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1‐TABLE DES MATIÈRES  1) Table des matières                        1 

2) Équipe de création                        2 

3) Résumé de la pièce                       3 

4) Lettre de la directrice artistique d’ESPACE GO ‐ Ginette Noiseux          4 

5) Première préface de Racine                    5 

6) Mot du metteur en scène ‐ Serge Denoncourt                6 

7) Entretien avec Serge Denoncourt ‐ par Claudia Larochelle            7, 8, 9 

8) Repères biographiques de l’auteur                  10‐11 

9) Repères biographiques du metteur en scène                12 

10) Repères biographiques des interprètes                 13, 14, 15, 16 

11) Repères biographiques des concepteurs                17, 18 

12) Autour d’ANDROMAQUE ‐ par Geneviève Billette              19, 20, 21, 22 

13) La mythologie                        23 

14) Arbres généalogiques ‐ Atrides, Grecs et Troyens              24, 25, 26  

15) La guerre de Troie – mythe                    27‐34 

16) La guerre de Troie – historicité                    35, 36, 37 

17) Le traitement du mythe d’Andromaque dans la littérature            38, 39  

18) ANDROMAQUE – Le contexte historique                40 

19) Bibliographie sélectionnée                    41 

20) Équipe de production                      42 

21) Équipe d’ESPACE GO                       43 

22) Remerciements                        44 

23) Contacts                          45 

 

 

 

 

    

 

Documentation pour consultation seulement!Également disponible sur www.espacego.com

 

 

2  2 

2‐ÉQUIPE DE CRÉATION  

 Du 18 janvier au 12 février 2011 

PROJET ANDROMAQUE  Texte : Jean Racine Mise en scène : Serge Denoncourt   Avec :  Louise Cardinal Jean‐François Casabonne Anne Dorval François‐Xavier Dufour Julie McClemens  Marie‐Laurence Moreau Olivier Morin Mani Soleymanlou  Équipe de création Assistance à la mise en scène et régie : Manon Bouchard Lumières : Martin Labrecque Accessoires : Normand Blais  Choix vestimentaire : La troupe des comédiens Styliste : Pierre‐Guy Lapointe  Choix musical : La troupe des comédiens Coiffures : Marc‐André Lessard 

  

Une production ESPACE GO www.espacego.com    

DURÉE DE LA REPRÉSENTATION : 1 h 50 

 

  

 

 

3  3 

3‐ LE RÉSUMÉ 

  

 

« Ton cœur impatient de revoir ta Troyenne, Ne souffre qu’à regret qu’un autre t’entretienne. Tu lui parles du cœur, tu la cherches des yeux. Je ne te retiens plus, sauve‐toi de ces lieux : Va lui jurer la foi que tu m’avais jurée, Va profaner des Dieux la majesté sacrée. »   Hermione à Pyrrhus ANDROMAQUE, Acte IV, scène 5 

    

Au lendemain de la guerre de Troie, le roi Pyrrhus revient victorieux en son royaume d’Épire avec pour prisonniers 

la princesse Andromaque et son fils Astyanax. Alors qu'il doit épouser Hermione qui l'aime éperdument, Pyrrhus 

s'éprend  de  sa  captive.  Pour  l’ensemble  des Grecs,  il  apparaît  inadmissible  que  Pyrrhus  conserve  vivants  les 

prisonniers en son royaume. Oreste, amoureux fou d’Hermione, est alors envoyé comme ambassadeur à la cour 

de  Pyrrhus  pour  y  réclamer Andromaque  et  pour  assassiner  le  jeune Astyanax.  Pyrrhus  refuse  d'accéder  à  la 

demande d'Oreste et promet à Andromaque de sauver son fils si elle consent à l'épouser.  

 

ANDROMAQUE, grand classique de  Jean Racine  (1639‐1699), met en scène  les  fils et  les  filles des grandes  figures 

légendaires  de  la  guerre  de  Troie :  Pyrrhus  est  le  fils  d’Achille,  chef  des Myrmidons;  Andromaque  est  la  veuve 

d’Hector, fils de Priam, roi de Troie; Hermione est la fille d’Hélène et de Ménélas, roi de Sparte; et Oreste est le fils 

d’Agamemnon, roi de Mycènes. Quatre êtres brisés par le passé, qui tentent de survivre dans un monde encore sous 

le choc de la fureur des pères. Pris dans une chaîne passionnelle à sens unique aussi impossible qu’explosive (Oreste 

aime Hermione, qui aime Pyrrhus qui aime Andromaque, qui n'aime que le souvenir d'Hector, qui vit à travers leur fils 

Astyanax), ils se perdent dans les enjeux du pouvoir.  

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

4  4 

4 –LETTRE DE LA DIRECTRICE ARTISTIQUE  Dans ce cycle de spectacles intitulé PORTRAITS DE FEMMES, elles ont été au rendez‐vous, tour à tour ou nombreuses : 

les histoires de femmes, les comédiennes, les metteures en scène et les auteures d’ici et de l’étranger ont inspiré 

22 créations produites ou coproduites par la compagnie ESPACE GO.  

 

Des tableaux, des épreuves fugitives et même des fantasmes de nous, telles que nous nous reconnaissons néanmoins 

et telles que nous espèrent avec bonheur ou nous devinent avec effroi nos hommes, nos frères, nos fils. Notre vérité – 

celle où nous souhaiterions tant être aimées – nous ne nous la donnons pas nous‐mêmes; c’est le regard des autres, à 

travers les coutumes, nos rites modernes, nos activités endiguées qui nous lient collectivement. Et c’est sans doute 

pour cela que je n’aime rien autant sur la scène du théâtre que ces personnages de « femmes qui sont hors d’elles ». 

Qui prennent la décision téméraire de se détacher de la communauté et qui, en ce début d’un millénaire encore 

primitif somme toute, nous projettent hors de nous, hors de toutes nos zones de confort.  

 

Dans ce théâtre profondément imprégné par son esprit féministe, que l’on ne se trompe pas sur les mobiles profonds 

de mes audaces de programmation! Je ne prends pas pour alibi les avancées spectaculaires du siècle dernier – qui a vu 

les femmes et les hommes de la société québécoise souhaiter combler la distance qui les séparait – pour ainsi me 

permettre de programmer dorénavant n’importe quoi sur notre scène. Que d’autres ne se méprennent pas non plus, je 

ne suis pas de celles qui ne voient que ce qui recule dans notre société. Tout au contraire, je suis une féministe 

enthousiaste de tout ce qui bouge, se transforme, s’interroge. Et doit s’interroger. Et ce « JE » d’une femme, qui 

concerne avec lui le « TOUT » de l’Humanité, provoque encore aujourd’hui le malaise et l’inconfort. Le théâtre n’est pas 

là pour donner des réponses. Une compagnie de théâtre, même comme la nôtre, n’est pas investie d’une « mission ». 

Son rôle n’est pas de porter la bonne parole.  

 

Les publics font de GO un lieu de libres‐penseurs et de libres‐penseuses. Ici se joue, dans la perspective qui est la nôtre, 

un théâtre d’Art. Les artistes ont fait de notre compagnie et de notre édifice le lieu de leur liberté, un lieu de 

dépassement personnel pour celles et ceux qui s’exposent sur la scène et pour ceux et celles assis dans la salle.  

 

Le PROJET ANDROMAQUE est né du désir et de la passion d’Anne Dorval de dire les mots d’Hermione. De porter à notre 

écoute le « JE » d’Hermione, aussi insupportable soit‐il. Le spectacle de ce soir est né du désir de mon frère de théâtre, 

Serge Denoncourt, de laisser au vestiaire sa cape de magicien. De se dépouiller, comme metteur en scène, de toutes 

ses « habiletés » amoncelées au fil de 30 années de recherches théâtrales. Ici, les comédiennes et les comédiens de la 

troupe, qui manient leur art avec la virtuosité d’un fildefériste, ont aspiré à se mettre en danger. Pas d’artifice, de 

décor, de maquillage. Que la Lumière. Jouer à des hauteurs extrêmes. Sans filet. Le danger n’était pas là où nous 

l’attendions. Il était dans la musique même des alexandrins de Racine, dont le souffle intérieur est si puissant que 

l’artiste intrépide risque d’être emporté(e) dans la transe du derviche tourneur. Or, la cruauté des dilemmes déchirants 

qui se jouent devant nous, et la mise en scène de Denoncourt au service de l’implacable génie du poète Racine 

réclament une attention de tous les instants.  

 

Serge, Anne, Julie, Louise, Marie‐Laurence, Jean‐François, François‐Xavier, Olivier, Mani, rarement, comme directrice 

artistique, ai‐je été devant un projet qui rend à la relation public‐artiste son impact original : le théâtre est un art du 

vivant qui se joue dans l’instant présent. Debout, seuls et seules avec votre sort, au centre d’une scène nue, où rien ne 

vous sera jamais acquis – aucune assurance, même dans la répétition accumulée des soirées de représentation – vous 

faites de votre métier de comédiennes et de comédiens un acte rebelle, libre et révolutionnaire. Vous dire que l’on 

vous aime ne vous sera même d’aucun support. Hélas! 

 

Merci pour cet incroyable projet, qui assoit au premier rang dans la salle du Théâtre ESPACE GO cette grande dame, 

l’Émotion.  

 

Bonne soirée!  

 

 

 

 

 

 

Ginette Noiseux 

Directrice générale et artistique 

 

 

5  5 

5 – PREMIÈRE PRÉFACE D’ANDROMAQUE 

 

(...) Mes personnages sont si fameux dans l'antiquité, que pour peu qu'on la connaisse, 

on verra fort bien que je les ai rendus tels que les anciens poètes nous les ont donnés.  

 

Aussi n'ai‐je pas pensé qu'il me  fût permis de  rien changer à  leurs mœurs. Toute  la  liberté que  j'ai prise, ç'a été 

d'adoucir un peu  la férocité de Pyrrhus, que Sénèque, dans sa TROADE, et Virgile, dans  le second de  l'ÉNÉIDE, ont 

poussé beaucoup plus loin que je n'ai cru le devoir faire. 

 

Encore s'est‐il trouvé des gens qui se sont plaints qu'il s'emportât contre Andromaque, et qu'il voulût épouser cette 

captive à quelque prix que ce fût. J'avoue qu'il n'est pas assez résigné à la volonté de sa maîtresse et que Céladon1 a 

mieux connu que lui le parfait amour. 

 

Mais que faire? Pyrrhus n'avait pas lu nos romans. Il était violent de son naturel. Et tous les héros ne sont pas faits 

pour être des Céladons. 

 

Quoi  qu'il  en  soit,  le  public m'a  été  trop  favorable  pour m'embarrasser  du  chagrin  particulier  de  deux  ou  trois 

personnes qui voudraient qu'on réformât tous les héros de l'antiquité pour en faire des héros parfaits. Je trouve leur 

intention  fort bonne de vouloir qu'on ne mette sur  la scène que des hommes  impeccables. Mais  je  les prie de se 

souvenir que ce n'est pas à moi de changer  les règles du théâtre. Horace nous recommande de dépeindre Achille 

farouche, inexorable, violent, tel qu'il était, et tel qu'on dépeint son fils. Et Aristote, bien éloigné de nous demander 

des  héros  parfaits,  veut  au  contraire  que  les  personnages  tragiques,  c'est‐à‐dire  ceux  dont  le malheur  fait  la 

catastrophe  de  la  tragédie,  ne  soient  ni  tout  à  fait  bons,  ni  tout  à  fait méchants.  Il  ne  veut  pas  qu'ils  soient 

extrêmement  bons,  parce  que  la  punition  d'un  homme  de  bien  exciterait  plutôt  l'indignation  que  la  pitié  du 

spectateur; ni qu'ils soient méchants avec excès, parce qu'on n'a point pitié d'un scélérat.  Il  faut donc qu'ils aient 

une bonté médiocre,  c'est‐à‐dire une  vertu  capable de  faiblesse, et qu'ils  tombent dans  le malheur par quelque 

faute qui les fasse plaindre sans les faire détester. 

 

  

 

              

          

                                                            1 Le céladon est un type de céramique utilisant une glaçure verte ou bleu‐gris translucide. Les céladons doivent leur nom au berger Céladon, personnage d'un roman précieux de 1610, L’ASTRÉE, qui portait des rubans verts, le céladon désignant aussi cette couleur. 

 

 

6  6 

6 –MOT DU METTEUR EN SCÈNE  

 

DÉCLARATION D’AMOUR EN GUISE DE MOT DU METTEUR EN SCÈNE 

PROJET ANDROMAQUE, ESPACE GO, janvier 2011.  Il y a de cela deux ans et demi, Anne Dorval, un cocktail à la main dans un bar chic au beau milieu du désert, me parlait de son désir de jouer Racine. Plus précisément Hermione dans ANDROMAQUE. Il y a deux ans de cela, je proposais l’aventure à Ginette Noiseux, qui m’a dit « OUI », comme ça, sans hésiter, tout en se préparant un café bien tassé au bar d’ESPACE GO. 

Elle m’offrait toute la liberté du monde, avec la confiance en bonus. Je pouvais faire de Racine tout ce que je voulais. Réécrire, couper, monter, déconstruire. Elle m’offrait le PROJET ANDROMAQUE.  Il y a un an et demi, je contactais les artistes avec qui j’avais envie d’explorer l’univers de Jean Racine. Julie. Julie, aux doutes infinis, au trouble créateur et au talent salvateur.  Jean‐François. Acteur multiforme, ouvert, disponible, étonnant. Doux au toucher comme la pâte à modeler. Un acteur, quoi. François‐Xavier, que je découvre comme un des plus grands acteurs de sa génération, pendant que lui, étonné, découvre la beauté des vers de Racine. Marie‐Laurence, à la beauté troublante et au talent certain. Tragédienne dans l‘âme comme dans l’envie de l’être, qui ne l’avouera jamais, mais qui rêve en silence de jouer, elle aussi un jour, dans dix ans, Hermione. Louise. Une grande comédienne qui a l’élégance de faire comme si elle ne le savait pas.  Mani, au nom de famille imprononçable. Jeune acteur au talent émergent. Souffre‐douleur, bouc émissaire et compagnon inspirant.  Olivier. Acteur complice de mes envies, intelligent et grandement doué, qui sait très bien qu’il est mon double vu au travers d’un miroir aux alouettes. Cet Olivier‐là, qui entend mes mots, mes notes, mes intentions et qui les transforme en personnages, en images, en musique. Martin. Mon ami. Le meilleur. Artiste visuel qui n’éclaire jamais l’espace, mais plutôt l’âme humaine et toute sa complexité. Anne. La muse. L’inspiratrice. Celle par qui le projet arrive. Anne au talent sans fond, qui sut aborder Hermione avec la rage des grands brûlés et l’humilité d’une reine. Anne qui donne tout son sens au célèbre : « Cent fois sur le métier remettez votre ouvrage. »  Tous ces artistes, un après‐midi froid du mois d’octobre dernier, se sont assis avec moi, autour d’une table et nous avons lu ANDROMAQUE. Tout de suite, nous avons su qu’il n’y aurait pas de « PROJET ». Pas de montage, de coupure, de paraphrase. Pas de Roland Barthes, de relecture, de déconstruction. Le projet devenait malgré lui, malgré nous, de présenter l’ANDROMAQUE de Racine dans sa forme la plus simple, la plus limpide, la plus vraie. Sans autre prétention que le temps que nous avions pour apprivoiser l‘œuvre. Le projet n’était plus que de rendre honneur à ce texte, le plus beau qu’il m’ait été donné d’entendre, en mettant le moins de distance possible entre le public et lui.  Ce soir, nous vous offrons le fruit de ce travail qui n’a de valeur que celle que nous lui accordons. Avec tout le respect dont nous sommes capables.  Merci à ESPACE GO. Merci à Ginette Noiseux qui risque, qui ose et qui assume complètement. Merci à Line Noël qui nous a accompagnés tout au long de ce parcours avec le regard attentif d’une chatte qui s’inquiète pour sa portée. Merci à Manon, Éric, Normand et Pierre‐Guy.  Merci à Jean Racine qui a su coucher nos âmes torturées sur le papier jauni par des siècles de souffrances. Jean Racine, qui, s’il était vivant, m’annonçait comme ça un soir de générale au théâtre, qu’il n’aimait pas notre spectacle, que nous l’avons trahi, pas compris, pas aimé assez fort… Jean Racine à qui je répondrais, à qui nous répondrions, forts de ses propres mots :  « Je ne t’ai pas aimé cruel. Qu’ai‐je donc fait? »   Serge Denoncourt   

 

 

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7 –ENTRETIEN AVEC SERGE DENONCOURT  

 

Claudia Larochelle :  

Comment est née cette idée de plonger dans l’univers de Racine? 

 

Serge Denoncourt :  

C’est parti d’une envie commune à Anne et à moi, c’était notre rêve de faire ça. On s’est questionnés ensemble sur notre 

amour mutuel de Racine. On  s’est mis  à parler de  la qualité de  la  langue  et des  thèmes de  ses pièces, mêlant  à  ces 

échanges  le  récit de nos peines d’amour  et de  la  souffrance qui  en  résulte… On  avait une urgence de discuter de  la 

douleur amoureuse et on  trouvait que personne n’en avait aussi bien parlé que Racine. Dans ANDROMAQUE  surtout. 

Comme le théâtre de Racine n’est pas présenté souvent ici, on s’est dit que personne ne nous proposerait ce projet. On a 

donc décidé de le monter et Ginette (Noiseux) nous a ouvert l’ESPACE GO afin que nous puissions enfin donner vie à notre 

rêve.  

 

C.L. :  

Pourquoi ne pas avoir gardé ANDROMAQUE comme titre de la pièce et avoir plutôt opté pour PROJET ANDROMAQUE?  

 

S.D. :  

Au  départ,  au moment  où  l’affiche  et  la  programmation  sont  sorties,  on  ne  savait  pas  que  le  spectacle  allait  porter 

exclusivement sur ANDROMAQUE. On avait toute  la  liberté pour faire ce qu’on voulait : couper dans  le texte de Racine, 

ajouter d’autres éléments, déplacer des passages de  la pièce, etc.  Il était aussi question d’intégrer d’autres œuvres au 

projet comme FRAGMENTS D’UN DISCOURS AMOUREUX de Roland Barthes, notamment. Puis, avec  les acteurs on s’est 

mis  à  épurer  et  on  est  revenu  au  texte  original  d’ANDROMAQUE  qu’on  trouvait  plus  fort  que  toutes  les  choses 

expérimentales sur lesquelles on avait travaillé jusqu’à maintenant. 

 

C.L. :  

En plus de  leur  interprétation  respective,  les  acteurs de  votre distribution  font partie prenante de presque  toutes  les 

facettes de la production. Quelle est, depuis l’amorce du projet, la nature de leur participation à cette œuvre? 

 

S.D. :  

Je  voulais  faire un  show d’acteurs.  Je  leur ai demandé de m’apporter de  la musique, des  images et de participer à  la 

recherche  sur  les  costumes. Ça nous permettait en même  temps de nous questionner  sur  la nature des personnages. 

J’avais fait ça au Quat’Sous avec JE SUIS UNE MOUETTE (NON, CE N’EST PAS ÇA) et ça avait bien fonctionné. Cette fois‐ci, 

je  n’avais  pas  envie  de  faire  une mise  en  scène  égoïste  juste  pour  gagner  des  prix,  j’avais  envie  d’aller  le  plus  en 

profondeur possible dans mon rapport avec les acteurs.  

 

C.L. :  

Pendant les représentations, le public aussi aura un rapport privilégié avec les acteurs… 

 

S.D. :  

Lors du travail de lecture, j’ai aimé voir les acteurs travailler, assis à la table de répétition essayant de donner de l’âme à 

un personnage, avec un texte, une bouteille d’eau ou encore à l’aide d’objets. Je me suis rendu compte que le public ne 

voit  jamais cet aspect‐là du métier; c'est‐à‐dire quand  les comédiens n’ont pas de costumes, pas de musique,  juste un 

texte devant eux et qu’ils essaient de faire croire au metteur en scène qu’ils sont un roi grec, un prince ou des princesses 

d’il y a   4000 ans, ou que  sais‐je encore.  Je me  suis dit qu’on devait donner au public un accès à  ces moments‐là,  lui 

présenter la manière dont débute un travail de théâtre, comment il finit, et ce, tout en lui permettant de suivre l’évolution 

de ces acteurs qui, assis, arrivent à rentrer dans la peau de leur personnage et dans son émotion. 

 

C.L. :  

Pourquoi Anne Dorval campe‐t‐elle le rôle d’Hermione plutôt que celui d’ANDROMAQUE? 

 

S.D. :  

Beaucoup de gens auraient pu penser qu’Anne est une ANDROMAQUE. Avec son physique, son énergie, elle aurait bien pu 

le  faire. Mais  Anne  voulait  jouer  Hermione.  Elle m’a  expliqué  que  le  côté  extrême,  voire  dangereux,  du  personnage 

l’intéressait. Comme elle est  toute menue,  toute belle, personne ne s’attend à ça venant d’elle. Et pourtant, elle porte 

cette violence en elle. C’est intéressant qu’elle ait eu envie de cracher tout ça sur une scène. 

 

 

 

8  8 

C.L. :  

Plusieurs personnes vont donc se sentir concernées en ce qui a trait à leurs rapports amoureux… 

 

S.D. : 

C’est sûr que  les rapports amoureux nous questionnent tous, mais dans  la pièce  ils sont poussés à l’extrême. Il s’agit de 

quatre stéréotypes amoureux de  l’être humain. Oreste est l’amoureux prêt à tout pour que  l’autre  l’aime. Hermione est 

l’amoureuse qui a besoin de conquérir, qui n’accepte pas qu’on ne l’aime pas. Andromaque vit un amour assumé, elle sait 

qui elle aime et reste inébranlable dans cet amour. Pyrrhus a le pouvoir sur tout, même sur l’amour. Ce qui m’a troublé, 

c’est que je m’y suis moi‐même retrouvé, mais pas à travers  le personnage auquel j’avais d’abord pensé… Ça ne dévoile 

pas nos plus beaux côtés.  

 

C.L. :  

Je me demande tout de même comment le public contemporain peut s’identifier à des personnages comme Andromaque 

alors  que  son  histoire,  qui  remonte  à  l’Antiquité,  est  racontée  à  travers  un  langage  recherché,  tissé  d’images  et 

d’alexandrins. 

 

S.D. :  

Les  vers  nous  rappellent  que  nous  sommes  au  théâtre.  Ils  nous  permettent  d’avoir  une  certaine  distance.  Parce  que 

lorsqu’on assiste à une pièce et que ce qu’on y voit nous ressemble beaucoup, on est porté à chercher des ressemblances 

avec les autres plutôt qu’avec nous‐mêmes. Tandis que lorsqu’il y a une distance théâtrale, ça vient nous chercher d’une 

façon plus perverse. 

 

Les vers s’apparentent aussi à une musique qui nous met dans un état second. Un peu comme écouter une messe en latin. 

Cette musique finit par s’immiscer en nous d’une façon très intime. C’est une chose qu’on a perdue au théâtre à force de 

faire du réalisme. 

 

C.L. : 

Née en Grèce au VIe siècle av. J‐C., en quoi la tragédie grecque peut‐elle encore avoir des résonances de nos jours? 

 

S.D. :  

Encore aujourd’hui, on parle du complexe d’Œdipe, de Jocaste, d’Électre… C’est resté dans notre vocabulaire. Des milliers 

d’auteurs ont abordé ces thèmes d’une manière ou d’une autre. On retourne toujours aux origines.  

 

Les personnages tragiques vont au bout de leurs sentiments. C’est jouissif de les voir dire ou faire ce que nous ne pouvons 

dire ou de  faire dans notre  réalité. Tel est  le pouvoir de  la  tragédie. On éprouve de  la pitié et de  l’horreur  face à ces 

personnages qui nous permettent de vivre une catharsis qui nous ramène à notre propre tragédie intérieure. Ce n’est pas 

pour rien si les gens vont encore au théâtre malgré la télé, l’Internet et le cinéma. Cette catharsis n’existe que lorsque tu 

reçois l’histoire en plein visage. On aime voir les gens souffrir. À l’époque, il n’y avait pas de téléréalité, pas de nouvelles à 

la télé, etc. Pour voir de la souffrance, il fallait aller dans les arènes regarder des gens se faire manger par des lions… ou 

aller au théâtre! On a oublié ce plaisir de la catharsis, alors qu’on en a toujours besoin. 

 

C.L. :  

En choisissant de camper les actions de PROJET ANDROMAQUE dans un espace scénique dénudé et minimaliste, pensiez‐

vous laisser ainsi plus de place à l’essence même du texte racinien? 

 

S.D. :  

Dès  le départ, je savais que je ne voulais pas de gros décors, de gros costumes, ni de bandes sonores trop présentes. Je 

voulais voir  les acteurs et  les entendre. C’est  la raison pour  laquelle on a choisi de placer  le public de chaque côté de  la 

scène. C’était notre façon de le plonger au cœur même du spectacle, très près des acteurs, de leur charge émotive, afin de 

lui  faire  vivre  une  soirée  privilégiée.  Souvent,  dans  la manière  de  présenter  les  tragédies  grecques,  on  retrouve  des 

colonnes, des robes, des feuilles de vigne, n’importe quoi qui puisse distraire de l’essence même du texte.  

 

Se faire laisser par l’être aimé n’appartient pas qu’aux héros tragiques… Ça pourrait se passer à Manhattan ou à Montréal. 

J’avais envie qu’on entende ces mots‐là, d’aller au plus simple de ce que Racine a encore à nous dire.  

 

 

 

 

 

 

 

9  9 

C.L. :  

Vous n’avez pas de concepteur de costumes, pas de scénographe, ni même d’artisan dédié à  la musique, qu’est‐ce qui 

justifie la collaboration de Martin Labrecque à la conception des éclairages? 

 

S.D. :  

J’avais envie d’amener dans  l’aventure UN concepteur.  Je suis complice de Martin depuis 18 ans et c’est quelqu’un de 

sensible qui travaille sur l’émotion. Ses lumières sont des émotions. J’avais envie qu’il suive tout le processus de création 

et que  l’éclairage devienne  le neuvième personnage.  Je pense  aussi que  j’avais besoin d’un  complice  au niveau de  la 

production parce que sinon, j’aurais été bien seul… 

 

C.L. :  

Quelles références actuelles avez‐vous intégrées à votre mise en scène? 

 

S.D. :  

Comme  je ne voulais pas  faire de  reproduction historique,  les costumes  sont contemporains et  ils  font plus Alexander 

McQueen que toge romaine… La musique aussi est excessivement contemporaine, pour ne pas dire hard rock. Les acteurs 

m’ont apporté toutes sortes de chansons : du Coldplay, du Leonard Cohen, du jazz, des mélodies d’amour, etc. À travers 

tout cet éventail, on a découvert que c’est le heavy metal qui se rapproche le plus de Racine. Ça s’entend dans le texte.  

 

C.L. :  

Les valeurs présentes dans la tragédie prédominent‐elles encore dans nos sociétés actuelles?  

 

S.D. :  

Pas nécessairement dans notre société, mais dans notre humanité. Ce que véhicule Racine est excessivement moderne 

parce qu’excessivement égoïste. Ses personnages ne vivent que pour eux. On peut dire que c’est donc le moment parfait 

pour monter du Racine. En effet, on vit tous en fonction de nos peines d’amour, de nos carrières, de notre vie. Avec de 

moins en moins d’implication dans  la communauté. On est centré sur notre nombril. D’ailleurs,  le pendant moderne de 

Racine serait pour moi Woody Allen. Allen, comme Racine, est dans le moi, moi, moi… « Mon problème avec les femmes, 

Ma mère, Ma  sexualité ».  Ils  font  tous  les deux  le décryptage des  rapports humains et on  retrouve dans  leurs œuvres 

l’être humain dans ce qu’il a de moins noble. 

 

C.L. :  

Que ce soit PHÈDRE, BRITANNICUS ou ANDROMAQUE, qu’est‐ce qui explique, selon vous, que les pièces de Racine aient 

été aussi peu souvent montées au Québec ces dernières années? 

 

S.D. :  

Ce n’est pas rentable. Les salles se remplissent avec Goldoni, Molière, Tremblay. Mais Racine… !!!! Je pense qu’il ne s’en 

joue tellement plus que ça devient une rareté qui effraie. Il y a aussi le fait que de moins en moins d’acteurs peuvent et 

savent  en  jouer.  Jouer  la  tragédie  demande  une  bonne  diction  et  une  grande  capacité  de  compréhension  du  texte. 

Comme on monte de moins en moins Racine, les acteurs sont par le fait même moins entraînés.  

 

Pour  faire  la distribution de PROJET ANDROMAQUE, ce  fut  l’enfer. Et ce n’est pas parce que nous n’avons pas de bons 

comédiens au Québec. Mais des bons qui peuvent jouer du Racine, il n’y en a pas des milliers. J’ai dû faire des auditions 

pour m’assurer qu’ils pouvaient dire du Racine sans que je sois obligé de devenir un professeur. Je voulais me concentrer 

sur la direction d’acteurs. J’ai même mis plus d’heures de répétitions sur ce spectacle‐là. C’est comme un sport extrême 

pour un acteur. Pour jouer du Racine, il faut être archi‐entraîné, autant qu’un coureur de marathon. 

   

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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8 –REPÈRES BIOGRAPHIQUES DE L’AUTEUR  

JEAN RACINE  LES DÉBUTS Né à  la Ferté‐Milon2, sans doute à  la mi‐décembre 1639, Jean Racine y passe son enfance. Devenu orphelin — sa mère est décédée en 1641, son père en 1643 — le jeune garçon est recueilli par ses grands‐parents qui le font admettre, par charité, aux Petites Écoles de Port‐Royal.  Formé  par  les  intellectuels  de  l'abbaye  —  souvent  appelés  les  Solitaires  ou  les Messieurs —,  il  apprend  le  grec  et  le  latin.  Il  peut  ainsi  lire,  dans  leur  texte  original,  les principales œuvres des tragiques grecs. 

 Envoyé au collège de Beauvais, il est ensuite l'élève d'Antoine Lemaistre aux Granges de Port‐Royal avant d'aller au collège d'Harcourt. Hébergé par  son  cousin, Nicolas Vitart, à Paris,  il  fréquente des écrivains qui  l'encouragent à écrire. À partir de 1659, il rédige des poèmes, commence à produire des tragédies. Désireux d'obtenir un bénéfice ecclésiastique, il se rend à Uzès en 1661. Ne l'obtenant pas, il revient à Paris en 1663.   LA MATURITÉ Pour gagner sa vie, Racine se lance dans la carrière d'écrivain. Dès 1664, il fait représenter sa première tragédie, LA THÉBAÏDE, et, grâce aux acteurs de la troupe de Molière3 qui l'interprètent, obtient un réel succès. Colbert lui fait, en outre, attribuer une pension qu'il conservera jusqu'à sa mort.   LES COMBATS Dans  la vie de Racine,  le théâtre est  indissociablement  lié au combat et aux conflits avec d'autres écrivains. Écrire, pour lui, c'est lutter, non seulement pour s'affirmer, mais également pour répondre aux critiques. La plus célèbre de ces rivalités est celle qui l'oppose à Corneille4, auteur plus âgé que lui et au faîte de sa gloire lorsqu'il fait représenter ses premières œuvres.   Racine entreprend d'écrire des œuvres qui lui permettront de lutter contre ses deux « ennemis » : Molière, avec qui il s'est définitivement brouillé en 1665 à la suite des représentations d'ALEXANDRE LE GRAND5, et Corneille dont il est toujours le rival.  Racine rédige une comédie, LES PLAIDEURS (1668) qui, aux dires de Molière, est un pastiche de LA FOLLE QUERELLE, pièce de Subligny6 (qui était, elle‐même, une parodie d'ANDROMAQUE). Selon les affirmations de Corneille, la pièce ne serait en outre qu'une parodie du CID... Si Racine triomphe de Corneille dès ANDROMAQUE, la guerre entre les deux auteurs se poursuit : BRITANNICUS (en 1669) révèle  les capacités de Racine à  lutter sur  le terrain préféré de son  concurrent.  Il  entreprend,  en  effet,  de  travailler  sur  l'histoire  romaine  et  sur  des  thèmes  politiques particulièrement chers à son prédécesseur. Le mois de novembre 1670 marque la victoire définitive de Racine : alors que Louis XIV et  le public sont enthousiasmés par  la BÉRÉNICE de Racine,  la pièce de Corneille, TITE ET BÉRÉNICE, tombe au bout de vingt représentations...   ANDROMAQUE Le 17 novembre 1667, lorsque sa pièce ANDROMAQUE, qui comporte 1648 alexandrins, est créée devant la Cour7, elle  remporte  un  succès  immédiat.  Les  rôles  principaux  sont  tenus  par  des  acteurs  très  célèbres  de  l'époque. Mademoiselle Du Parc, grande tragédienne et maîtresse de Racine joue Andromaque. L'acteur Floridor a le rôle de Pyrrhus : à l'époque de Louis XIV, il est aussi connu que Molière, c'est l'un des plus grands comédiens de son temps, et il a longtemps joué dans les pièces de Corneille.   C'est une des raisons pour lesquelles on dit que Racine, avec ANDROMAQUE, a détrôné Corneille, qui était jusque‐là considéré comme le meilleur auteur de tragédies.   Enfin,  le  personnage d'Oreste  était  interprété  par  un  autre  comédien  réputé  : Montfleury.  Celui‐ci meurt d'une attaque à  la  fin de  l'année 1667, comme emporté par son  rôle  tragique... Cet événement a beaucoup marqué  le public de  l'époque, et a contribué à voir dans cette pièce une œuvre exceptionnelle. Le succès de Racine a suscité bien  des  jalousies  à  l'époque,  celle  de  Corneille  évidemment,  mais  aussi  celle  de  Molière.  Les  partisans inconditionnels de Corneille ont refusé de voir la pièce, préférant le « viril » auteur au « tendre » Racine.  

                                                            2 Commune française du département de l’Aisne et de la région de Picardie   3 Jean‐Baptiste Poquelin, dit Molière (15 janvier 1622 ‐ 17 février 1673), dramaturge, acteur et directeur de troupe de théâtre  4 Pierre Corneille, dramaturge français né à Rouen le 6 juin 1606 et mort à Paris le 1 octobre 1684 5 En 1665, Racine donna ALEXANDRE LE GRAND, que joua d'abord la troupe de Molière. Insatisfait des acteurs, Racine n'hésita pas à remettre sa pièce à la compagnie rivale, l'Hôtel de Bourgogne.  6 Littérateur français qui vivait au XVII

e siècle, dont on ignore le lieu et la date de sa naissance, ni même de la date de son décès 

 7 Plus précisément dans les appartements de la Reine 

 

 

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Le succès de Racine n'a jamais connu d'interruption et celui d'ANDROMAQUE non plus.  C'est au XVIIe siècle que  l'œuvre du tragédien devient un véritable mythe. La plus grande actrice de cette époque, Mademoiselle  Clairon,  a  impressionné  les  spectateurs  par  son  interprétation  très  passionnée  du  personnage d'Hermione. À l'époque romantique, au début du XIXe siècle, c'est le comédien Talma, le plus grand de son époque, qui tient rôle d'Oreste et poursuit la tradition.   Tout au long de ce même siècle, ANDROMAQUE a toujours la faveur du public, grâce aux « stars » qui l'interprètent : Mile Rachel, par exemple,  joue Hermione. Et  surtout, Sarah Bernhardt, une actrice  très  célèbre, qui  tient  le  rôle d'Andromaque, vers 1900. Au début du XXe siècle, Jean Marais met la pièce en scène en 1944.  Dans la deuxième partie du XXe siècle, ANDROMAQUE demeure, avec PHÈDRE, la pièce de Racine la plus jouée et la plus vue. Tous les grands hommes de théâtre ont voulu en donner une version, et parfois plusieurs. Certaines mises en scène sont entrées dans l'histoire comme celle de Jean‐Louis Barrault en 1962, au Théâtre de l'Odéon à Paris. Des acteurs très connus du grand public ont  joué dans cette tragédie, comme Miou‐Miou (Hermione) et Richard Berry (Oreste) dans la mise en scène de Robert Planchon, en 1989.   La  liste des metteurs  en  scène  actuels qui ont monté ANDROMAQUE  se  confond  avec  celle de  grands noms du théâtre français : Antoine Vitez (en 1971), ou Daniel Mesguich (en 1992), Philippe Adrien (en 2007).  Au Québec, la pièce fut montée à plusieurs reprises : rappelons les versions du Théâtre universitaire canadien avec Hélène Loiselle, Gilles Pelletier et Yvon Deschamps (1957) ; celle d’André Brassard au Théâtre de Quat’Sous avec Rita Lafontaine  (1974) ;  celle  toute  féminine de  Lorraine Pintal au TNM avec Élise Guilbault dans  le  rôle d’Hermione, Louise  Laprade  dans  celui  d’Andromaque,  et  avec  aussi Han Masson, Monique Miller, Huguette Oligny, Danièle Panneton et Christiane Pasquier (1994); celle de Françoise Faucher au Théâtre du Trident avec Marie‐Thérèse dans le  rôle‐titre  (1998),  et,  plus  récemment,  la  version  signée  ANDROMAK  de  Simon  Boudreault  et  sa  compagnie Simoniaques Théâtre (2006).   LES TRIOMPHES Durant dix années, les pièces se succèdent et les honneurs suivent les réussites et les gratifications. ANDROMAQUE, en 1667, obtient un succès considérable. La pièce,  jouée devant  le  roi  le 17 novembre 1667, apporte à Racine  la faveur royale et celle de la Cour. Racine charme ses spectateurs en leur présentant les thèmes qu'ils affectionnent : la peinture des passions, les conséquences néfastes que leur satisfaction peut causer... La pièce fut ensuite jouée à de nombreuses reprises : on dénombre cent seize représentations entre 1680 et 1700.  Après  un  détour  par  la  comédie  (LES  PLAIDEURS  sont  joués  en  1668),  Racine  poursuit  son œuvre  tragique  : BRITANNICUS paraît en 1669, BÉRÉNICE en 1670, BAJAZET en 1672. MITHRIDATE, en 1673, charme le public et le roi. IPHIGÉNIE, en 1674, connaît le triomphe et sera la tragédie racinienne la plus représentée au XVIIe siècle.   En 1677, l'échec de PHÈDRE, qui fut victime de la cabale opposant les partisans de Racine à ceux de Pradon8 ‐ dont la pièce PHÈDRE ET HIPPOLYTE, provoqua un éphémère engouement ‐, l'éloigne du théâtre. Devenu historiographe du roi avec Boileau en 1677, Racine se consacre à cette tâche et s'éloigne du théâtre. Il se marie et vit en se vouant à l'éducation de ses enfants. Il est cependant si admiré qu'une édition de ses œuvres complètes paraît dès 1687.   LA FIN Ce n'est qu'à la demande de Madame de Maintenon, qui a épousé Louis XIV et veut parfaire l'éducation des jeunes filles  de  Saint‐Cyr  en  leur  donnant  à  voir  des  pièces  édifiantes,  que  Racine  reprend  la  plume.  En  1689,  il  écrit ESTHER, qui obtient un immense succès, puis ATHALIE en 1691.   L'interdiction de représenter ATHALIE, obtenue par  les dévots qui refusent que  l'on  joue du théâtre au sein d'une église9, pousse Racine à renoncer définitivement au théâtre.   Désireux de se  réconcilier avec  les maîtres de Port‐Royal, Racine  termine sa carrière en  rédigeant  les CANTIQUES SPIRITUELS en 1694. Il rédige également un ABRÉGÉ DE L'HISTOIRE DE PORT‐ROYAL qui ne sera publié qu'en 1767. Ces  textes  lui valent d'ailleurs une disgrâce  relative, qui  le  suit  jusqu'à  sa mort,  le 21 avril 1699.  Il  fut,  selon  ses vœux, enterré à Port‐Royal.        

                                                            8 Jacques Pradon (1644‐1698) : soutenu par Corneille au début de sa carrière, il connut un succès éphémère.  9  Il ne faut pas, à l'intérieur même d'une école religieuse, représenter des pièces de théâtre, art profane et mensonger. 

 

 

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9 –REPÈRES BIOGRAPHIQUES DU METTEUR EN SCÈNE  

 

SERGE DENONCOURT Metteur en scène 

 Avec  plus  de  quatre‐vingt‐dix  mises  en  scène  à  son  actif,  Serge  Denoncourt  anime  et 

révolutionne  le  milieu  théâtral  montréalais  et  international.  Ex‐directeur  du  Théâtre  du 

Trident, co‐fondateur et directeur artistique du Théâtre de  l'Opsis pendant dix ans, metteur 

en scène réputé et comédien,  il a su conjuguer son amour des grands classiques (Tchekhov, 

Gorki, Molière), son  intérêt pour  le répertoire du XXe siècle  (Botho Strauss, Steven Berkoff, 

Bertolt Brecht, Arthur Miller,  Tennessee Williams)  et  la  dramaturgie  québécoise  (Michel  Tremblay, Michel Marc 

Bouchard).  

 

Il signait récemment les mises en scène de FRAGMENTS DE MENSONGES INUTILES de Michel Tremblay (Compagnie 

Jean Duceppe, 2009), IL CAMPIELLO de Carlo Goldoni (Théâtre de l’Opsis, 2010) et THÉRÈSE ET PIERETTE À L’ÉCOLE 

DES SAINTS‐ANGES de Michel Tremblay (Théâtre Denise‐Pelletier, 2010). 

 

Au Théâtre ESPACE GO, on se souvient de son travail sur GERTRUDE [LE CRI] de Howard Barker (2005), LE PEINTRE 

DES MADONES de Michel Marc Bouchard (2004), ou encore LES FELUETTES de Michel Marc Bouchard (2002), pièce 

pour laquelle il recevait le Masque du public Loto‐Québec ainsi que le Masque de la mise en scène.  

 

Notons d’ailleurs les nombreux prix qui jalonnent sa carrière théâtrale : Masque de la meilleure mise en scène pour 

JE  SUIS UNE MOUETTE…NON  CE N’EST  PAS  ÇA  (texte  et mise  en  scène  de  Serge Denoncourt,  d’après  un  texte 

d’Anton Tchekhov, Théâtre de Quat’Sous et Théâtre de l’Opsis, 1998), Masque de la meilleure mise en scène et prix 

Gaston‐Roux – mise en scène pour LES ESTIVANTS de Maxime Gorki (TNM, Théâtre du Trident, 1997), Masque de la 

production de l’année pour DON JUAN de Molière (NCT, 1996) et aussi le Prix Gaston‐Roux – mise en scène pour LE 

TEMPS ET LA CHAMBRE de Botho Strauss (TNM, 1995).  

 

Artiste polyvalent, Serge Denoncourt travaille également à l'opéra (entre autres TOSCA, LE NOZZE DE FIGARO, COSI 

FAN TUTTE) et en variétés. Metteur en scène des spectacles d'Arturo Brachetti depuis 1999  (Molière du meilleur 

One Man  Show,  2000),  il  a  aussi  collaboré  à  la  création du  concept  visuel  et  artistique des  tournées mondiales 

(2003‐2004 et 2009) du chanteur italien Eros Ramazzotti. Enfin, en 2008, Serge Denoncourt a conçu et mis en scène 

le spectacle BELIEVE‐CRISS ANGEL du Cirque du Soleil, à Las Vegas.  

 

                         

 

 

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10 –REPÈRES BIOGRAPHIQUES DES INTERPRÈTES   

LOUISE CARDINAL Cléone, confidente d’Hermione  Diplômée  de  l’option  théâtre  du  Cégep  Lionel‐Groulx,  Louise  Cardinal  explore  des  textes 

contemporains et de répertoire avec le même plaisir.  

 

Si elle  joue souvent à Montréal, notamment pour  la Compagnie Jean Duceppe dans L’HABILLEUR 

(m.e.s.  de  Serge  Denoncourt,  2003)  ou  dans  des  productions  du  Théâtre  de  l’Opsis  comme  IL 

CAMPIELLO (m.e.s de Serge Denoncourt, 2010), ANNA BELLA EEMA (m.e.s. de Luce Pelletier, 2008), ORESTE, THE REALITY 

SHOW  (m.e.s. de  Serge Denoncourt, 2004) et ORESTE  (m.e.s. de  Luce Pelletier, 2003), elle  consacre  aussi une  grande 

partie de sa carrière au Petit Théâtre du Nord, théâtre de création situé dans les Basses‐Laurentides qu’elle a cofondé. On 

a pu la voir récemment dans MÉLODIE DÉPANNEUR de Mathieu Gosselin (m.e.s. de Benoît Vermeulen, 2010), SAC À SACS 

de  Jean‐François Nadeau  (m.e.s.  de  Philippe  Lambert,  2009),  LA  CORDE  AU  COU  de  Fanny  Britt  (m.e.s.  de  Sébastien 

Gauthier, 2008). En 2003, Louise Cardinal obtenait d’ailleurs une nomination pour le Masque de l’interprétation féminine 

dans un rôle de soutien pour L’ESPACE ENTRE NOUS de Nico Gagnon (m.e.s. de Marc Dumesnil, Le Petit Théâtre du Nord). 

 

À  la télévision, on a pu  la voir dans  les séries à succès FORTIER, TOUT SUR MOI, LES  INVINCIBLES, DESTINÉES et depuis 

2009 elle fait partie de l’équipe des comédiens maison de l’émission DIEU MERCI!. Prochainement, elle sera de la nouvelle 

série APPARENCES, écrite par Serge Boucher.   

    

JEAN‐FRANÇOIS CASABONNE Pyrrhus, fils d’Achille et roi d’Épire  Diplômé du Conservatoire d’art dramatique de Montréal,  Jean‐François Casabonne est présent 

sur toutes les grandes scènes de Montréal et participe à une cinquantaine de productions parmi 

lesquelles on compte LA HACHE (m.e.s. et texte de Larry Tremblay, Théâtre de Quat'Sous, 2006), 

RESTE AVEC MOI de Flavio de Souza  (m.e.s. de  Jean‐Frédéric Messier, Théâtre du Rideau Vert, 

2006), LA CAVERNE  (m.e.s. et  texte de Dominic Champagne, Théâtre  Il va sans dire, 2001), LE ROI SE MEURT d’Eugène 

Ionesco  (m.e.s. de René‐Daniel Dubois, ESPACE GO, 1999), ŒDIPE‐ROI de Sophocle (m.e.s. de Wajdi Mouawad, Théâtre 

Denise‐Pelletier, 1998) et LES COMBUSTIBLES d’Amélie Nothomb (m.e.s. de René Richard Cyr, ESPACE GO, 1996). 

 

Sous  la direction de Serge Denoncourt,  il a  joué dans GERTRUDE [LE CRI] de Howard Barker (ESPACE GO, 2005), JE SUIS 

UNE MOUETTE… NON CE N’EST PAS ÇA d’après Anton Tchekhov (Théâtre de Quat'Sous et Théâtre de l'Opsis, 1999‐2002), 

ONCLE VANIA de Howard Barker (Théâtre de l'Opsis, 2001) et LA CERISAIE d’Anton Tchekhov (TNM, 2000).  

 

À  la télévision, Jean‐François Casabonne était entre autres de  la distribution de VIRGINIE, LA GALÈRE, EMMA et LE BLEU 

DU CIEL.   

 

Au  cinéma,  il  a  prêté  son  talent  à  LA  BEAUTÉ DE  PANDORE  (Charles  Binamé), NELLIGAN  (Robert  Favreau),  VENT DE 

GALÈRE (Bernard Favre), LES NOCES DE PAPIER (Michel Brault) et plus récemment LE RING (Anaïs Barbeau‐Lavalette). 

 

Artiste aux multiples  talents,  Jean‐François Casabonne a également publié une quinzaine de  textes  (articles, nouvelles, 

poèmes  et  pièces  de  théâtre)  et  travaillé  à  la  conception  du  spectacle musical  L’INCONNU  ZIG  ZAG  « SPECTACLE  EN 

CHANTIER » (Studio théâtre de la Place des Arts, 2008‐2010). Il vient de publier un court roman, L’HOMME ERRATA, aux 

éditions Fidès. 

  

 

    

 

 

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ANNE DORVAL Hermione, fille d’Hélène, promise à Pyrrhus  Le parcours artistique d’Anne Dorval est remarquable. En vingt ans de carrière, elle a joué dans près 

de trente productions théâtrales, une vingtaine d'émissions de télévision et de nombreux films.  

 

Parmi  les  pièces  auxquelles  elle  a  participé, mentionnons  L’ÉVEIL  DU  PRINTEMPS  de Wedekind 

(m.e.s. de Richard Richard Cyr, Théâtre PÀP et Théâtre de Quat’Sous, 1989 ), L’ÉCOLE DES FEMMES 

de Molière (m.e.s. de René Richard, TNM, 1990), ÉLECTRE de Sophocle (m.e.s. de Brigitte Haentjens, 

ESPACE GO, 2000), JUSTE LA FIN DU MONDE de Jean‐Luc Lagarce (m.e.s. de Serge Denoncourt et Pierre Bernard, ESPACE 

GO, 2002), VARIATIONS SUR UN TEMPS de David  Ives  (m.e.s. de Pierre Bernard et Frédéric Blanchette,  Juste pour Rire, 

2004) et ORESTE : THE REALITY SHOW (texte et m.e.s. de Serge Denoncourt, Théâtre de l’Opsis, 2004). 

 

À la télévision, on la retrouve entre autres dans les séries CHAMBRES EN VILLE, DÉTECT INC., GRANDE OURSE, RUMEURS, 

sans oublier  la décapante  série  LE CŒUR A  SES RAISONS aux  côtés de Marc  Labrèche. Depuis 2008, elle  interprète  la 

charmante Nathalie dans  la populaire comédie familiale LES PARENT, rôle pour  lequel elle a obtenu  le prix Gémeaux du 

meilleur premier rôle féminin.  

 

Au cinéma, on a pu voir Anne Dorval entre autres dans les films de Xavier Dolan J’AI TUÉ MA MÈRE, film pour lequel elle a 

obtenu plusieurs prix d’interprétation dont le prix Jutra de la meilleure actrice, et ensuite LES AMOURS IMAGINAIRES. Elle 

participera  prochainement  au  prochain  film  du  jeune  réalisateur  qui  prendra  pour  titre  LAURENCE  ANYWAYS.  Elle  a 

également tourné dans LA VIE SECRÈTE DES GENS HEUREUX de Stéphane Lapointe et on la retrouvera sous peu au grand 

écran dans LE SENS DE L’HUMOUR d’Émile Gaudreault. 

    

 

FRANÇOIS‐XAVIER DUFOUR Oreste, fils d’Agamemnon  Depuis sa sortie de l’École nationale de théâtre du Canada, François‐Xavier Dufour cumule les rôles et 

fait sa marque dans le milieu culturel.  

 

Au théâtre,  il a  joué dans  les pièces  IL CAMPIELLO (m.e.s. de Serge Denoncourt, Théâtre de  l’Opsis, 

2010),  LE BOURGEOIS GENTILHOMME  (m.e.s. de Benoît Brière, TNM, 2010), DANS  LES CHARBONS 

(m.e.s. de Loui Mauffette, FIL/Théâtre de Quat’Sous, 2009), AILLEURS (m.e.s. de Serge Mandeville, Absolu théâtre, 2008), 

MACBETT (m.e.s. de Renaud Paradis, Absolu théâtre, 2007), LE COMTE DE MONTE‐CRISTO (m.e.s. de Robert Bellefeuille, 

Théâtre Denise‐Pelletier), ANTIGONE  (m.e.s. de Lorraine Pintal, TNM, 2005), LES MAINS  (m.e.s. d’Éric  Jean, Théâtre de 

Quat’Sous, 2004), EDMOND DANTÈS (m.e.s. de Robert Bellefeuille, Théâtre Denise‐Pelletier, 2003). En 2007, il a remporté 

le Prix de la relève Olivier Reichenbach pour son rôle dans la pièce LA DAME AUX CAMÉLIAS (m.e.s. de Robert Bellefeuille, 

TNM).  

 

Au cinéma, il a été de la distribution du film LES AMOURS IMAGINAIRES de Xavier Dolan. Bientôt, on pourra le voir dans 

les longs métrages FUNKYTOWN (Daniel Roby) et EN TERRAINS CONNUS (Stéphane Lafleur). 

 

À  la télévision,  il s’est notamment  fait remarquer dans  le téléroman PROVIDENCE avec son rôle du vilain Benjamin.  Il a 

également participé à TOUT SUR MOI, ANNIE ET SES HOMMES, STAN ET SES STARS, PENDANT CE TEMPS DEVANT LA TÉLÉ, 

L’AUBERGE DU CHIEN NOIR et WATATATOW. Il sera aussi de la prochaine saison des BOYS à l’hiver 2011. 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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JULIE MCCLEMENS Andromaque  

Depuis sa sortie de l’option théâtre du Cégep Lionel‐Groulx, Julie McClemens a joué dans tous les 

grands théâtres de Montréal et a été amenée à travailler avec bon nombre de metteurs en scène 

de  talents  dont  Wajdi  Mouawad  (INCENDIES,  Théâtre  de  Quat’Sous,  2005‐2010),  Geoffrey 

Gaquère (COUCHE AVEC MOI  ‐ C’EST L’HIVER de Fanny Britt, PÀP, 2006), Lorraine Pintal (HEDDA 

GABLER  de Henrik  Ibsen,  TNM,  1996), Denis Marleau  (LE  PASSAGE DE  L’INDIANA  de Normand 

Chaurette, UBU, 1996), Alice Ronfard  (ELECTRE‐ELEKTRA, Festival de Théâtre des Amériques, 1995) et bien  sûr, Claude 

Poissant  avec  qui  elle  a  collaboré  à  de  nombreuses  reprises :  LA  FAUSSE  SUIVANTE  de Marivaux  (TNM,  2004),  LES 

ENFANTS D’IRÈNE de Claude Poissant (PÀP, 2001) et LE TRIOMPHE DE L’AMOUR de Marivaux (ESPACE GO, 1995).  

 

Sous la direction de Serge Denoncourt, elle a joué dans JUSTE LA FIN DU MONDE de Jean‐Luc Lagarce (m.e.s. conjointe de 

Pierre Bernard, ESPACE GO, 2002) et JE SUIS UNE MOUETTE… NON CE N’EST PAS ÇA d’après Anton Tchekhov (Théâtre de 

Quat'Sous et Théâtre de l'Opsis, 1999‐2002).  

 

À la télévision, Julie McClemens s’est illustrée dans les séries DESTINÉES, LANCE ET COMPTE, GRANDE OURSE, ou encore 

LA VIE, LA VIE. On la verra au printemps 2011, aux côtés de Luc Picard, dans la télésérie MALENFANT. 

 

Au cinéma, elle était, entre autres, de la distribution des films LE BANQUET (Sébastien Rose), L’AUDITION (Luc Picard) et 

LES ÉTATS‐UNIS D’ALBERT (André Forcier). 

    

MARIE‐LAURENCE MOREAU Céphise, confidente d’Andromaque  

Diplômée  du  Conservatoire  d’art  dramatique  de  Montréal  en  2003,  Marie‐Laurence  Moreau 

s’illustre tant au théâtre, au cinéma qu’à la télévision.  

 

Au théâtre, elle a  joué dans plusieurs pièces dont  IL CAMPIELLO de Carlo Goldoni (m.e.s. de Serge 

Denoncourt, Théâtre de  l’Opsis, 2010), L’AFFICHE et L’ASSASSINAT D’ANDREW  JACKSON  (textes et 

m.e.s. de Philippe Ducros, Hôtel‐Motel, 2009),  L’ÉBLOUISSEMENT DU CHEVREUIL d’Evelyne de  la Chenelière  (m.e.s. de 

Jean‐Guy Legault, Théâtre d’aujourd’hui, 2006), et PIÈCE D’IDENTITÉ (texte et m.e.s de Christian Fortin, Espace Geordie, 

2006).  

 

Pour la compagnie Picouille Théâtre, dont elle est l’une des fondatrices, elle a joué dans LE CAPITAINE FRACASSE d’après 

Théophile  Gauthier  (m.e.s.  de  Philippe  Lambert,  2003‐2006)  et  dans  L’ODYSSÉE  d’après  Homère  (m.e.s.  de  Vincent‐

Guillaume Otis, 2008‐2011). 

  

Au petit écran, on a pu voir Marie‐Laurence Moreau dans les séries VICE CACHÉ, LES BOUGON, UNE GRENADE AVEC ÇA? 

et  plus  récemment  dans  DESTINÉES,  C.A.  et  LES  INVINCIBLES.    Elle  fait  actuellement  partie  de  la  distribution  de 

PENTHOUSE 5‐0, nouvelle série diffusée à Radio‐Canada.  

 

Au cinéma, elle a tourné dans BLUFF de Simon‐Olivier Fecteau, LES 3 P’TITS COCHONS de Patrick Huard, DÉDÉ À TRAVERS 

LES BRUMES de Jean‐Philippe Duval, et plus récemment dans À TROIS, MARIE S’EN VA, un film d’Anne‐Marie Ngô. 

 

            

 

 

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OLIVIER MORIN Pylade, ami d’Oreste  

Sorti  du  Conservatoire  d'art  dramatique  de Montréal  en  2002, Olivier Morin  compte  déjà  plus 

d’une vingtaine de productions théâtrales à son actif.  

 

Il  travaille  avec  des metteurs  en  scène  réputés  comme Martin  Faucher  (DU  VENT  ENTRE  LES 

DENTS,  Théâtre  d’Aujourd’hui,  2007),  Claude  Poissant  (LOUISIANE  NORD,  Théâtre  PÀP,  2004), 

Claude Béchard (TOC TOC, Juste pour Rire, 2007‐2010), René Richard Cyr (ÉLIZABETH, ROI D’ANGLETERRE, TNM, 2008), et 

bien  sûr  Serge  Denoncourt  avec  qui  il  multiplie  les  collaborations  fructueuses  depuis  2002,  notamment  dans  LES 

FELUETTES (ESPACE GO, 2002), ORESTE : THE REALITY SHOW (ESPACE GO, 2004), LE PEINTRE DES MADONES (ESPACE GO, 

2004),  FRAGMENTS  DE  MENSONGES  INUTILES  (Compagnie  Jean  Duceppe,  2009)  et  tout  récemment  IL  CAMPIELLO 

(Théâtre de l’Opsis, 2010). 

 

Soulignons également sa participation à des projets de  jeunes créateurs comme LE GRAND CAHIER (m.e.s. de Catherine 

Vidal,  Le  groupe Bec‐de‐Lièvre, 2009‐2010), AMULETO  (m.e.s. de Catherine Vidal,  Théâtre de Quat’Sous, 2010)  et  LES 

AMOURS IMAGINAIRES, un film de Xavier Dolan (2010). 

 

À  la  télévision, Olivier Morin a  joué entre autres dans  les  séries OCTOBRE 1970, SMASH, WATATATOW, HARMONIUM, 

TOUT SUR MOI et TRANCHES DE VIE. 

 

«Il est aussi artiste peintre en plus d'être musicien au sein des groupes Otarie et les Froeurs.» 

    

MANI SOLEYMANLOU Phoenix  Diplômé de  l’École nationale de théâtre du Canada en 2008, où  il a travaillé avec des metteurs en 

scène tels Claude Poissant et Alice Ronfard, Mani Soleymanlou compte déjà plusieurs productions 

théâtrales importantes à son actif.  

 

On a pu  le voir dans LA FAUSSE MALADE de Carlo Goldoni  (m.e.s. de Frédéric Bélanger, Théâtre 

Advienne que pourra, 2008), LES PIEDS DES ANGES d’Evelyne de la Chenelière (m.e.s. d’Alice Ronfard, ESPACE GO, 2009), 

CHRONIQUES  d’Emmanuel  Schwartz  (m.e.s.  d’Emmanuel  Schwartz,  Alice  Ronfard  et  Jérémie  Niel,  Abé  Carré  Cé 

Carré/Pétrus, 2009), ROUGE GUEULE d’Étienne Lepage (m.e.s. de Claude Poissant, Théâtre PÀP, 2009‐2010), TERRORISME 

des  frères Presnyakov  (m.e.s. d’Olivier Coyette, Théâtre du Grand Jour, Montréal/Théâtre de Poche, Bruxelles, 2009) et 

THE DRAGONFLY OF CHICOUTIMI de Larry Tremblay  (m.e.s. de Claude Poissant, Théâtre PÀP), pièce  incontournable du 

répertoire contemporain  re‐créée  lors de  l’édition 2010 du Festival TransAmérique qui sera  rejouée en  février 2011 au 

Théâtre ESPACE GO. 

 

En 2011, il jouera dans L’AFFICHE de et par Philippe Ducros et dans L’OPÉRA DE QUAT SOUS de Bertolt Brecht dans une 

mise en scène de Brigitte Haentjens. 

 

Mani Soleymanlou participera en 2011 au tournage du film BOUCHERIE HALAL du réalisateur Babek Aliassa aux côtés de la 

comédienne Monia Chokri. 

   

          

 

 

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11 –REPÈRES BIOGRAPHIQUES DES CONCEPTEURS   

MANON BOUCHARD Assistance à la mise en scène et régie  Autodidacte, c’est au Théâtre de Quat’Sous que Manon Bouchard fait ses débuts professionnels à titre de régisseure 

avec VARIATIONS SUR UN TEMPS de David Ives (m.e.s. de Pierre Bernard et Denise Guilbault, 1996).  

 

Dès  l’année suivante, elle devient  l’assistante attitrée de René‐Daniel Dubois pour LES GUERRIERS de Michel Garneau 

(ESPACE GO, 1997), LE ROI SE MEURT d’Eugène Ionesco (ESPACE GO, 1999), BEING AT HOME WITH CLAUDE de René‐

Daniel Dubois (ESPACE GO, 2000), KEAN d’Alexandre Dumas (TNM, 2002), LA DEMANDE D’EMPLOI de Michel Vinaver 

(ESPACE GO, 2003).  

 

Aujourd'hui, elle compte à son actif une quarantaine de productions théâtrales auprès de metteurs en scène de renom 

tels  que  Paul  Buissonneau :  LE  CABARET  DES  MOTS  d’après  l’œuvre  de  Jean  Tardieu  (ESPACE  GO,  2002),  LES 

PRÉCIEUSES RIDICULES de Molière  (TNM, 2003), COUPLES OUVERTS À DEUX BATTANTS de Dario Fo et Franca Rame 

(Théâtre du Rideau Vert, 2007); Denise Guilbault : LA REINE MORTE d’Henry de Montherlant (Théâtre Denise‐Pelletier, 

2002),  LA  TEMPÊTE de  Shakespeare  (TNM, 2005); Alice Ronfard :  LA VOIX HUMAINE de  Jean Cocteau  (ESPACE GO, 

1999); André Melançon :  LA PROMESSE DE  L'AUBE de Romain Gary  (ESPACE GO, 2006),  LES  JUSTES d’Albert Camus 

(Théâtre Denise‐Pelletier, 2008) et Martine Beaulne :  LE DOUTE de  John Patrick Shanley  (Compagnie  Jean Duceppe, 

2007).  

 

Manon Bouchard participe également à  la comédie musicale CHICAGO à Montréal en 2003, puis à Paris en 2004, et à 

une dizaine de spectacles de l’Opéra de Montréal. 

 

De 2005 à 2009, elle enseigne les rudiments du métier aux étudiants en production de l’École nationale de théâtre du 

Canada. Après une pause de deux ans, au cours desquels elle explore d'autres horizons, elle revient au théâtre pour 

une première collaboration avec Serge Denoncourt. 

    

MARTIN LABRECQUE Lumières  Martin  Labrecque  est  sans  contredit  l’un  des  concepteurs  d’éclairages  les  plus  doués  et  les  plus  réputés de  sa 

génération. Il compte plus de cent quarante conceptions d’éclairages à son actif, à la fois pour la danse, le théâtre et le 

cirque.  

 

Depuis  ses  débuts  en  1994,  Martin  Labrecque  a  collaboré  avec  plusieurs  metteurs  en  scène  de  talent :  Alexis 

Martin (L’ILIADE, GRID,  TAVERNES), Claude Poissant  (UNITY, MIL NEUF CENT DIX‐HUIT,  EVERYBODY’S WELLES POUR 

TOUS), Martine Beaulne  (BLUE HEART), René Richard Cyr  (HOSANNA, AMADEUS, UN TRAMWAY NOMMÉ DÉSIR, LES 

BELLES‐SŒURS) et Carl Béchard (LE MALADE IMAGINAIRE). Mais c’est assurément avec Serge Denoncourt qu’il signe le 

plus  grand  nombre  d’éclairages,  près  d’une  trentaine,  notamment  pour  les  pièces  LE  PEINTRE DES MADONES,  LES 

FELUETTES,  LES  BELLES‐SŒURS,  JE  SUIS  UNE MOUETTE…  NON,  CE  N’EST  PAS  ÇA  et  FRAGMENTS  DE MENSONGES 

INUTILES.  

 

Martin  Labrecque  a  récemment  collaboré  avec  Wajdi  Mouawad  à  l’occasion  de  la  présentation  du  SANG  DES 

PROMESSES dans la Cour d’honneur du Palais des Papes au Festival d’Avignon. Il a également participé au projet VIVA 

ELVIS du Cirque du Soleil, à Las Vegas.  

 

Au chapitre de ses éclairages  les plus spectaculaires, on peut sans doute compter ceux conçus pour  les productions 

KOOZA et CORTEO du Cirque du Soleil, pour NOMADE et RAIN (nomination aux Drama Desk Awards, 2006) du Cirque 

Éloize, pour PARADIS PERDU de Dominic Champagne, et pour l’audacieux spectacle MUTANTÈS de Pierre Lapointe pour 

lequel il reçoit le Félix de concepteur d’éclairages de l’année (2009).  

 

Le travail de Martin Labrecque a également été primé à quatre reprises lors du gala des Masques. 

 

 

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NORMAND BLAIS Accessoires  Normand Blais est l'un des concepteurs d'accessoires les plus recherchés. Il a collaboré à plus de 200 spectacles depuis 

sa sortie de l’École nationale de théâtre du Canada en 1987. Accessoiriste attitré de la Compagnie Jean Duceppe depuis 

1987,  il  travaille  à  la  plupart  de  leurs  productions,  ce  qui  ne  l’a  jamais  empêché  d’entretenir  des  collaborations 

fructueuses avec bon nombre de metteurs en scène, ici comme à l’étranger. 

 

Mentionnons son travail dans LE MARIAGE DE FIGARO de Beaumarchais, UBU ROI d’Alfred Jarry, L’HIVER DE FORCE de 

Réjean Ducharme, UN TRAMWAY NOMMÉ DÉSIR de Tennessee Williams, L’ASILE DE LA PURETÉ de Claude Gauvreau, de 

même  que  dans  L’HOMME  DE  LA MANCHA  (pièce musicale  adaptée  de  la  version  américaine  par  Jacques  Brel), 

ZUMANITY du Cirque du Soleil, à Las Vegas, et pour le spectacle du transformiste italien Arturo Brachetti. 

 

À  ESPACE GO, Normand  Blais  signe  la  conception  des  accessoires  pour  LES  SAISONS  de  Sylvie Drapeau  et  Isabelle 

Vincent  (m.e.s. de Martine Beaulne, 2010) et UNE  TRUITE POUR  ERNESTINE  SHUSWAP de Tomson Highway  (m.e.s. 

d’André Brassard, 2009).  Il a également participé à  l’équipe de création de TOUTEFEMME de Péter Kárpáti (m.e.s. de 

Martine Beaulne, 2008), TOP GIRLS de Caryl Churchill  (m.e.s. de Martine Beaulne, 2005),  LES  FELUETTES de Michel 

Marc Bouchard (m.e.s. de Serge Denoncourt, 2002) et LE CHANT DU DIRE‐DIRE de Daniel Danis (m.e.s. de René Richard 

Cyr, 1998). 

 

En  2009,  il  faisait  ses  débuts  à  titre  de  scénographe  dans  la  production UN  PEU, BEAUCOUP,  PASSIONNÉMENT  de 

Richard Baer, mise en scène par Monique Duceppe.  

 

 

  

PIERRE‐GUY LAPOINTE Styliste  Depuis  une  quinzaine  d’années,  Pierre‐Guy  Lapointe  fait  partie  du  paysage  théâtral  et  télévisuel.  Collaborateur‐

assistant,  il  a  travaillé  avec  plusieurs  concepteurs  de  costumes  sur  plus  d’une  centaine  de  spectacles  sur  scène  et 

différentes productions pour la télévision et le cinéma.  

 

Outre son travail d’assistant,  il a également signé  la conception des costumes pour plusieurs œuvres tant au théâtre 

que pour la danse, notamment HUIT FEMMES de Robert Thomas (m.e.s. de Jean‐Guy Legault, Théâtre de Rougemont, 

2007),  LES  JUMEAUX VÉNITIENS de Carlo Goldoni  (m.e.s. de  Jean‐Guy  Legault,  Théâtre Denise‐Pelletier, 2005), DES 

FRAISES EN JANVIER d’Evelyne de la Chenelière (m.e.s. de Philippe Soldevilla, Théâtre d’Aujourd’hui, 2002) ainsi que les 

ballets LIBERAMÆ (Liberamæ, 2005) et BLANCHE (Liberamæ, 2008) du chorégraphe Louis‐Martin Charest. 

 

C’est avec plaisir qu’il revient à ESPACE GO où il avait déjà travaillé sur les productions ÉLECTRE de Sophocle (m.e.s. de 

Brigitte Haentjens,  2000),  BLUE HEART  de  Caryl  Churchill  (m.e.s.  de Martine  Beaulne,  2006)  et UNE  TRUITE  POUR 

ERNESTINE SHUSWAP de Tomson Highway (m.e.s. d’André Brassard, 2009). 

 

  

          

 

 

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12 – AUTOUR D’ANDROMAQUE – par Geneviève Billette  

JEAN RACINE 

1667. Jean Racine a 28 ans. Ses deux premières tragédies, LA THÉBAÏDE et ALEXANDRE ont été créées par nul autre 

que Molière  au  Palais‐Royal.  Surprenante  association, mais  disons‐le,  touchant  parrainage  artistique.  Qui  sera 

toutefois de courte durée. Bien que les échos aux deux spectacles furent plutôt favorables, Racine choisit de confier 

sa  troisième  pièce  à  la  troupe  rivale  de  celle  de  Molière,  les  comédiens  de  l’hôtel  de  Bourgogne.  Le 

17 novembre 1667,  la  troupe donne une  représentation privée d’ANDROMAQUE  au  château du  Louvre.  La  reine 

s’émeut. Le  lendemain,  la pièce est présentée au public de Paris. C’est  le  triomphe. Dès  lors et pour des  siècles, 

Racine  occupera  une  place  inégalée  dans  la  littérature  française.  Une  place  que  d’aucuns,  selon  les  époques, 

trouveront  démesurée.  Un  fait  demeure  toutefois  indiscutable :  Racine  mystifie  tant  ses  admirateurs  que  ses 

détracteurs.  

 

LIEU DE LA PIÈCE  

L’intrigue d’ANDROMAQUE se situe un an après la fin de la guerre de Troie. La ville a été mise à feu et à sang par les 

Grecs. Parmi les milliers de cadavres troyens, celui d’Hector, l’époux d’Andromaque, tué par la main d’Achille, père 

de Pyrrhus.  

 

Elle se déroule à Buthrote, ville d’Épire, région située aux confins de la Grèce et de l'Albanie. Ce royaume, constitué 

à la fin du 5e siècle avant Jésus‐Christ, prit de l'importance de 295 à 272 avant Jésus‐Christ sous le règne de Pyrrhos 

II. Ensuite, il fut soumis par les romains en 168 avant Jésus‐Christ. 

 

UNE MÉCANIQUE INFERNALE 

Après la guerre de Troie, Pyrrhus a fait captive Andromaque, ainsi que son fils Astyanax. Au goût de l’ensemble des 

Grecs, il apparaît inadmissible que Pyrrhus conserve vivant en son royaume le fils d’Hector qui, bien que défait, leur 

a  infligé de nombreuses pertes et humiliations. Les Grecs dépêchent donc Oreste, à  titre d’ambassadeur, afin de 

convaincre Pyrrhus de leur livrer Astyanax. 

On pourrait ainsi, sèchement, résumer l’intrigue. Il manquerait tout le génie de Racine. À cette trame politique déjà 

lourde de sens, Racine a réussi à imbriquer à la perfection une chaîne passionnelle aussi impossible qu’explosive.  

 

Oreste, bien qu’il arrive à  la cour de Pyrrhus à  titre d’ambassadeur, nourrit  l’ardent désir de  s’attirer  les  faveurs 

d’Hermione,  la  fiancée  de  Pyrrhus.  Rien  n’y  fait, Hermione  est  passionnément  éprise  de  son  futur  époux. Mais 

Pyrrhus n’a de cesse de repousser le mariage, parce qu’amoureux fou de sa captive, Andromaque. 

 

Le XVIIe siècle se délectait d’un genre romanesque dit précieux, dans  lequel s’entremêlaient  les  intrigues galantes. 

Au sein de ce type de romans,  la boucle se serait bien évidemment bouclée et Andromaque aurait été amoureuse 

d’Oreste. Mais nous sommes chez Racine. Et Andromaque n’est amoureuse que d’Hector, son époux défunt, tué par 

la main même du père de Pyrrhus. Un mort met brutalement fin  ici à  la joyeuse farandole. Et  la fidélité à un mort 

menace la vie d’un enfant. Si Andromaque s’entête à repousser Pyrrhus, ce dernier menace d’accéder à la demande 

des Grecs et de leur livrer Astyanax. Pour sauver son fils, acceptera‐t‐elle de trahir la mémoire d’Hector et celle de 

Troie? Le nœud gordien, c’est que dans les yeux de son fils, Andromaque ne voit que son mari, comme en témoigne 

Pyrrhus :  

 

Vainement à son fils, j’assurais mon secours : 

C’est Hector, disait‐elle en l’embrassant toujours; 

Voilà ses yeux, sa bouche et déjà son audace; 

C’est lui‐même, c’est toi, cher époux que j’embrasse.  

 

Renier  son  serment  de  fidélité  à  Hector  ou  accepter  la  mort  d’Astyanax  a  donc  même  valeur  aux  yeux 

d’Andromaque. Le dilemme tragique est posé. Et chacun de ses pas, de ses mots, de ses pleurs n’entraînera chez les 

autres  personnages  que  déchirements  et  destruction.  Lorsqu’Andromaque  s’éloigne  de  Pyrrhus,  celui‐ci  se 

rapproche d’Hermione,  ce qui brise Oreste.  Lorsqu’elle prête  l’oreille à Pyrrhus, elle attise  la  jalousie vengeresse 

d’Hermione.  Les  cœurs  se  déclarent,  se  referment,  claquent  comme  des  portes  furieuses,  les  revirements  se 

multiplient : qui a dit que l’écriture de Racine était dénuée d’action? 

Ce  qui  frappe  avant  tout,  c’est  que  cette mécanique  infernale  ne  fonctionne  qu’en  raison  du mélange  de  deux 

traditions  littéraires.  Par‐delà  le  brio  d’avoir  réussi  à  faire  s’entremêler  les  trames  politique  et  passionnelle,  le 

véritable coup de génie de Racine consiste à avoir fondu au sein de ses quatre figures principales et  la fureur des 

héros antiques, et le raffinement des cœurs propre aux figures romanesques du XVIIe siècle.  

 

 

20  20 

Comment, par exemple, un roi grec de  l’Antiquité tolèrerait‐il de se faire repousser durant une année entière par 

son otage tout en continuant à lui faire la cour?  

 

Qu’on estompe la sauvagerie, la mécanique déraille; qu’on écorche le raffinement, le principe tragique s’évente. Un 

tel mélange des genres, au siècle du classicisme, au siècle de l’épure?  

 

LES QUATRE « MONSTRES » 

Hermione représente probablement l’incarnation la plus spectaculaire de cette hybridité. À première vue, elle a tous 

les attributs d’une  jeune fille de bonne condition. Hermione est de parents célèbres. En effet, sa mère n’est nulle 

autre que la belle Hélène, dont l’enlèvement a provoqué la guerre de Troie. Son père est le roi grec Ménélas, qui a 

lancé l’assaut sur la ville « pécheresse » afin de récupérer son épouse.  

Plusieurs commentateurs ont même dépeint Hermione comme une enfant gâtée. Il serait effectivement tentant de 

l’imaginer dans un salon du XVIIe,  la voix haut perchée : une cible parfaite pour Molière. Ce serait sans compter  la 

démesure de son orgueil. Hermione est un monstre d’orgueil, et des plus fascinants. Plus son cœur est blessé par 

Pyrrhus,  blessé  jusqu’à  l’aveuglement,  plus  la  cruauté  qu’elle  déchaîne  à  l’endroit  d’Oreste  semble  lucide  et 

calculée.  Lorsqu’elle  tente  par  tous  les moyens  de  pousser Oreste  au meurtre,  elle  est  nécessairement  défaite, 

pulvérisée intérieurement; on a toutefois l’impression d’entendre l’écho de Lady Macbeth. 

 

Revenez tout couvert du sang de l’infidèle; 

Allez, en cet état soyez sûr de mon cœur. 

 

Au‐delà de l’amour, pour Hermione, il n’y a rien d’autre que la haine. Et la haine la rend dangereusement stratège. 

 

Pantin du sort (ou plutôt d’Hermione), Oreste insuffle à l’univers d’ANDROMAQUE le motif de la fatalité, propre aux 

tragédies antiques.  

 

Mon innocence enfin commence à me peser, 

Je ne sais de tout temps quelle injuste puissance 

Laisse les crimes en paix et poursuit l’innocence. 

 

Il  s’agit effectivement davantage d’un motif que d’un moteur. Bien que  les dieux  soient nommés, parfois même 

interpellés par Oreste,  ils ne sont guère agissants. Oreste a tout en son pouvoir pour être  l’artisan de son propre 

malheur. Et il n’est pas, non plus, une figure homogène. D’entrée de jeu, il nous est présenté comme profondément 

mélancolique : un trait de la tourmente des héros romantiques avant l’heure. Lorsqu’il accoste en Épire, royaume de 

Pyrrhus, Oreste avoue lui‐même avoir parcouru les mers en quête de la mort, pour se soulager de la douleur de ne 

pas être aimé d’Hermione. La seule  intervention divine, au sein de cet univers, est peut‐être d’avoir  refusé cette 

mort à Oreste…  

 

À l’image d’Hermione, Pyrrhus est animé de coups de sang. Mais quand il ferme brusquement son cœur à l’amour, 

ou plutôt quand il s’efforce de le faire, ce n’est pas la haine qui lui sert de refuge mais ses devoirs de roi. Loin d’être 

un tyran, Pyrrhus est une magnifique figure de pacifiste, voire d’humaniste. Il a saccagé Troie, il ne s’en cache pas, 

mais espère mieux pour la suite du monde. 

 

Je souffre tous les maux que j’ai faits devant Troie : 

Vaincu, chargé de fers, de regrets consumé, 

Brulé de plus de feux que je n’en allumai. 

 

Dans son ouvrage Sur Racine, Roland Barthes  identifie  la question centrale que pose ANDROMAQUE en ces mots : 

« Comment la mort peut‐elle accoucher de la vie? Comment passer d’un ordre ancien à un ordre nouveau? » À ses 

yeux, le seul espoir possible s’incarne dans la figure de Pyrrhus, dans son désir de faire d’Astyanax son fils, et d’ainsi 

mettre fin à « la loi vendettale ». 

 

L’ultime vers que Pyrrhus adresse en ce sens à Andromaque est d’une sobriété désarmante, mais demeure l’un des 

plus vibrants de la pièce :  

 

Pour la dernière fois, sauvez‐le, sauvez‐nous. 

 

 

 

21  21 

Andromaque demeure  toutefois aussi  constante dans  sa  fidélité à Hector que  l’est Oreste dans  son amour pour 

Hermione. L’avenir ne semble pas exister pour Andromaque, elle ne dialogue qu’avec la mort, elle porte la mémoire 

de Troie. Non pas à titre vengeur, mais comme le ferait un monument. 

 

Figure‐toi Pyrrhus, les yeux étincelants, 

Entrant à la lueur de nos palais brûlants, 

Sur tous mes frères morts se faisant un passage, 

Et de sang tout couvert échauffant le carnage. 

Songe aux cris des vainqueurs, songe aux cris des mourants, 

Dans la flamme étouffés, sous le fer expirants. 

 

Tant qu’Andromaque ne  regardera pas  son  fils  avec des  yeux neufs, dissociés d’Hector  et du passé,  le  « nouvel 

ordre » ne pourra pas advenir. Andromaque demeure fidèle à la mémoire de son mari défunt jusqu’à la démesure. 

Pourrait‐on dire : Andromaque, mère  insensible? Barthes avance que c’est  justement parce qu’elle n’est pas une 

mère, mais une amante, qu’elle joue ainsi avec  la vie de son fils. Qu’on soit en accord ou non avec sa  lecture, elle 

met en relief, derrière le monument d’apparence immuable, antique, les hésitations du cœur d’une héroïne du XVIIe 

siècle. 

 

LA LANGUE DE RACINE 

Un des  lieux communs de  la critique racinienne est de faire état de  la sobriété de son vocabulaire. Racine n’aurait 

employé qu’entre 800 et 1 200 mots. Puis on se ravise, on fixe  le nombre à 2 000. Et rehaussé,  le nombre total de 

vocables utilisés  serait  finalement de 3 719. Dans ANDROMAQUE,  la pièce au vocabulaire  le plus  sobre,  le verbe 

« pouvoir » apparaît à 96 reprises,  le verbe « vouloir », 70 fois, on compte 45 « amour » et 39 « Ah! »… Jamais une 

langue d’écrivain n’a fait l’objet de calculs aussi minutieux, maniaques (et ce bien avant l’ère informatique!) Racine 

obsède.  La  musicalité,  l’incandescence  de  ses  mots,  leur  pouvoir  d’incantation  échappent  cependant  à  toute 

statistique.  En  deux  vers,  Racine  a  le  pouvoir  de  nous  plonger  dans  l’enfer  de  la  guerre,  d’en  faire  éclater  les 

hurlements; en un  seul mot, de nous  faire entendre  le  frisson d’une âme. Et encore une  fois,  la pureté  ici n’est 

qu’illusion.  Pour  ses  contemporains,  Racine  se  permettait  dans  ANDROMAQUE  d’audacieuses  innovations 

langagières. Assez pour  s’attirer  les  foudres d’un dénommé Subligny, obscur auteur et critique. Six mois après  la 

création  d’ANDROMAQUE,  Subligny  fait  représenter  une  critique  satyrique  de  la  tragédie  de  Racine,  LA  FOLLE 

QUERELLE. Et c’est la question de la langue qui est au cœur de son entreprise. La préface de la pièce de Subligny est 

sans appel : 

 

« …  Si  l’on  se  veut  donner  la  peine  de  lire  l’ANDROMAQUE  avec  quelque  soin,  on  trouvera  que  les  plus  beaux 

endroits où l’on s’est écrié et qui ont rempli l’imagination de plus belles pensées, sont toutes expressions fausses ou 

sens tronqués qui signifient tout le contraire ou la moitié de ce que l’Auteur a conçu lui‐même, et que parce qu’un 

mot ou deux suffisent à faire souvent deviner ce qu’il y veut dire, et que ce qu’il veut dire est beau, l’on y applaudit, 

sans y penser, tout autant que s’il était purement écrit et entièrement exprimé. » 

 

Ce n’est que plus  tard, bien  après  la mort de Racine, que  sa  langue et plus  largement  son  théâtre ont été élus 

comme modèle classique voire absolu de la tradition française. 

 

 

CE QU’ILS EN ONT DIT Une  telle  élection, une  telle  autorité, ne peut que  s’avérer drôlement  encombrante pour  les  autres  écrivains  et suscite évidemment les passions. De 1667 à nos jours,  le théâtre de Racine a connu, selon  les époques, tantôt des moments de grande célébration, mais également quelques traversées de désert.  Le XVIIIe siècle…  « Je  conçois  comment à  force de  travail on  réussit à  faire une  scène de Corneille  sans être né Corneille :  je n’ai jamais conçu comment on réussissait à faire une scène de Racine, sans être né Racine. »  Denis Diderot, Discours sur la poésie dramatique, 1758  « Je regarde Racine comme le meilleur de nos poètes tragiques, sans contredit; comme celui qui seul a parlé au cœur et à la  raison, qui  seul  a été  véritablement  sublime  sans  aucune enflure, et qui  a mis dans  la diction un  charme  inconnu jusqu’à lui. »  

Voltaire, Lettre à M. de Soumarkoff, 1769    

 

 

22  22 

À l’aube de la Révolution cependant, le modèle des personnages raciniens n’était pas prisé de tous…  « Le véritable  intérêt du cœur, sa vraie relation, est toujours d’un homme à un homme, et non d’un homme à un Roi. Aussi, bien loin que l’éclat du rang augmente en moi l’intérêt que je prends aux personnages tragiques, il y nuit au contraire. Plus l’homme qui pâtit est d’un état qui se rapproche du mien, plus son malheur a de prises sur mon âme. »  Beaumarchais, Essai sur le genre dramatique sérieux, 1767   Après  la Révolution,  l’écriture de Racine conserve son statut de joyau national, mais tend à être considéré comme un produit à  l’usage exclusif de  l’élite, qu’elle soit bourgeoise ou  intellectuelle. Son théâtre est encore représenté sur les scènes, mais de façon plus sporadique. Les Romantiques du début du XIXe siècle, Hugo et Stendhal en tête, ne récusent pas en soi le génie de Racine, mais pestent contre l’immobilisme esthétique dont le théâtre fait preuve et auquel Racine sert d’alibi.  « Au  lieu de ce mot tragédies, écrivez en tête des œuvres de Racine : Dialogues extraits d’un poème épique, et  je m’écrie avec vous : C’est sublime. Ces dialogues ont été de  la  tragédie pour  la nation courtisanesque de 1670;  ils n’en  sont plus pour  la population  raisonnante et  industrielle de 1823. (…) Tout  ce que  j’ai à dire,  c’est que moi, Français moderne, qui n’ai jamais vu d’habits de satin et à qui le despotisme a fait courir l’Europe dès l’enfance et manger de la vache enragée, je trouve que les personnages de Racine, d’Alfieri, de Manzoni, de Schiller, ont toujours la mine de gens contents de si bien parler.  Ils sont remplis de passion; soit, mais  ils sont d’abord contents de bien parler. » Stendhal, Racine et Shakespeare, 1825  À  la  fin  du  XIXe,  au  tournant  du  XXe,  Racine  connaît  une  triomphale  réhabilitation,  grâce…  aux  acteurs.  À  la génération d’acteurs souvent appelée celle des « monstres sacrés », dont Sarah Berhnardt était la figure de proue.   Par la suite, il ne connaîtra plus de réelle mise au ban. Même après la Seconde Guerre mondiale, alors que l’écriture théâtrale questionne sa légitimité à dire, plusieurs metteurs en scène et non les moindres (Gaston Baty, Jean‐Louis Barrault,  Jacques  Copeau,  Roger  Planchon,  Jean  Vilar)  continuent  et  continueront  d’explorer  Racine.  Ce  qui n’empêche pas Jean Vilar de s’interroger : « Je suis loin de savoir s’il est vraiment un auteur dramatique. »  Mais laissons le dernier mot à André Malraux, qui tente de mettre fin à une part de la grande mystification.  « Je veux bien que Phèdre soit un chef‐d’œuvre : en fait, je  le crois. Mais de quoi? On nous dit depuis des siècles : d’une  harmonie  de  l’art,  d’un  ordre  de  l’esprit.  En  somme  une œuvre  de même  nature  que  l’architecture  de Versailles et la peinture de Poussin. N’oubliez pas que le mot le plus souvent employé à propos de Racine est le mot perfection…  (…) Or je crois que Phèdre est un grand poème baroque. » Réponse à Henry de Montherlant, 1955    Geneviève Billette10              

                                                            10 *Geneviève Billette est bachelière en études françaises de l’Université de Montréal et diplômée en écriture dramatique de l'École nationale de théâtre du Canada. Parmi ses pièces portées à la scène, mentionnons CRIME CONTRE L’HUMANITÉ et LE GOÛTEUR, (Théâtre PÀP), GIBRALTAR dans LES ZURBAINS (Théâtre Le Clou), LES ÉPHÉMÈRES (Conservatoire de Montréal) et LE PAYS DES GENOUX (Le Carrousel). Son écriture a également été présentée en France, au Mexique, en Suisse et au Canada anglais. Geneviève Billette a été récipiendaire de la Prime à la création du Fonds Gratien-Gélinas (2001), du Prix Paul-Gilson (2004) et du prix du Gouverneur général (2005) pour LE PAYS DES GENOUX. Elle a également écrit plusieurs textes pour la radio et signé trois traductions de textes mexicains. Son tout dernier texte, ÉVARISTE GALOIS CONTRE LE TEMPS a été présenté en lecture publique par le CEAD, en janvier 2009. Geneviève Billette est membre du conseil d’administration du Centre des auteurs dramatiques (CEAD). 

 

 

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13 –LA MYTHOLOGIE GRECQUE  

 

INTRODUCTION 

La mythologie grecque a exercé une profonde influence sur la culture occidentale. Après avoir largement inspiré les 

dramaturges,  artistes  et  philosophes  de  la Rome  antique,  elle  a  été  déterminante  dans  le  regain  d’intérêt  pour 

l’Antiquité apparu à l’époque de la Renaissance et encore perceptible aujourd’hui.  

 

L’origine  des mythes  de  la  Grèce  antique  est  impossible  à  déterminer.  Chacune  des  cités  du monde  grec  qui 

s’étendait  de  l’Italie  du  Sud  jusqu’aux  côtes  de  l’Asie Mineure,  a  donné  naissance  à  ses  propres mythes.  Cette 

richesse  est  parfois  cause  de  confusion,  car  il  existe,  pour  chaque mythe  connu,  de multiples  versions,  parfois 

contradictoires. 

 

À l’origine transmis, adapté et développé par la tradition orale, le panthéon des dieux et des héros grecs était déjà 

bien établi lorsque les premiers écrits mythologiques firent leur apparition, vers 750 av. J.‐C. La littérature de cette 

période (en particulier  l’ILIADE et  l’ODYSSÉE, poèmes épiques d’Homère, et  les textes du poète Hésiode) constitue 

l’une des sources principales de notre connaissance de  la mythologie grecque. L’ILIADE a pour sujet  la guerre de 

Troie, tandis que l’ODYSSÉE narre les aventures du soldat grec Ulysse à qui le dieu Poséidon interdit le retour dans 

sa patrie. La THÉOGONIE d’Hésiode est un texte traitant des origines du monde et du pouvoir des dieux.  

 

Le mot français « mythe » est dérivé du grec ancien muthos (récit). Aux premiers temps de la littérature grecque, le 

mot  muthos  ne  désignait  pas  nécessairement  un  récit  imaginaire,  mais  à  partir  du  Ve siècle  av.  J.‐C.,  il  était 

principalement employé pour désigner une fiction, par opposition au mot logos (parole, raison), qui renvoyait à un 

discours rationnel. 

 

La  rhapsodie,  suite  de  poèmes  épiques  récités  par  les  rhapsodes  (chanteurs  grecs  qui  allaient  de  ville  en  ville), 

constituait l’un des deux principaux modes de diffusion des mythes dans  la Grèce antique. L’autre était  le théâtre, 

symbole de  la grandeur culturelle athénienne. À Athènes, des  foules nombreuses se pressaient pour assister à  la 

représentation des pièces satyriques d’Aristophane ou à celles des tragédies d’Eschyle, de Sophocle ou d’Euripide, 

dont les sujets et personnages étaient directement tirés de la mythologie.  

 

LE RÔLE DU MYTHE 

L’Antiquité  grecque  fut  une  époque  d’une  très  grande  créativité;  à  la  fois  politique,  culturelle  et  artistique.  La 

mythologie était présente dans tous les domaines de la vie privée ou publique. Part essentielle de l’éducation, à tel 

point que les écoliers étaient tenus de réciter les textes d’Homère et d’Hésiode, elle figurait au premier plan parmi 

les sciences de l’époque et constituait également l’un des principaux thèmes artistiques. 

 

L’ILIADE et l’ODYSSÉE étaient récités intégralement durant les Panathénées, fêtes religieuses annuelles célébrant le 

culte de  la déesse Athéna pour  lesquelles des milliers de fidèles convergeaient vers Athènes depuis  l’ensemble de 

l’Attique11.  Les  mythes  grecs  mettaient  souvent  en  scène  des  personnages  contraints,  par  des  circonstances 

extrêmes, de transgresser les usages établis (à l’image d’Œdipe tuant son père et épousant sa mère). À ce titre, ils 

posaient d’intéressantes  interrogations sur  les valeurs morales et  les fondements de  la société qui  les avaient vus 

naître. 

 

MYTHES ET PROPAGANDE 

L’art grec prenait souvent pour thème les mythes établissant la supériorité des anciens Grecs sur les peuples voisins. 

Les Athéniens utilisaient notamment des scènes mythologiques afin d’illustrer cette assertion. Sur  la face ouest du 

Parthénon, monument célébrant  la suprématie athénienne,  la  frise extérieure a pour  thème  le combat  triomphal 

des Athéniens  contre  les Amazones, guerrières mythiques. Centaures  (créatures mi‐homme, mi‐cheval) et Perses 

comptent parmi  les ennemis des Athéniens souvent  représentés dans  l’art grec. En associant  les Perses, ennemis 

bien  réels,  avec  des  adversaires  mythiques  proches  des  animaux,  les  Athéniens  mettaient  en  exergue  leur 

supériorité supposée. 

 

 

 

 

                                                            11 À l'origine, l'Attique se composait de nombreuses communautés séparées, douze selon la tradition, à l'époque du roi Cécrops, qui furent plus tard réunies en un seul État athénien. Cette réalisation 

attribuée à Thésée fut en fait un processus progressif qui dura probablement jusqu'au VIIe siècle av. J.‐C.  

 

 

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14 –ARBRES GÉNÉALOGIQUES  

   

 

 

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15 –LA GUERRE DE TROIE – LE MYTHE   

Dans l’ILIADE d’Homère, les partis en présence dans la guerre de Troie sont désignés par des noms différents : 

 

Les Grecs,  appelés  également Achéens, Danaens, Hellènes  ou  encore Argiens  (du  nom  de  la  ville  d’Argos,  dont 

Agamemnon est le roi); 

Les Troyens, appelés aussi Dardaniens ou Teucriens; 

 

La ville de Troie porte aussi le nom d’Ilion, d’où ILIADE, titre de l’épopée homérique consacrée à la guerre de Troie. 

 

 

DIEUX FAVORABLES AUX TROYENS  DIEUX FAVORABLES AUX GRECS Dieux favorables aux Troyens  Dieux favorables aux Grecs 

Aphrodite Déesse de l'amour, des plaisirs et de la beauté 

Héra Déesse du mariage, gardienne de la fécondité   

Arès Dieu de la guerre et de la destruction 

Athéna Déesse  de  la  guerre,  de  la  sagesse,  des artisans et des artistes  

Ényo Déesse des batailles et messagère d’Arès 

Poséidon Dieu des mers et des océans en furie  

Apollon Dieu du chant, de la poésie et de la guérison  

Héphaïstos Dieu du feu, des forges et des volcans 

Xanthe (ou Scamandre) Dieu fleuve 

Hermès Dieu  du  commerce  et  des  voyageurs, messager des dieux  

Artémis Déesse de la chasse  

  

Léto Déesse, une des épouses de Zeus  

  

  

La guerre de Troie résulte de l’enchaînement de trois événements :  

 

1) l’union de Thétis et de Pélée (dont naîtra le héros Achille),  

2) la pomme de la discorde lancée le jour de leurs noces et qui conduira le prince troyen Pâris à choisir la plus belle 

des déesses,  

3) l’amour d’Hélène comme gage de gratitude de la part de la déesse Aphrodite, ce qui conduira à l’enlèvement de 

la reine de Sparte. 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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Zeus et Thétis, par Jean‐Auguste‐Dominique Ingres 

Le cheval de Troie  Peinture de Henri‐Paul Motte (1846‐1922) photographiée par Goupil et Cie

LA GUERRE DE TROIE ‐ LE RÉCIT MYTHIQUE  

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

SOMBRE PRESAGE 

Pâris est le plus jeune fils de Priam, roi de Troie et de son épouse Hécube. Alors qu’elle était enceinte de lui, Hécube 

eut un rêve dans  lequel elle donnait naissance à une torche enflammée. Réveillée en sursaut,  la reine s’écria, « Troie 

brûle! » L’oracle consulté confirma qu’il s’agissait d’un rêve prémonitoire et que  le  futur prince serait  la cause de  la 

destruction de Troie. Effrayé, le roi Priam ordonna que l'enfant soit mis à mort. Hécube parvint toutefois à contourner 

le destin en confiant son fils à Agélaos, le chef des bergers du mont Ida. Devenu adulte, le jeune homme qu’on nomma 

Pâris12 se distingua par sa bonne mine, par son esprit et par son adresse à l’arc.  

 

Au cours d’une fête, Pâris participa à des jeux où il l’emporta sur tous les concurrents. Cassandre, sa sœur, le reconnut. 

Le  berger  Agélaos  se  vit  contraint  de  confesser  à  Priam  que  Pâris  était  le  fils  qu’il  croyait mort.  Le  roi  se  réjouit 

tellement de cette nouvelle qu’il préféra accueillir le jeune homme dans son palais plutôt que, de nouveau, prêter foi 

aux mauvais augures de l’oracle. 

 

 

LES AMOURS DE ZEUS 

La prémisse de la guerre de Troie est aussi liée aux amours impossibles 

de Zeus et de  la nymphe marine Thétis. La prophétie est claire :  si un 

dieu devait épouser Thétis,  celle‐ci mettrait au monde un enfant plus 

puissant que  le plus puissant des dieux.  Inquiet à  l’idée d’être un  jour 

détrôné, le roi des dieux s’empressa donc de marier Thétis à un mortel, 

annulant du coup le fâcheux sort.  

 

 

 

 

 

 

 

 

 

                                                            12 L’illustre Prince Pâris est aussi connu sous le nom d’Alexandre qui signifie « celui qui est protégé ». 

 

 

 

29  29 

Tableau de Burne Jones, Musée du Louvres 

LE JUGEMENT DE PÂRIS 

Aux noces « orchestrées » de Thétis et de Pélée, l’arrivée d’Éris, déesse de la Discorde qui n’avait pas été invitée, vint 

interrompre le banquet. Elle jeta sur la table une pomme d'or portant l'inscription « À la plus belle ». Or, trois déesses 

présentes, Aphrodite, Athéna et Héra, se disputèrent cet enviable titre et demandèrent qu’on nomme des juges pour 

trancher la question.  

 

L'affaire  était  délicate.  Zeus,  craignant  de 

se  compromettre dans  cette affaire  (Héra 

étant  sa  femme  et  Athéna  sa  fille,  il  ne 

voulait pas qu’on dise qu’il avait succombé 

aux charmes d’Aphrodite), envoya les trois 

déesses sur  le mont  Ida pour y recevoir  le 

jugement de Pâris. 

 

Chacune des déesses promit à Pâris un don 

précieux. Si elle était élue, Héra  lui offrait 

la  richesse  et  le  pouvoir  sur  le  monde, 

Athéna la sagesse et la victoire au combat, 

Aphrodite  l’amour et  le cœur d’Hélène de 

Sparte13, la plus belle femme de la terre.  

Le  berger  remit  la  pomme  d’or  à 

Aphrodite.  

 

 

 

L’ENLÈVEMENT D’HÉLÈNE 

Sur  les  conseils  d’Aphrodite,  Pâris  se  rendit  en 

ambassade  à  Sparte,  et  ce,  malgré  les  funestes 

prédictions  de  sa  sœur  Cassandre14.  Le  prétexte 

donné  était  de  prendre  des  nouvelles  d’Hésione, 

sœur  de  Priam.  En  réalité,  Pâris  venait  y  chercher 

son dû : Hélène, l’épouse du roi Ménélas.  

 

Arrivé  à  Sparte,  Pâris  fut  reçu  par Ménélas,  avec 

tous  les  honneurs  qui  étaient  dus  à  son  rang. 

Profitant d'un bref voyage du roi spartiate en Crète, 

le  Troyen  séduisit  et  enleva  Hélène,  tout  en 

n'oubliant pas de faire main basse sur une partie des 

richesses de son hôte avant de repartir vers Troie.  

 

 

Les dieux n’apprécièrent guère que Pâris ait violé les lois de l’hospitalité. 

 

 

REPRESAILLES GRECQUES 

Pour venger cet affront, Ménélas alla trouver son frère Agamemnon (roi de Mycènes et d’Argos15), et lui demanda de 

réunir  une  armée  capable  de  vaincre  la  puissante  cité  de  Troie. Agamemnon  envoya  des  hérauts  pour  rappeler  à 

chacun des rois de  la Grèce  le serment prêté autrefois à Tyndare16. Il obtint facilement  le concours de Nestor (roi de 

Pylos), de Diomède (roi de Calydon), d’Ajax le grand (prince de Salamine), d’Ajax le petit (roi de la Locride), de Patrocle 

(ami inséparable d’Achille), d’Idoménée (roi de Crête), d’Ulysse (roi d’Ithaque) et de bien d’autres encore. Les déesses 

Athéna et Héra, humiliées par Pâris lors des noces de Thétis et de Pélée, jurèrent de se venger et allaient travailler de 

concert à la ruine des Troyens. 

 

                                                            13 Ancienne ville grecque 

 14 Cassandre, prêtresse d’Apollon, avait le don de la divination.

15 Anciennes villes grecques 

 16 Quand Hélène fut en âge d’être mariée, on vit les prétendants accourir de toute la Grèce. Redoutant une querelle entre les soupirants éconduits, son père nourricier, le roi Tyndare de Sparte, les fit 

s’engager à défendre le futur époux d’Hélène contre ceux qui menaceraient ce mariage. Tous jurèrent. Puis Tyndare choisit Ménélas, prince de la riche cité de Mycènes et bientôt roi de Sparte.  

 

 

30  30 

Image tirée du film TROY de Wolfgang Peterson, 2004 

Mais avant le départ, le devin Calchas, prêtre d’Apollon et transfuge troyen, fit la prédiction que la prise de Troie serait 

impossible sans l’intervention du valeureux Achille, roi des Myrmidons. 

 

 

ACHILLE, LE DEMI‐DIEU17 

La  réputation de  combattant hors pair d’Achille était déjà 

devenue légendaire. Ulysse alla le chercher et le conduisit à 

Agamemnon qui souhaitait l’engager dans la guerre. Achille 

s’embarqua aux côtés de  l’orgueilleux roi, emmenant avec 

lui  son  compagnon  Patrocle  et  ses  loyaux  serviteurs,  les 

Myrmidons18. 

 

 

LE SIÈGE DE TROIE 

Agamemnon  prit  la  tête  des  forces  grecques  coalisées  et 

devint  le  roi  des  rois.  Lorsque  la  flotte  – mille  et  treize 

vaisseaux – appareilla enfin, Agamemnon envoya Ménélas 

et Ulysse en délégation auprès des Troyens pour réclamer 

la  restitution  d’Hélène  et  le  paiement  des  justes 

réparations. Ces exigences ayant été rejetées, les vagues de 

l’armée grecque déferlèrent sur Troie. 

 

Achille  savait,  grâce à  sa mère, que  le premier  à mettre  le pied  sur  le  sol d’Asie Mineure  serait  aussi  le premier  à 

mourir. Protésilas débarqua  le premier et  tua un grand nombre de Troyens avant de  tomber,  les armes à  la main. 

Rassuré, Achille  se  jeta  dans  la mêlée,  suivi  de  ses Myrmidons.  Les  autres Grecs débarquèrent  alors.  Ils  établirent 

ensuite le siège devant la ville, tirant leurs navires sur le sable et les protégeant par une palissade. 

 

Troie  résista  aux  assauts, mais  ses  cités  alliées  tombèrent  une  à  une.  Achille  et  ses  compagnons  conquirent  ainsi 

Lesbos, Phocée, Smyrne, Colophon, Didé, Colone et de nombreuses autres villes, resserrant ainsi  leur emprise autour 

de la forteresse du roi Priam. 

  

Au  cours  de  la  sixième  année  de  guerre,  les  Grecs,  qui  avaient  déjà  conquis  l’ensemble  de  l’Asie  Mineure, 

concentrèrent leurs forces autour de Troie. 

 

Les  neuf  premières  années  du  siège  de  Troie  ressemblèrent  à  une  longue  attente,  rythmée  par  des  combats 

sporadiques épuisant peu à peu les forces des uns et des autres.  

 

 

 

DUELS 

L’issue  de  la  guerre  devait 

être  déterminée  par  des 

combats  singuliers  entre 

héros.  Ainsi,  Diomède  se 

mesura  à  Énée19,  Ajax  à 

Hector20, Ménélas à Pâris.  La 

finalité  de  ces  duels  allait 

demeurer  indécise  en  raison 

de  l’intervention  habituelle 

d’une divinité venant en aide 

au guerrier en difficultés. 

 

 

                                                            17 Immortelle, la nymphe Thétis n’était pas préparée à ce qu’Achille, son fils chéri, dût mourir, aussi tenta‐t‐elle, alors qu’il était tout jeune enfant, de le rendre invulnérable en le baignant dans les 

eaux du Styx, le fleuve des Enfers. Elle le suspendit par le talon droit, seule partie de son corps qui resta vulnérable.  

 18 Littéralement « hommes‐fourmis », allusion aux insectes que Zeus avait mués en farouches soldats 

 19 Fils d’Aphrodite et d’Anchise. Époux de Créüse, fille de Priam. Il est, par le fait même, prince Troyen. 

 20 Fils aîné de Priam.

 

 

31  31 

Le corps d'Hector tiré par le char d'Achille 

Bas‐relief d'un sarcophage du IIe siècle av. J.C.

Achille soutenant le corps de Patrocle mourant 

Loggia des Lansquenets à Florence 

LA DISPUTE 

Achille  et  Agamemnon  furent  plus  d’une  fois  en  opposition,  le  premier  reprochant  vivement  au  second  son 

autoritarisme, son ingratitude et la plupart de ses choix stratégiques. 

 

Après neuf ans de  siège,  lors d’une expédition guerrière, Achille et Agamemnon prirent  respectivement pour butin 

deux jeunes filles, Briséis et Chryséis. Il se trouva que Chryséis était la fille de Chrysès, prêtre troyen d’Apollon.  

 

Le dieu en colère envoya une terrible peste sur les Grecs, contraignant Agamemnon à rendre Chryséis à son père. Le roi 

des rois se vengea de cet affront en enlevant la captive Briséis à Achille. Furieux, ce dernier se retira dans sa tente et 

refusa de  combattre. Plus  encore,  il demanda  à  sa mère d’obtenir de  Zeus qu’il donne  la  victoire  aux  Troyens, de 

manière à ce qu’Agamemnon soit humilié.  

 

PATROCLE 

Malgré  les exploits de héros  comme Diomède ou Ajax  le Grand,  les Grecs 

perdaient  pied.  Seul  Achille  pouvait  inspirer  une  terreur  suffisante  à 

l’ennemi. Chacun des assauts menés par  l’armée grecque — privée de son 

plus vaillant guerrier — échouait alors, et nombreux étaient  les GRECS qui 

tombaient au combat. 

 

Alors qu’Achille  refusait  toujours de combattre,  les vaisseaux grecs étaient 

menacés par l’avancée des Troyens qui voulaient les incendier pour couper à 

l’ennemi toute possibilité de retraite. 

 

Oubliant  leur rivalité, Agamemnon promit à Achille de  lui rendre Briséis, de 

lui accorder une rançon et vingt belles Troyennes s’il acceptait de revenir au 

combat. Rien n’y fit. 

 

Patrocle, compagnon d’Achille, tenta à son tour de fléchir son ami, en vain, 

mais  il obtint du grand guerrier  la permission de porter ses armes, afin de 

galvaniser  les  troupes.  Grisé  par  le  succès  et  la  gloire  qu’il  y  avait  à 

combattre  sous  l’identité  d’un  héros  comme  Achille,  Patrocle  lança 

imprudemment un vaste assaut contre la ville, mais fut défait par Hector, fils aîné de Priam. Le vainqueur conserva les 

armes d’Achille et rendit en tout honneur le corps de Patrocle aux Grecs.  

 

 

LA COLÈRE D’ACHILLE 

Achille ne reconnut pas la noblesse du geste. Fou de douleur et d’un chagrin empli de la culpabilité d’avoir laissé son  

grand ami se battre en son nom, il reprit le combat aux côtés des Grecs. Le dieu Héphaïstos lui fabriqua de nouvelles 

armes, dignes des dieux, et une armure qui  le  rendit  invincible. Sa vaillance au combat contraignit  les Troyens à se 

replier.  

 

Seul le prince Hector, âme de la résistance troyenne, demeura devant les murs de Troie, parce qu’il aspirait à affronter 

Achille. Réalisant que celui‐ci était protégé par les dieux, Hector se replia sur ses positions.  

 

Chacun savait que le Destin avait décrété que 

tant  qu'Hector  vivrait,  les murs  de  Troie  ne 

tomberaient pas. Pour ne pas être la cause de 

la chute des siens, et pour rejoindre sa femme 

Andromaque  et  son  fils  Astyanax,  Hector 

tenta de rentrer dans la cité de Troie. 

 

Achille  ne  lui  en  laissa  pas  le  temps,  il  tua 

Hector et profana  son  corps en  l’attachant à 

son char et en le traînant autour des remparts 

de la cité.  

 

 

 

 

32  32 

Priam aux pieds d'Achille (Jules Bastien‐Lepage)

LA SUPPLIQUE DE PRIAM 

Le cœur empli d’une grande douleur,  le roi Priam se rendit dans  le camp 

des Grecs, avec  l’aide du dieu Hermès, pour réclamer  la dépouille de son 

fils.  Dans  sa  détresse,  le  vieil  homme  supplia  Achille  qu’on  le  laissât 

enterrer son fils. Les dieux intervinrent et contraignirent Achille à rendre la 

dépouille d’Hector à son père. 

 

 

APPEL À L’AIDE 

Devant  la  tournure  si  défavorable  que  prenait  la  guerre,  le  roi  de  Troie 

demanda  l’aide de Penthésilée, reine des Amazones, qui accourut tout de 

suite.  Penthésilée  conduisit  vaillamment  les  Troyens  au  combat,  à  l’égal 

d’Hector, mais en dépit de sa bravoure, elle périt elle aussi aux mains de 

l’invincible Achille. 

 

 

 

 

Pour  la  seconde  fois, Priam dut  solliciter des  renforts.  Le puissant Memnon, prince éthiopien,  vint  à  Troie pour  se 

mettre à la tête de ses défenseurs. Une fois de plus, le champion Achille l’emporta, fauchant la vie de Memnon. 

 

 

LE TALON D’ACHILLE 

Peu après, le dieu Apollon, allié des Troyens, guida une flèche lancée par Pâris pour 

qu’elle se plante dans le talon d’Achille, la seule partie vulnérable de son corps. Il 

en mourut. 

 

Les Grecs furent consternés par cette perte.  

 

 

LA MORT DE PÂRIS 

Comme la démoralisation commençait à s’étendre parmi les assiégeants, les chefs 

grecs consultèrent Calchas, le devin d’origine troyenne qui les accompagnait. Il les 

avertit que la cité ne pourrait être prise sans l’aide de l’arc et des flèches mortelles 

d’Héraclès21.  

 

Les Grecs  envoyèrent Ulysse  et  Pyrrhus  (fils  d’Achille)  sur  l’île  de  Ténédos  pour 

demander à Philoctète en quel lieu les armes étaient cachées. 

 

Philoctète était  le  fidèle compagnon d’Héraclès, qui, en mourant,  lui avait  laissé  ses  redoutables  flèches. Philoctète 

s'était engagé, par serment, à ne jamais révéler le lieu où il avait déposé les cendres de ce héros.  

 

Ne  voulant ni  violer  son  serment ni priver  les Grecs de  l'avantage que  ces  flèches pouvaient  leur procurer  sur  les 

Troyens, Philoctète montra avec  le pied  l'endroit où  il avait  inhumé Héraclès, et avoua qu'il avait ses armes en son 

pouvoir. 

 

À  son  arrivée  à  Troie,  Philoctète  affronta  Pâris qui, bien que  très habile  au maintien de  l’arc,  succomba devant  le 

pouvoir des flèches d’Héraclès.  

 

La mort d’Achille était ainsi vengée. 

  

 

 

 

 

 

 

 

                                                            21 Flèches trempées dans le sang de l'Hydre de Lerne, créature décrite comme un serpent, parfois avec un corps de chien, possédant plusieurs têtes, dont une immortelle. Ses têtes se régénéraient 

doublement lorsqu'elles étaient tranchées, et l'haleine soufflée par les multiples gueules exhalait un poison radical, même durant le sommeil de l'animal. Héraclès dépeça l'animal et en recueillit le venin pour en imprégner ses flèches, ce qui provoqua indirectement la mort de l’Hydre. 

 

 

33  33 

L’incendie de Troie, Brueghel Pieter II, le Jeune (1564‐1638), d'Enfer (dit) 

Image tirée du film TROY de Wolfgang Peterson, 2004 

 

UN CADEAU DES GRECS 

La guerre s’éternisait, de nombreux guerriers 

étaient  morts.  Les  soldats  grecs  étaient 

lassés de ce conflit qui durait depuis dix ans 

et  n’avaient  d’autre  souhait  que  de  rentrer 

chez eux.  

 

Ulysse,  roi  d’Ithaque,  conçut  alors  le 

stratagème  du  cheval  de  bois.  La  ruse 

consistait  à  construire  un  immense  cheval 

creux  dans  lequel  de  valeureux  guerriers 

pourraient  prendre  place.  Le  but  était  de 

faire croire aux Troyens que l’armée grecque 

était partie en laissant ce cheval en offrande 

aux  dieux.  Ulysse  était  persuadé  que 

l’ennemi,  fier  de  cette  prise  de  guerre,  la 

ferait entrer entre ses murs.  

 

Une fois le cheval de bois construit, les Grecs s’éloignèrent du rivage et se replièrent sur une île voisine. 

 

 

 

 

L’INCENDIE DE LA VILLE 

Malgré les avertissements donnés par Cassandre qui, une fois de plus, avait vu le danger, les Troyens firent donc entrer 

le  cheval de bois dans  l’enceinte de  la  ville  et  fêtèrent  leur  victoire.  La nuit  venue,  les Grecs  s’extirpèrent de  leur 

cachette, ils ouvrirent les portes de la ville, mirent le feu aux maisons, combattirent les Troyens endormis et réduisirent 

les Troyennes en esclavage.  

 

Ainsi, la prémonition d’Hécube au sujet de la chute de Troie se trouva réalisée. 

 

 

 

 

 

 

 

34  34 

L’APRÈS TROIE 

Le retour au pays des vainqueurs fut endeuillé par une longue série de malheurs provoqués par les dieux, en châtiment 

de diverses offenses commises pendant la guerre. 

 

Ménélas épargna  la vie d’Hélène et  la  ramena avec  lui à Sparte. Au  retour,  il ne put  franchir  le cap Malée et gagna 

l’Égypte,  où  il  vécu  huit  ans.  Il  ne  parvint  à  rentrer  à  Sparte  qu’après  avoir  apaisé  la  colère  des  dieux  à  l’aide  de 

nombreux sacrifices.  

 

Ulysse  emmena Hécube.  Il mit  dix  ans  à  rentrer  chez  lui  où  l’attendait  déjà  depuis  dix  autres  années  son  épouse 

Pénélope.  

 

Pyrrhus,  fils d’Achille,  tua  le  roi Priam et prit Andromaque22  comme prisonnière.  Son  voyage de  retour  fut 

ardu, mais il parvint néanmoins à rentrer en son royaume d’Épire. 

 

Agamemnon fit de Cassandre sa prisonnière, puis sa concubine. À son arrivée à Mycènes, la reine Clytemnestre, aidée 

de son amant Égiste, l’assassina dans son bain et décapita Cassandre. Oreste, vengea son père et tua sa mère.  

 

Hermione,  avait  été  fiancée  à  son  cousin Oreste  quand  sa mère Hélène  fut  enlevée  par  Pâris, mais  le  conflit 

terminé, Ménélas la promit à Pyrrhus. 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

                                                            22 Dans les récits d’Homère, Pyrrhus tue également Astyanax, fils d’Hector et d’Andromaque. Dans sa pièce ANDROMAQUE, Jean Racine fait survivre le jeune fils qui devient captif comme sa mère. 

 

 

35  35 

16 –LA GUERRE DE TROIE ‐ HISTORICITÉ  

 

Selon la légende, les Grecs ont assiégé Troie durant dix ans et ont fini par être vainqueurs grâce à l’ingéniosité d’Ulysse 

et l’arbitrage favorable des dieux. 

 

Nous connaissons la guerre de Troie à travers les longs poèmes épiques d’Homère23, L’ILIADE et L’ODYSSÉE, mais aussi 

grâce à  l’ÉNÉIDE24 de Virgile. Les auteurs antiques situent  la guerre de Troie entre 1334 et 1135 av.  J.‐C. Elle aurait 

opposé  les anciennes populations grecques de  la  région de Mycènes,  les Achéens, aux Éoliens,  installés sur  la Côte‐

Nord occidentale d’Asie Mineure, dans la région de Troie (c.‐à‐d., sur le littoral de l’actuelle Turquie).  

 

Ératosthène,  astronome,  géographe,  philosophe  et mathématicien  grec  du  IIIe siècle  av. J.‐C.,  fixe  la  date  la  plus 

fréquemment acceptée, soit 1184 av. J.‐C. Deux niveaux de  fouilles  indiquant une destruction correspondent à cette 

période.  

 

Les Grecs  tenaient pour  fait historique  la  légende  selon  laquelle vers 1100 av.  J.‐C., avait eu  lieu une  invasion de  la 

Grèce par les Doriens, un nouveau peuple venant du Nord. Il n'y a cependant ni preuve archéologique de l'identité du 

peuple qui détruisit la culture mycénienne, ni signes tangibles de l'influence d'un nouveau peuple.  

 

On a aussi soutenu qu'il n'y eut, en réalité, aucune invasion dorienne, mais que différents groupes de Grecs habitaient 

en  Grèce  depuis  le  commencement  de  la  culture  mycénienne  et  que  les  destructions  furent  dues  à  des  raids 

épisodiques ou aux insurrections locales d'une population opprimée. Cependant, les fortes ruptures introduites par ces 

destructions, aussi bien que les légendes elles‐mêmes, plaident en faveur de l'historicité de l'invasion dorienne. 

 

Le nouvel intérêt pour la culture classique qui se manifesta au milieu du XVIIIe siècle a stimulé l’étude des vestiges de 

l’Antiquité.  Dans  ce  contexte,  et mus  par  le  goût  romantique  pour  le  passé,  quelques  voyageurs  entreprirent  la 

recherche des ruines de Troie.  

 

En  1776,  l’aristocrate  français  Choiseul‐Gouffier  suggéra  que  les  ruines  de  Troie  pouvaient  être  enterrées  sous  un 

monticule proche de  la ville  turque de Bunarbashi, située à dix kilomètres de  la mer Égée et à  treize kilomètres du 

détroit  de  Dardanelles.  Cette  théorie  fut  popularisée  plus  tard  par  son  collaborateur  Jean  Baptiste  Lechevalier  et 

trouva crédit parmi les hellénistes du XIXe siècle. 

 

Mais en 1801, les Anglais Edward Daniel Clarke et John Martin Cripps avancèrent une nouvelle hypothèse. Selon eux, la 

cité  légendaire devait  se  trouver  sous une autre colline plus proche de  la côte, que  les Turcs appelaient Hissarlik25. 

Environ vingt ans après, l’Écossais Charles Maclaren, éditeur de périodiques publia une étude dans laquelle il reliait la 

Troie  homérique,  aussi  appelée  Ilion,  à  l’Ilium  romain. Mais  en  1863,  il  affirma  également  que  celle‐ci  devait  être 

enfouie à Hissarlik, à quatre kilomètres et demi des Dardanelles et à six kilomètres de la côte de la mer Égée.  

 

Au fil des ans, plusieurs autres explorateurs ont fouillé les sites en fonction des écrits. On pense à Lord Byron, le poète 

le  plus  remarquable  du  romantisme  qui,  en  1810,  réalisa  l’expérience  de  lire  l’ILIADE  sur  les  lieux  mêmes  des 

événements. On pense aussi à Thomas Burgon qui publia en 1847 un rapport sur des fragments de céramiques trouvés 

dans  la  zone. Grâce à  ses  recherches, des universitaires  se montrèrent moins  sceptiques, et  c’est ainsi que Charles 

Newton,  qui  deviendra  directeur  du  British Muséum,  comparant  les  découvertes  de  Burgon  avec  les  céramiques 

trouvées  en  Égypte,  arriva  à  la  conclusion  surprenante  qu’elles  dataient  du  XIVe siècle  av.  J.‐C.  Dès  lors,  Charles 

Newton, intéressé par les recherches sur Troie, alla jusqu’à acheter une partie de la colline à Hissarlik. 

 

En 1865, le Britannique Franck Calvert put enfin vérifier la théorie qu’il avait soutenue pendant plusieurs années, selon 

laquelle Hissarlik était une élévation artificielle, formée principalement par  les décombres et  les ruines enterrés qu’il 

avait en partie localisés au cours de quatre petites fouilles. On a revendiqué récemment, dans les revues spécialisées, 

l’importante contribution de Calvert dans  la découverte archéologique de Troie. Mais  les circonstances feront que  le 

mérite final en reviendra à une autre personnalité non moins notoire, Heinrich Schliemann26 

                                                            23 Poète grec de la fin du IX

e siècle avant J.‐C. 

 24 Ce poème de Virgile, composé au I

er siècle av. J.‐C, n’appartient pas à la mythologie grecque malgré sa relation avec le cycle épique, mais à la romaine. 

 25Hissarlik ou Hisarlik (en turc Hisarlık, « lieu de la forteresse ») est un toponyme de l'actuelle province de Çanakkale en Turquie. Il correspond à un site de fouilles archéologiques aujourd'hui reconnu 

sous le nom de site archéologique de Troie par l'UNESCO, qui l'a inscrit sur la liste du patrimoine mondial en 1998. Situé dans l'ancienne Troade, à égales distances de la mer Égée et des Dardanelles, le site est en effet communément identifié à la Troie homérique depuis le XIX

e siècle, bien que de nombreuses incertitudes demeurent.  

 26 Heinrich Schliemann (1822 ‐ 1890) est un archéologue allemand, découvreur de Troie et de Mycènes.  

 

 

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 L’archéologue Heinrich Schliemann                                           Le trésor de Priam                                                                           Sophie Schliemann portant les bijoux anciens

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

À cette époque, les spécialistes hésitent toujours à placer Troie entre deux sites : Hissarlik et Burnabashi. Homère était 

la bible de l’archéologue allemand Heinrich Schliemann qui pensait que toutes les allusions topographiques contenues 

dans  l’ILIADE et  l’ODYSSÉE devaient être prises pour argent comptant. Schliemann visita donc  le site de Burnabashi, 

mais  ses  recherches  ne  furent  pas  concluantes.  Par  la  suite,  il  contacta  Franck  Calvert  dont  les  indications  le 

convainquirent totalement que la ville était enfouie à Hissarlik.  

 

L’enthousiasme de Schliemann, qui le conduisit à investir dans cette aventure une partie de son immense fortune, ne 

put cependant contrebalancer son amateurisme de base comme archéologue, ni réparer certaines erreurs commises 

lors de ses fouilles. Malgré tout, la chance récompensa sa volonté et ses efforts puisque la citadelle qu’il découvrit en 

1871, connue aujourd’hui sous l’appellation de « Troie II », est l’une des plus intéressantes du gisement. L’archéologue 

allemand y aurait trouvé un site constitué de neuf étages d’habitations,  le plus ancien datant du  IVe millénaire avant 

notre ère. L’un des « niveaux » de  la ville présente des  traces d’incendie, ce qui pourrait évoquer  la  fin du siège de 

Troie. On y a découvert des objets en céramique caractéristiques des peuples thraces, ainsi que des jarres emplies de 

provisions, ce qui a amené certains chercheurs à penser que la population se préparait à tenir un siège. 

 

En 1873, Schliemann  fit  sa découverte  la plus  spectaculaire, ce qu’il pensa être  le « trésor de Priam », constitué de 

nombreux  objets  d’or,  d’argent  et  de  bronze;  quelques‐uns  d’une  qualité  artistique  indéniable.  Il  prit  une 

photographie, devenue célèbre, de Sophie Schliemann, son épouse, parée de tous ces bijoux. 

 

 

 

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Les archéologues vont continuer à s’intéresser au site d’Hissarlik : l’Américain Carl Blegen, de 1935 à 1938, le Britannique 

John Manuel Cook, de 1970 à 1973, l’Allemand Manfred Korfmann, de 1988 à 2005, et encore en 2006, l’Allemand Ernst 

Pernicka. Les différentes campagnes de fouilles ont mis au jour les restes superposés de neuf villes, étiquetées de la plus 

ancienne (Troie I, entre 3000 et 2500 avant J.‐C.) à la plus récente, d’époque romaine. Aucune ne correspond vraiment à 

la  cité  de  Priam, même  si  les  traces  d’un  incendie  dévastateur  ont  pu  être  relevées  sur  les  ruines  de  Troie VIIa27, 

découverte par Carl Blegen, dont les dates pourraient coïncider (entre 1300 et 1260 av. J.‐C). Toutefois, la taille en semble 

bien médiocre (mais  la tradition orale a pu exagérer  l’importance de  la cité). En revanche, Troie VI, datée entre 1800 et 

1300  av.  J.‐C.,  laisse  imaginer une  grande  ville  avec des  fortifications  impressionnantes.  L’Allemand Wilhem Dörpfeld, 

ancien assistant de Schliemann, y croyait, bien qu’il  fût établi qu’elle n’avait pas été détruite par un siège, mais par un 

tremblement de terre, vers 1275 av. J.‐C.  

 

Aujourd’hui, les archéologues pensent que la guerre de Troie a réellement eu lieu, mais pour des raisons économiques, 

et qu’Homère a transformé cette guerre plutôt banale en épopée.  

   

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

                                                            27 Le niveau VIIa semble porter les marques de destruction humaine. Sa datation repose sur l’étude de la céramique que l’on y a retrouvée. Or celle‐ci peut être estimée à la fin du XIII

e siècle av. J.‐C., 

voire au début du XIIe siècle av. J.‐C.  

 

 

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17 ‐ LE TRAITEMENT DU MYTHE D’ANDROMAQUE          DANS LA LITTÉRATURE ANTIQUE  Le sujet du mythe d’Andromaque a été repris par de nombreux auteurs, dès l'Antiquité. Voici les principales sources 

dont s'est inspiré Racine. 

HOMÈRE (IXe siècle av. J.‐C.) 

ILIADE (chants VI et XXII) 

Dans le chant VI de l'ILIADE (v. 393‐502), le poète grec nous présente la scène des adieux d'Andromaque et d'Hector. 

C'est là que Racine a sans doute puisé une partie de son inspiration. Hector y évoque la mort des siens, la nécessité 

de lutter contre Achille et l'obligation, pour son épouse, d'élever son fils en digne héritier du guerrier émérite qu'est 

son père. Andromaque, elle,  se  lamente de  le voir partir. Elle  craint  la mort prochaine de  son époux, Hector, et 

pressent la victoire d'Achille qui a triomphé auparavant de ses sept frères. Le chant XXII (v. 459‐515) nous montre la 

femme  éplorée  qui,  lorsque  Priam  ramène  le  corps  de  son mari,  pleure  son  époux  défunt  tout  en  devinant  les 

malheurs qui vont accabler Astyanax, leur fils. 

Racine réutilise donc ces traits pour peindre une mère inquiète et éplorée (I, 4, 373‐377; III, 6, 925‐946 ; III, 8,1014‐

1036) et mettre  en  évidence  ce qui,  au XVIIe  siècle, paraît  essentiel,  la dimension  affective  et psychologique du 

personnage. 

 

EURIPIDE (Ve siècle av. J.‐C.) 

ANDROMAQUE 

Le dramaturge grec a écrit une ANDROMAQUE dont  l'intrigue ne  fait  jamais apparaître  sur  scène Pyrrhus,  le  fils 

d'Achille. Mais il oppose Andromaque, veuve d'Hector devenue concubine de Pyrrhus et mère d'un fils, à Hermione, 

femme  légitime, mais stérile et abandonnée. Hermione, déçue et blessée, ainsi que Ménélas, venu à Buthrot pour 

aider sa  fille, veulent se débarrasser d'Andromaque. Celle‐ci, effrayée, appelle à son aide Pélée,  le grand‐père de 

Pyrrhus, qui accepte de protéger Andromaque et son  fils. Ménélas repart pour Troie, et Pyrrhus est assassiné par 

Oreste et ses amis dans le temple d'Apollon où il tente de se réconcilier avec le dieu. Hermione meurt à son tour, et 

Andromaque est sauvée par l'intervention de Thétis venue demander à Pélée d'enterrer Pyrrhus puis de la rejoindre 

parmi les immortels en laissant Andromaque épouser Hélénos, roi de Molossie. 

Si  l'histoire  contée par  Euripide  est  très différente, Racine  a  cependant pu  lui  emprunter  le  récit de  la mort de 

Pyrrhus, entouré par les conjurés puis assassiné au pied de l'autel (Euripide, v. 1085‐1161; Racine, v.1495‐1520). 

 

LES TROYENNES 

Euripide a également écrit LES TROYENNES. Dans cette pièce, il raconte les suites immédiates de la guerre de Troie. 

Au  pied  des murs  de  la  ville  détruite,  alors  qu'Athéna  et  Poséidon  décident  de  faire mourir  tous  les  soldats 

achéens28,  les Grecs se partagent  le butin et tirent au sort  les Troyennes faites prisonnières2. Andromaque revient 

ainsi à Pyrrhus, Cassandre à Agamemnon, Polyxène à Achille. Alors qu'Astyanax est précipité du haut des remparts 

de  la ville, «  lancé comme un disque du haut des  tours », Polyxène est exécutée sur  la  tombe d'Achille. Ménélas 

repart  avec  Hélène  qu'il  veut  tuer  pour  se  venger,  Agamemnon  épouse  Cassandre,  et  Andromaque  doit  suivre 

Pyrrhus. Puis les murs de Troie s'effondrent. 

Dans  les vers 634 à 683 des TROYENNES, Andromaque rappelle à  la fois son attachement à Hector et son horreur 

d'être  «  esclave  dans  la maison  des meurtriers  des  [s]  iens  ».  Elle  offre  également  aux  spectateurs  une  plainte 

déchirante lorsqu'elle apprend que l'on va précipiter son fils du haut des remparts (v. 740‐777). Cependant, la veuve 

d'Hector  laisse  le  tombeau  de  son mari  derrière  elle,  au  pied  des murs  de  la  ville.  Résignée,  elle  termine  ses 

lamentations en renonçant à la lutte :  

« Les dieux veulent notre perte et je ne puis empêcher la mort de mon fils. »  

Racine  a  pu  s'inspirer  de  ces  passages  lorsqu'il  a  prêté  à  son  Andromaque  des  expressions  d'attachement 

indéfectible à son époux défunt ainsi qu'un amour maternel affirmé. 

                                                            28 Achéens : Grecs 

 

 

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IPHIGENIE EN TAURIDE 

Dans  IPHIGENIE  EN  TAURIDE  enfin,  le  dramaturge  grec  reprend  d’autres  éléments  de  la mythologie.  Iphigénie, 

devenue prêtresse d'Artémis, doit mettre à mort tous les étrangers. Reconnaissant son frère (Oreste) parmi les deux 

visiteurs  qu'elle  doit  sacrifier,  elle  les  épargne  et  s'enfuit  avec  eux.  Cette  pièce  fait  également  apparaître  le 

compagnon d'Oreste, Pylade, présenté comme un ami sincère et véritable, disant par exemple à Oreste :  

« Si tu meurs, l'existence est pour moi un opprobre » (v. 674‐675). 

Racine  conserve donc  cette  relation  forte entre  les deux hommes puisque, dès  la première  scène,  les deux amis 

réaffirment  sans  ambages  leur  proximité.  De  plus,  lors  du  dénouement,  c'est  Pylade  qui  soustrait  Oreste  à  la 

poursuite des vengeurs de Pyrrhus.  

 

ORESTE 

Enfin,  c'est  à  la  pièce  consacrée  au  fils  d'Agamemnon,  ORESTE,  que  Racine  emprunte  l'épisode  de  la  folie  du 

personnage. 

 

 

VIRGILE (vers 70 ‐ vers 19 av. J.‐C.)  

ÉNEIDE 

Dans le livre II de L'ÉNEIDE du poète latin Virgile, le portrait de Pyrrhus est en effet très développé. Le guerrier est 

présenté dans toute sa cruauté, « ivre de carnage »... 

 

 

SÉNÈQUE (vers 4 av. J.‐C. ‐  vers 65 apr. J.‐C.) 

TROADE  

Racine fait également allusion à la TROADE dans la première préface d'ANDROMAQUE. Dans ce texte du philosophe 

latin Sénèque, Andromaque voit son mari en rêve. Celui‐ci lui ordonne de sortir « de son sommeil », de cesser de se 

lamenter sur la chute de Troie, puisque nul ne peut plus l'empêcher, et de s'enfuir pour sauver son fils. 

 

                                 

 

 

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18 – ANDROMAQUE – LE CONTEXTE HISTORIQUE  LA MONARCHIE ABSOLUE DE DROIT DIVIN 

 Le « règne personnel » de Louis XIV 

En 1667, la France est un royaume dirigé sans réelle contestation par le roi Louis XIV (1638‐1715). Sacré à Reims en 1654, le 

jeune monarque a annoncé dès le 10 mars 1661 qu'il gouvernerait « en personne ». Depuis l'arrivée au pouvoir de Colbert29 

en 1661 et l'arrestation de Fouquet30 le 5 septembre 1661, Louis XIV règne sans partage. Le roi n'a pas oublié la Fronde31 et il 

s'entoure de bourgeois, commerçants ou juristes, à qui il confie la tâche d'administrer le royaume. Colbert, recommandé par 

Mazarin, devient ainsi secrétaire d'État à la Marine et à la Maison du roi, Le Tellier (1603‐1685) est nommé à la Guerre et son 

fils aîné, Louvois (1639‐1691), à  la suite de son père. Cette noblesse « de robe », qui a obtenu son titre sans  l'hériter par  la 

naissance et ne peut  le transmettre à ses descendants, appuie  le roi dans sa politique. Louis XIV, soutenu par sa mère, qui 

meurt en 1666, lutte alors contre les excès des grands seigneurs, et il organise un tribunal d'exception en 1665‐1666 pour les 

juger. Douze mille plaintes sont alors déposées, mille trois cent soixante nobles sont jugés et vingt‐trois seront condamnés à 

mort. 

Pour assurer  la prospérité économique, Louis XIV crée  la Compagnie des  Indes en mai 1664 et, désireux de  faire valoir ses 

droits sur les Pays‐Bas et la Franche‐Comté, se lance dans la guerre de Dévolution32 en 1667. Cette même année, date de la 

création d'ANDROMAQUE, il met en place la lieutenance générale de police, établit le Code Louis. Depuis 1665, Colbert fait en 

outre construire une flotte de guerre en prévision d'un conflit contre l'Espagne33. 

Pyrrhus : un contre‐modèle monarchique 

Pyrrhus, un tyran capricieux 

Le spectateur d'ANDROMAQUE trouve de nombreux points communs entre cette époque de règne personnel et le contenu de 

la pièce. Pyrrhus exerce aussi un pouvoir absolu. Souverain légitime, il n'a pas de véritable conseiller, son confident n'a pas de 

poids sur ses décisions et le jeune guerrier, cruel et sans retenue, est habitué à n'obéir qu'à ses désirs et à son « bon plaisir ». 

Lorsque Phoenix tente de lui rappeler les risques d'un changement d'alliance, la colère d'Hermione et celle des Grecs parais‐

sent sans  importance au  jeune roi.  Il  l'interrompt brutalement, ne  lui répond pas et résume toute sa politique et ses soucis 

dans une formule lapidaire et révélatrice :  

« Andromaque m'attend » (IV, 6, 1392). 

Tout  est  dit  :  seuls  ses  désirs  le  gouvernent.  Devenu  sourd  et  aveugle  à  tout,  il  ne  se  soucie  plus  que  de  satisfaire  ses 

aspirations, de  sacrifier  tout à  son plaisir  immédiat. Le défi  lancé par  le  jeune homme, qui couronne Andromaque  lors du 

mariage, qui jure de défendre son fils, qui s'oppose ainsi ouvertement aux engagements et aux alliances antérieurs, est celui 

d'un monarque qui ignore les risques, oublie le poids de son entourage. Il n'hésite pas à braver tous les obstacles : il couronne 

la mère, « voue à [son] fils une amitié de père », reconnaît pour ennemis tous ceux qui le poursuivent, et « le reconnaî[t] pour 

le roi des Troyens» (V, 3, 15071512). Il n'a disposé sa garde qu'autour d'Astyanax, inconscient même de dépasser les limites 

acceptables par ses sujets et ses alliés... C'est alors qu'il se heurte à une réaction brutale, violente :  

les Grecs « n'ont répondu que par un cri de rage », « Chacun se disputait la gloire de l'abattre » (v. 1514, 1517). 

Louis, un roi exemplaire 

Le public du temps peut voir  là une évocation de  la Fronde. Mais, alors que Louis XIV, soucieux des affaires du royaume, a 

triomphé de l'opposition, Pyrrhus, aveuglé, oubliant les intérêts de son peuple, méprisant l'ambassadeur ami, meurt, victime 

de  cette démesure...  Il n'est évidemment pas question pour Racine de dévaloriser  le  jeune  Louis XIV, et  le parallèle  avec 

Pyrrhus ne peut être total. Le roi de France ne peut être complètement identifié au héros grec. Il est, en revanche, valorisé par 

sa différence, par sa capacité à triompher de ses propres passions, par son aptitude à se plier aux exigences de sa tâche. On 

sait par exemple que  le roi de France n'épousera pas celle qu'il aime, mais celle qu'il doit choisir pour  le bien du royaume : 

Mademoiselle de La Vallière, fille d'honneur d'Henriette d'Angleterre, devint favorite de Louis XIV mais le roi dut renoncer à 

son amour pour se conformer aux obligations de sa charge. 

                                                            29 Jean‐Baptiste Colbert (1619‐1683) 

 30 Nicolas Fouquet (1615‐1680) : surintendant des finances, ayant acquis une fortune importante, s'entourant d'écrivains célèbres comme La Fontaine, Mme de Sévigné, Molière ou d'artistes comme 

Poussin et Le Brun. Il donna une fête somptueuse dans son château de Vaux (aujourd'hui Vaux‐le‐Vicomte), dont Louis XIV prit ombrage; il fut arrêté à Nantes et incarcéré au fort de Pignerol, où il mourut dans des circonstances mal élucidées.  31 La Fronde (1648‐1653) : mouvement de remise en cause de la monarchie, du pouvoir de Mazarin et Richelieu, qui causa des troubles en France et menaça même la vie du roi, durant la minorité de 

Louis XIV.  32 La guerre de Dévolution : la dot de son épouse, 500 000 écus, promise en échange de la renonciation par Louis XIV de ses prétentions au trône d'Espagne (en vertu du traité des Pyrénées) n'ayant pas été 

versée, le jeune roi réclame alors ce que cette absence lui permet de demander : le trône des Pays‐Bas et la domination de la Franche‐Comté. 

 33 La guerre franco‐espagnole se déroule de 1655 à 1659. Elle s'achève par le traité de paix des Pyrénées, signé le 7 novembre 1659, qui détermine également le mariage de Louis XIV avec l'Infante 

Marie‐Thérèse, célébré en 1660. Ses causes sont nombreuses : les princes frondeurs ont utilisé des troupes espagnoles ; lorsque la Grande‐Bretagne conquiert la Jamaïque en avril, l'Espagne lui déclare la guerre en décembre 1655: La France, alliée de l'Angleterre depuis l'accord signé par Mazarin avec Cromwell le 23 mars 1657, entre en guerre contre l'Espagne en mai 1657. L'Espagne perd le combat. 

 

 

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19 –BIBLIOGRAPHIE SÉLECTIONNÉE  La mythologie grecque, d’Anne Spicher, Éditions Ellipses, 2009 La guerre de Troie – au‐delà de la légende, Essai historique de Carlos Moreu, Éditiond Ithaque, 2008 100 personnages clés de la mythologie, de Malcom Day, Édition Sélection Reader’s Digest, 2008 Atlas de la mythologie grecque, Les héros et dieux de l’Olympe, Éditions Atale, 2007 Encyclopédie de la mythologie, Ouvrage collectif sous la direction d’Arthur Cotterell, Édition originale Parragon, 1999 Les mythes grecs, d’Ariane Eissen, Collection Sujets, Éditions Belin, 1993 

  

Références Internet http://www.histoiredumonde.net/article.php3?id_article=1161 http://enviedailleurs.forumpro.fr/histoire‐f19/schliemann‐et‐troie‐t3238.htm  http://www.clio.fr/BIBLIOTHEQUE/le_tresor_de_troie.asp  http://mythologica.fr/grec/andromaque.htm http://expositions.bnf.fr/homere/ http://www.histoiredumonde.net http://www.areopage.net/Textesg/Dicomyth.htm 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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20 ‐ÉQUIPE DE PRODUCTION  Habilleuse Joelle Céré  Équipe technique Annie Bélanger ‐ Chef électrique Jean Duchesneau – Chef son  Philippe Bélanger Jean Bergeron Marc‐André Bouchard Dominique Boudreau Marianne Brassard Olivier Chopinet Gaëlle Créau Yannick Dufour Saturnin Goyer Steve Lalonde Julie Laroche Marie‐Ève Lemire François Martel  Réalisation de la capsule vidéo + captation Ô Communications  Photographe de la production Caroline Laberge  Révision des textes Mentorat Rigden (Suzanne Schecter)  Relations de presse Rosemonde Gingras Le bureau de Francine Chaloult  

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Un merci tout spécial à  Agence 2M2 Air Transat  Astral Media  Audio Z BBDO Montréal Barbara Jacques Benoît Bessette Benoit Dagenais Bernard Lemay Caroline Gilbert Caroline Jolicoeur Caroline Laberge Caroline Therrien Chantal Langlois Claire Paquet Dominic Cabana Dominique Lacoursière Francine Chaloult François Tremblay Fugues Hélène Hekpazo Infopresse Janet Selera Jean Bilodeau Jean Vachon Jean‐Marc Eustache Johanne Cloutier Kimo Ouellette Le Devoir Luc Gibeault Annie Jubinville Marc Julien Marc‐André Rioux Marie‐Christine de Passillé Marie‐Josée Gonthier Marisa Tozzi Métromédia Plus Murielle Blondeau Nathalie Arès Nathalie Pelletier Ô Communications Olivier Caron Olivier Morin Pierre Paquet Patricia Racine Pop Media Publicité Sauvage Rémi Marcoux Robin des bois Sylvain Légaré Voir Zoom Media           

 

 

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21‐ESPACE GO  ÉQUIPE 

 

ARTISTIQUE Ginette Noiseux Directrice générale et artistique   Johannie Deschambault Chargée des projets spéciaux  

ADMINISTRATION Stéphanie Roy Directrice administrative   

Vanessa Borda  Adjointe administrative  

Erika Malot et Christian Laporte Adjoints aux directions par intérim   

PRODUCTION Line Noël Directrice de production   

Éric Locas Directeur technique   

COMMUNICATIONS Luc Chauvette Directeur des communications et du marketing   

Véronique Rapatel Adjointe aux communications   

ENTRETIEN Mario Fackini Responsable de l’entretien   

BILLETTERIE Anne Coulombe Katerine Desrochers Joanie Dubois Éric Senécal  

BAR Isadora De Burgh Galwey Alexie Miquelon  

ACCUEIL Anne Coulombe Isadora De Burgh Galwey Suzelle Desrosiers Smith Joanie Dubois Alexie Miquelon Charles Miquelon Arthur Raymond Marie‐Hélène Rinfret      

  

CONSEIL D’ADMINISTRATION  

PRÉSIDENTE Martine Turcotte * Vice‐présidente exécutive  et chef des affaires juridiques et des questions de réglementation Chef principal du service juridique BCE inc. / Bell Canada  

 VICE‐PRÉSIDENTE Me Louise L. Larivière * Avocate 

TRÉSORIER Jacques Dostie * Associé Ernst & Young s.r.l. 

SECRÉTAIRE Stéphanie Roy * Directrice administrative  ESPACE GO 

 

ADMINISTRATEURS Robert Ayotte Président des opérations, Loteries Loto‐Québec  

Sophie Cadieux Comédienne 

Pascale Chassé Vice‐présidente et directrice générale Fusion, Marketing d'alliances (division du Groupe Cossette) 

Mireille Deyglun Comédienne  

Jean‐Marc Eustache Président du conseil,  Président et chef de la direction  Transat A.T. inc. 

Claude Laflamme Vice‐présidente, Affaires corporatives et réglementaires Astral Media Radio Inc. et Astral Media Affichage, S.E.C. 

Marie‐Josée Lamothe Vice‐présidente, Chef du marketing et des communications L’Oréal Canada  Albert Millaire Comédien 

Ginette Noiseux * Directrice générale et artistique  ESPACE GO  

Danièle Panneton * Comédienne  

Membres du Comité exécutif * 

 

 

 

 

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22‐REMERCIEMENTS  

  

 

 

 

 

 

 

 

 

ESPACE GO remercie chaleureusement ses partenaires :  

 

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Partenaire de saison 

 

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Loto‐Québec 

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Grand donateur 

 

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Transcontinental 

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Le Monde de Cossette 

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Conseil des arts et des lettres du Québec 

Conseil des Arts du Canada 

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23‐CONTACTS  

Ce dossier a été réalisé en décembre 2010 par l’équipe du Théâtre ESPACE GO. Nous remercions toutes les personnes qui ont accepté d’y collaborer.    Responsable des groupes scolaires Véronique Rapatel 514 845‐5455, P. 216 vrapatel@espacego.com    Théâtre ESPACE GO 4890, boul. Saint‐Laurent Montréal (Québec) H2T 1R5 514‐845‐5455   Billetterie : 514 845‐4890  espacego.com