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P H I L H A R M O N I E D E PA R I SSAISON 2015-2016

MAELSTRÖM 9 OCTOBRECrumb, Couturier/Crosse/Hanna, Hentschläger/Campion, Pintscher, Vigroux/Schmitt

GRAND SOIR 10 OCTOBRE Stockhausen, Murail, Jodlowski, Nono, Kolgen/Glass, Norman, de Mey, Mills/Perconte

LE ENCANTADAS 21 OCTOBREOlga Neuwirth

UNSUK CHIN 27 NOVEMBREUnsuk Chin, Donghoon Shin, Sun-Young Pong

GRAND SOIR APERGHIS 4 DÉCEMBREBoulez, Tejera, Aperghis, Edler-Copes, Lachenmann, Berio

NO MORE MASTERPIECES 14 JANVIERRihm

GRUPPEN 30 JANVIERHarvey, Zimmermann, Stockhausen

TOKYO 1966 31 JANVIERStockhausen

TRAÎTRES MOTS 9 FÉVRIERLara, Mâche, Beckett/Fedele

TIMBRES EN FUSION 19 FÉVRIERSchnittke, Šenk, Taïra, Saunders, Blank

LE MIRACLE DE LA ROSE 23 MARSTrojahn, Pintscher, Henze

GRAND SOIR 9 AVRILManoury, Schönberg, J. S. Bach, Žuraj, Varèse, Zimmermann

VENTS NOUVEAUX 16 AVRILLigeti, Žuraj, Maderna, Holliger, Ferneyhough, Birtwistle

SCÈNE POUR UN ROI FOU 27 MAIJarrell, Hudry, Rihm, Davies

D’UN COMMUN ACCORD 31 MAIAVEC LES SOLISTES DES ARTS FLORISSANTSJarrell, Huber, Ohana, C.P.E. Bach, Graun, Vivaldi

TEMPS RÉEL 10 JUINCattaneo, Ferneyhough, Furrer, Maresz

ENTREZ DANS LA DANSE 11 JUINBerio, Xenakis, Bartók

ENSEMBLE INTERCONTEMPORAIN

MERCREDI 23 MARS 2016 – 20H30SALLE DES CONCERTS

Le Miracle de la rose

Manfred TrojahnNocturne – Minotauromachie(création mondiale, commande de l’Ensemble intercontemporain)

Matthias Pintschermar’eh(création mondiale de la version pour ensemble, commande de l’Ensemble intercontemporain)

ENTRACTE

Hans Werner HenzeLe Miracle de la Rose

Hae-Sun Kang, violonJérôme Comte, clarinetteEnsemble intercontemporainMatthias Pintscher, direction

Coproduction Ensemble intercontemporain, Philharmonie de Paris.

Ce concert est enregistré par France Musique.

FIN DU CONCERT VERS 22H30.

AVANT LE CONCERT

Clés d’écoute, « Matthias Pintscher face à ses maîtres », à 19h45 dans la Rue musicale.

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Manfred Trojahn (1949)Nocturne – Minotauromachie, pour ensemble

Composition : 2015-2016.

Création : le 23 mars 2016, Philharmonie de Paris, par l’Ensemble intercontemporain sous la

direction de Matthias Pintscher.

Dédicace : Stèle pour Pierre Boulez.

Effectif : flûte/flûte piccolo/flûte basse, flûte/flûte piccolo/flûte alto, hautbois, hautbois/cor 

anglais,  clarinette,  clarinette  basse,  clarinette  contrebasse,  basson,  basson/contrebasson, 

2  cors,  2  trompettes,  2  trombones,  tuba,  3  percussions,  piano/célesta,  harpe,  3  violons, 

2 altos, 2 violoncelles, contrebasse.

Éditeur : Bärenreiter.

Durée : environ 25 minutes.

J’ai toujours été fasciné par la manière dont Pablo Picasso s’est emparé du thème des taureaux sous toutes ses formes. Le lien des mythes et de la sphère des taureaux à l’univers féminin – qui de toute façon me fascine – a également pour moi un attrait particulier. Ainsi la Minotauromachie (gravure de Picasso) représente-t-elle à mes yeux, depuis de nombreuses années, un aspect spécifique de mon rapport à l’art latin, méditerranéen.Lorsque j’ai choisi d’intituler la partition commandée par l’Ensemble intercontemporain Minotauromachie, je ne savais pas que j’allais déclencher une véritable crise dans mon travail. Je ne savais pas non plus que Picasso avait donné naissance à cette gravure à un moment où il traversait une crise à la fois dans son art et sur le plan personnel. C’est seulement après de longs mois pénibles et stériles que j’ai trouvé la solution de mon problème – par hasard. J’étais parti pour visiter la maison de Romain Rolland à Vézelay et me suis retrouvé dans la maison Zervos où est exposé un exemplaire de la Minotauromachie, que j’ai pu observer longuement et dans le plus grand calme.Puis j’ai voulu acheter une copie en format original de cette gravure, en vain. Apparemment seuls des originaux au format original sont à vendre. Un catalogue de la galerie Gagosian est venu à mon secours, grâce auquel j’ai pu voir pour la première fois l’ensemble des huit états de la gravure dans un format certes réduit, mais de qualité parfaite. C’est à ce moment-là que mon blocage a disparu et que j’ai eu ma pièce clairement devant les yeux. Elle se compose à l’heure actuelle de quatre états, les trois derniers développant et variant la musique du premier selon divers procédés. Bien sûr, il ne s’agit pas là d’une illustration ou d’une réplique de la gravure de Picasso, mais d’un

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processus explicitement musical de variation et de développement, peut-être comparable à la « prolifération » que l’on trouve chez Pierre Boulez.Mes travaux s’organisent souvent de manière cyclique dans des ensembles à grande échelle qui naissent sur de longues périodes, par exemple le cycle Quitter, inachevé, sur des textes de René Char, ou les sept pièces de une campagne noire de soleil (1980-1993). Il y aura aussi une suite pour Nocturne – Minotauromachie, quatre états supplémentaires, et j’ai l’intention de travailler sur la couleur dans le dernier état. J’avais voulu, avec cette œuvre, rendre hommage à Pierre Boulez pour son quatre-vingt-onzième anniversaire mais j’ai malheureusement appris durant la composition que ce serait une « Stèle pour Pierre Boulez ».

Manfred Trojahn(Traduit par Daniel Fesquet)

Matthias Pintscher (1971)

mar’eh, pour violon et ensemble

Composition  :  2010/2011  (version originale pour  violon et orchestre)  ;  2015  (version pour 

violon et ensemble).

Création : le 23 mars 2016, Philharmonie de Paris, par Hae-Sun Kang, violon, et l’Ensemble

intercontemporain sous la direction de Matthias Pintscher.

Effectif  :  violon  solo,  flûte/flûte  piccolo,  flûte/flûte  alto, hautbois,  hautbois/cor  anglais, 

clarinette,  clarinette/clarinette basse,  basson, basson/contrebasson,  2  cors,  2  trompettes, 

2 trombones, tuba, 3 percussions, piano, harpe, 3 violons, 2 altos, 2 violoncelles, contrebasse.

Éditeur : Bärenreiter.

Durée : environ 22 minutes.

« Mar’eh signifie visage, signe. Le mot hébreu peut également évoquer l’aura d’un visage, une vision extraordinaire, quelque chose de merveilleux qui apparaît soudain devant vous. » C’est ce titre qu’a donné Matthias Pintscher au concerto pour violon qui a été créé au Festival de Lucerne avec le London Philharmonic Orchestra sous la direction de Vladimir Jurowski. « Je suis tombé sur ce mot en pensant aux lignes délicates qu’elle [Julia Fischer] pouvait dérouler avec son instrument, à son jeu à la fois très intense et léger. » Ce « quelque chose de merveilleux qui apparaît », évoqué par le compositeur, est une métaphore de l’aura sonore qui entoure le concerto du début à la fin, une matérialisation 

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constante de nouvelles sonorités venues de nulle part, avec le violon comme personnage principal. « J’ai essayé de construire la pièce à la manière d’une chanson, pour que le violon dessine sa ligne – ou sa vision – tout du long, dans les registres les plus variés, souvent assez aigus, là où seules les harmoniques peuvent prendre le relais. Je voulais ce mouvement ininterrompu d’une ligne. En cherchant à développer le son selon des dessins horizontaux, j’avais en tête de le diriger constamment en fonction d’une perspective. »L’idée  de  fils  qui  se  déroulent  se  rattache  à  une  autre  dimension  de l’œuvre. Matthias Pintscher place en tête de la partition une citation de Luigi Nono : « presence - memorie - colori - respire ». Et quoique tout à fait contemporain, mar’eh parle aussi de mémoire : dans son apparition, c’est le passé qui résonne et respire avec lui. L’orchestre s’intègre à cette sonorité transparente et reprend le geste avec lequel le violon construit sa propre Klangfarbenmelodie [mélodie de timbres]. « J’ai placé trois flûtes en dehors, selon les techniques d’interprétation prismatique mises en place dans mon concerto pour flûte Transir. Tout du long, elles commentent la partie de violon et lui répondent dans le style d’une composition de chambre. Ce dialogue se diffuse ensuite dans la sonorité spectrale et éclatée de l’orchestre. La texture est toujours légère, jamais compacte ni violente, elle reste transparente comme une réponse en perspective aux lignes délicates que le violon dessine dans l’espace sonore. »D’une durée d’environ 22 minutes, le concerto est en un seul mouvement, avec des moments de concentration et des sommets : il donne au terme Klangfarbenmelodie d’Arnold Schönberg le sens d’un continuum sonore. « Mon souhait était de permettre à cette foule de petites particules de se rassembler pour donner l’illusion d’une grande masse légère et transparente qui dominerait du début à  la fin. Le son a sa direction, non pas mélodique, mais dans un sens de continuité, il ne s’interrompt jamais. J’ai construit ma composition autour de cette idée de direction du son dans l’espace et dans le temps. » Dans la lignée de la technique de violon minutieusement détaillée par Matthias Pintscher dans son cycle Study for Treatise on the Veil, mar’eh expose un versant caché de la virtuosité. « La pièce est aiguë, rapide, en filigrane, mais il ne s’agit pas de virtuosité extravertie ou exaltée, plutôt d’introspection, ce que l’on pourrait peut-être appeler une “virtuosité concentrique”. »[Texte écrit à propos de la version pour violon et orchestre de cette œuvre]

Marie Luise Maintz(Traduit par Delphine Malik)

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Hans Werner Henze (1926-2012)Le Miracle de la Rose (Imaginary Theatre II). Musique pour un clarinettiste et treize musiciens

Composition : 1981.

Création : le 26 mai 1982, Londres, par Antony Pay, clarinette, et le London Sinfonietta sous

la direction de Hans Werner Henze.

Effectif  :  clarinette/petite clarinette, clarinette basse solo, flûte/flûte piccolo, hautbois/cor 

anglais/hautbois  d’amour,  heckelphone,  basson,  cor, trompette, trombone, percussion,

célesta/piano, 2 violons, alto, violoncelle, contrebasse.

Éditeur : Schott.

Durée : environ 40 minutes.

I. Entrée

II. Plainte

III. Rigaudon

IV. Promenade

V. Loure

VI. Chansons provençales

Le verbe devient musique – et la musique devient langue !

Sous-titré « théâtre imaginaire II », Le Miracle de la Rose de Hans Werner Henze fait suite à un premier « théâtre imaginaire », composé en 1979, d’après le poème Oda al Rey de Harlem de Federico García Lorca. Le compositeur s’inspire cette fois de Jean Genet, séduit sans doute par son élégance verbale, où le classicisme de la langue se heurte à la crudité des situations. Dans Miracle de la rose, roman d’inspiration autobiographique censuré à sa sortie en 1946, Genet transfigure son expérience carcérale en même temps que ses premières amours, placées sous le signe de la violence et de la captivité.Si les deux œuvres se rapprochent par leurs sujets (des marginaux, tout à la fois victimes et coupables), elles se distinguent par un détail crucial : alors que le premier texte était « mis en musique » dans le sens habituel du terme (c’est-à-dire chanté), le second transpose tout le contenu poétique au monde instrumental. Plus encore, prenant le contrepied de ce qu’on appelle les « musiques à programme », qui retracent une action en convoquant ses atmosphères et les courbes de son intrigue, Hans Werner Henze analyse le

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texte et cherche à en exprimer la substance par le biais du discours musical, créant  des  structures  musicales  équivalentes  et  suivant  le  flot  du  verbe originel.Ce n’est d’ailleurs pas la première fois qu’il emploie ce procédé ; il l’a déjà fait en 1953 avec son Ode to the West Wind pour violoncelle et orchestre d’après Shelley, et la poétique sera ainsi souvent pour lui un outil puissant de dramaturgie au sein d’œuvres purement musicales. Au reste, le terme «  théâtre » est  choisi  à dessein, puisque  le  compositeur  confie à certains instruments de l’ensemble le rôle de quelques protagonistes : le juge s’exprime au son de la trompette, le prêtre est représenté par le cor, le trombone prend  la place de  l’avocat,  le poète  lui-même est  identifié à  la clarinette basse, tandis que le heckelphone s’impose en bourreau. Quant au condamné à mort à la beauté sublime, qui évoque l’« assassin si beau qu’il fait pâlir le jour » du fameux poème de 1942, c’est la clarinette solo qui l’incarne, alternant rêveries éveillées et brillante insolence, jusqu’aux accents stridents de l’exécution.Si le théâtre imaginaire du Miracle de la Rose emprunte au concerto pour clarinette sa virtuosité, Hans Werner Henze tourne pour la forme ses regards vers le baroque et ses suites de danses – sans doute un moyen, là encore, de rendre justice au raffinement et à la richesse du verbe de Jean Genet.

Jérémie Szpirglas

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Manfred TrojahnManfred Trojahn a étudié la musique orchestrale à l’École Supérieure de Musique de Basse-Saxe à Brunswick, puis la composition avec Diether de la Motte à Hambourg. Lauréat de nombreuses bourses et résident à la Villa Massimo de Rome (1979), il remporte le Prix pour jeunes compositeurs de Stuttgart (1972), le Premier Prix de la Tribune internationale des compositeurs de l’Unesco à Paris (1978), le Prix Sprengel pour la musique (1980) et le Deutscher Musikautorenpreis (2009) décerné par la GEMA. Professeur de composition au Conservatoire Supérieur de Musique Robert Schumann à Düsseldorf, il est aussi membre de l’Académie des Beaux-Arts de Bavière de Munich, de l’Académie libre des Arts de Hambourg, de l’Académie des Arts de Berlin et de l’Académie des Sciences et des Arts de la Rhénanie-du-Nord-Westphalie. Manfred Trojahn compose des œuvres pour chœur et orchestre (dont cinq symphonies à ce jour), ainsi que pour ensembles de musique de chambre. Celles-ci sont jouées par des orchestres de premier plan, avec des solistes renommés et sous la direction de grands chefs. Depuis le début des années 1990, le répertoire lyrique occupe une part importante dans son travail : ses opéras Enrico (Festival de Schwetzingen, 1991), Was ihr wollt (Munich, 1998) et Limonen aus Sizilien (Cologne, 2003) font l’objet de nombreuses productions en Allemagne et en Autriche. Son œuvre composée à partir de récitatifs tirés de

La Clémence de Titus (Mozart) est créée à Amsterdam en 2002, et La Grande Magia, opéra d’après l’œuvre d’Eduardo di Filippo, est donné pour la première fois à Dresde en 2008. En 2011, son opéra Orest voit le jour à Amsterdam. Depuis 2012, Manfred Trojahn a travaillé avec MusikFabrik et l’Ensemble Modern sur deux projets autour de poèmes de René Char et de Pier Paolo Pasolini, présentés à Rome, Vienne, Francfort et Amsterdam. En 2014, son œuvre est mise à l’honneur au Festival d’Aix-en-Provence lors de plusieurs concerts.

Matthias PintscherComposition et direction d’orchestre : dans l’esprit de Matthias Pintscher, ces deux domaines d’activité sont totalement complémentaires. « Ma réflexion de chef d’orchestre est enrichie par mon propre processus d’écriture, et vice versa », déclare-t-il. Créateur pour des orchestres de premier plan, sa sensibilité de compositeur lui apporte une compréhension de la partition « de l’intérieur » qu’il partage avec les musiciens. Il entretient ainsi d’étroites collaborations avec de grands interprètes et des chefs de renommée internationale. Artiste associé du BBC Scottish Symphony Orchestra depuis la saison 2010-2011, il est aussi artiste en résidence de l’Orchestre de la Radio danoise depuis mai 2014. Il dirige aujourd’hui régulièrement en Europe, aux États-Unis, en Australie de grandes formations internationales. Engagé dans la diffusion

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du répertoire contemporain, Matthias Pintscher devient directeur musical de l’Ensemble intercontemporain en septembre 2013. Il collabore aussi avec de nombreux ensembles tels que l’Ensemble Modern, le Klangforum Wien, l’Ensemble Contrechamps, l’Ensemble Avanti (Helsinki), le Remix Ensemble (Porto) et le Scharoun Ensemble du Philharmonique de Berlin. Il est également directeur artistique de l’Académie du festival de Printemps de Heidelberg, dédiée aux jeunes compositeurs. Sa passion pour la pédagogie trouve un nouveau développement à la Juilliard School de New York où il est nommé professeur de composition en septembre 2014. En 2012, il est sélectionné par la Commission Roche pour sa création Chute d’Étoiles, dont la première a lieu au Festival de Lucerne en août de cette même année, avec l’Orchestre de Cleveland sous la direction de Franz Welser-Möst. L’œuvre est ensuite reprise au Severance Hall de Cleveland et au Carnegie Hall de New York en novembre 2012. Matthias Pintscher suit une formation musicale dès son plus jeune âge (piano, violon, percussion). À 15 ans, il dirige l’Orchestre Symphonique des Jeunes de la ville de Marl en Allemagne. Il commence à composer quelques années plus tard, parallèlement à sa formation en direction d’orchestre, notamment auprès de Péter Eötvös en 1994 à Vienne. Depuis, il partage ses activités entre la composition et la direction d’orchestre. Ses créations se distinguent par la délicatesse de

leur  univers  sonore,  le  raffinement de leur construction et leur précision d’expression. Elles sont interprétées par des grands orchestres philharmoniques et symphoniques (parmi lesquels ceux de Berlin, New York, Cleveland, Chicago, Londres et Paris) et des ensembles spécialisés. Matthias Pintscher est l’auteur de deux opéras (dont L’Espace dernier, créé à l’Opéra National de Paris-Bastille en 2004), de nombreuses œuvres orchestrales, de concertos (dont mar’eh, concerto pour violon créé en 2011 par Julia Fischer et l’Orchestre Philharmonique de Londres, le cycle en trois parties Sonic Eclipse, Bereshit créé en 2013, idyl créé en octobre 2014 par l’Orchestre de Cleveland dirigé par Franz Welser-Möst), et d’œuvres de musique de chambre (dont Uriel pour violoncelle et piano créé en 2013). Matthias Pintscher a enregistré plus de vingt disques pour de nombreux labels. Ses œuvres sont publiées aux éditions Bärenreiter. Durant la saison 2015-2016, Matthias Pintscher retrouve notamment l’Orchestre Philharmonique de Berlin, l’Orchestre de la Radio de Francfort, les orchestres symphoniques de la NDR et de la WDR, l’Orchestre Philharmonique d’Helsinki, l’Orchestre Symphonique de l’Utah, le Scharoun Ensemble. Il dirigera pour la première fois l’Orchestre de la Suisse Romande, l’Orchestre Symphonique de Toronto, l’Orchestre de Chambre de Los Angeles. En février 2016, il crée son nouveau concerto pour violoncelle interprété par Alisa Weilerstein et l’Orchestre National

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du Danemark. La saison est également marquée par la tournée de l’Ensemble intercontemporain aux États-Unis en novembre 2015. Matthias Pintscher réside aujourd’hui à New York après avoir vécu à Paris, deux villes, deux cultures qu’il a choisies pour leur caractère complémentaire.

Hans Werner HenzeHans Werner Henze reçoit ses premières leçons de piano à l’âge de 5 ans et s’essaye à la composition dès 1938. Membre des Jeunesses hitlériennes, il est mobilisé en 1945, puis est fait prisonnier. Il travaille ensuite comme pianiste dans un casino et comme répétiteur au théâtre de Bielefeld, avant d’étudier la composition avec Wolfgang Fortner à l’Institut de musique religieuse à Heidelberg (1946). Il assiste aux cours de Darmstadt (1946-1952) et s’initie brièvement à la technique sérielle avec René Leibowitz. Après deux premiers emplois aux théâtres de Constance et de Wiesbaden, une vie sentimentale marquée par  les  difficultés à vivre son homosexualité (tentative de suicide en 1950), un contrat avec l’éditeur Schott et une première distinction (Prix Robert-Schumann, 1951), puis la rencontre de la poétesse Ingeborg Bachmann,  il  s’installe  définitivement en Italie en 1953. Ses premiers opéras (Boulevard Solitude) et ballets (Undine, chorégraphie de Frederick Ashton) s’installent rapidement dans le répertoire. Il reçoit le Grosser Kunstpreis de Berlin (1959) et devient membre de l’Akademie

der Künste de Berlin-Ouest  (1960  ;  il  en sortira en 1968), et chef invité permanent de la Philharmonie de Berlin dans les années 1960 (cycle des cinq premières symphonies en 1964, enregistrées ensuite par le label DGG). Une première série d’essais (1964) inaugure la publication de nombreux écrits, souvent sous forme d’un journal retraçant la genèse d’une œuvre ; Hans Werner Henze est par ailleurs un diariste assidu, dont les journaux sont conservés à la Fondation Paul-Sacher. Dans les années 1960, il s’engage pour la cause des étudiants, pour le SPD de Willy Brandt, et sera membre des partis communistes allemand et italien. Après deux séjours à Cuba (1969-1970), il crée sa Sixième Symphonie à La Havane, mais devient persona non grata après s’être solidarisé avec des artistes opposants au régime castriste. Il entame une psychanalyse en 1973 et revient au genre de l’opéra avec Les Bassarides en 1974. À partir de la fin des années 1970, il est l’un des compositeurs contemporains les plus joués, particulièrement en Allemagne et en Angleterre. Il est professeur à la Hochschule de Cologne (1980-1996), compositeur invité à Tanglewood (1983 et 1988), et fonde en 1976 le Cantiere Internazionale d’Arte Montepulciano, puis la Biennale de Munich en 1988. Compositeur en résidence à la Philharmonie de Berlin (1991), il reçoit entre autres le Prix Ernst-von-Siemens (1991) et le Praemium Imperiale de Tokyo (2001). Nombre de ses œuvres sont créées ou reprises à Londres, Paris,

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Berlin, ou au Festival de Lucerne et à celui de Salzbourg. Très affaibli, éprouvant des  difficultés  à  parler  à  partir  de  2005, Hans Werner Henze achève pourtant encore deux nouveaux opéras, dont Gisela, créé à la Ruhrtriennale en 2010. En 2008 est créé à Leipzig son Elogium Musicum (amatissimi amici nunc remoti), en souvenir de son compagnon Fausto Moroni, mort l’année précédente. Hans Werner Henze meurt le 27 octobre 2012 à Dresde.

Hae-Sun KangNée en Corée du Sud, Hae-Sun Kang étudie le violon dès l’âge de 3 ans. À 15 ans elle entre au Conservatoire de Paris (CNSMDP) dans la classe de Christian Ferras. Elle remporte plusieurs prix internationaux (Rodolfo Lipizer en Italie, Carl Flesch à Londres, Yehudi Menuhin à Paris, ARD à Munich) et rejoint l’Ensemble intercontemporain en 1994. Hae-Sun Kang a créé de nombreuses œuvres de référence pour le violon comme Anthèmes 2 pour violon et électronique de Pierre Boulez (Donaueschingen, 1997), qu’elle enregistre chez Deutsche Grammophon et joue régulièrement en Europe et aux États-Unis. Elle est invitée à se produire en soliste dans des salles prestigieuses (Carnegie Hall et Lincoln Center de New York, Southbank Center de Londres, Concertgebouw d’Amsterdam, Musikverein de Vienne, Philharmonie de Paris), ainsi que dans différents festivals : Salzbourg, Wien Modern, Lucerne,

Musica Nova (Helsinki), Musica Viva, Music of Today, Musica, etc. Hae-Sun Kang interprète les concertos de Pascal Dusapin (Quad, 1997), Ivan Fedele (1999), Philippe Manoury (Synapse, 2010), qui lui sont toutes dédiées, ou celui de Michael Jarrell (…prisme / incidences…, 1998, enregistré plus tard chez Aeon). Professeur référent du DAI (diplôme d’artiste interprète) pour le répertoire contemporain au CNSMDP, elle consacre régulièrement ses récitals aux œuvres dont elle est dédicataire de la part de Philippe Hurel, Benjamin Attahir, Daj Fujikura et Bruno Mantovani (toutes les quatre commandées par et créées au Festival Messiaen), Martino Traversa (Festival Traiettorie), Lara Morciano (Ircam), Marco Stroppa (Printemps des Arts de Monaco), Georges Aperghis (Opernfestspiele de Munich), Beat Furrer (Festival Ultraschall de Berlin), Unsuk Chin (Ircam, Radio France), Philippe Schoeller (Radio France), Philippe Manoury (commande des Festivals Messiaen et Lucerne/ Françoise et Jean-Philippe Billarant).

Jérôme ComteAprès ses études auprès de Thomas Friedli, Pascal Moragues, Michel Arrignon et Maurice Bourgue, Jérôme Comte obtient successivement le Prix de virtuosité du Conservatoire de Genève et le Prix à l’unanimité du Conservatoire de Paris (CNSMDP). Lauréat de la fondation Meyer pour le développement culturel et artistique, de la Fondation

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d’entreprise Groupe Banque Populaire, il est filleul 2003 de l’Académie Charles-Cros. Jérôme Comte est lauréat de plusieurs concours internationaux. Il se produit dans des formations de musique de chambre ou au sein d’ensembles ou de grands orchestres tels que l’Orchestre de l’Opéra de Paris, l’Orchestre de Paris, l’Orchestre National de France, le London Symphony Orchestra et l’Ensemble intercontemporain, dont il devient membre en 2005 à l’âge de 25 ans. Jérôme Comte est invité par de nombreux festivals en France comme à l’étranger. Au cours de la saison 2008-2009, il a en particulier été le soliste, sous la direction de Pierre Boulez, du Concerto pour clarinette d’Elliott Carter et, en 2009-2010, de Dialogue de l’ombre double.

Ensemble intercontemporainCréé par Pierre Boulez en 1976 avec l’appui de Michel Guy (alors secrétaire d’État à la Culture) et la collaboration de Nicholas Snowman, l’Ensemble intercontemporain réunit 31 solistes partageant une même passion pour la musique du XXe siècle à aujourd’hui. Constitués en groupe permanent, ils participent aux missions de diffusion, de transmission  et  de  création  fixées  dans les statuts de l’Ensemble. Placés sous la direction musicale du compositeur et chef d’orchestre Matthias Pintscher, ils collaborent, au côté des compositeurs, à l’exploration des techniques instrumentales ainsi qu’à des projets associant musique, danse, théâtre,

cinéma, vidéo et arts plastiques. Chaque année, l’Ensemble commande et joue de nouvelles œuvres, qui viennent enrichir son répertoire. En collaboration avec l’Institut de Recherche et Coordination  Acoustique/Musique (Ircam), l’Ensemble intercontemporain participe à des projets incluant des nouvelles technologies de production sonore. Les spectacles musicaux pour le jeune public, les activités de formation des jeunes instrumentistes, chefs d’orchestre et compositeurs ainsi que les nombreuses actions de sensibilisation des publics traduisent un engagement profond et internationalement reconnu au service de la transmission et de l’éducation musicale. Depuis 2004, les solistes de l’Ensemble participent en tant que tuteurs à la Lucerne Festival Academy, session annuelle de formation de plusieurs semaines pour des jeunes instrumentistes, chefs d’orchestre et compositeurs du monde entier. En résidence à la Philharmonie de Paris depuis son ouverture en janvier 2015 (après avoir été résident de la Cité de la musique de 1995 à décembre 2014), l’Ensemble se produit et enregistre en France et à l’étranger où il est invité par de grands festivals internationaux.

Financé par le ministère de la Culture et de la Communication, l’Ensemble intercontemporain reçoit également le soutien de la ville de Paris.

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FlûtesSophie CherrierEmmanuelle Ophèle

HautboisDidier PateauPhilippe Grauvogel

ClarinetteAlain Damiens

Clarinette basseAlain Billard

BassonPaul Riveaux

CorsJens McManamaJean-Christophe Vervoitte

TrompetteClément Saunier

TrombonesJérôme NaulaisBenny Sluchin

PercussionsGilles DurotSamuel FavreVictor Hanna

PianoSébastien Vichard

HarpeFrédérique Cambreling

ViolonsJeanne-Marie ConquerDiégo Tosi

AltosOdile AuboinJohn Stulz

VioloncellesÉric-Maria CouturierPierre Strauch

ContrebasseNicolas Crosse

Musiciens supplémentaires

ClarinetteFrank Scalisi

BassonCyril Esposito

TrompetteLucas Lipari-Mayer

TubaMaxime Morel

ViolonEun Joo Lee

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— LES MÉCÈNES DE L’ACQUISITION DE

« SAINTE CÉCILE JOUANT DU VIOLON »

DE W. P. CRABETH —Aéroports de Paris

Angeris, Batyom, Groupe Balas, Groupe Imestia

— LE CERCLE DES GRANDS DONATEURS —Anne-Charlotte Amory, Patricia Barbizet, Éric Coutts, Jean Bouquot,

Dominique Desailly et Nicole Lamson, Xavier Marin, Xavier Moreno et Marie-Joséphine de Bodinat-Moreno, Jay Nirsimloo,

Raoul Salomon, Philippe Stroobant, François-Xavier Villemin

— LA FONDATION PHILHARMONIE DE PARIS —

— LES AMIS DE LA PHILHARMONIE DE PARIS —

LA CITÉ DE LA MUSIQUE - PHILHARMONIE DE PARIS REMERCIE

— SON GRAND MÉCÈNE —

— LES MÉCÈNES ET PARTENAIRES DE LA PROGRAMMATION

ET DES ACTIVITÉS ÉDUCATIVES —

V :V

LOGO AIRFRANCE Partenaire OfficielNº dossier : 2009065EDate : 12/03/09alidation DA/DC alidation Client

P296C

P032C

Champagne Deutz, Fondation PSA Peugeot Citroën, Fondation KMPGFarrow & Ball, Demory, Agence nationale pour la Cohésion Sociale et l’Égalité des chances

Philippe Stroobant, les Amis de la Philharmonie de Paris, Cabinet Otto et AssociésLes 1053 donateurs de la campagne « Donnons pour Démos »

Remerciements donateurs_JAN 2016.indd 1 09/03/2016 12:04