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Représentations du temps et de l’espace dans l’art du XXe et XXIe siècle.

L'art occidental a été, de la Renaissance jusqu'au milieu du 19e siècle, sous-tendu par la logique de la perspective et une tentative de reproduire l'illusion de la réalité visible.La découverte et l'accès grandissant aux arts et cultures extérieurs à l'Europe ont insufflé d'autres modèles de description et permis une expérience visuelle de l'artiste libérée des contraintes de la représentation. À la fin du 19e

siècle, de nombreux artistes ont ainsi estimé nécessaire de créer une nouvelle forme d'art assimilant les changements technologiques, scientifiques et philosophiques de leur temps. Les sources dont les artistes tirent leur arguments théoriques sont diverses et reflètent les préoccupations sociales et intellectuelles dans tous les domaines de la culture occidentale de cette l'époque.

S’affranchissant de la relation au modèle extérieur, la représentation picturale de l’espace est bouleversée par l’expérience cubiste.Le cubisme, développé par Pablo Picasso et Georges Braque, et influencé en partie par la sculpture africaine,révolutionne la peinture occidentale en rejetant le système illusionniste établi à la Renaissance. Les artistes fragmentent les images. Ils rendent compte des sujets sous différents angles. La réduction géométrique du sujet et du fond donne un rythme saccadé.Ainsi, avec le cubisme s’ouvre d’autres voies dans l’étude de la perception et de l’exploration du réel.

Pablo Picasso, 'Les Demoiselles d'Avignon', 1907

Georges Braque, Femme a la guitare, 1913

La peinture occidentale passera ensuite une nouvelle étape directement liée à celle-ci : Les peintres abandonneront l’art figuratif (ils ne représenteront plus ni objet, ni personnes, seulement leur vision) : c’est le commencement de l’art abstrait.

Dans ses écrits, Wassily Kandinsky annonce clairement avoir abandonné les apparences extérieures dans l'espoir de pouvoir communiquer plus directement les sentiments au spectateur. Kandinsky considérait que les couleurs et les formes pouvaient communiquer des vérités spirituelles, cachées derrière les apparences quotidiennes et qui sont difficilesà décrire par les mots. Il voyait même une similitude entre la musique et la peinture, en 1912 il écrivit: « La couleur estle clavier. L'œil est le marteau. L'âme est le piano, avec ses nombreuses cordes. L'artiste est la main qui fait résolumentvibrer l'âme au moyen de telle ou telle touche. »

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Au début des années 1920, Paul Klee, lui même musicien, tente pour sa part la transposition élaborée d’un genre musical en peinture: la fugue. ‘Fugue en rouge’ de 1921, est une œuvre ou coïncide les deux composantes de la composition musicale et picturale : le temps et l’espace. Composantes où s’insère tout mouvement, tout rythme.

Paul Klee écrit à ce sujet dans son texte ‘Théorie de l’art moderne’ de 1924 : « Ce qui était déjà accompli pour la musique avant la fin du XVIIIe siècle vient enfin de commencer dans le domaine plastique. Mathématiques et physique en fournissent la clé sous forme de règles à observer ou dont s’écarter. »

« La fugue est l’une des formes les plus accomplies de la musique occidentale ; on la retrouve notamment chez Bach, où elle est à son apogée, chez Mozart, Beethoven, Mendelssohn, et déjà, à partir de la seconde moitié du XVIIe siècle, chez de nombreux autres compositeurs. Caractérisée par une écriture horizontale. Nous retrouvons la même particularité dans « Fugue en rouge », où les quatre principaux éléments thématiques (sujet / réponse ; contre-sujet / contre- réponse) se développent et se répondent.Jean-Louis Ferrier, Paul Klee, éd. Terrail.

Wassily Kandinsky, Ligne transversale, 1923 Paul Klee, Fugue en rouge, 1921

En Russie, à la même époque, Kasimir Malevitch peignait des arrangements de formes abstraites qui semblent suspendues dans l'espace. Malevitch, comme Kandinsky, considérait les couleurs comme des sentiments et les peignait flottant à travers des surfaces blanches qui, pour lui, représentaient le « vide ».Ses carrés et ses rectangles étaient de nouveaux symboles, en rupture avec les outils picturaux du passé. Mais ces symboles étaient emblématiques d'une nouvelle réalité spirituelle.

Kazimir Malevitch Composition suprématiste, 1915.

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František Kupka (1871-1957), pionnier de l’abstraction en peinture, a rapidement saisi l’impact de cette nouvelle conception de la vision sur la finalité de l’art, jusqu’alors perçue comme une imitation de la nature. Les « sensations » du peintre s’inscrivent maintenant en priorité dans sa vision. Kupka s’intéresse à l’aspect psychophysique des couleurs : « il nous semble donc plus opportun de considérer et d’interroger les sensations de lumière, de caractère et de valeur différentes, en tant qu’elles suscitent en nous des états d’âme ». On va parler de « l’œil solaire ».

Frantisek Kupka, “Prisme”, 1947

Dans la deuxième moitié du 20e siècle, des artistes choisissent une autre manière de mesurer l’œuvre au lieu. L’œuvre se présente dans le même espace que celui du spectateur, convié à une expérience non plusseulement visuelle mais de tous les sens, impliquant la présence du spectateur et mettant à l’épreuve les catégories spatio-temporelles de la perception.

Sol Lewitt,Wall Drawings,1968-2007

UVA, Volume, novembre 2006. Musée V&A, Londres, Angleterre.Volume est une sculpture interactive de lumière et de son placée au centre du jardin du musée et qui répond spectaculairement au mouvement humain, en créant une série d'expériences audio-visuelles.

United Visual Artists (UVA)Formé par Matt Clark, Chris Bird et Cendre Nehru en 2002. Avec l’utilisation de logiciels, de techniques de projections, et d’éclairages traditionnels, le groupe créedes environnements audio-visuels interactifs.

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À partir de la fin des années 60, des pratiques artistiques comme le Land art ou les œuvres in situpoussent l’art à quitter l’atelier et à se mesurer à d’autres espaces. L’environnement devient une composante à part entière de l’œuvre, conçue en fonction d’un lieu particulier avec lequel elle entre en relation. Daniel Buren qui interroge l’espace public et urbain, avec des bandes de couleur, est un exemple de l’art in situ. Richard Long, Robert Smithson, Walter de Maria, Christo, qui effectuent de vastes opérations sur le paysage, souvent éphémères, sont les principaux représentants du Land Art. D'autres artistes, comme par exemple Richard Serra, consacrent aussi une partie de leur travail à la confrontation de la sculpture au paysage et à l'articulation de l'œuvre au lieu.

Robert Smithson, Spiral Jetty, Christo and Jeanne-Claude, Running Fence, Sonoma andRozel Point, Great Salt Lake, Utah.USA Marin Counties, California, USA 1972-76April 1970

Daniel Buren, Les Deux Plateaux1985-1986, travail in situ Cour d'honneur du Palais-Royal, Paris, France Richard Serra, Installation ‘The matter of time’: Snake, Musée Guggenheim de Bilbao, Espagne, 2005