Dossier Presse du Sentier de la Sculpture

Du 24 juin au 3 octobre

Les sentiers de la Sculpture

L’an dernier, le Polo Club Saint-Tropez accueillait pour la première fois une exposition de sculptures monumentales en invitant 15 sculpteurs de renom sur son site prestigieux à Gassin. Ce premier galop d’essai réussi la seconde édition se profile…

Devant le succès rencontré l’an dernier, le Polo Club Saint-Tropez réitère son exposition de sculptures. Passionnée de polo et d’art contemporain, Corinne Schuler, Présidente du Polo Club Saint-Tropez, souhaite que cet évé¬nement culturel devienne un grand rendez-vous de l’Art sur la presqu’île de Saint-Tropez. Elle offre ainsi aux artistes son écrin naturel de 28 hectares situé sur la commune de Gassin, un cadre exceptionnel pour des oeuvres exceptionnelles…

Du 24 juin au 3 octobre 2011, le visiteur est invité à fouler les sentiers de la sculpture pour une balade inattendue entre art contemporain et pur sang. Cette année, des artistes d’obédiences et de nationalités différentes, sculpteurs contem-porains émergents et confirmés, proposeront au visiteur une grande variété d’interprétations plastiques, abstraites et figuratives.

Miguel Chevalier, Fabien Verschaere, Marcel Pinas, Marc Aurel&Michel Redolfi, Anna Chromy, Stefan Szczesny,Serge Crampon, Elsa Magrey, LO-renzo, Hannelore Jüterbock, Bernard Conforti, Laure Millet, Jean-MarieFondacaro, Diana Tournay, Laurent Emmanuel Briffaud, Kasper, Martine Orsoni, Yvon Cochery, Adrian Landon etTania Bruzs sont au générique de cette deuxième édition.

Le thème reste centré sur la relation que l’homme entretient avec la nature et son environnement mais propose éga-lement des incursions innovantes dans le domaine de l’art numérique appliqué à la sculpture avec la pièce de Miguel Chevalier, Coronae Digitalis, issue de l’œuvre virtuelle Fractal Flowers, du design musical avec le banc sonore Treccia créé par le compositeur Michel Redolfi et le designer Marc Aurel, des installations poétiques avec les corps d’arbres de la Cabane de rêves l’artiste Serge Crampon et de la photographie avec la série camouflage de l’artiste LO-renzo, dans laquelle l’être humain semble absorbé par la nature.

Cette manifestation très originale et unique en France devrait, cette année encore, enchanter les visiteurs et amateurs d’art, de nature et de chevaux. Le public est donc invité à fouler les sentiers de la sculpture pour y découvrir la subtile alliance entre l’art du polo et l’art contemporain.

Art Contemporain

&Entre

Purs Sangs

Exposition “Les Sentiers de la Sculpture” du 24 juin au 3 octobre 2011Polo Club Saint-Tropez, Route du Bourrian 83580 Gassin (Saint-Tropez), tél. +33 (0)4 94 55 22 12

Commissaire d’exposition, Valérie PenvenPour toutes demandes d’informations complémentaires et visuels

Contact presse : Valérie [email protected] - tél. +33 (0)6 11 93 96 37

Du 24 juin au 3 octobre 2011 au Polo Club Saint-Tropez


Laurent Emmanuel Briffaud Tania Bruzs Miguel Chevalier Anna ChromyYvon Cochery Bernard ConfortiSerge CramponJean Marie Fondacaro Hannelore JüterbockKasperAdrian LandonLO-renzoElsa Magrey Laure MilletMartine OrsoniMarcel PinasMichel Redolfi & Marc AurelStefan Szczesny Diana Tournay Fabien Verschaere

Artistes invités

Exposition ouverte au public tous les jours de 10h à 22h Entrée gratuite. Visite guidée privée sur rendez- vous, tél. +33 (0)6 11 93 96 37


Vendredi 24 juin 2011, 18h30Vernissage en présence des artistes. Accueil des invités, collectionneurs, journalistes et partenaires

. Performance de la sculptrice Elsa Magrey, taille directe sur support ardoise.

. Intervention de Laurent Emmanuel Briffaud, vidéo performance sur son œuvre «TAG4». C’est une histoire, un cauchemar, un début idyllique traversé par un enfer de feu, suivi par une poésie en noir, se terminant par un retour à la vie. La nature reprend toujours le dessus.

Peinture mixte sur toile : Sandrine Lorenzo Parterre de charbon, sculpture en acier cintré : Laurent-Emmanuel Briffaud Vidéaste : Dominique Féraudy Musique : Thomas Chazerand

. Performance de Serge Crampon sur un travail de liaison entre l’installation in-situ et la représentation de l’arbre /corps sur grand format (peinture et dessin).

. Cocktail en présence des invités et des artistes

Le 9 juillet 2011Soirée de l’International Polo Cup. Performance de Tania Bruzs, peinture à l’encre de chine de scènes de Polo à main levée.

Courant août**Intervention de l’artiste Marcel Pinas sur sa sculpture «Spoons»

*La programmation est sujette à modification

Les temps forts


Laurent-Emmanuel Briffaud

Peintre et sculpteur

Né en 1970 en Vendée, Laurent-Emmanuel Briffaud vit entre Grasse et Fréjus. Après des études d’architecture à l’Université de Nantes, il intègre l’Ecole des Beaux-Arts de Luminy à Marseille en section design. Laurent-Emmanuel Briffaud est un artiste permanent de la Beddington Fine Art Gallery à Bargemon.

Peintre et sculpteur, Laurent-Emmanuel Briffaud a étudié la conservation et la restauration d’objet d’art à Plaisance, la restauration d’objets religieux à Bologne, puis la restauration des parquets du Château de Laeken, résidence du roi Baudoin à Bruxelles. Cet artiste, véritable poète dans son art, est un amoureux de la nature ; il voit en elle le sacré et croit en la puissance de l’arbre. «J’ai toujours essayé d’être le plus proche possible des belles choses, je veux le retour à la poésie par tous les moyens : par la pratique, par le verbe, par l’image, par

la musique, par l’investissement.» De son travail sur les «arbres-signes», oeuvres exposées sur les «Sentiers de la Sculpture», il dit :» J’apprécie particulièrement les structures arborescentes et j’aime à les observer l’hiver lorsque leurs masses se détachent sombres sous le ciel lumineux. J’en retire une quantité de dessins, de détails, de signes, que j’alimente et que je reproduis à grande où à petite échelle; sculptures qui font référence à la géométrie variable de l’arbre, à sa structure, à son histoire. Ce sont les «arbres-signes».

Tree Sign, sculptures sur socle, Sculptures acier base béton « Fréquence » 1/7, 2/7, 4/7, 6/7


Née en 1961 Tania Bruzs suit les cours de l’Atelier Bessil et les Beaux Art de Montpellier. Elle s’inscrit ensuite à l’école supérieure des Art-Décoratifs de Strasbourg, puis l’école supérieure des Beaux-Arts de Paris. Après avoir résidé à New York, au Mexique et à Bruxelles, elle installe son atelier à Paris où elle vit et travaille aujourd’hui.

Peinture grand format à l’encre de chine - 200cmx150cm

Tania BruzsPeintre

Tania Bruzs est une artiste qui réalise des peintures à l’encre de Chine, à main levée et en direct, comme une véritable performance artistique. Déjà présente lors de la précédente édition des Sentiers de la sculpture, elle nous fait à nouveau l’honneur de sa présence. À propos de son travail sur le polo, elle déclare : «J’ai parfois besoin de ressentir le travail comme une danse, comme un rythme, que le geste soit large, grand précis, et s’impose de lui-même : je ne dessine pas, c’est moi qui suis sur le cheval.»

Tania Bruzs interviendra lors d’une performance en direct le 9 juillet 2011 où elle réalisera plu-sieurs dessins de scènes de polo à l’encre de chine et à main levée.


Miguel ChevalierArtiste numérique et sculpteur

Né en 1959 au Mexique, Miguel Chevalier vit et travaille à Paris. Diplômé de l’École nationale supérieure des beaux-arts et de l’École nationale supérieure des arts décoratifs, il a reçu la bourse Lavoisier pour le Pratt Institute à New York en 84 et a été lauréat de la villa Kujoyama à Kyoto au Japon en 1994. Son travail est reconnu internationalement et il expose à Seoul, Rio, New York…

Miguel Chevalier utilise depuis les années 80, l’informatique comme moyen d’expression dans le champ des arts plastiques. Son terrain d’investigation prend ses sources dans l’histoire de l’art dont il reformule les données essentielles. Son travail aborde au travers différentes thématiques, telles que la relation entre nature et artifice, la question de l’immatérialité dans l’art, les problématiques de l’image hybride, générative et interactive. Après l’expérience des Sur-Natures, jardins virtuels exposés dans de très nombreux pays, l’oeuvre Fractal Flowers présente une nouvelle génération de fleurs et de jardins virtuels, évoluant au frontière d’un monde mi-minéral, mi-animal et mi-robotique. Il s’agit de fleurs fractales géantes générées à l’infini grâce à un logiciel

informatique. Des fleurs virtuelles de différentes couleurs et formes, naissent aléatoirement, s’épanouissent et meurent, tout en réagissant au passage des visiteurs. Les Fractal Flowers dévoilent des formes très sculpturales, poussées à l’extrême de leur géométrisation. Miguel Chevalier peut désormais extraire des fichiers 3D de son oeuvre virtuelle de réalité virtuelle, pour créer de véritables «sculptures numériques» obtenues par stéréolithographie, qui servent de modèle pour créer ensuite des sculptures à plus grande échelle en acier, comme Coronae Digitalis.

Œuvre clef du travail de Miguel Chevalier «Coronae Digitalis» est l’une de ses premières sculptures réalisée en trois dimensions.

Coronae Digitalis 2011 - acier peinten orange - H 2m50 - pièce unique

Oeuvre virtuelle - Fractal Flowers


Anna ChromyPeintre et sculpteur

Anna Chromy, d’origine bohème, a grandi en Autriche, elle vit à Monaco et travaille à Pietrasanta. Beaux-Arts de Paris

En marbre ou en bronze, les sculptures d’Anna Chromy ont comme point commun une recherche élancée vers l’esthétisme et la beauté plastique. Mais au-delà de cette harmonie évidente, le sens donné aux sculptures a sa propre ligne de force qui interpelle l’observateur. Pour l’artiste : «Seule la beauté peut éveiller l’amour et c’est de cette énergie dont a besoin l’humanité aujourd’hui». Ce parti pris à contre courant de la tendance actuelle dans l’art contemporain est, chez Anna Chromy, totalement assumé dans une facture classique qui sublime les formes du corps en mouvement, libre et puissant. En composant la rigueur de ses origines centre-européennes avec l’amour pour la mythologie grecque et l’Opéra, Anna Chromy a su créer des sculptures fantastiques qui amènent l’observateur et amateur d’art dans un voyage aux origines de l’Europe et

de l’Être humain, du berceau de la culture européenne jusqu’à la beauté de l’esprit multiculturel contemporain. Après l’immense succès de ses expositions à Paris Place Vendôme, à Athènes en Grèce puis à Bejing en Chine, l’artiste Anna Chromy a choisi Saint-Tropez pour exposer ses «Mythes de la Méditerranée», thèmes universels revisités dans la perspective de notre histoire contemporaine en pleine mutation. Seize sculptures monumentales seront exposées tout l’été par la ville de Saint-Tropez dans les emplacements stratégiques du village.

Au Polo Club Saint-Tropez le cheval cabré d’Anna Chromy s’élance avec grâce. Créé pour la Fédération Bavaroise de sport Equestre, le trophée Equus (cheval en latin) fut inspiré à Anna par une pièce de théâtre du même nom.

Equus - sculpture en bronze - H100 cm x L90 cm - exemplaire :1/8


Né à Nogent le Rotrou. Vit et travaille dans le département de l’Eure. Artiste autodidacte. 1er prix régional des métiers et des art. Meilleur Ouvrier de France. Médaille Vermeil des Arts, Sciences et Lettres.

Relaxation monumentale - Résine - L 150cm - 3 exemplaires jaune, rouge et bleu

Yvon CocheryPeintre et sculpteur

Yvon Cochery s’exprime depuis l’âge de 20 ans à travers la création de sculptures. Attaché au départ à une expression figurative, cet artiste a évolué à travers le temps et il réalise actuellement des sculptures en résine. Ces personnages inspirent une véritable joie grâce à leurs couleurs vives et leurs formes harmonieuses. Ils

expriment la douceur, la générosité et le jeu tout en permettant aussi à chacun de s’imaginer leurs histoires. La présentation en format monumental rend ces sculptures ludiques. Les enfants s’y attardent facilement et se les approprient le temps d’un instant, comme s’ils avaient besoin d’être rassurés, apaisés.


Bernard ConfortiSculpteur

Né en 1977 en France, vit et travaille à Nice. Artiste autodidacte.

« Elephant » sculpture en résine - hauteur 1m10, Largeur 70 cm, Longueur 2m10 - Signé et numéroté - 8 exemplaires

Installé à Nice, Bernard Conforti travaille le bronze, l’aluminium, la résine, il est également l’un des rares artistes à travailler la fibre de carbone. Joaillier de formation ses influences sont un savoureux mélange entre les bandes dessinées qui ont marqué son imaginaire et le travail du sculpteur François Pompon dont il est un peu la version Pop! C’est donc au travers de l’humour que le travail très sérieux de Bernard Conforti se positionne. Son bestiaire animalier est composé de pingouins, de

scarabées sacrés, de caméléons. De cette faune colorée émane un parfum d’enfance, un regard tendre sur nos jeunes années. Le monde du rêve est tout proche, Bernard Conforti sait cristalliser un instant, une vibration, il capte l’attitude, insère l’humour. La posture du Pingouin répondant à son comparse immergé ou l’éléphant à l’arrêt en train de pointer un hypothétique trophée de chasse confère à l’oeuvre de Bernard Conforti une signature unique.


Serge CramponPlasticien

Né en 1950 à Rochefort-sur-Mer. Serge Crampon vit et travaille dans le Maine et Loire.Beaux-Arts d’Angers

Tout à la fois peintre et sculpteur, inspiré par le mouvement et le grand fleuve, la Loire,Serge Crampon patrouille ses berges en quête de sa matière artistique. Il recueille ainsi certains bois voyageurs polis par l’eau, qui évoquent dans leur abandon le sentiment ardent d’une humanité oubliée. «Cabane de rêves» naît de cette double inspiration qui associe l’arbre et le corps en mouvement. L’installation présente un assemblage de troncs et branches nomades, riches de leur histoire, dont les formes s’épousent, se tendent, se lient, prêts à la chorégraphie d’une vie nouvelle. Abri provisoire, cabane refuge, cabane de rêves, unique et fragile, elle

rivalise d’élégance dans ses matériaux d’abandon. Elle est l’interface d’une réflexion sur le temps, l’enfance, nos rêves, notre nécessité d’être. Thème central de l’installation de Serge Crampon, telle une «Vénus» sortie du fleuve, un bronze à la cire perdue, semble marcher pour l’éternité. Il magnifie le corps et l’arbre, et résume à lui seul ce que la vie peut contenir de flou, d’incertitude et de devenir, aux marges du monde des hommes et de l’espace naturel. Une façon de considérer notre environnement en rendant disponible pour nous des objets trouvés qui feront désormais sens dans notre esprit.

Installation «Corps d’arbres» au Polo Club Saint-Tropez

«Cabane de rêves» - Assemblage troncs et branches 7 x7 m

L’installation est réalisée avec le soutien des partenaires

«Corps d’arbres» Bronze à la cire perdue patiné 170 x 40 cm Fonderie d’art Le Flock

www.serge-crampon.com


Né en 1956 à Nice, Jean-Marie Fondacaro vit et travaille à Nice. Artiste autodidacte

Sculpteur niçois de renommée internationale, Jean-Marie Fondacaro a grandi dans une famille d’artistes. «Pour exprimer une corporalité en perpétuelle mutation, il a choisi le dialogue avec le métal, la terre et la résine traduite ensuite dans le bronze. Lentement il apprivoise des corps élancés qui tendent vers le ciel. Leurs attitudes volontairement distendues inscrivent leurs mouvements dans l’espace les immobilisant

dans un équilibre troublant». Tel est le regard de Lydia Harambourg sur les œuvres de l’artiste dont deux sont exposées sur le Polo Club Saint-Tropez, «L’Envol», créature ailée concentrant dans sa flexion toute la promesse du ciel qui attend son déploiement, ou encore ce «Cheval monumental» arrachant au sol sa puissance vibrante dans un élan vertical qui convoque ensemble la force terrestre et la grâce de l’élévation.

L’Envol - bronze - ed 2/8 - envergure 3m30, 3m60 de hauteur Pur-sang arabe - bronzeed 2/8 - hauteur 2m50

Jean-Marie FondacaroSculpteur


Née à Berlin en 1944. Elle étudie la peinture jusqu’en 1971 dans les académies des Beaux-Arts de Munich, Florence et Rome. Hannelore Jüterbock vit à Villefranche sur Mer et travaille dans son atelier à Nice.

Le développement de la peinture de Hannelore Jüterbock est fortement imprégné des lieux où elle a vécu. Le jeu de la lumière a toujours été la motivation dominante de sa peinture et reste une de ses caractéristiques fondamentales. Avec ses différents séjours à Venise, au Portugal, à Ibiza en Espagne, en France méridionale, la peinture d’Hannelore Jüterbock s’imprègne des couleurs

vives, des lumières du Sud dégageant une grande force d’expression qui caractérise son travail encore aujourd’hui. Depuis 1999, l’artiste cherche à transmettre encore plus la lumière au travers de sa peinture en utilisant d’autres matériaux, c’est ainsi qu’elle va peintre directement sur le verre et le verre acrylique et créer ses «translucides» ici exposés au Polo Club de Saint-Tropez.

Atlantis 1 et 2 - plexiglas peint - 130x28x28 cm

Hannelore Jüterbock Peintre et sculpteur


Né à Paris en 1962, Kasper est peintre et sculpteur. Il vit et travaille à Asnières-sur-Seine. Ecole Nationale Supérieure des Arts Appliqués et Métiers d’Art. Ateliers de la Glacière en section taille directe.

Kasper, est un homme habité par la sculpture. Elle est son État d’esprit, son pluriel d’imagination, son goût pour l’aventure. Il n’est pas de ceux qui ont cherché un style et s’endorment. Comme Picasso, il dit : “je ne cherche pas, je trouve”. Réceptif à toutes les formes de la nature sur sa planète de l’imaginaire, il donne une forme puissante à ses rêves, à nos rêves les plus fous, nos images oniriques, nos désirs pétrifiés, nos interrogations. L’artiste repousse les limites du classicisme, tout en s’inscrivant dans la tradition de la grande sculpture européenne. Dans le travail de Kasper les thèmes équestres, mythologiques, ou animaliers se côtoient. Son art est à la fois empreint de force, de mystère, et d’émotions. Kasper révolutionne la vision du minotaure et revisite la mythologie en inventant un super héros contemporain se référant au surréalisme cher à Dali, Picasso mais aussi Breton ou Masson. La symbolique du labyrinthe évoquée est à considérer sous l’angle d’une initiation à la vie. Le parcours proposé à Thésée prend racine sur un escalier qui remplace le sexe de l’homme mi dieu mi animal. Il nous invite à remonter l’escalier à l’aide du fil d’Ariane tendu comme des muscles vers nos origines. Ainsi notre dédale intérieur s’inscrit dans le ventre du minotaure.

Le minotaurebronze à patine brune 2m50 - ed 1/8.

KasperPeintre et sculpteur

«Hommage au marquis»cheval à facettes en bronze70 / 80 cm de long


Adrian LandonSculpteur

Né en 1989 a New York City où il vit et travaille. Student Art League de NYC

Jeune artiste très talentueux, Adrian a découvert sa passion pour la sculpture et le métal en se mettant à l’épreuve lors de la conception d’un cheval de taille grandeur nature. La thématique équestre marque le désir de se reconnecter avec l’héritage familial de son grand père, commandant Saumur. Pour lui, marteler le métal est semblable à une

chorégraphie de mouvements et d’émotions associée à une symphonie de sons. Les sculptures d’Adrian possèdent cet aspect urbain du métal recyclé faisant appel à notre conscience écologique si fragile mais ils possèdent aussi cette puissance et cette grâce que la nature leur a accordées et qui nous attirent inéluctablement.

Cheval en bronze - Hauteur 208 cm - Longueur 292 cm et largeur 162 cm - édition 1/10


Né à Lyon en 1965, vit en Dordogne. LO-renzo a reçu le soutien du Ministère de la Culture

LO-renzo revendique le fait «d’être artiste à plein temps» et inscrit l’art dans son quotidien comme un défi de cha-que jour. Créateur d’actions, il se met en scène dans des situations cocasses inspirées du réel. Sa pratique artistique est si près de la vie qu’il peut s’y dissoudre, ne faire qu’un avec son environnement. Avec la série camouflage, LO-renzo s’intéresse à la question du corps dans l’environnement: comment se

fondre, ou ressortir dans un paysage naturel, social ou culturel? Dans ce triptyque, l’artiste cherche à se cacher, par ses vêtements et ses positions. Vêtu d’un treillis militaire, il s’installe comme un paresseux sur sa branche qui le dissimule, il se met également la tête dans un terrier à la manière de l’autruche, ou fait disparaître tout le haut de son corps dans un pli de terrain.

LO-renzoArtiste plasticien-performer

Camouflage : triptyque photographie couleur de la série arrhaine : tirage écosolvant - 120X180cmimpression sur bâche - 1 exemplaire / 2011


Née en 1980 à Ussel en Corrèze, Elsa Magrey est initiée dès 13 ans à l’art de la taille directe par son père également sculpteur de profession. Elsa Magrey est une artiste permanente de la Beddington Fine Art Gal-lery à Bargemon.

Elsa Magrey est une jeune sculptrice dont la matière de prédilection est l’ardoise. Elle travaille également le granit, ou le bois. Créer des sculptures verticales, des «totem» symbolise pour elle l’élévation vers la spiritualité, mais aussi la fertilité et la vie, à l’instar de l’Homme qui se tient debout. Un symbolisme très fort imprègne ses œuvres.

Cette sculpture est comme «une douce parenthèse dans la fuite du temps, pour danser au cœur de parfums d’enfance» commente la créatrice Le but ici est de jouer avec les paradoxes, rassembler le minéral et le végétal, l’éphémère et le durable, la fragilité et la solidité, la douceur et la force.

Accalmie, ardoise de Travassac. Hauteur 2.20m, largeur avec support 65 cm, épaisseur 4 cm. Création exclusive pour les Sentiers de la Sculpture.

Elsa MagreySculpteur


Laure MilletSculpteur

Laure Millet est née en 1969 en Bretagne, vit et travaille à Nice. Ecole des Beaux-Arts de Rouen.

Laure Millet explore le rapport entre le plein et le creux, entre la matière et le vide. Mais peut on identifier ces confins en les écartant l’un de l’autre?L’artiste se propose justement de les réconcilier en nous présentant, dans sa recherche la plus récente, une œuvre en suspension. Des bulbes, il ne reste plus que l’enveloppe légère qui suggère désormais un nid,

abritant ce qui était précédemment en gestation. A l’encontre des œuvres en béton qui chassent le vide pour s’emplir, on pressent ici le désir de l’accueillir, sans l’enfermer. La légèreté des matériaux créé un havre aérien, diaphane.Ainsi, dans cette apesanteur du plein, est venue se nicher une idée apaisée du vide.

Nid 135x66cm - Bulbe en bronze 40x80cm - Bulbes en béton 130x60cm et 150x17cm


Marcel PinasSculpteur & peintre

Né en 1971 à Pelgrimkondre - Marowijene au Suriname. Scénographe au Nola Hatterman Institute depuis 1992, Marcel Pinas vit et travaille entre les Pays-Bas, les Caraïbes et l’Amérique du Sud. Il fut également nommé au Young Global Leader en 2010 par le World Economic Forum, présidée par sa Majesté La Reine Rania de Jordanie. Marcel Pinas est un artiste permanent de la Beddington Fine Art Gallery à Bargemon.

Originaire du Suriname, Marcel Pinas est un sculpteur et un peintre du «symbolique». Il travaille pour faire revivre dans ses œuvres le patrimoine et la culture ancienne de son peuple ‘N’dyuka’, quasi-totalement effacée pour tou-jours par la guerre civile au Suriname : «Kibri a Kulturu» ou «Préservez la Culture».L’installation présentée au Polo Club Saint-Tropez est

composée de cuillères étincelantes, devenues musicales grâce au vent. Face à l’uniformité des objets domestiques, chaque famille grave, sculpte les objets du quotidien afin de leur donner une âme. Les cuillères, identiques, se différencient grâce aux motifs décoratifs qui portent un message unique avec le script «Afaka», la voie de communication pratiquée par son peuple.

Spoons - structure de 2m40x202x202 - pièce unique


Marc Aurel, designer

et Michel Redolfi, compositeur

Né en 1951 à Marseille, Michel Redolfi, compositeur, sound designer, créateur de la Musique Subaquatique, est un acteur atypique de la musique contemporaine qui aime ouvrir son art au grand public (design son du Tramway de Nice, du centre de la mer Nausicaa). Il est édité entre autres par Radio-France. Audionaute, son studio de création, est installé à Beaulieu-sur-mer. Marc Aurel est né à Strasbourg en 1963 et vit à Paris. Diplômé des écoles d’Arts et d’Architecture de Marseille, ancien collaborateur de Wilmotte, il est le créateur de mobiliers urbains stylisés et de meubles outdoor devenus des classiques. Il a dessiné également des luminaires pour Philips. Il est édité entre autres par Metalco. Son atelier de création est installé à Cassis.

Fruit d’une collaboration entre le compositeur/designer Michel Redolfi et le designer/urbaniste Marc Aurel, naît en 2010 le projet «Treccia», un banc sonore, magique et bucolique dont le tressage d’acier dégage des ondes musicales autour de son occupant (procédé exclusif sans recours au haut-parleur). Avec ce mobilier discrètement sensoriel on s’installe dans la sieste du futur. Les deux créateurs tiennent à donner un coup de chapeau (melon) au compositeur Erik Satie, une de leur source

d’inspiration. L’auteur des fameuses Gymnopédies avait anticipé le mouvement, dès 1917, avec ses lancinantes Musiques d’Ameublement, jouées en boucles immuables par des solistes installés dans des coins d’appartements. Satie annonça “la musique d’ameublement crée de la vibration ; elle n’a pas d’autre but ; elle remplit le même rôle que la lumière, la chaleur et le confort sous toutes ses formes ». Aurel & Redolfi, concrétisent avec le banc Treccia, le rêve de Satie.

Banc sonore Treccia - acier thermo laqué et acier corten - L192, l 50, h 83


Née en 1959 dans la cité des roses à Antibes, Martine Orsoni effectue un séjour à Rome à la Villa Médicis où elle s’imprègne d’art roman et médiéval. Elle fréquente ensuite, de 1979 à 1982, l’École des Beaux-Arts de Marseille. À cette époque, elle choisit de faire de l’emballage polystyrène le médium de son travail sculpté.

Martine OrsoniPeintre et sculpteur

Martine Orsoni est une artiste sensuelle, angélique et ludique. Dans ses sculptures et ses peintures, on découvre principalement la Femme, représentée souvent avec humour dans les actes de sa vie quotidienne : le ménage, la beauté, la cuisine et les loisirs. En 1983, Martine installe son atelier dans un vieux mas de Saint-Paul-de-Vence et très tôt son œuvre s’affirme comme l’une des plus spécifiques de la «figuration libre» (mouvement artistique des années 80 avec Combas, Di Rosa, Keith Haring…).De 1983 à 1999, de nombreuses réalisations importantes marquent l’évolution de la carrière de l’artiste : les décors

pour «Les derniers tarots» au théâtre de la Villa à Paris, la réalisation d’une fresque murale pour le festival du film à Cannes, l’installation d’une sculpture dans le patio de la Bremer Landesbank à Brême. Présenté dans une centaine d’expositions personnelles ou collectives, son travail est suivi notamment par les galeries De la Schürra (Fribourg), Scholtès (Nice), Pikinasso (Roanne), Egrégore (Lyon). On trouve ses oeuvres dans les collections suivantes: Bremer Landesbank (Allemagne), Swatch museum, Bienne (CH), Musée du Christ, Portalégre (Portugal), Musée de Montese, (Italie)...

«La déesse des délices»polyester polychrome

280x160x67 - pièce unique

«Marquise et la poulette», polyester polychrome

150x120x100 - pièce unique


Né en 1951 à Munich dans une famille d’écrivains, il vit et travaille à Saint-Tropez. Diplômé des Beaux Arts de Munich. Stefan Szczesny est un artiste permanent de la Beddington Fine Art Gallery à Bargemon.

Céramique «Standing Figure with Flowers on her Head», Hauteur 200 cm, 2007.

Stefan SzczesnyPeintre et sculpteur

Stefan Szczesny s’intéresse très jeune à la Renaissance Italienne et à la Rome antique. En 1978 il s’associe avec Adamski, Penck, Elvira Bach parmi d’autres, pour fonder le mouvement coloriste des «nouveaux fauves allemands». Il obtient le prix de Rome en 1982 remis par l’Académie Prussienne des Arts. Artiste voué inlassablement à la figuration, il brosse à grands traits noirs les contours d’une Eve contem-poraine, femme idéalisée, omniprésente dans son oeuvre

En 1996 il crée la Szczesny Factory. Attiré comme autant d’artistes du nord vers le Midi de la France, Szczesny s’installe en permanence à St Tropez en 2001. L’œuvre peinte, gravée, en céramique ou sculptures de Szczesny a connu un large succès en Europe et aux Etats Unis à travers d’innombrables expositions en solo et de projets architecturaux / commissions privées et publiques.En 2011, à l’invitation de Jaguar, l’artiste a installé ses ‘Shadow Sculptures’ sur la neige de St Moritz, sur le sable de l’île de Sylt (mer du Nord), sur l’eau de St Tropez, et dernièrement ici sur le gazon du Polo Club Saint-Tropez.


Née à Cannes, Diana Tournay vit et travaille à Mandelieu-la-Napoule. Artiste autodidacte.

Abeille solaire, h 2,50m fer trempé et plexiglas et reproduction à l’ordinateur de cellules polycristallines dans un silicium couleur miel. Création exclusive pour les Sentiers de la Sculpture.

Diana TournayPlasticienne

Attirée par le travail de matériaux comme le fer, l’acier, pour sa force sa pérennité et sa noblesse, ou le verre et le plexiglas pour sa fragilité et sa transparence, Diana Tour-nay aime associer des matériaux hétéroclites difficiles à assembler. Son travail s’inspire des thèmes de l’amour et de la liberté, et s’inscrit dans l’art actuel urbain.Son «Abeille solaire» est la seconde sculpture d’une série en acier, sur la base de formes géométriques, intégrées

dans leur environnement et dialoguant avec la nature, utilisant les cellules solaires en référence à nos cellules et à l’énergie solaire indispensable à la vie sur Terre. Ici des alvéoles d’une ruche sculptées dans l’invisible laissent apparaître une abeille, qui comme la fleur sont symboles de fragilité et de force de vie, d’équilibre et d’infini car on ne voit qu’une partie visible de la ruche qui pourrait s’étendre... à l’infini.


Fabien VerschaerePeintre et sculpteur

Né en 1975 à Vincennes, Fabien Verschaere vit et travaille à Paris. Beaux-Arts de Paris. Artiste représenté par la Galerie RX, Paris

Jeune artiste émergent de la scène contemporaine actuelle, Fabien Verschaere possède son univers à part. Au fil des années, il a élaboré un vocabulaire personnel, un nouvel alphabet onirique qui, au fil des compositions et des sujets, raconte des histoires. «Les héros de mon enfance créent ma mythologie personnelle» déclare l’artiste. Ce peintre plasticien novateur exprime un univers peuplé de monstres, de chimères, de créatures extraordinaires, mêlant les fantasmes et les craintes de l’enfance, créant des œuvres mi- oniriques, mi- cauchemardesques. Ces œuvres à la fois fascinantes et terrifiantes provoquent chez le spectateur une immersion

totale dans un monde unique, attractif et empreint de fantasmagorie. Très influencé par la culture pop, la mythologie, ou les éléments classiques de l’histoire de l’art, il est inspiré par les contes, le cirque, les bandes dessinées mais aussi par le fantasme et les craintes qui y sont liées. Les Dés de Fabien Verschaere ne sont pas une sculpture anodine. Créés dans le cadre d’une exposition au Palais de Tokyo «A Novel for Life», les Dés signifient que l’on joue souvent aux dés avec sa vie. Pour l’artiste, vivre c’est prendre le risque de mourir et d’aimer et chaque exposition est une partie menée avec le hasard.

Dés en résine - 100x100x100cm - 2/3, et 3/3.Vue de l’exposition Fantasmagorie, Musée d’Art Contemporain Les Abattoirs, Toulouse - Courtesy Galerie RX, Paris

Commissaire d’exposition, Valérie PenvenLes Sentiers de L’ART

6, rue Valperga. 06000 NICE T. +33 6 11 93 96 37

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