HISTOIRE D' UN PROJET

ESAG PENNINGHEN L’ÉCOLE SUPÉRIEURE DE DESIGN D’ART GRAPHIQUE ET D’ARCHITECTURE INTÉRIEURE

UN PROJET D’ARCHITECTURE INTÉRIEURE

EN QUATRIÈME ANNÉE À

L’ESAG PENNINGHEN

L’architecte d’intérieur ressemble à un chef d’orchestre qui doit à la fois connaître la partition de chaque musicien, mais en être l’âme pour créer une véritable harmonie.

J e a n - L o u i s B E R T H E T

The interior architect is like an orchestra conductor who must know the score of every musician, but who is also the very soul of the musical event, creating its harmony, its entirety.

P R É FA C E A L A I N R O U LO T

Teaching good students is always a pleasure, and when the graduating class is attentive and dynamic, when they work together with spirit and enthusiasm, teaching becomes…a privilege.

The professors and directors of the School continually seek to develop the aptitudes of their students, encouraging them to strive for excellence, to reach beyond limits. Such are the joys of our profession.With this team of about twenty highly motivated students, Jean-Louis BERTHET set up an innovative experiment: five weeks on an original project for an original site, the UNIK Gallery, in collaboration with three renowned artists from the prestigious “SAD“ group: Philippe GAREL, Christian RENONCIAT, and Marc ALESSANDRI.

Five weeks of intense exchange and research to share: For the professors, these moments meant the gratification of seeing the talents of future professionals develop and grow.Today, all these young graduates are practising their profession with passion. Inspired and supervised by Jean-Louis BERTHET, they have now completed “their” book.Many thanks to this “unique” graduating class for the group project presented here.

Alain ROULOTDirector Esag Penninghen

C’est toujours un plaisir d’enseigner à de bons élèves et, quand la promotion est attentive, active, unie et joyeuse, cela devient … un privilège.

Les chargés de cours et la direction de l’Ecole cherchent en permanence à développer les aptitudes des étudiants : faire en sorte qu’ils se dépassent est l’agrément de l’enseignement.Avec cette équipe, Jean-Louis BERTHET a mis en place une expérience innovante : la possibilité de partager ces cinq semaines au cours desquelles Philippe GAREL, Christian RENONCIAT et Marc ALESSANDRI - trois artistes d’une « bande mythique » (celle de la SAD) - se sont retrouvés ensemble dans un lieu original, la Galerie UNIK, avec une vingtaine d’élèves motivés.

Cinq semaines d’échanges intenses, de recherches, et pour les enseignants, la joie de voir se révéler et s’épanouir les talents de futurs professionnels.Aujourd’hui, tous ces jeunes gens pratiquent leur métier avec passion et ils ont réalisé, sous l’impulsion et la direction de Jean-Louis BERTHET, « leur » livre. Merci à cette « belle » promotion pour ce travail collectif qu’ils nous donnent maintenant à voir.

Alain ROULOTDirecteur Esag Penninghen

P R É FA C E A L A I N R O U LO T

This publication lets you experience one of the seven or eight projects in Interior Architecture and Design, given each year to students in their fourth year at ESAG/Penninghen. It is, therefore, focussed not on the “Degree”, but on a short-term project developed in five weeks (from the initial assignment to the final Jury presentation).The subject to be described here involved an exceptional human adventure for the students, both sections being grouped together for the five weeks.

The fourth year is of particular import and interest. One year before the Degree, students perfect and apply the specific knowledge and techniques they have acquired during their course studies in architecture, interior design, drawing, perspective, technology, scale model, computer graphics, English…

In order to prepare for the profession of “Interior Architect/Designer”, students must develop comprehensive skills, using all the means at their disposal to carry through projects from concept to completion. Such exercise obviously involves both creativity and technique.

The diversity of the given subjects—offices, hotels, administrative bodies, housing, public buildings and spaces—enable them to confront the complexities they will encounter in professional life. Prelude to a future career.

Jean-Louis BERTHET

I N T R O D U C T I O N

Ce petit livre vous fait vivre l’un des sept ou huit programmes d’Architecture Intérieure donné chaque année aux élèves de quatrième année de l’ESAG Penninghen. Il ne s’agit donc pas de «diplôme», mais d’un programme court, donné en cinq semaines (de la remise du sujet au jury final).Pour l’expérience que nous allons vous faire vivre, il s’agit en fait d’une véritable aventure humaine exceptionnelle. A cette occasion, les deux groupes ont été réunis pour une courte période de cinq semaines.

La quatrième année est particulièrement importante et intéressante : elle se situe un an avant le diplôme et permet de mettre en place tous les enseignements spécifiques que les élèves ont reçu au cours de leurs études : architecture, architecture intérieure, design, dessin, perspective, technologie, maquette, informatique, anglais...

Pour assurer pleinement leur futur métier «d’Architecte d’intérieur», il leur faut arriver à en faire la synthèse, à utiliser tous les moyens mis à leur disposition pour créer et pouvoir transmettre et réaliser. C’est bien sûr un exercice créatif et technique.

La diversité des sujets : bureaux, hôtellerie, administration, habitat, lieux publics, leur permet de se confronter à des problématiques qu’ils rencontreront ensuite dans leur vie professionnelle.C’est une préfiguration de leur future activité.

Jean-Louis BERTHET

A V A N T P R O P O S

PRÉFACE D’ALAIN ROULOT PHOTO D’ATELIER LE PROGRAMME

PREMIÈRE SEMAINE

VISITE ET ANALYSE DE LA GALERIE UNIK PHOTOS ET CROQUIS UNE ARRIVÉE INATTENDUE LA RENCONTRE PHILIPPE GAREL CHRISTIAN RENONCIAT MARC ALESSANDRI

DEUXIÈME SEMAINE

CONFRONTATION PREMIÈRES RECHERCHES

TROISIÈME SEMAINE - RECHERCHES CONCEPTS

QUATRIÈME SEMAINE - ESQUISSES / PLANS / MAQUETTES

CINQUIÈME SEMAINE- JURY

GÉNÉRIQUE

S O M M A I R E

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L E P R O G R A M M E

The project involves the interior design of a temporary exhibition space for three contemporary Artists. One work of each—one painting, one sculpture, one design object—will be on display. The names of the three ”guest stars” will be revealed to you later on.

The site for the exhibition is a former beer pump factory building in Paris, now converted into a furniture showroom. For this project, only the architecture will remain as before.New, complementary functions for the space may be envisioned: bookshop, café, meeting room…

The aim is to create an atmosphere of conviviality, inviting the visitor to linger, to escape from the everyday, to discover, to dream.

The programme calls for four six-hour workshop sessions, the rest of the time being devoted to outside work.

On the fifth week, you are to present the finished projects. Each student is free to choose his/her mode of expression and display. No format is imposed, which makes it all the more difficult for the students, who must imagine themselves “in the place of “ the Jury members.

The assessment will take into account the interest of the concept, the relevance to an exhibition of three artists, the quality of the design in relation to the given space, as shown through sketches, research, preliminary scale models, and the final rendering.

The difficulty lies in presenting a single, imposed work from each of these prominent figures in art and design: one painting, one sculpture, and one piece of furniture.

T H E P R O G R A M

Il ne s’agit pas de faire trois expositions de leurs œuvres mais de présenter une seule œuvre imposée de chacun et de trouver un véritable lien entre elles : la peinture d’une explosion atomique, une couverture entièrement sculptée dans du bois et en design une nouvelle table.

Le lieu de cette exposition est, en plein Paris, dans une ancienne usine de pompes à bière devenue show room de meubles.

À cette occasion, seule l’architecture du lieu restera en place.

Pour ce programme, il est possible d’imaginer des fonctions complémentaires telles que librairie, café, salle de réunion etc... Le but est de créer une véritable convivialité incitant le visiteur à rester longtemps, pour s’évader, découvrir, rêver.

Ce programme se fera en quatre séances de six heures, le reste du temps étant consacré au travail personnel.

Le «rendu» se fera la cinquième semaine, sous une forme libre. Chacun aura le choix du moyen d’expression, de la surface nécessaire à la meilleure présentation de son projet. Cette «liberté» est en fait une difficulté supplémentaire pour chaque élève, contrairement à la formule du format imposé. Cela nécessite de s’imaginer «dans la peau d’un membre du jury» et de faire un choix.

Seront pris en compte l’intérêt du concept, la pertinence d’une exposition à trois, l’adaptation et la mise en valeur du lieu, grâce aux esquisses, recherches, pré-maquettes et rendus définitifs.

La difficulté consiste à ne présenter qu’une seule oeuvre imposée de chacun de ces trois grands artistes : une peinture, une sculpture et un meuble.

L E P R O G R A M M E

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La rencontre avec Jean-Louis Berthet, Designer reconnu dans le monde entier, m’a définitivement convaincu qu’il était urgent de passer à l’acte.

D’autres Designers sont venus nous apporter leur soutien et nous ont fait confiance pour éditer leurs créations.UNIK est avant tout une affaire d’hommes qui souhaitent mobiliser leurs ressources et leurs énergies pour les mettre à votre service. Notre ambition sera de tout faire pour qu’avec vous nous puissions vivre ces émotions qui rendent la vie si belle envers et contre tout.»

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La porte d’UNIK reste ouverte en permanence à de nouveaux jeunes créateurs qui viendront compléter cette famille.Une équipe qui regroupe des talents à forte personnalité et reconnus internationalement : Pierre Paulin, Marc Alessandri, Jérome Gauthier, Denis Vasset, Jean-Louis Berthet, Gérard Sammut...

MARC CAUTERMAN - Fondateur d’«UNIK»

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40, Rue de Flandre: amid the diversity, the juxtapositions of forms, movements, and noises, among hundreds of small shops, we discover a large door in wood, typical of Haussmann entrances.

We enter another world: a long passageway lined with flowers and plants, surrounded by 19th century façades.

At the end, up a few steps: the entrance to an old factory where the first beer pumps were made. To the left, less noticeable, of course: the “delivery entrance”.

These premises were taken over by the French company, UNIK, specialized in up-market contemporary design furniture.

Marc Cauterman, President of UNIK, agrees to empty the showroom spaces temporarily, so that the students may install their exhibitions of the three works.

The 400 square-metre showroom space on the ground floor is housed in two twin buildings constructed during different periods, with a few rooms remaining from a private flat, adjacent to an industrial loft.

The basement extends lengthwise over 250 square metres.

The entire structure is connected by the original stairway at one end, and a large, modern staircase at the other.

The simplicity and strength of the interior architecture recaptures the original spirit of this old factory, creating a diversity of angles, perspectives, and reflections that link each area to another.

THE VISIT AND THE ANALYSIS

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Dans l’amoncellement, la juxtaposition et le bruit de l’avenue de Flandre, parmi des centaines de petites boutiques, se trouve au n°40, une grande porte en bois, comme celle des entrées d’immeubles Haussmanniens.

En poussant ce portail, nous entrons dans un autre univers : un passage très long, peuplé de fleurs et de plantes, cerné par des façades du siècle dernier.

Au fond, en haut de quelques marches, l’entrée de l’ancienne usine du créateur des «pompes à bières». Sur le côté gauche, forcément plus discrète, «l’entrée des fournisseurs».

Ce local a été repris par la société française d’édition de mobilier contemporain haut de gamme «UNIK».

Le Président d’UNIK, Marc Cauterman, met à la disposition des élèves ce lieu en acceptant de le vider de l’ensemble des meubles présentés, le temps d’une exposition temporaire, conçue par eux, pour y présenter trois oeuvres.

Ce show-room est constitué au rez-de-chaussée de deux bâtiments anachroniques jumelés de 400 m² avec les vestiges de quelques pièces d’un appartement bourgeois, accolés à un loft industriel.

Le sous-sol s’étend tout en longueur sur 250 m².

L’ensemble est relié par un escalier d’origine à une extrémité, et un très grand escalier contemporain de l’autre.

L’architecture intérieure simple et forte a redonné l’esprit original de cette ancienne usine en créant un maximum de vues, de perspectives, de reflets reliant chacun des espaces.

VISITE ET ANALYSE DU LIEU

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Pendant que chacun photographie ou fait des croquis du lieu assez atypique d’«UNIK», les suppositions vont bon train.

Parmi les élèves, les noms des créateurs possibles circulent comme Andy Warhol, Calder, Nicolas de Staël, César... mais aucune idée pour le designer, sans doute un italien.

Mettre ensemble peintre et sculpteur semble assez naturel, mais comment imaginer un lien avec un designer? Pour le public, il va falloir par notre architecture intérieure et notre scénographie, trouver la justification qui rendra cela intéressant, surprenant et finalement assez naturel ou complémentaire.

While each student is photographing or sketching this most atypical, “UNIK” space, an endless array of possibilities come to mind.

The names of artists, such as Andy Warhol, Calder, Nicolas de Staël, César are mentioned…but no idea for the designer--Italian, in any case.

Exhibiting a painter and a sculptor together seems quite natural, but how can we imagine the link with a designer? We must therefore create this link through interior architecture and scenography, justifying our choice as natural and complementary, in a way that would surprise and interest the public.

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Pamela RIESS

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Diane CHAMBASDiane CHAMBAS

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Conserver l’architecture existante pour venir occuper l’espace de manière plus dynamique.

Il va falloir transcender un meuble très bien dessiné, mais statique pour montrer ce que l’on ne voit pas immédiatement.

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Créer l’ombre plutôt que la lumière

Comment exploiter la magie d’une ancienne chaufferie dans un lieu mystérieux ?

Il va falloir transcender un meuble très bien dessiné, mais statique pour montrer ce que l’on ne voit pas immédiatement.

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Sans que rien ne l’annonce, un groupe d’élèves voit apparaître au bout de l’impasse fleurie, trois personnages, qui avancent de front.L’image rappelle celle des westerns de Sergio Leone, mais sans la musique...Un déclic se fait chez certains : «Et si c’était les trois créateurs?»

Suddenly, unexpectedly, three figures appear to a group of students from the other end of the flowery courtyard, as if coming out of a Sergio Leone film, but unaccompanied by the music…“What if these were… the three artists?”

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U N E A R R I V É E I N A T T E N D U E

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Tout le groupe se rassemble instinctivement dans l’entrée. Ces trois personnages souriants, viennent vers eux et se présentent : il s’agit bien de Philippe Garel, Christian Renonciat et Marc Alessandri!Jean-Louis Berthet les présente tout à tour à un auditoire assis autour d’eux, à la fois surpris, incrédule et rassuré par leur extrême gentillesse.Chacun des trois créateurs s’exprime pour expliquer à la fois qui il est, ce qu’il fait et surtout comment il le fait. C’est une découverte magique pour chaque élève, qui se voit embarqué comme dans un rêve dans le monde imaginaire créatif et personnel de chacun. C’est le début d’une rencontre absolument unique.

Everyone in the group instinctively gathers at the entrance. Smiling, all three come forward: none other but Philippe Garel, Christian Renonciat, and Marc Alessandri! Jean-Louis Berthet introduces them one by one to the audience seated around in surprise and disbelief, nevertheless feeling reassured by the graciousness of their “guests”.Each of the three creative artists speaks about who he is, what he does, and how he does it: a magic discovery for the students, as they become part of a dream, entering the personal realm of the artist’s imagination. It is the beginning of an extraordinary encounter.

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M a r c A L E S S A N D R IP h i l i p p e G A R E LC h r i s t i a n R E N O N C I A T

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Face aux élèves étonnés, attentifs et fascinés, chacun des trois artistes explique sa manière de travailler, de créer, de réaliser. Un véritable dialogue s’amorce...

In front of an attentive, admirative, astonished audience, each of the three artists presents his way of working, his creative process. The real dialogue now begins…

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P H I L I P P E G A R E L

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P H I L I P P E G A R E L

Il ne sait toujours pas s’il est peintre, sculpteur ou designer en créant son monde imaginaire.

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Painter ? Sculptor ? Designer ? Philippe Garel creates his imaginary world.

To a silent captive audience, Philippe Garel speaks of how pleased he is to be here, of this scenography project, which is for him a gift, enhancing the value of his work.His presentation opens with a recurring question: Is he a painter? A sculptor? A designer? After 30 years of work, literally “making” all the subjects he depicts (objects, furniture, landscapes…), he remains undecided. If he wants to draw an apple, he “constructs” it first.For him, making the “motif” of figures and/or objects facilitates the existence of the painter. It is an integral part of the creative process, representing a workload 10 to 20 times greater than that involving the completion of the painting to follow.Nevertheless- “the pictorial/graphic quality of the finished work does not necessarily depend on the work involved in the construction of the motif”. He admits he never knows in advance what the potential, once rendered as image, will amount to.Image-maker of fantasy, Philippe Garel constructs an artwork as if he were writing a novel. His series of paintings are inspired by imaginary narratives, fictitious journeys… He acknowledges infinite admiration for Velasquez, the artist surrounded by extraordinary models and, at his disposal, one pictorial material with a multitude of possibilities: the Vesture. He then invents Rembrandt’s “group”, with objects that could have belonged to the great master: a mirror (suggesting the many self-portraits), a lamp in chiaroscuro, a pair of shoes, some paint-brushes (journey through 17th century Holland).Today, Garel tells us, all is basic, unadorned. Our ornamentation is no longer ornamental; our finery is unrefined. Little is left for the artist to depict. Before, there was theatricality, splendid décors, embroideries, panniers, ribbons…

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Peintre, sculpteur, designer ? Philippe Garel crée son monde imaginaire

Dans une très belle qualité de silence, Philippe Garel parle du plaisir qu’il a d’être là, de cette proposition de scénographie qui est pour lui un cadeau, une valorisation de son œuvre.Sa présentation ouvre sur une question récurrente : est-il peintre, sculpteur ou designer ? Après 30 ans de travail, parce qu’il fabrique tous les sujets qu’il peint (objets, meubles, paysages…), il n’a toujours pas décidé. S’il veut dessiner une pomme, il la fabrique d’abord.Pour lui, la fabrication du « motif » personnages et/ou objets, facilite la vie du peintre. Elle fait partie de l’élaboration et représente une somme de travail 10 à 20 fois supérieure à la réalisation du tableau qui suit.Toutefois « Le meilleur rendement pictural et graphique n’est pas forcément lié à la qualité du travail de la construction du motif » nous livre-t-il. Il ne sait pas à l’avance quelle en sera la qualité, le potentiel pictural.Peintre romanesque, Philippe Garel construit un tableau à la manière d’un roman.Ses séries de tableaux s’inspirent d’histoires imaginaires, de voyages fictifs… Il voue une admiration sans bornes à Vélasquez, peintre entouré de modèles extraordinaires et disposant d’une matière picturale colossale : La vêture. Alors il invente une groupie de Rembrandt. Philippe Garel fabrique des objets qui auraient pu lui appartenir : un miroir (à cause des nombreux autoportraits), une lampe à clair-obscur, une paire de chaussures, des pinceaux… (voyage en Hollande au 17ème siècle).Aujourd’hui, nous dit-il, nos parures sont pauvres et basiques, il y a peu de matière à peindre. Auparavant théâtre, faste du décor, broderies, paniers, rubans…

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So Garel elaborates an imaginary voyage, a voyage to Africa for example: dream of an Africa with an abundance of materials. All is fiction. Beyond any ethnological constraints, the imagination has free rein. The visual narrative would take a whole year to put together.Stories, novels, fictional situations, are at the origin of his works. Born in Brittany in 1945, Philippe Garel may well bear the traces of this post-war period of want: fascination for the makeshift, the “re-used”. A popular mechanics magazine of the time lays out plans showing how to reconstruct from downgraded objects (B52, torpedoes…). The time has come to “redeploy”. An example of “redeployment”: somewhere along the coast, a beach boy builds 3 canoes out of 3 torpedoes.Garel’s passion for what can be re-made, made over, may well have inspired the title of the artist’s catalogue: “An Abundance of Scarcity”. Any object will do: a collection of Louis XV furniture in aluminium, chests of drawers, washing machines, gas cookers…And when he appropriates objects, the result may be, for example, refrigerators with automatic doors opening on to a “mini-show” under glass.P. Garel demands a great deal of the students, as if in expectation of a gift, a veritable exchange, the work of an artist.“The scenography of art is of prime importance in my work,” he states, “where picture frames abound.” The frame in itself was at the source of his decision to become an artist: “Even if I don’t remember what it contained, that picture with its gilt frame hanging on the family living-room wall sparked my desire to be a painter.” Yet the frame is considered taboo, an intruder, in contemporary art, which advocates the unadorned canvas, the painting exhibited for its own sake.“Reflection, light, accessories: the parasites of the painting are what interest me,” he declares.Garel’s latest works focus on the Atom Bomb. He proposes one of these paintings for the scenography.

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Alors il développe un imaginaire du voyage, un voyage en Afrique par exemple; une Afrique rêvée aux riches matières. Tout est dans la fiction. Au-delà de toute rigueur ethnologique, c’est la liberté de l’imaginaire. L’histoire qu’il a construite s’est poursuivie une bonne année. Petites histoires, romans, petites fictions sont à l’origine de ses œuvres. Né en 1945 en Bretagne, Philippe Garel conserve probablement de cette période d’après guerre où on manque de tout, une fascination pour les bricolages, les réutilisations.Une revue de mécanique populaire de l’époque propose des plans pour fabriquer, réutiliser des objets déclassés venant principalement des surplus militaires (B 52, torpilles…). L’heure est au ré-emploi.Un exemple de ré-emploi : dans une station balnéaire un plagiste fabrique 3 canoës à partir de trois torpilles.Sa fascination pour les bricolages, les réutilisations a peut-être donné naissance à cette passion et inspiré le titre du catalogue de l’artiste : « Un luxe de pénurie ».Tous les objets sont bons : une collection de meubles Louis XV en aluminium, des commodes, des machines à laver le linge, des gazinières… Et quand il s’en saisit, ça donne par exemple des réfrigérateurs à porte automatique qui ouvrent sur un petit spectacle avec des sous-verres.Philippe Garel attend beaucoup du travail des étudiants, un peu à la manière d’un cadeau, d’un véritable échange car c’est finalement un travail d’artiste qui leur est demandé.«La scénographie de l’art est une belle idée dans mon travail» nous dit Philippe Garel, un travail dans lequel il y a beaucoup d’encadrements.Le cadre est un élément fondateur de son désir de devenir peintre. « Alors que je ne me souviens pas du motif, la décision d’être peintre est née de ce tableau au cadre doré accroché dans le salon familial » nous raconte l’artiste.

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Of indescribable horror, and unparalled awesomeness, the Atom Bomb is a phenomenon with infinite visual potentials and strong political implications. When re-imagined, re-worked from the form of a cauliflower, the Bomb may appear as a peaceful, quiet, insignificant, decorative motif…harmless enough. This “pleasing” treatment intensifies the element of horror.

At the end of this presentation, questions arise concerning the time the artist devotes to a work, the paints and pastes he uses in the making of his motifs.

Then everyone moves down to the basement level of the gallery, where they find a projection room with authentic, comfortable cinema seats designed by Jean-Louis Berthet to be sold to select film theatres. During the break, those present can relax, exchanging first impressions on the designs they’ve seen in the gallery: desks by Jérôme Gauthier, tables by Marc Alessandri, armchairs by Pierre Paulin…while Christian Renonciat is setting up his presentation of images.

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Pourtant le cadre est politiquement incorrect dans l’art contemporain qui prône l’accrochage nu, la peinture et elle seule. Reflet, lumière, accessoires, les parasites de la peinture m’intéressent, déclare Philippe Garel.

Ses dernières œuvres ont pour objet la bombe atomique, et c’est l’un de ces tableaux que l’artiste propose à la scénographie.Horreur inqualifiable et splendeur inégalable, la bombe atomique est un phénomène qui a des possibilités plastiques variées et une implication politique forte.Imaginée, travaillée à partir d’un chou-fleur, la bombe peut être un motif décoratif paisible, tranquille, insignifiant, un motif décoratif qui ne fait pas mal. Le traitement sur le mode aimable appuie sur l’horreur.

A l’issue de cette présentation, des questions surgissent, interrogeant l’artiste sur le temps qu’il consacre à une œuvre, sur l’utilisation des peintures, des colles employées dans la fabrication de ses motifs.

Puis tout le monde migre au sous-sol de la galerie, à l’endroit où est recréé un espace de projection avec des sièges de cinéma, des vrais, modernes et confortables, dessinés par Jean-Louis Berthet et en vente pour équiper les meilleures salles.Ce temps de transition permet d’échanger ses premières impressions avec ses voisins, de se détendre, de parler des œuvres croisées dans la galerie : des bureaux de Jérôme Gauthier, des tables de Marc Alessandri, des fauteuils de Pierre Paulin .... Pendant que Christian Renonciat installe sa présentation images.

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Panoramatomiques

Elles offrent un spectacle d’anticipation dans un traitement emprunté à la Renaissance. Philippe Garel crée par ce nouvel ordonnancement le trouble qui bouleverse les valeurs et sans nos défenses rationnelles, nous entrons en dialogue avec une réalité extraite de son imaginaire. Les Panoramatomiques s’imposent dans un contexte insolite où l’Arc de Triomphe intact, sert de cheminée à une colonne de fumée. On admire ces bombes à l’esthétique parfaite qui se détachent sur des vues traitées en sfumato, ce qui leur confère la profondeur. La palette éclate avec un luxe de couleurs apportant une insolence qui rend la bombe plus attractive que destructive.

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C H R I S T I A N R E N O N C I A T

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C H R I S T I A N R E N O N C I A T

Sculpteur et amoureux du bois également philosophe de formation. Expositions personnelles et réalisations monumentales dans le monde entier

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Christian Renonciat introduces himself and his work, describing his professional itinerary in chronological order.After receiving his Baccalaureate, he studies philosophy, yet thinking all the while that philosophy is not an occupation. His real interest lies in textures and materials: working and shaping wood!Consequently, after receiving a French Licence Degree, Renonciat leaves Paris to begin training in an art/furniture restoration workshop.Unlike many in the world of the fine arts, he is convinced that freedom of expression could be achieved only under the technical constraints of craftsmanship. For seven years, he devotes his work to wood: tools and techniques, solvents, provenances, textures, colours, lines and patterns…Mastering his craft, he can then approach the realm of Art.In response to competitions and commissions, he produces monumental sculptures, which he refers to as “bric-à-brac”.In 1983, he presents his first large-scale work: The Horse. Based on the art model/mechanical dummy, the sculpture is subsequently edited in bronze for his exhibition at the FIAC in 1984. Captivated by the force of this work, Jean-Louis Dumas purchases it for Hermès. In 1987, Renonciat is commissioned by Hermès to create a sculpture for the 150th anniversary of the name brand. The artist responds with a rendering of “Pegasus”. He focuses on the anatomy of the horse, its mechanisms, as it takes on wings, revelation of Man’s age-old yearning: the fantasy of flight. This is to be followed by a representation of the myth of Icarus for the centennial of the Statue of Liberty and a sculpture of a Viking-boat horse for the city of Etrea. As a final project on the theme of the horse, Renonciat realizes a 12 metre-high figure to dominate the motorway at Saumur.Still respecting monumental scale, he changes subject for a commission linked to architecture: the design of an element dividing two floors of a building in Tokyo. He envisions an arched structure in aluminium, as for a boat, and designs a separation allowing light to filter through from one space to another.For La Rochelle, he creates a monument to sailors lost at sea.

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Christian Renonciat, pour parler de lui et de son travail, nous livre son parcours dans sa chronologie.Après le BAC, il fait des études de philosophie tout en se disant que la philosophie n’est pas un métier. Son véritable désir : se confronter à la matière, travailler le bois !Alors, après sa licence, il quitte Paris et entame une formation dans un atelier de restauration de mobilier et d’œuvres d’art.Pour lui, il n’y avait de liberté qu’à l’intérieur même de la contrainte technique, contrairement aux arts plastiques. Alors, durant 7 ans, il travaille le bois. Il fait le tour des techniques, des essences, des provenances, des touchers, des couleurs, des dessins…Fort de cette maîtrise, il sort de l’artisanat pour aborder les rivages de l’art. Ses réponses à des concours et des commandes le conduisent à réaliser des sculptures monumentales, des « bricolages » comme il dit.En 1983 il réalise son premier travail d’envergure : le cheval.Sur l’idée du mannequin d’artiste, du mannequin en bois articulé, il présente cette œuvre qui sera tirée en bronze pour son exposition à la FIAC en 1984. Cette œuvre forte séduit Jean-Louis Dumas qui l’achète pour Jean-Louis Hermès.En 1987, Hermès passe une commande auprès de Christian Renonciat pour les 150 ans de la marque. L’artiste répond par un Pégase qui condense son travail sur l’anatomie mécanique du cheval et sur les ailes, pour nous livrer ce qui depuis que l’homme est l’homme nous émeut : le rêve de vol.Viennent ensuite la représentation du mythe d’Icare à l’occasion du centenaire de la statue de la liberté, une sculpture d’un cheval bateau Viking pour la ville d’Étrée. Et pour en finir avec le cheval, il réalise pour Saumur cet animal de 12 m de haut pour le bord de l’autoroute. Tout en restant dans les grands formats, Christian Renonciat change de sujet avec une demande liée à une architecture de Tokyo pour laquelle on lui propose de réaliser une séparation entre deux étages.Il imagine cette séparation en aluminium cintré, comme pour un bateau, afin de livrer une séparation qui laisse passer la lumière. Pour La Rochelle, il s’est agi de créer un monument dédié aux marins disparus en mer.

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He also renders a sculptural tribute to Hokusai in cast concrete. In every phase of his work, Christian Renonciat frees himself from objects, yet never abandons the subject. The sculpture becomes “painting” through material. He rids himself of the model, only to make the object appear through the perception that feelings, alone, may have. In the style of trompe-l’oeil, Christian Renonciat undertakes a study in ambiguity, the confusion that representing the tangible substance of objects may provoke. The aim of such reflection is to reproduce the relations we maintain with the material essence of things as mirror of our emotional perception. He begins with the idea that there is a material of emotion, originating in the body (e.g. the “Madeleine” of Proust).In this work, Christian Renonciat creates a “library of perceptions”. He plays upon the confrontation between the paucity of the subject and the opulence of the technique, with an intensity that amazes, astounds, even amuses, the Eye. He loves to question us, titillate us, in order to awaken our emotions. The viewer feels the effects. Face to face with the sculpture, the body is mirrored. The artist takes delight in his radical choice of modernity. Not to fool, but rather to disturb. For a brief moment, the Eye no longer “knows” what it sees, and becomes sense of touch, more discerning than the Hand.Cardboard, wood, and paper are his favourite materials for rendering “objects” filled with feeling. Study on how materials “behave” as they are folded/ draped, enveloped one upon another. He explores all the ways to fold, even on working drawings. Large-format papers, creased up or smoothed out, wool blankets, reworked. At the end of his presentation, Christian Renonciat promises to take us to view one of his works on exhibit at the town house of the Crédit Foncier de France head office. We then return to the ground floor of the gallery for another look, before the presentation by the third guest, Marc Alessandri.

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Il réalise aussi un hommage à Hokusaï en béton moulé.Tout au long de sa démarche, Christian Renonciat se libère des objets, sans se départir du sujet. La sculpture devient « tableau » à travers la matière. Il se débarrasse du modèle en faisant apparaître l’objet par la perception des sensations.Sur le mode du trompe-l’œil, Christian Renonciat travaille sur l’ambiguité, le trouble que peut provoquer la représentation de la matière des choses : sa réflexion a pour objet de reproduire la relation que l’on entretient avec la matière des choses en tant que miroir de notre sensation.Il part de l’idée qu’il y a une matière de nos émotions, une matière suscitée par le corps. (ex : la madeleine de Proust)Avec ce travail, Christian Renonciat crée une sorte de bibliothèque de sensations.Il joue sur l’indigence du sujet confrontée à la richesse technique, et c’est cette mise en tension qui provoque l’étonnement, la sidération, le sourire, voir le rire. Il aime nous interpeler et nous chatouiller pour réveiller les sensations. Le spectateur se ressent lui-même. Face à la sculpture, le corps se reflète. L’artiste a fait le choix radical de la modernité pour parler du plaisir.Pas de tromperie, mais place au trouble. L’œil pendant un moment ne sait plus ce qu’il voit et redevient un sens du toucher, plus subtil que la main.Le carton, le bois et aussi le papier sont ses matières favorites pour réaliser des « objets » pleins de tendresse. Plissé /drapé, il étudie le comportement de la matière aussi lorsqu’elle en emballe une autre.Il met à l’étude toutes les façons de plier, jusqu’à l’épure. Grands papiers froissés ou défroissés, travail de la couverture de laine.Après cette présentation et la promesse de l’artiste de nous emmener voir cette œuvre exposée dans l’hôtel Particulier du siège du Crédit Foncier de France, nous retournons au rez-de-chaussée de la Galerie pour y refaire un tour, avant d’entendre la présentation du troisième invité, Marc Alessandri.

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La couverture, «Pli selon Pli»

Avec les «emballages», je me suis débarrassé de l’objet ; comment faire un sort au sujet ? Imprégné de la musique qui accompagne les jours de mon atelier (plus loin est la tête, mieux vont les mains), j’ai envisagé cette exposition comme une variation («B.A.C.H.») : on donne les notes, et avec cela on fait de la musique (la matière des choses).Ainsi seront déclinées, comme en duo (un pas de deux), une couverture de laine et une bâche de plastique. D’abord étalées, puis pliées successivement une fois, deux fois, et jusqu’à n’être plus que des paquets sur des socles, ces matières diamétralement contraires (le mou et le raide, le doux et le glacé, l’épais et le mince, l’opaque et le transparent, s’opposent, de plus en plus, au fil de leur résistance au pliage.

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A L E S S A N D R IM A R C

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A L E S S A N D R I

Architecte, designer et architecte d’intérieur, il a créé de nombreux modèles pour Airborne, Knoll, Haworth, Mobilier International, UNIK...

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Marc Alessandri is a designer, so something other than an artist.“The work of the designer is to set the delicate balance between imagination and function,” he states, as introduction. “Through the effect of contrast, he finds answers.”He then gives us a broad outline of his professional itinerary.His adolescence is marked by the discovery of contemporary artists, Picasso, Klein, Matisse, Duchamp, the theatre of Jean Vilar, Russian films, the writings of Camus and Prévert. After obtaining a Baccalaureate in Philosophy, Marc Alessandri enters the Paris Ecole des Beaux Arts, where he studies in the Architecture Department. Upon graduation, he takes up sculpture, focusing his attention on the theme of the living space (sculpture-dwellings, sundials inspired by Jaipur…). His brother, at that time in charge of publicity at Régie Renault, suggests that he take part in an ambitious project: to “standardize” the 600 points of sale throughout France (concessions and branches). To meet this considerable challenge, Marc Alessandri founds ABAQUE, a research consultancy office with a new approach. Aware of the wide range of demands and the diversity of know-how needed to meet them, he forms a partnership with another interior architect, Bertrand Verrier, and a young Swiss graphic designer/typographer, Albert Hollenstein, who will create the Renault logo. Considering “space as vector of communication”, ABAQUE in 1967 is the forerunner of what will characterize the majority of design consultancies and agencies to come: pole of reflection, research, design, and development, entirely devoted to the brand image.This venture is to continue for fifteen years, during which time the agency will create one of the first lines of “ergonomic” desk chairs for Airborne, office spaces for St. Gobain in Brussels, the Atlas Group Tour Montparnasse in Paris, Finanza-Auto in Madrid, as well as interior architecture for the hotel sector, in particular the Hôtel des Almadies in Dakar, private residences…

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Marc Alessandri est designer, donc quelque chose d’autre qu’un artiste. « Le travail du designer est d’établir un rapport subtil entre l’imaginaire et le fonctionnel » nous dit-il en préambule. « C’est par effet dialectique entre ces deux pôles qu’il imagine des solutions ».Puis il nous fait part à grands traits de son parcours professionnel.Après une adolescence éclairée par la découverte, dans les années 50, des artistes contemporains, Picasso, Klein, Matisse Duchamp, le théâtre de Jean Vilar, les films russes du muet, les écrits de Camus ou ceux de Prévert, et un BAC philosophie, Marc Alessandri suit l’enseignement de l’architecture à l’École des Beaux-Arts de Paris.La rencontre avec le sculpteur André Bloc, fondateur avec Le Corbusier de la revue l’Architecture d’Aujourd’hui lui donne l’occasion d’un premier stage et dans la foulée quelques essais dans le domaine des sculptures-habitacles et plus tard dans celui des Cadrans Solaires monumentaux inspirés des Terrasses de Jaïpur.Enfin, l’entrée effective dans la vie professionnelle se situe au moment de la création en 1967, avec son frère et l’architecte d’intérieur Bertrand Verrier, du bureau d’études L’ABAQUE pour répondre à une demande de la Régie Renault pour son réseau, quelques 600 concessions et succursales au niveau desquelles il s’agissait de développer une « identité » d’entreprise.« L’espace comme vecteur de communication » ainsi que le commandait le contrat.Étendue de la demande, différents savoir-faire mis en jeu entre publicité, promotion, graphisme, architecture, design, formation et comportement du personnel d’accueil donnent au nouveau bureau d’étude un profil d’un nouveau type, préfiguration de ce que sera par la suite la plupart des bureaux d’étude et agences de design : des lieux de réflexion, d’études et de réalisation.

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After the ABAQUE partnership dissolves, Marc Alessandri, now working on his own as an interior architect/designer, enters a competition for the design of administrative office furniture. This prizewinning project for what will be known as the “Lang Competition” will mark a decisive stage in his career. With Knoll as industrial partner to produce and market the designs throughout Europe, the “Alessandri System” will remain operational in major state ministries and public administration offices for the next fifteen years.

For the scenography, Marc Alessandri proposes a white monochromatic table. For him, it is of primary importance to set the transition from one artist to the other.

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Dans ce contexte, la collaboration avec un jeune graphiste typographe suisse, Elbert Hollenstein, aboutira à une normalisation du logo Renault, ainsi que de tous les documents administratifs de la marque.

Cette aventure durera quinze ans durant lesquels l’agence créera une des premières gammes de sièges de bureaux dits « ergonomiques » pour la société AIRBORNE, des espaces de travail pour St Gobain à Bruxelles, le Groupe Atlas, Montparnasse à Paris, Finanza-auto à Madrid, des réalisations dans le secteur de l’hôtellerie avec notamment l’Hôtel des Almadies à Dakar, des maisons individuelles, etc.Après la dissolution de l’ABAQUE, Marc Alesandri exerce en indépendant. C’est dans ces conditions qu’il répond au concours pour la création du mobilier de l’Administration lancé par le Ministère de la Culture. Son projet est lauréat et lui permettra d’avoir Knoll comme éditeur à l’échelle européenne. Le « système Alessandri » sera exploité pendant une quinzaine d’années. Marc Alessandri propose à la scénographie une table monochrome blanche, donnant lieu à une transfiguration pour glisser d’un artiste à l’autre.

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Rectangle issu du Nombre d’Or * :

« Divine proportion » selon Léonard de VINCI, « Rapport en moyenne et extrême raison » selon PLATON, le nombre d’or reste une fascination pour les adeptes de l’harmonie et de ses développements « dans la nature et dans les arts » ainsi que l’a si judicieusement analysé Matila GHIKA à notre époque. Le CORBUSIER s’y réfère encore avec son Modulor, tandis que Paul VALERY dans le « Cantique des colonnes » qualifie celles-ci de « … filles des nombres d’or fortes des lois du ciel… ».Il y a quelque chose de religieux dans la pensée de ceux qui se font devoir de rendre les choses de la vie souriantes. Et puisqu’il s’agit de donner à voir alors faisons référence à cette subtilité de l’harmonie dans le simple calcul des dimensions d’un plateau de table.

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The students leave, their minds filled with the dreams, the passions, the talent, the fervour, the kindness of each artist, but also with considerable uncertainty. How can this “UNIK” space link works having no apparent connection? Within four short weeks, how can they conceive and design an exhibition of impact, of significance, pole of attraction, inducing dream and discovery?

At this time, this seems an impossible task.

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Chacun quitte ce lieu à la fois la tête pleine de rêves des passions exprimées par chacun des trois artistes, leur gentillesse, leur talent, leur flamme et puis une grande inquiétude : comment mettre en relation l’espace «UNIK» si particulier, et les trois oeuvres qu’ils viennent de découvrir qu’aucun lien logique ne rattache ? Comment, dans quatre semaines, être capable d’imaginer, de monter une formidable exposition ayant du sens, une force d’attraction, et une découverte magique?

A ce moment- là, cela semblait impossible...

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THE CONFRONTATION

Under the glass roof of a school workshop, all the students find themselves face to face with their conceptual sketches, their research, and—the three artists.

Each expresses what he has felt and understood, as well as the difficulties involved in this project. The session lasts over five hours, during which the kindness, simplicity, understanding, and enthusiasm of these world-renowned artists break all the initial barriers.

Each question leads to more incertitude, as the students try to decipher the gleam of approval or rejection in the eye of a friendly professional. Time seems to fly by, with each question posed, with each contact made.

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L A C O N F R O N T A T I O N

Sous la verrière d’un atelier de l’école se sont retrouvés face à face tous les élèves avec leurs premières esquisses, recherches et les trois créateurs.

Chacun exprime ce qu’il a ressenti, compris et la très grande difficulté à répondre à ce programme. Pendant plus de cinq heures, une fois le barrage de la distanciation oublié avec ces talents reconnus partout, la gentillesse, la simplicité, la sympathie et l’enthousiasme de ces créateurs ont rompu définitivement la glace.

Chacun reconnaît, avec de nouvelles questions, de nouvelles incertitudes, lire dans leur regard une lueur d’approbation ou de refus. Ces heures paraissent courtes car chacun se trouve à la fois seul devant la question posée et face à des professionnels amis.

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Everyone returns to the school for a second, six-hour session: students, professors, and the three guest artists.

Atmosphere of silence, reserve: “How can I begin, how can I show initial conceptual sketches that might be contrary to what is expected of me?”

Respect for these three renowned figures soon gives way to curiosity, with countless questions, first of all general.

The students timidly present their initial concepts, fearing to have taken the wrong direction regarding the works themselves, the utilization of the given “UNIK” space, and the element (or lack of one) linking the works. Little by little, thanks to the attentiveness, the personal approach, of each artist, confidence is restored. Students begin to feel freer; the project seems more accessible.

Out come the sketches, with a real concern for creativity.

Christian RENONCIAT, Philippe GAREL, and Marc ALESSANDRI meet with each student individually. A real dialogue is established; a wave of enthusiasm now takes over.

Even if the first contacts were somewhat difficult, everything seems to fall into place, as if the relations have been the same for a long time.

The six hours go by far too quickly and as usual new questions and ideas come up at the last minute.

At the end of the session, we decide to “cut the umbilical cord”, the protective presence of the three artists, which seemed so reassuring, so congenial.

From now on, each student will be on his own, take his own risks, make strong choices, for better or for worse. Each must therefore develop his own project, without the support of a team.

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Tout le monde se retrouve à l’école pour une deuxième séance de six heures : élèves, enseignants et les trois artistes.

Une sorte de réserve silencieuse envahit l’atelier: «Comment commencer, comment montrer des premières esquisses et recherches de concept qui sont peut-être à l’opposé de ce que l’on attend de moi...»

La notoriété et le respect pour ces trois personnages ont vite fait place à une réelle curiosité et à d’innombrables questions. Tout d’abord elles sont d’ordre général, s’adressant à l’un ou à l’autre.

Des débuts de concept sont timidement présentés par des élèves, qui ont peur de se tromper sur le sens à donner à chacune des oeuvres, à l’occupation du volume UNIK, à un lien (ou au contraire sans logique entre les trois). La confiance s’installant, l’écoute et la personnalité des trois faisant, tout devient plus facile et plus libéré.

Des esquisses de propositions sortent des cartons, avec un réel souci de création.

Christian RENONCIAT, Philippe GAREL et Marc ALESSANDRI vont chacun à la rencontre individuelle des élèves : un véritable dialogue s’instaure, un réel enthousiasme naît.

Si les débuts ont été un peu difficiles, tout fonctionne maintenant comme si cette relation existait depuis longtemps.

Les six heures passent trop vite et c’est comme toujours au moment de se quitter que fusent questions et idées.

En fin de séance, nous décidons de couper le cordon ombilical et la protection que représente la présence physique des trois créateurs : c’était rassurant, sympa et consensuel.

Maintenant, il va falloir que chacun navigue seul en prenant des risques, c’est-à-dire de choisir un « parti » fort; quitte à se tromper. C’est aussi pour cela que chacun fait son propre projet sans l’aide d’une équipe.

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Julia

BO

RO

MIS

SZA

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Faire des croquis rapides sur place, c’est voler un instant de vie, c’est restituer une ambiance, c’est saisir un mouvement, un volume, une lumière...

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Julia

BO

RO

MIS

SZA

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La juxtaposition de deux bâtiments complètement différents (un immeuble en pierre traditionnelle début XXème et une toiture industrielle sur une charpente métallique) donne au volume un caractère très particulier avec des images fortes.

Dav

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The juxtaposition of two totally different constructions (a traditional stone building from the beginning of the 20th century and a factory roof on a metal framework) gives the volume a strong, distinct visual character.

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Margaux ISSARTEL

Concepts pour l’exposition :1.2.3 Créateurs -Margaux IssartelMarc AlessandriPhilippe GarelChristian Renonciat

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Julie CRUBLÉ

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modélisation - décalé - bombe - explosion - série - angoisseLes élèves doivent rechercher une ambiance, des images qui traduisent le message perçu en visualisant les œuvres tout en laissant libre court au visiteur d’imaginer autre chose.

Model – out of synch – bomb – explosion – series – anguishThe students must find the atmosphere, images which transcribe the message of the work as they perceive it, while leaving the viewer free to imagine something totally different.

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CONFORMIS exposition commune et originale, forte et inédite, véritable face à face de la création à la galerie UNIK. Julie CRUBLÉ

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Pamela RIESS

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T H I R D W E E K

To the surprise of all, the three artists have vanished !

This is the only way to make sure that each student takes on his own project, without the assurance and “reassurance” of being under a protective wing.

Now it is up to each to make and assume his own choice.

As for every interior architecture/design project, after a period of research, doubt, and different, sometimes contradictory, ideas, comes the difficult moment to make a choice. This is when the character, the determination, the intelligence, the poetry, the creativity of each student come into play: he must know how to make a choice.

The choice must be carefully thought-out, definitive, resolute, so that the remaining time may be used for the development of a coherent personal project.

CONCEPTION

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T R O I S I È M E S E M A I N E

A la surprise de chaque élève les trois artistes ont disparu ! ...

C’est la seule solution pour que chacun prenne en main son projet, sans avoir l’assurance et la « rassurance » d’être sous l’aide protectrice des créateurs.

Maintenant c’est à chacun de concevoir et assumer son choix.

Comme pour chaque projet d’architecture intérieure, après une période de recherches, de doutes, d’idées différentes, parfois contradictoires, arrive ce moment si difficile du choix : c’est là que se situent le caractère, la détermination, l’intelligence, la poésie, la créativité de chaque élève : savoir choisir.

Ce choix doit être déterminé, définitif, volontaire pour permettre, dans le temps restant, d’aboutir à un projet cohérent et personnel.

CONCEPTION

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TROUVER UN LIEN ENTRE LES TROIS ARTISTES

La galerie Unik étant anciennement une fabrique de pompes à bière, la scénographie visera à plonger le visiteur dans l’atelier de fabrication de chaque artiste : une menuiserie, une chaîne de montage et un laboratoire de chimie.

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Pamela RIESS

FIND AN ELEMENT TO LINK THE THREE ARTISTS

As the “UNIK” Gallery was formerly a beer pump factory, the scenography will be designed to place the visitor within the “workroom” of each artist: a carpentry workshop, an assembly line, and a chemistry laboratory.

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Diane CHAMBAS

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G w e n a ë lT R E M E L

J e a n - L o u i sB E R T H E T

A n t o i n eB U O N O M O

L o u i sC L A I R

D e n i sV A S S E T

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Q U A T R I È M E S E M A I N E

Here we all are, back in the workshop.

A very different atmosphere of anxiety and doubt predominates. There are only six hours of courses, only one week left to complete the project, and then comes…the Jury!

When we are passionately involved in a subject, we don’t notice time going by, we don’t feel tired, we are “living with” the project.

Scale models are brought out, with concept boards, drawings, 3D renderings projected on the screen: one after another, one against another, supporting or conflicting.

A quiet smile should calm the excitement in the air and focus attention back on each project.Today, no one is interested anymore in works other than his own. Each student is in his own world, awaiting a sign of approval, of encouragement.

It’s always blood, sweat and tears to get each student to take out all the drawings and sketches made from the beginning, those he doesn’t dare show.

Here again, it’s like choosing from a pile in a rummage sale. Antoine and Gwénaël need to use their professional insight, their sensibility, in order to pick out the most significant works among forgotten, often unfinished, sketches. Just a few strokes of the pen or pencil suffice to bring out the essentials. Often, from the enlarged photocopy of a tiny drawing, a detail, a touch of light, a true emotion, resurfaces.

This session is intense, studious, and…of course much too short.

On next week’s schedule, 3PM: visit of Jury members. Who knows what may happen?

F O U R T H W E E K

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Nous voilà tous réunis dans l’atelier.

Un climat très différent règne au sein du groupe, où dominent l’angoisse et le doute. Il reste encore six heures de cours, une semaine pour réaliser et finaliser le projet et puis... et puis ce sera le jury !

Lorsque l’on se passionne pour un sujet, on ne voit pas le temps passer, on ne sent pas la fatigue, on « vit dans son projet ».

Les maquettes volume sont de sortie, les planches, les dessins, les visualisations en 3D sur l’écran, tout se bouscule, s’entrecroise, se supporte ou se contredit.

Le calme souriant doit apaiser cette excitation pour ramener chaque projet sur l’essentiel.Aujourd’hui, plus personne ne s’intéresse au projet des amis, chacun est dans sa bulle, son univers avec l’espoir d’une confirmation, d’un encouragement.

Il faut toujours galèrer pour faire ressortir par chacun tous les dessins, esquisses, croquis qu’ils ont fait depuis le premier jour et qu’ils n’osent pas montrer.

Là aussi, ils ont une grande difficulté à choisir et comme dans une grande brocante, il faut à Antoine et Gwénaël beaucoup de professionnalisme, de coup d’oeil, de sensibilité pour aller rechercher parfois des esquisses oubliées non abouties, mais dans lesquelles tout est dit. En quelques traits, l’essentiel devient une évidence. Souvent à partir d’un tout petit dessin agrandi (à la photocopieuse), un détail, une lumière, de vraies émotions remontent à la surface.

Cette séance est intense, studieuse et... bien sûr trop courte.

Rendez-vous est donné la semaine suivante à 15 h pour le passage du ou des jurys. Qui sait ?

Q U A T R I È M E S E M A I N E

102Olivia CUADRADO

Olivia CUADRADO

Sarah WRAIGHT

Margaux ISSARTEL

Amélie TREMBLAY

Marie CHAMBON

La tension est perceptiblele rendu est dans 10 jours !

Sarah WRAIGHT

Jean-louis BERTHET

103 Antoine BUONOMO et Denis VASSET

Sarah WRAIGHT

Amélie TremblayMarie CHAMBON

Jean-louis BERTHET

104Diane CHAMBAS

Marion MONTAGNE

Marion RIGHI

Diane CHAMBAS

Les maquettes d’études sont modifiées, les points forts de chaque projet mis en avant pour être perceptibles par le jury.

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Marion MONTAGNE

Michael RUETZ

Sarah WRAIGHT Maja-li TOREKULl

Marion RIGHI

Michael RUETZ

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The entire group takes over one of the large workshops normally reserved for the foundation year courses to organize, mount, and set the lighting for the projects to be presented, compounded with 3D images and scale models.

For those who have never experienced such a hive of activity, it is difficult to describe the feverish excitement, the race against the clock, the tough job of setting up panels, scale models and videos, the long hours preceding the visit of the Jury.

Each student knows that no delay is allowed; latecomers will not be evaluated.

Everyone helps clean up the workshop, clearing it of everything but the projects themselves.

Since each presentation is “free” (in

Toute l’équipe investit un des grands ateliers préparatoires pour organiser, monter, présenter, éclairer son projet. Composer avec des images 3D et des maquettes volume. Une véritable ruche !

Pour ceux qui ne l’ont jamais vécu, il est difficile de décrire la fébrilité, l’agitation, la course contre la montre, la difficulté de mettre en place panneaux, maquettes, vidéos, des heures qui précèdent le passage du jury.

Chacun sait qu’aucun retard n’est permis, sous peine de ne pas être noté.

Une véritable entraide s’organise pour rendre l’atelier absolument propre, dégagé de tout ce qui n’est pas le projet.

Le type de présentation ayant été volontairement déclaré « libre » (format, organisation, support...) la cohabitation est un peu difficile car chacun a voulu faire du mieux qu’il pouvait, et cela prend de la place.

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To enable each student to benefit from two options for presentation, and also to ready him for any unexpected reactions of the Jury, the latter is divided into two groups.

3PM: General meeting to explain the functioning of the Jury: in fact, two separate Juries for today.

JURY A Alain ROULOT- Director of ESAG Philippe GAREL- Painter Marc ALESSANDRI- Designer Denis VASSET- Interior Architect Antoine BUENOMO- Illustrator

JURY B Christian RENONCIAT- Sculptor Jean-Louis BERTHET- Interior Architect/Designer Gwénaël TREMEL- Illustrator Marc CAUTERMAN- President of UNIK Louis CLAIR- Lighting Designer

Each Jury member is given a list of students to grade as he sees fit, on a scale from 1 to 7.

This classification corresponds to:0-nil; 1-failing; 2-poor; 3-fair; 4-passing; 5-good; 6-very good; 7-excellent

So that the Jury may assume full responsibility for their evaluations, half-points are not accepted!

Students are allotted 3 minutes each to introduce the entire project (This seems a difficult task, but they soon realize that three minutes are long enough.) They must then answer the constructive, but often difficult, questions asked by the Jury members.

This exercise is a preview of the Degree Jury presentation that will take place the following year.

With these students, we have succeeded in creating a coherent, enthusiastic group spirit, while highlighting the personal creative touch of each participant. This certainly deserves a warm toast.

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Pour permettre à chaque élève de bénéficier de deux possibilités de présentation et aussi pour les aguerrir aux réactions parfois imprévues d’un jury, celui-ci s’est scindé en deux parties.

15h00 : Réunion de tous pour expliquer le fonctionnement du jury, qui aujourd’hui sera en fait deux jurys.

JURY A Alain ROULOT - Directeur de l’ESAG Philippe GAREL - Peintre Marc ALESSANDRI - Designer Denis VASSET - Architecte d’intérieur Antoine BUONOMO - Illustrateur et perspecteur

JURY B Christian RENONCIAT - Sculpteur Jean-Louis BERTHET - Architecte d’intérieur Gwénaël TREMEL - Illustrateur et perspecteur Marc CAUTERMAN - Président d’UNIK Louis CLAIR - Éclairagiste

Chaque membre du jury a la liste des élèves et devra noter, en son âme et conscience, entre 1 et 7.

Ce classement correspond à:0. Nul; 1. Mauvais; 2. Médiocre; 3. Passable; 4. Assez bien; 5. Bien;6. Très bien; 7. Excellent

Pour obliger les membres du jury à prendre leur responsabilité, les demi points sont interdits!

Chaque élève a trois minutes pour présenter l’ensemble de son projet (c’est un exercice difficile, mais là aussi ils découvrent que trois minutes, c’est assez long) avant de répondre aux questions bienveillantes, souvent provocatrices de chacun des membres du jury.

Cet exercice est aussi une préfiguration de ce que sera l’année suivante la présentation de leur diplôme.

Avec ces élèves, nous avons réussi à créer un véritable esprit de groupe, un enthousiasme pour leur travail et commencé à mettre en valeur la personnalité de chacun: cela méritait bien le pot de l’amitié.

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The Jury discovers, listens to each student, questions, evaluates...

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Le Jury découvre, écoute chaque élève, questionne, apprécie...

Un cheminement intellectuel et sensoriel vous est proposé. Le visiteur est plongé dans un aménagement de l’espace qui l’amène vers la perception. Ce parcours invite à une réelle introspection. Tous les sens sont sollicités. La matière, le son, les parfums, les saveurs et les couleurs entrent en cohésion pour mettre en condition le spectateur à la découverte de l’œuvre. Celui-ci comprend alors toute la volonté de l’artiste de faire ressentir une émotion par la sollicitation de tous les sens. Créer une ambiance, douce et chaleureuse telle la couverture de Christian Renonciat qui vous fait ressentir le contact avec la laine, froide et mathématique à l’image de la table de Marc Alessandri basée sur un calcul du nombre d’or, chaotique et explosif du champignon atomique de Phillipe Garel à la fois magnifique et terrifiant.

D É F E R L A N T E D E S E N SUn cheminement intellectuel et sensoriel Sarah Wraight

SURGE OF THE SENSESAn Intellectual and Sensorial Itinerary

An intellectual and sensorial itinerary is proposed. The visitor is immersed in a scenographic space that induces perception, introspection. All the senses are called upon. Material, sound, scents, savours, and colours blend to set the stage for the discovery of the work, embodiment of the artist’s will to evoke emotion through an awakening of all the senses. Create an atmosphere as soft and warm as Christian Renonciat’s Blanket which makes you feel the texture of wool, as cold and mathematical as Marc Alessandri’s Table based on the golden ratio, as chaotic and explosive as Philippe Garel’s Atomic Mushroom, at once magnificent and terrifying.

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Sarah WRAIGHT

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Sarah WRAIGHT

A R T I S T E S D A N S L E V E N TU n e b r i s e d ’ o r i g i n a l i t é , u n s o u f f l e d e c r é a t i v i t é , u n e r a f a l e d ’ i n é d i tO l i v i a C u a d r a d o

ARTISTS WRITTEN IN THE WINDBreeze of Originality, Breath of Creativity, Gust of Novelty

A breeze of originality, a breath of creativity, a gust of novelty.Swept up, guided along by a breath of air, projected by the wind, you enter the gallery.The table: positioned in a calm, airy space favourable to work. Let yourself be guided by the sails, by the transparency, by the light; skimming the surface of the water, discover the sculpture on which the wind has left its mark, as it is transformed into a soft, smooth blanket.Cross another field of sails fluttering more and more in the wind.It all leads to a dark corridor in total disorder, filled with debris…Could the chaos provoked by the painting have blasted out on the exhibition?

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Olivia CUADRADO

F A B R I KMais comment ont été conçues ces oeuvres ?Pamela Riess

Aviez-vous déjà remarqué que les artistes créent une bar-rière mystérieuse autour de leur oeuvre ? Si la scénographie nous révélait les « secrets de fabrication » des œuvres pour mieux les comprendre, nous pourrions alors imaginer que :

- La table Hémisphère a été fabriquée dans un atelier. Les esquisses, plans, maquettes seront exposés sur une chaîne de montage industrielle avec des bruitages d’usine.- La Couverture gansée en bois, tramée à l’aide d’un métier à tisser. L’œuvre apparaîtra à travers la mécanique d’un métier à tisser géant et les bruitages de son environne-ment.- La bombe atomique mise au point grâce à des formules mathématiques. Le tableau sera exposé dans une pièce insonorisée cernée par des formules mathématiques ins-crites sur les murs.

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FABRIKBut how were these works conceived?

Have you ever noticed that artists create a mysterious barrier around their art? If an exhibition space design were to reveal the “ trade secrets” behind the works, making them more accessible, we could then imagine that:-The Hemisphere table was made in a workshop. The sketches, plans, scale models will be exhibited on an assembly line, with the noises of the factory machines around.-The braided wood Blanket was “woven” on a loom. The work will appear through the mechanism of a giant loom and the noises around.-The Atom Bomb was the product of mathematical formulas. The painting will be exhibited in a soundproof room, surrounded by mathematical formulas scribbled on the walls.

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Pamela RIESS

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Pamela RIESS

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Pamela RIESS

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RISE OF THE CURTAINWhen the curtain rises, the show begins.

The magic of the stage curtain will set the scene for the exhibition of painting, sculpture, and design: all will be ART, and ART alone. The works will be presented as three acts of an opera. The first act will be Pain, the second Geometry, and the third Nature. The symbol of Theatre will correspond to the Japanese architecture of Ryuji Nakamura.

L E V É D E R I D E A U Quand le rideau se lève, le spectacle commenceYi Zhang

La magie d’un rideau de scène sera l’univers d’exposition de la peinture, de la sculpture et du design : tout ne sera que ART. Les œuvres seront donc présentées comme trois actes d’opéra. Le premier acte sera la Douleur, le deuxième la Géométrie et le troisième la Nature. Cette symbolique théâtrale rejoindra l’architecture japonaise de Ryuji Nakamura.

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Yi ZHANG

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« J’explore le seuil entre l’espace géographique réel et l’espace imaginé. » Ryuji Nakamura

“I explore the threshold between real geographic space and space imagined.” Ryuji Nakamura

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L E S T R O I S C O U P SLes trois coups sonnent et le spectacle commence...Aurèle Duhart

Les visiteurs sont tour à tour emportés dans l’histoire fabuleuse de chaque oeuvre racontée par les comédiens. Le site d’Unik devient le théâtre du rêve et de l’imagination, cha-que artiste est mis en scène dans un univers intime, cylindre métallique renfermant de véritables scénettes.

THE THREE KNOCKSThree knocks are heard and the show begins.

One by one, the visitors are drawn into the fabulous drama of each work recounted by the actors. UNIK becomes the site for a theatre of dream and imagination. Each artist is “staged” in his own setting, metal cylinder containing real mini-scenes.

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Tout le site d’Unik est transformé en forêt pour plonger les spectateurs dans un espace magique et canaliser toute leur attention sur les œuvres...

The entire space of UNIK is transformed into a forest, plun-ging those present into a magic realm, drawing their atten-tion to the art works…

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Aurèle DUHART

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La sculpture était une lettre échappée de la boîte de Pandore digne d’un amour à la Paul Claudel, le tableau une tragédie grecque sur la folie humaine, enfin la table laisse place à l’absurde de Beckett. Chaque œuvre, chaque artiste devient comédien, poète...

The sculpture was a letter slipping out from Pan-dora’s box, worthy of a Claudel love scene; the painting would be a Greek tragedy on human folly; finally, the table set the scene for Beckett’s Absurd. Each work, each artist, would become an actor, a poet…

Aurèle DUHART

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Alexandra BOUËNNEC

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PENUMBRAObserve and Admire

Lost in a labyrinth, only to discover a work of art at each bend. In astonishment, you step back to question the unexpected, then take a seat to contemplate in admiration.

Se perdre dans un labyrinthe pour découvrir au détour chacune des oeuvres. La découverte par la surprise s’interroger de loin puis s’asseoir pour observer et admirer.

P E N O M B R EO b s e r v e r e t a d m i r e rAlexandra Bouënnec

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A N A M O R P H O S EUne scénographie qui vous étourdit !Diane Chambas

Laissez-vous entraîner par des jeux de déformations, de pertes d’équilibre et d’apesanteur. Nous découvrons le thème de l’exposition grâce à une ana-morphose des artistes. La couverture s’observe à l’aide d’une longue vue. Le drame de la bombe atomique est mis en scène par un miroir à 45° nous donnant la sensation d’être allongé au sol. La ta-ble flotte en l’air dans un univers bleuté.

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Diane CHAMBAS

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ANAMORPHOSISScenography that makes you Dizzy!

Drawn into a play on distortion, imbalance and weightlessness, discover the theme of the exhibition through Anamorphosis. The Blanket sculpture is observed through a telescope. The tragedy of the Atom Bomb appears through a mirror at a 45°angle, making us feel as if we were lying on the floor. The Table floats in the air, adrift in the blue.

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Diane CHAMBAS

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« Ciel : Lieu de délices que l’on dit être le paradis et d’où nous arrivent aussi la pluie, la foudre, la grêle et les bombes. »Le mot du silencieux - Albert Brie

“Sky: realm of delight, which we think of as Heaven, and also source of rain, lightning, hail, and bombs.”The Word of the Silent, Albert Brie

Diane CHAMBAS

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R E G A R D E R P O U R V O I RSublimer le quotidien

Solenn Bretaudière

R E G A R D E R P O U R V O I R.S u b l i m e r l e q u o t i d i e n

Notre perception des choses est liée à une certaine habitude, à des règles établies que l’on ne remet plus en question. Nous pourrions donc passer à côté d’une richesse quotidienne.Les visiteurs entrent par un espace aseptisé qui a pour but de laisser le spectateur dans un état de non émotion. La suite du cheminement de cette exposition doit vous amener à cet état d’éveil. Les œuvres présentées vous évoqueront alors un : « je connais oui ! » . Puis on entre dans le coeur du sujet, trois espaces étonnants qui se succèdent, ayant pour but de déstabiliser les à priori des visiteurs grâce à des points de vue différents.

LOOK, IN ORDER TO SEEExalt the Everyday

Our perception is a creature of habit, obeying pre-set rules that we no longer question. So we may overlook the treasures under our very eyes. The visitors enter, passing through a neutral space of “non-emotion”. As they proceed along the exhibition, their awareness is to be progressively awakened: “Oh! I’ve seen that before!” Then they arrive at the heart of the subject, discovering three spaces one after another, designed from different viewpoints to astonish and disconcert.

Solenn BRETAUDIERE

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Univers sombre et oppressant située au centre de miroirs écla-tés, augmente l’effet catastro-phe.

Amid broken mirrors, a dark, oppressive atmosphere heigh-tens the catastrophic effect.

Retrouver la matière du bois, emmener le visiteur dans un autre univers, le rendre minuscule face au gigantisme de la pièce.

To rediscover the texture of wood, the visitor enters another world, feeling infinitely small amidst the gigantic proportions of the room.

La table située dans un espace blanc et épuré, jeux de reflets à l’infini.

The table placed in a minimal white space, never-ending play on reflections.

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ROND-POINTUn lieu communMarion Righi

Des espaces qui ne communiquent pas entre eux, reliés par un hall cylindrique noir, qui sert de Rond-Point et de lieu commun aux trois artistes.

Separate spaces are joined by a black, cylindrical hall, which serves as junction and common area for the three artists.

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Marion RIGHI

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SENSATION, REFLEXION, ILLUSIONUn matériau, une oeuvreMichael Ruetz

La scénographie cherche à exacerber les sentiments perçus en contemplant les œuvres. Pour obtenir des univers complètement différents, les œuvres seront mises en scène dans trois boîtes distinctes et totalement indépendantes. Le miroir représentera l’illusion de la couverture en bois de Renonciat. Le métal corrodé symbolisera la bombe atomique. Le papier présentera le travail en dessin et plans de Alessandri.

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SENSATION, REFLECTION, ILLUSIONOne Material, one Work

The scenography is designed to exacerbate feelings aroused by the contemplation of the works. Set apart in three distinct boxes, the works will appear in all their diversity. The mirror will represent the illusion of Renonciat’s wood Blanket. The corroded metal will symbolize the Atom Bomb. The paper will present Alessandri’s drawings and plans.

Michael RUETZ

P A P I E R C A L Q U E

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Michael RUETZ

Comme dans un univers de magie où se confondent réalité et image virtuelle, toutes les perspectives sont modifiées. C’est l’écla-tement du rêve. Ainsi, la table est placée dans un espace épuré, les reflets des différents miroirs permettent de la percevoir comme un objet d’art. La sculpture dans une am-biance cocooning, se découvre peu à peu par des recadrages. Enfin, le tableau placé sur le sol est recréé de façon destructuré et exagéré par la paroi de miroirs multiples qui accentue l’effet destructeur et violent.

I L L U S I O NModifier notre perception par un jeu d’illusionsMarie Chambon

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ILLUSIONAlter Perception through a Game of Illusion

As in a world of magic where lines between reality and virtual image are blurred, all the perspectives are modified. It is the explosion of dream. Thus, the table is placed in a bare space, where the reflections from the mirrors make it stand out as a work of art. In a cocoon-like atmosphere, the sculpture reveals itself as it is gradually re-centred. Finally, the painting, set on the floor, is de-structured, distorted by the multi-mirrored partition, which heightens the effect of violence and destruction.

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Marie CHAMBON

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Marie CHAMBON

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Marc Alessandri

Christian Renonciat

Philippe Garel

THREE LIGHTSRhythm and Light: Meeting-point

Comforting, timeless: Light influences perceptions, moods, well-being. Light reveals architecture. Volumes, forms, textures, materials appear through light. Clear, harsh, indirect, filtered, light is inseparable from our movements. It defines every space and shape in relation to what is around, to what is outside, from its source to the reflecting surface. It enhances architectural volumes, ornamentation, and details, playing with skins and layers.

T H R E E L I G H T SRythme & lumière, point de rencontreAnne Vandierendonck

Rassurante, perpétuelle, la lumière influence nos perceptions, nos humeurs, notre bien-être. La lumière révèle l’architecture : volumes, formes, textures, matériaux se donnent à voir par la lumière. Franche, crue, modelée, tamisée, la lumière est indissociable de nos mouvements. Elle définit chaque espace ou forme dans son rapport avec l’extérieur, depuis sa source, jusqu’à la surface qui la réfléchit. Elle met en scène volumes et modénatures, et joue avec les peaux.

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Ouvrir son regard sur les qualités multiples de la lumière, sous toutes ses formes, prendre conscience de sa présence ou de son absence, découvrir différentes solutions pour l’apprivoiser, l’amplifier et l’identifier à une oeuvre, c’est ce que vous propose cette exposition, dans une lecture croisée de l’art et de la lumière.

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Opening our eyes to the multiple qualities of light in all its forms, making us aware of its presence or absence, revealing different solutions to control it, intensify it, and assimilate it to a work, this exhibition offers us a staged reading at the intersection of light and art.

Anne VANDIERENDONCK

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DISTURBANCEReflections of Interiority

Face to face with one of the works, the perspectives lead us to disco-ver the two others, as if they were signalling us, calling upon us from a distance. The same phenomenon occurs with different images for each of the three works. The setting for each is made with the mate-rials of the two others.

L E T R O U B L EReflets d’intérioritésAmélie Tremblay

Chaque fois que l’on arrive devant une oeuvre, des perspectives font découvrir au loin les deux autres comme un appel ou un signal. Le même phénomène se reproduit, avec des images différentes à chacune des trois oeuvres. L’environnement de chacune est fait de matériaux des deux autres.

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Amélie TREMBLAY

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Face à face de la création. Entrez dans l’univers de 3 artistes et laissez-vous transporter par vos émotions...

[ POWER OF 3 ]Face to Face

Face to face with the creation. Enter the world of the three artists and let your emotions carry you away…

[ P U I S S A N C E 3 ]Face à face de la créationLéa Hacquin

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Pour la table Hémisphère, le spectateur se trouve face à une toile ondulée sur laquelle est projetée une multitude d’images en gros plan du piétement de la table qui évoque graphiquement des pattes d’insectes.

For the Hemisphere Table, the viewer finds himself in front of a rippled canvas on which a multitude of close-up images showing the base of the table are projected, to suggest the graphic forms of insect legs.

La peinture m’a inspiré cette boîte noire accentuant la perspective sur un agrandissement de la toile. A l’intérieur une alternance de flashes lumineux (stroboscopes) et de montée de lumière, cette vision peu supportable permet de mettre en avant la puissance de la déflagration d’une bombe atomique et le chaos qui s’ensuit.

The painting inspired my choice of this black box to intensify the perspective on an enlargement of the canvas. Inside, the alternation between flashes (stroboscopes) and eruptions of light, evokes an unbearable vision: the power of the atomic explosion and the chaos that ensues.

La sculpture : travail de la matière m’a donné envie de jouer avec un trompe l’œil, en exposant un amoncellement de vrais plis de papier face à la sculpture de l’artiste.

The sculpture: working on the material made me want to play with trompe l’oeil, presenting an accumulation of real paper folds in front of the artist’s sculpture.

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Léa HACQUIN

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MATIÈRE À S’EXPRIMER

- MATIÈRES- PAPIER

- Intéraction entre les visiteurs et les artistes

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Le papier est un élément qui est familier à tout le monde.Il nous permet de communiquer, de nous exprimer, detransmettre… C’est un élément intemporel et fédérateur de liens entre des personnes d’âges ou de milieux différents.

Marion MONTAGNE

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Le papier sera utilisé comme élément «liant» de tout le projet. Un faux plafond en papier avec des matières différentes selon l’œuvre surplombera le lieu. Pour chaque artiste seront créés : une face découverte de l’œuvre et un dos «envers du décor» dans lequel chacun sera invité à exprimer son ressenti par rapport à l’œuvre, à travers des pliages, découpages et collages de papier… Enfin, après avoir parcouru les 3 univers, le visiteur découvrira «l’exposition parallèle»... la leur ! Des vitrines seront installées leur permettant d’exposer l’objet qu’ils auront créé, toujours à partir de papier. Ainsi les artistes auront la possibilité de découvrir l’émotion, la créativité et le ressenti du public.

M A T I È R E S À S ’ E X P R I M E RCréer une interactivité entre le public et les œuvres grâce au papier Marion Montagne

Marion MONTAGNE

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MATERIALS FOR SELF-EXPRESSIONWhen Paper creates Interaction between the Viewer and the Works

Paper will be used as the “linking element” of the entire project. A false ceiling in paper with materials specific to each work will overhang the space. For each artist, the visible side of the work will be shown, as well as “the other side of the picture”, on which the visitor is asked to express feelings about the work with foldings, cuttings, and collages in paper…Finally, after exploring the worlds of the 3 artists, the visitors will discover “the exhibition in parallel”…theirs! Showcases will be set up for them to display the objects they will have created from paper. Thus, the artists will be able to discover the sensitivity, the creativity, and the reactions of their public.

C O N F O R M I SÉclatement d’émotionsJulie Crublé

Tout d’abord il y a la douceur de la couver-ture en bois strié qui nous plonge dans nos souvenirs et dans le monde des émotions et des sensations. Puis le nombre d’or utilisé pour le tracé d’une grande table : une trame logique, mathématique, clé explicative de l’équilibre du monde. Peu à peu la féerie opère, le spectateur est transporté depuis un univers magique qui se dématérialise, se déconstruit en pénétrant dans un grand cube noir… où finit par exploser la bombe atomique terrifiante.

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CONFORMISBurst of Emotions

First there is the softness of the striated wood Blanket, which plunges us into a deluge of memories, emotions, impressions. Then, the golden ratio, utilized for the plan of a large Table:

rational, mathematical, key to an explanation of universal proportion. Little by little, the spectacular takes over; we are transported from a magic world that dematerializes, disintegrates, as we enter a large black cube…where the terrifying Atom Bomb finally explodes.

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Julie CRUBLE

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C’est une exposition à la portée de tous, vous n’êtes plus spectateurs mais acteurs. A l’aide de grands écrans de projection, vous découvrez de manière ludique la démarche et les oeuvres des artistes.

INTERACTIVE EXHIBITIONVisual-Media-Projection

This exhibition is within the reach of all. You are no longer audience, but actors. With the aid of large projection screens, you discover the creative process and work of each artist in an entertaining way.

E X P O S I T I O N I N T E R A C T I V EProjection-Vision-MediaMaja-Li Torekull

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Mayali TOREKULL

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C O U C H É , A S S I S , D E B O U T Laissez-vous étonner et apprenez à contempler différement !Margaux Issartel

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Allongez-vous et découvrez le plafond, jeux de reflets d’ombres et de lumières. En-fin asseyez-vous sur un îlot et attendez que tout explose !Debout, tout autour de vous, un mobilier industrialisé. Les trois créations vous sont pré-sentées de manière à vous in-terpeler, chacune différemment. Chacune des trois oeuvres se trouve au sol, sur un cyclo à 360° et l’autre au plafond.Changer de position, c’est chan-ger de vision et de perception.n.

LYING, SITTING, STANDINGBe surprised and learn to contemplate differently!Lie down and discover the ceiling, play on reflections of light and shadow. Then sit down and wait until it all explodes! Stand up : all around you, industrial furniture. On the floor, on a 360° cyclo, on the ceiling, each of the three works is presented to elicit a different reaction.Change position: change view-point, change perception.n.

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Margaux ISSARTEL

LES ÉLÈVESAlexandra BOENNECSolenn BRETAUDIÈREDiane CHAMBASMarie CHAMBONJulie CRUBLÉOlivia CUADRADOAurèle DUHARTLéa HACQUINMargaux ISSARTEL

G É N É R I Q U E

Ming Jung LEEHyun Hee PARKPamela RIESSMichael RUETZMajali TOREKULLAmélie TREMBLAYAnne VANDIERENDONCKSarah WRAIGHTYi ZHANG

LES « GUEST STARS »Christian RENONCIATSculpteurPhilippe GAREL PeintreMarc ALESSANDRIDesigner

LES ENSEIGNANTSJean-Louis BERTHETArchitecte d’intérieurDenis VASSET Architecte d’intérieurAntoine BUONOMO Illustrateur et perspecteurGwénaël TREMELIllustrateur et perspecteur

LES CONSULTANTS Louis CLAIR ÉclairagisteJean-Pierre KHALIFAArchitecte d’Intérieur

DIRECTION ESAGAlain ROULOT Directeur de l’écoleGérard VALLINVice-directeur Christian PAILLEZ Directeur financier

LE LIVREJean-Louis BERTHET TexteBarbara GUANSÉTraductionAlain DOVIFAT Jean-Luc TONINI PhotosYolaine MÉDÉLICEInterview

COMPOSTION GRAPHIQUEVirginie BERTHET Maureen BOUYGUES Diane CHAMBAS Pamela RIESS

Marc ALESSANDRICalligraphie

HISTOIRE D' UN PROJET

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