité avec laquelle se posentles brins de crin sur la pièce encore chaude aramené la céramiste au coeur de cette quête dumouvement juste, né entre concentration etlâcher prise, dans l’aisance de la joie…Il est desmoments où un seul pas nous mène en haut de lacolline, dans l’aboutissement d’un mouvement oùtout se rassemble comme sur la crête d’une vague:à partir d’elle un horizon se découvre vers lequelplonger… Avec ses dernières pièces, BrigitteMarionneau a posé un pied dans sa propreécriture...

Extrait texte Pascale Nobécourt

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Enrique Mestre-JaimePeinture

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Né en 1968 à Barcelone , Espagne.

“Éclaboussures de vie, là où l’eau s’arrête, L’Afrique est le continent premier. Ses

espaces, autant de portes ouvertes à cescultures ancestrales qui détiennent lesecret et le destin de l’humanité. Lecontinent originaire est pénétré d’unespiritualité chaleureuse et ardente quiprend racine dans les terres accueillantesde Mauritanie, du Mali ou du Niger, desterres qui ont conquis l’oeil et le coeurd’Enrique Mestre-Jaime lors de sa dernièreéchappée loin de nos villes. De là-bas,Enrique Mestre-Jaime nous a rapporté uneexpérience sensible de portée quasigéogénique : il nous invite à bordd’embarcations qui semblent jaillir del’argile même des terres africaines et quinous transportent au-delà de la voûtecéleste, menées par des éclaboussures devie, d’eau et de lumière. Au cours de cevoyage, les enfants prodigues sont destextures sableuses et dorées, des contoursde medina et de mosquées. Une spiritualitéqui se dessine d’une architecture de glaisefaite main jusqu’à la texture de ces toilesdont la composition finale contientl’univers tout entier. Ce voyage à la limiteméridionale du Sahara s’écoule le long du

désir d’ « eau » de l’artiste, ce motmagique à la racine de toutes lesespérances africaines et thème récurrentdans l’oeuvre d’Enrique Mestre-Jaime. Eneffet, si l’eau est le plus grand trésor del’Afrique, elle est aussi à l’origine de ladette et du destin de l’humanité. Ici, la voieserait le fleuve Niger et sur ses berges, uneexplosion de couleurs qui éclaboussent lesimmenses plaines que sont les toiles etdans ces méandres qui, après avoir fertiliséla terre et tout en se retirant, créent cetteglaise avec laquelle se façonnent lescroyances, les mythes et le torchis despeuples africains. La vie renaît par lacouleur, là où l’eau ne coule plus. Enfin, lacouleur réveille le désir d’atteindre la toilede fond du destin, du continent, de laplanète et de l’univers, depuis ses plusterriennes origines.“

Texte Tomás Caballero

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Setsuko NagasawaCéramique

Vit et travaille a Paris, FranceNée a Kyoto. Japon

Collection et Acquisitions d’oeuvres :

2003 Museum Boymans Van Beauningen (Ceramic Industrial Design), Rotterdam

2004 Museo Nationale do Azulejos,Lisbon-ne, PotugalBenaki Museum, Athéne, Grece

2007 Musée Ariana, GenéveMusée de Design et d’Art appliqués Contemporains, Lausanne, Suisse

2009 Musée Ariana, GenéveVille de Carouge (Musée de Carouge)GenéveThe National Museums Scotland, Grande Bretagne

2011 Musée National de Céramique, Sèvres, Paris

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Jean-Philippe PernotPhotographie, Art numérique, Super 8 & Video

Né en 1966

Vit et travaille à Paris et Les Cars (87).

La multiplication des possibles et del’unique. Quête permanente mue par ledésir de transcrire en image(s), et s’il n’enrestait qu’une, les mutations dont l’êtreest l’objet depuis la Renaissance.Nanotechnologies, sciences du viant,biotechnologies, transidentité, réalitéaugmentée, réalité virtuelle, extropie...la part de l’être se vivant augmente.

Et dans la connaissance, et dans sacapacité à se représenter.

Ainsi s’écrivent les photographies, vidéoset autres créations de jean-philippepernot entre l’infiniment petit, l’élément,et l’infiniment grand.

Et si l’homme n’était plus un ?

Apparition - 40 x 50

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Danielle PrijikorskiPeinture

Vit et travaille à Bagnol sur Cèze , Gard

Danielle Prijikorski aime à dire et à redireles mots emblématiques de Picasso : "Si tune peux pas tout faire avec rien, tu ne peuxrien faire avec tout."

Ouverte à toutes les techniques et tous lesmatériaux, elle fait en effet feu de toutbois, colle ou pigments, sable, gravier ouplumes quand ils s'accordent avec cequ'elle veut exprimer... À côté desfragments de papier, de tissus, et de vieillespalettes on trouve également des débrisvégétaux, des éclats de poterie, des clousrouillés, que la terre a ruminé et digéré ;amusée cette arpenteuse de chemins, necesse, en toute saison, d'aiguiser soninstinct d'archéologue pour récupérer devieux objets en miettes.

Entre Avignon et Uzès, où elle vit depuisune dizaine d'années, Danielle Prijikorskine cesse ainsi de recueillir les fruits de cetterégion austère et somptueuse, decomposer une symphonie toutepersonnelle. Combinant les rythmes, elleélabore les motifs, dont elle essaie dedépouiller son inconscient. Toile ouPapier ? La toile résiste alors que lespapiers relèvent du journal intime.

La différence entre ces deux supports n'estpour elle qu'une affaire de point de vue.

Ainsi de toile en toile, de papier en objetssculptés, Danielle Prijikorski nous invite"fugato" à renouer les fils fragiles de notreêtre au monde.

Ajoutons pour mieux tenter de la définirque son écriture si singulière déploieparadoxalement une œuvre d'uneconstante et égale unité.

PouyuPeinture

Né le 27 mars 1967 à Santiago de Cuba

À la fin des années 80 avec la reconnais-sance nationale de sa province natale, ilmontre un travail de renouvellement, pleinde lyrisme imaginaire, recréant des sujetsallant de l’érotique à la politique sociale,montrant aussi tout l’univers de l’homme ,intérieur et extérieur.

En 1990 la rencontre avec d’autres artistesde sa génération lui permettent de s’en-richir et de se développer dans l’art de San-tiago d’aujourd’hui.Ses oeuvres sont présentent dans lesMusées et galeries de Cuba.

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Pierre RibàSculpture

Né en 1934 en Ardéche, France.

Des formes sensuelles élaborées à partir desimples feuilles de carton ...Tant de simplicité et tant de complexitémêlées. Des signes, des formes, des dé-coupes que l'œil reconnaît mais qui in-triguent. Vagues souvenirs d'objets ances-traux, un totem ici peut-être, là unmasque. Et toujours, une retenue, un si-lence quasi religieux émane de l'universmonochrome de Pierre Ribà. Les œuvresénigmatiques de l'artiste fascinent et jet-tent le doute. " ses sculptures nous sont siproches que lorsqu'on les a vues une fois,on a l'impression de les avoir toujours con-nues, comme des amies revenues de loin,comme des souvenirs ou des colombes, deschants mélodieux familiers, tant l'har-monie les dressent face à nous, humbles ethumaines" insiste Georges Chich. C'estvrai, ces œuvres de morceaux de cartonssoigneusement agglomérés ont l'étrangepouvoir de s'imposer d'emblée au regard,comme une évidence plastique, une espècede loi physique, un refrain obsédant quivous trotte dans la tête toute la journée.

Texte Miroir de l'Art

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Florian RosierPâte de cristal

Né en 1978 à chenôvre (21) . Compagnon Verrier Européen au CERFAV.Nuls coupes ou vases à utilisation domes-tique ni de boites ou flacons à usage déco-ratif dans les expressions de Florian Rosier.Les dimensions matérielles qu’il inculque àson œuvre nous font entrer, tout droit,dans la création pure. Pour y parvenir,l’artiste a emprunté une voie peu explorée,le verre qu’il fait transpirer par tous lespores de sa substance. Ce matériau qui, àtravers le prisme sentimental, lui a mis lamain à la pâte cristallise toute son énergiecréative forçant son propre destin par le bi-ais de la 3 D. Mais, avant de laisser surgiren lui les deux élémentaires primordiauxde sa créativité que sont la matière & la lu-mière, l’artiste formalise des lignes, struc-ture l’idée génitrice, palpe les matériaux,recoupe les évidences, fusionne le volumede ses inspirations, accroît le « verre-tige »qui lui échauffe l’esprit, comprend les diffi-cultés car le sculpteur recherche avant toutla lumière y compris celle qui va capterl’œuvre afin qu’elle réfléchisse le spectrede ses rayons toujours en partance vers lefaisceau de sa naissance astrale. La matu-rité d’une sculpture est d’une profondelenteur car si l’essence et le sens de l’œuvredoivent être lumineux, ils sont aussi affairede spatialité.

L’élaboration d’une pièce est mesurée, complexe, chimique avant de se fondre dans lemoule de l’idée fondatrice. En effet, tout un ordonnancement concerté d’immersions derêves, de phases éruptives, d’inclusions érectiles, de concentrations de soi vont métamor-phoser la substance, en crue de sécrétions vitales, l’artiste donnant même ce qui le dé-passe.Effectivement, le verre est d’abord une énigme, celle de la froideur à la chair vulnérableque Florian Rosier dépasse pour affirmer l’œuvre dans sa totale entité, maitrisant les para-doxes du reflet laiteux et de la transparence de l’eau limpide, opposant plages lisses à lamatité absolue, accouplant verre translucide et pâte de cristal colorée pour conquérir ain-si toute la diversité dans ses différences.Et si, pour dompter la matière (en fusion ou solidifiée) la façon la meilleure c’est de sesoumettre à elle, en finalité c’est, en habit de lumière, la personnalité de l’artiste quidomine, son intuition esthétique gardant cependant l’esprit vif & inventif des enfants. Sila matière première de ses sculptures c’est la matière grise, seule, son intelligence se re-belle pour se livrer à son art avec une passion communicative et c’est le premier messageque confient ses œuvres dès le premier regard. Florian Rosier est artiste dans l’âme, cellequ’il donne au verre, frémissante de vie, vibrante de clarté, en écho à la sienne, qui plusest profondément humaine.

Texte de Christian Benoît Lannes

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Gottfried SalzmannPeinture

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Né le 26 février 1943 à Saalfelden,Autriche1963-65 Akademie der bildenden Ku� nste,Vienne, Autriche1965-68 École Nationale Supérieure desBeaux Arts de Paris, FranceExpositions dans les Musées1973 Maison de la Culture, Amiens, France1982 Albertina Museum (Prunkräume), Vi-enne, Autriche1987 Städtische Sammlungen Schweinfurt,Allemagne1991 Oberösterreichisches Landesmuseum,Linz, AutricheMetropolitan Museum, Manille, PhillipinesMuseum der ModerneRupertinum, Salzbourg, Autriche1993 Musée de la Seita, Paris, France1996 Centre d'Art Contemporain, Rouen,France (avec Nicole Bottet)1998 Palais Bénédictine, Fécamp, France2001-2002 Musée de Saint-Maur, LaVarenne, France2003 Museum Carolino Augusteum,Salzbourg, Autriche2006 Ouverture de la Salle BeriXXX Got-tfried Salzmann, Salzburg Museum,Salzbourg, Autriche2012 Oberösterreichisches Landesmuseum,Linz, Autriche

2001-2002Musée de Saint-Maur, La Varenne, France2003Museum Carolino Augusteum, Salzbourg,Autriche2006Ouverture de la Salle BeriXXX GottfriedSalzmann, Salzburg Museum,Salzbourg, Autriche2012Oberösterreichisches Landesmuseum, Linz,AutricheKubinhaus Zwickledt, Zwickledt, Autriche

Collections Publiques

Albertina Museum, Vienne, AutricheMuseum der Moderne, Salzbourg, AutricheSalzburg Museum, Salzbourg, AutricheOberösterreichisches Landesmuseum, Linz,AutricheMuseum Essl, Kunst de Gegenwart, K-losterneuburg, AutricheMusée de la Ville de Paris, Paris, FranceBibliothèque Nationale de Paris, Paris,FranceMuseum Séoul, Séoul, CoréeMusée Jenisch Vevey, SuisseKunstmuseum, Vaduz, LiechtensteinMetropolitan Museum, Manille, Philip-pinesSammlung Leopold, Vienne, AutricheStrabag Kunstforum, Vienne, AutricheMusée de Montbeliard, Montbeliard,FranceLeopold Hoech Museum, Du� ren, Alle-magneMuseum Ferdinandeum, Innsbruck,AutricheSL Green Reality Corporation, New York,NYAIG/American International Group, Inc.New York, NYBain Capital Asia, LLC, Hong Kong, ChineEtc.

Francisco SepulvedaPeinture

Né en 1977 à Santiago du Chili, vit et tra-vaille en France depuis 2004.Etudie le dessin, la peinture et la gravure àl’Ecole des Beaux-Arts de Santiago et àl’atelier Wifredo Lam où il explore les tech-niques expérimentales de la gravure.

L'œuvre de Francisco Sepulveda est uneœuvre essentiellement ouverte, car aucunde ses tableaux n'est jamais enfermé en lui-même. Tout ce qui peuple la surface nousappelle. Les figures singulières, propulséescomme au devant de la toile par le soufflede leur danse aérienne, lancent à notrerencontre des signes multiples. Tous les élé-ments physiques et mentaux, mobilisés parFS pour créer son œuvre sont traversés parune onde magnétique qui manifeste soncharme étrange dans chaque toile. Chaquetoile est une planète qui gravite dans lagalaxie d'un univers étonnant.Ce travail nous parvient et s'impose quasiinstantanément tant le matériel visuellibère de toute sa force d' expression lapuissance graphique dans l'espace pictural.C'est, donc quasi immédiatement dans leplaisir des yeux et embrasement des sens,au point d'impact du premier choc des per-ceptions et des sensations, que s'opère larencontre, que notre relation avec l'œuvrese noue. Et c'est dans le prolongement vi-brant de ce contact initial, jubilatoire et in-trigant qu'il est nécessaire de poser laquestion du rapport entre graphisme etpeinture, et, corollairement, celle du rap-port entre figure et fond.

Dès le plan de réalisation technique, legraphisme, selon une double modalité defonctionnement, est un système nerveuxinfusant son énergie à la toile entière, enmême temps qu'il est un squelette archi-tectural très spécial, dont l'ossaturerigoureuse mais néanmoins fluide est presque élastique. C'est sur le mode du sys-tème nerveux, avec son réseau incisif deveines chercheuses, que la puissancegraphique trace la carte des intensités de latoile. Elle coordonne plusieurs passages,plusieurs circuits de sens possibles, et amé-nage de nombreuses trajectoires nous per-mettant de surfer sur l'espace réel et imag-inaire de l'œuvre. Et c'est sur le mode dusquelette architectural, avec ses lignes derigidité solide et de souplesse liquide, avecses angles acrobatiques et ses arcs élec-triques, avec ses arêtes coupantes et sescourbes plus tendres et sensuelles, que legraphisme détermine, sans en réduire lapercussion expressive, le corps des figures.Relativement à cette double modalité sys-tème nerveux/squelette architectural. nousressentons la peinture comme une peausensible, tactile, qui vient se répandre dansses aplats, puis épouser la puissancegraphique. Elle intensifie à son tour legraphisme, lui inoculant la puissance de sapropre picturalité, toute l'efficacité et l'é-tendue de ses qualités chromatiques. Lapeinture est équilibrante et spatialisante ;elle donne au graphisme l'assise dont il abesoin pour ses contorsions. et elle ouvresur l'infini. Il faut que la force énergétiquegraphique, dans son mouvement dy-namique, et la force picturale dans sa di-mension spatialisante, fassent puissanceensemble pour que les images naissent.Elles dansent alors dans la lumière et trou-vent aussitôt la pleine consistance du corpsfigural, qui, sur le plan esthétique, les in-carne.l

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ShahabuddinPeinture

Né en 1950 à Dacca au Bangladesh.Peintre figuratif mondialement reconnu,il a été élu en 1992 l’un des 50 maîtres del’Art contemporain lors de l’Olympiade desArts à Barcelone.Présent au musée national du Bangladeshà Dacca, au musée national de Bulgarie àSofia, au musée olympique de Séoul enCorée, au musée olympique de Lausanneen Suisse, etc.

Ayant jadis pris les armes pour faire ad-venir un Bengale indépendant et chasserl'autoritaire frère ennemi, le Pakistan, Sha-habuddin est également un lutteur enpeinture. Originaire du Bangladesh, avantde s'installer à Paris, il a donc vécu laterrible expérience de l'aliénation cul-turelle et la grande frustration de l'identitémenacée, avant de s'engager dans le com-bat pour la liberté aux côtés du CheikMujibur Rahman. Jusqu'à la victoire desjustes, il a par conséquent connu les affreset les ivresses du "freedom fighter", maiscette épopée à marqué sa mémoire.Aussi,,il n'est pas étonnant que sa peinture se soitfocalisée autour des vertiges bousculés ducorps en action, membres arc-boutés etmuscles saillants, jusqu'au paroxysme de l'-effort et de la souffrance.

Athlètes dans leur élan ou guerriers à l'af-fût généralement nus, fauves écornés ouchiens batailleurs, danseurs en suspens ouvoyageurs errants, femmes à la lourdedémarche ou groupes humains en fuite,tout ici traduit simultanément la puissanceirrépressible du mouvement et une vio-lence crue. Néanmoins, ces figures incar-nées ne s'offrent jamais dans leur concré-tude, mais se profilent dans les spasmes dela matière, les chairs desquamées et fis-surées, presque clandestines. Alors, au seinde ce conflit porté et ressenti, sanglé d'ar-rachements organiques, Shahabuddin seconcentre sur l'essentiel du rendu, à traversune quête des profondeurs et du tranchantde la sensation, où s'impose une expressionà vif, c'est-à-dire proche de l'expression-nisme, en ce qu'elle s'attache à révéler laface cachée de l'être. Toutefois, cet it-inéraire ne rend pas seulement compted'une crispation existentielle sous la ban-nière du mouvement, mais délivre un hom-mage permanent aux plus illustres libéra-teurs, comme Mujibur Rahman ou le Ma-hatma Gandhi, quand il ne s'agit pas deshommes, sommets de la littérature, telRabîndranâth Tagore, échos de la mytholo-gie intime de l'artiste,qui place la poétique

au même rang que la politique dans l'artd'être debout. Et sa manière de cerner lespersonnages entrés de plain-pied dansl'histoire, n'a rien d'un célébration affectéemagnifiant la mémoire officielle, car sescompositions en puissance les montrentaussi en humanité.Maintenant, en toutes circonstances, satechnique s'appuie sur les sommationsd'un geste fusant, à la fois ramassé et re-mué, dont les dérèglements dirigéscristallisent une mise en page efferves-cente et retenue, où les enjeux de la formes'accordent aux contrastent onctueux de lamatière-couleur, en mêlant la force et lafluidité.Cependant, au-delà des connotationsidéologiques d'une histoire personnelle etdes interprétations sémantiques, Sha-habuddin nous parle d'un monde qui nousprend et nous tient, homme, terre, corps etesprit. Arrivé aujourd'hui au faîte de sonart, il n'en finit pas de dévoiler une oeuvreà son image, farouchement indépendante,âpre et drue comme la vie, témoignage detous les combats qui sont les âmes descorps.

Gérard Xuriguera

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Kasono TakamuraPhotographie


Kiitos, Tokyo, Japon

Galerie Impressions, Paris

150 des relations Franco-Japonaises

Festival de France, Oita

Galerie 22, Coustellet

Mois de la Photo, Paris

Galerie Le Jemmapes, Paris

Paris Photographique, Paris

Maejima Art Center, Okinawa, Japon

Galerie “Trois A”, Paris

Née en 1979 à Tokyo, Japon, vit et travaille à Paris

Étudie l’histoire de l’art aux Beaux-Arts deVersailles depuis 2008. Au Japon, KasonoTakamura est diplômée de l’École profes-sionnelle de photographie - NihonShashin Geijutsu - dans le section Photojournalisme et Photographie artistique(Tokyo) et de l’Universite Keisen en Sci-ences Sociales Internationales de la facultede Sciences Humaines (Tokyo).

“Quand je bouge j'ai l'impression d'êtreimmobile, quand je reste ici, j'ai l'impres-sion d'être déjà dans un autre lieu. Parceque le temps qui m'emporte ne s'arrêtepas. Je prends des photos pour avoir con-science de là où je suis sur la vague dutemps.”

Kasono Takamura a commencé la pho-tographie quand elle avait 15 ans. Capterl’instant, mettre ce qu’on voit, ce qu’on vitsur la pellicule, pour elle-même, pour em-porter des souvenirs. C’est à 20 ans qu’elledécide de suivre des cours de photogra-phie. Elle étudie en cours du soir à l’Insti-tut de photographie de Tokyo, en art eten journalisme. Elle apprend, se plongedans la photographie, devient assistantela journée.

Elle voulait un métier qui ne s’arrête pasaux heures de bureau, quelque chosequ’elle pourrait toujours avoir pour elle,qu’elle pourrait emporter partout, quoiqu’il arrive, avec elle. Quelque chose depeut être bien plus précieux que le savoir-faire qu’elle pourrait développer si elle tra-vaillait dans un bureau. Quelque chose é-manant d’elle.En 2005, elle obtient une bourse (Institutde photographie de Tokyo), et vient enFrance et étudie la langue française. Enparallèle, elle continue d’étudier la pho-tographie et l’histoire de l’art.De ses photos se dégage une « poésie »inhérente à la fraîcheur de la découverted’un pays, d’une culture. Elle écrit une his-toire avec la lumière et laisse à chacun lapossibilité d’imaginer sa propre histoire.

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Paule Tavera-SoriaPeinture


2010 Opéra d'Avignon

Artévie. Cloître St. Louis, Avignon

2009 Artzheimer. Cloître St. Louis, Avignon

"Cours et Jardins". Vers

Dans les Jardins de l'Abbaye,

Villeneuve les Avignon

Foire d’Art Contemporain, Isle/Sorgue

2008 Coustellet / Galerie 22

Avignon / Espace Innove

2007 Été Contemporain, Draguignan

2006 “Rencontres de Ménerbes”

2005 Galerie Ducastel

Lyon, Toulouse / “ Vœux d'Artistes ”

Si une chose vaut d'être faite une fois, ellevaut d'être reprise, pour l'explorer,l'éprouver, afin que par cette répétition,le publique soit forcé de la regarder.

Rothko

Tout artiste poursuit une obsession sansarriver à la maîtriser. Paule Tavera-Soria,dans cette droite ligne, est dansl'obsession du face-à-face peinture-musique, musique-peinture.

Est-ce complémentarité, correspondancesou résonances ?

Pour en parler, les même mots sont utilisés: harmonie, tonalité, couleurs, vibrations,rythmes, etc., comme si l'une et l'autreétaient en écho. Fidèle aux mêmetechniques, Paule Tavera-Soria use dedivers moyens d'expression : dessin, fusain,pastel, peinture avec pigments et glacis.

Cette diversité, qui semble apparente, luioffre en fait, une totale libertéd'expression. Pour explorer l'immenseunivers musical, le travail de collage a prisbeaucoup d'importance.

L'artiste utilise des images reflétant lesréalités du monde, les lignes directricessont retravaillées, effacées, quelquestraces gardées, puis, d'autres à l'unissondes anciens.

Est-ce que par ces rythmes nouvellementcrées, Paule Tavera-Soria cherche à donnerun autre sens à notre monde saturéd'images ?

Peut-être…

Mais, elle poursuit aussi son obsession :voir le monde à travers un prisme musical.

Et si l'art consiste à inventer desmétaphores pour parler de soi, PauleTavera-Soria nous donne effectivement lesentiment d'abonder la même thématiqueà travers des cycles différents.

Depuis les années 1990, après lesIntérieurs, les Passages, les Stèles, les Croix,Mnémosynes, les Empreintes, Opus etMusigraphes, elle explore par ces séries lesméandres des souvenances et desrésonnances.

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Akiko Toriumi, artiste japonaise vit ettravaille en France depuis de longuesannées ; il reste important de redire cetteappartenance à laquelle se nourrit cetteoeuvre singulière bien que tout y soittransposition et distance.

Kay Sato auprès de qui elle vécut quelquetemps lui révéla la magie de la matièrecomme moyen d'interpréter le monde.

Cette matière est une réalité en soi etdevient la matrice de son expressionpictural. Aussi bien sur la toile résistanteque sur le papier népalais et arachnéen,les couches se superposent, saturées ellescréent reliefs et dépressions , liquides ellesse diffusent mystérieusement dans desprofondeurs où se perdent tous repères.

Si des formes apparaissent elles ne senomment pas et la vision s'égare entrefluidité et pétrification.

Akiko Toriumi travaille la peinture jusqu'àlui donner la brutalité et la violence d'unematière éruptive, originelle et organique.C'est dans l'informel que naissent sespaysages dont on ne peut dire à quelmonde ils appartiennent.

Sabine Puget 2002

Akiko ToriumiPeinture


2010 - Galerie 22 - Coustellet

2009 - Nuances, Genève, Suisse

Galerie Ligne Treize, Carouge,

2008 Esprit Asiatique, Aroa, Neuilly/Seine

2007 - Festival de Papiers, Sanary sur Mer

2006 - Galery in the Blue, Utsunomiya, Japon

Galery Brocken, Tokyo, Japon

Galerie Cour St Pierre, Genève,

Prix

1993 Prix Jacob Hartog, La Haye

1995 Lauréate Prix Amédé Maratier

(Fondation Kikoine)

1996 Prix spéciale du Jury, XXVIIIème

Festival Interal de la Peinture,

Cagne-sur- Mer

Née à Tokyo. Vit et travaille à Paris.

Diplômée de l'Université de Shirayun',Tokyo, Etudes à l'Ecole de Louvre, Paris(1978-1979).

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Depuis 1976, partage son activité entreun travail didactique (stages et interven-tions dans des écoles d'art ) et la pour-suite d'une expression plastique person-nelle qui s'appuie sur les données tradi-tionnelles du Raku japonais.Depuis 1990, associe à la céramiqued'autres matériaux.En 1985, crée les "Dossiers d'Argile", pub-lication épisodique consacrée à une réflex-ion sur la céramique actuelle.Avec l’association ARgile, initiateur d'unprogramme de rencontre entre céramisteseuropéens et potières africaines (1991-1995), programme soutenu par le Min-istère de la Culture ; responsable de l'ex-position itinérante "Poterie Nègre".En 98-99, collaboration avec des artisansmaliens pour une création architecturaledestinée au Lieu Unique de Nantes (archi-tecte Patrick Bouchain).Publications : “Dossier Raku” (1983), “Terres du Sud”(1989), “La Poterie africaine” (2005),“l’atelier camille virot” (2009)...

Films : Nombreux films documentaires sur lestechniques céramiques en Afrique.

Prix spécial de la pièce tournée (Biennalede Vallauris 1977).

Acquisitions de pièces par les Musées : Villeneuve d’Ascq, Darmstatt (Landesmu-seum), Stuttgart (Landesmuseum), Brux-elles (Musée du Cinquantenaire), Gand,Genève (Ariana), FRAC Alsace et Nor-mandie, FNAC Paris, Musée d’art contem-porain de Dunkerque ....

Camille VirotCéramique

Né en 1947, en Franche-Comté.Formation céramique aux Beaux-Arts deBesançon puis aux Arts Décoratifs de S-trasbourg.En 1972, ouvre un atelier en HauteProvence et y pratique le Raku.

Expositions 2009 Galerie 22, Coustellet (84). Galerie

de l’Ancienne Poste, Toucy (89).2008 Galerie Le Lieu-dit, Hédé. Galerie

Fusion, Toulouse. Galerie Le ronddans l’eau, Biarritz. Galerie HD Nick,Aubais. Galerie Complément d’ob-jets, Rouen. Galerie 22, Coustellet(84)

2007 Galerie Porée, Paris. “Parcourscéramique” de Carouge. Galerie Go-dar, Lille. Collective : “Maison deBrian”, Saumane (04).

2006 “Céramique contemporaine”, Villede Brest. Galerie HD Nick, Aubais.

2005 Galerie Godar, Lille, Galerie HDNick, Aubais et Ecole d’art de Beau-vais. Collective : “Maison de Brian”,Saumane (04).

2004 Galerie Godar, Lille. Galerie Em-preintes, Clermont-Ferrand. GalerieHart, Londres. Galerie Holstein, Bre-men.

Christian von SydowCéramique, verre

Né en 1950 à Lund, Suède.Collections publiques:Nationalmuseum Stockholm. GlasmuseetVäxjö. Malmö Museum. Helsingborgs Mu-seum, Kristianstad Läns Museum,Trelle-borgs Museum. Trelleborgs kommun. Vel-linge Kommun. Ronneby Kommun, Land-skrona Kommun. Malmöhus Läns Landst-ing. Statens Konstråd. Offentliga samlin-gar i Taijmi-City, Kasamatsu och Izui-Cho,Japan. Mudesa, Museum of Design andApplied Arts, Iceland.Expositions :1996 Konsthantverkarna, Stockholm1998 Formgivningsgalleriet, Kalmar Konst-museum. Åhus Museum1999 ”25 år med lera och glas”, KulturenLund. Galleri Rista, Umeå2000 Glasgalleriet, Växjö2001 Lilla Galleriet, Helsingborg. GalleriHylteberga, Skurup 2003 Svenska Ambassaden, Tokyo Japan,Odakyu Dept.Store, Shinjuku Tokyo Japan,Kajima , Tokyo Japan. Galleri Imma, Mari-estad2004 Galleri Blå, Gärsnäs. Brandt Contem-porary Glass, Torshälla2005 Galleri Hylteberga, Skurup2006 Unikt Glas, Göteborg2007”Avtryck och speglingar” TrelleborgsMuseum2008 Galleri Imma, Mariestad2009 Kraften, Lomma2010 Olsson & Uddenberg, Göteborg

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Jean-Marie ZazziPeinture

Né en 1936 à Marseille, vit et travaille àCadenet,Vaucluse.

Zazzi est un peintre. Il l'est par la grâce dela communion qu'il a préservée avec lesforces simples du lieu qui est le sien,quelques part dans le Vaucluse, et qu'ilparcourt inlassablement, avec une répé-tition qui est un approfondissement, avecune patience qui fait éclore l'intuition.Cequ'il peint est encore ce qu'il voit, mais auterme précisément de ce cheminement etde cette fatigue qui mettent en sourdine leraisonnement et intensifient la réce-ptivitéaux présences élémentaires de laréalité.Des harmonies ont lieu entre leformat carré du support et l'évolutionparfois symétrique des strates du pigment.Un travail d'une exceptionnelle éléganceest réalisé dans ces climats subtils de gris etde roses qui savent se prémunir de toutéclat inutile et qui s'expriment avec lajustesse et la véracité d'un long poèmelumineux et attentif aux choses le plusvulnérables. L'essentiel est bien là, dansl'acte de cette recherche patiente, à trèslong terme, que Zazzi a entrepris voici denombreuses années. Il sait depuis que sonart s'épanouit dans la durée, patiemmentconquise de pas à pas, et qu'il ne saurait s'ysoustraire sans s'éloigner de lui-même.

édition Galerie 22 / 267 route de Gordes - Coustellet 84220 Cabrières d’Avignon

+33 (0) 490 718 506 / +33 (0) 607 669 341 / [email protected] / www.galerie22contemporain.com

2014 © Editions Galerie 22

Artistes en 2014 à la Galerie22

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