CP 14 + 18 - Opéra Orchestre National Montpellier | · PDF file ·...

14 + 18

Tous droits réservés, diffusion gratuite à usage pédagogique

Orchestre de l’Opéra national Montpellier Languedoc-Roussillon

Représentations scolaires Vendredi 5 juin 2015 - 14h30

Lundi 8 juin 2015 - 14h30

Représentation en famille Samedi 6 juin 2015 - 17h

Opéra Comédie

Durée : 1h40 environ Cahier pédagogique Saison 2014-2015 Service Jeune Public et Actions Culturelles 04 67 600 281 - www.opera-orchestre-montpellier.fr

14 + 18, Spectacle musical Livret de Marie-Ève Signeyrole et Simon Hatab Sur des musiques de Gounod, Fauré, Stravinsky, Mahler, Weill... Avec des textes de Guillaume Apollinaire, Montéhus, Berthe Sylva… Marie-Ève Signeyrole, mise en scène Simon Hatab, Marie-Ève Signeyrole, dramaturgie Julie Compans, chorégraphie Fabien Teigné, scénographie Valérie Blanvillain, chef de chœurs, direction musicale Caroline Révillion, costumes Maurice Fouilhé, collaboration aux lumières Sylvère Santin, Mireille Jouve, collaboration artistique à la mise en scène Alexia Laguerre, assistante costumière Benoît Menu, arrangeur musical Dan Martinello, assistant à la chorégraphie Galina Soumm, chef de chant Aurélio Croci, coordinateur Sylvère Santin, comédien élèves de CM2 de l’école Victor Schœlcher, élèves de CM2 de l’école de Montferrier-sur-Lez et les élèves de 5ème du collège Joffre, chœurs Orchestre national Montpellier Languedoc-Roussillon Coproduction Opéra national de Paris, Opéra de Reims, Opéra national de Nancy et Opéra Orchestre national Montpellier Languedoc-Roussillon

L’aventure 14+18

Cette saison 2014-2015, l’Opéra Orchestre national Montpellier Languedoc-Roussillon a proposé un nouveau projet de sensibilisation et d'éducation artistique, 14 + 18. D’envergure nationale et régionale, ce projet a reçu le label « Centenaire » de la Mission Centenaire 14-18 et il s’inscrit dans une collaboration avec les Opéras de Paris, de Lorraine et de Reims.

Marie-Eve Signeyrole, metteur en scène du projet, a imaginé une rencontre entre les élèves de 2014 et les écoliers de 1914. Ce voyage dans le temps permet de croiser les témoignages authentiques de personnages ayant vécu la guerre des tranchées, connus ou inconnus, des lettres de poilus aux Poèmes à Lou d'Apollinaire, en passant par Cendrars, Fournier, Céline... Suite à un appel à candidatures lancé en mai par le service Jeune Public et Action Culturelle de l'OONMLR, trois classes ont été sélectionnées être les interprètes de ce spectacle : une classe de CM2 de l’Ecole Victor-Schœlcher à Montpellier, une classe de CM2 de l’Ecole de Montferrier-sur-Lez et une classe de 5ème du Collège Joffre à Montpellier. Pendant dix mois, les élèves de ces trois classes ont travaillé le chant, la danse et le théâtre, à travers des ateliers menés respectivement par Valérie Blanvillain, Dan Martinello et Sylvère Santin. Tous les rôles solistes seront interprétés par des élèves, qui seront accompagnés par des solistes de l’Orchestre national Montpellier. Le spectacle a été conçu par Simon Hatab et Marie-Eve Signeyrole, qui en a également signé la mise en scène. Autour de ce projet pédagogique et artistique, une exposition a été imaginée sur la thématique des courants et des grandes figures artistiques de la Grande Guerre. Elle comprendra des œuvres originales pluridisciplinaires (littéraires, plastiques, sonores etc.) des écoles élémentaires Monferrier, Schœlcher et Vacquières, des collèges Joffre, Les Escholliers de la Mosson, Internat d’Excellence, Pic Saint Loup, des lycées Jules Ferry et Jean Monnet, des lycées agricoles Frédéric Bazille et Marie Durand et du Club philatélique.

Argument Les élèves d’une classe de 1914 et ceux d’une classe de 2014 mettent en jeu les réalités liées à la Grande Guerre à travers dialogues et musiques emblématiques et transportent les spectateurs dans un espace-temps à géométrie variable. Le sujet du spectacle est la Grande Guerre, à l'occasion du centenaire de la Première Guerre Mondiale. Marie-Eve Signeyrole, metteur en scène du projet, a imaginé une rencontre entre les élèves de 2014 et les écoliers de 1914. Ce voyage dans le temps permet de croiser les témoignages authentiques de personnages ayant vécu la guerre des tranchées, connus ou inconnus, des lettres de poilus aux Poèmes à Lou d'Apollinaire, en passant par Léopold Cendrars, Michel Fournier, Louis-Ferdinand Céline... Des horreurs du champ de bataille aux formidables révolutions artistiques et esthétiques nées de ces années d'effervescence et de tragédie résultera un des bouleversements majeurs du XXème siècle et de la pensée occidentale.

1ère journée commune – 29 septembre.

Interview avec Marie-Ève Signeyrole, metteur en scène Comment s'est élaboré 14+18 ? J’ai cherché à construire « un objet » capable de faire dialoguer plus de 100 enfants et adolescents issus de régions différentes, de les rapprocher d’une période qui leur est étrangère et d’une génération parfois oubliée au sein de leur propre famille. De là, l’idée de situer l’action en classe, lieu d’apprentissage et de transmission, d’adopter le point de vue de l’enfant et d’engager un face-à-face entre deux générations : celles de 1914 et de 2014. Ainsi, les arrière-arrière-petits-fils et filles interrogent leurs ancêtres sur le sens de cette guerre et « jouent » ensemble à ce jeu dangereux. Le drame étant déjà inscrit dans les faits, il n’était pas à construire. Il fallait en revanche extraire des virgules, des respirations, de l’innocence, des fous-rires même. Ceux qui survivent à l’atrocité. Garder en permanence l’idée que des enfants allaient se l’approprier. Trouver un langage commun à cette centaine d’enfants pour qu’ils s’approprient un parler parfois populaire, parfois littéraire mais toujours déchirant. Quels sont les enjeux du travail de mise en scène avec des adolescents sur un tel projet ? Mettre des mots durs, des mots d’acier et de sang dans leur bouche est simple sur le papier, et plus difficile en réalité. Ensuite, on se raisonne : ce n’est pas nous qui leur confions cette histoire, puisque c’est finalement la leur. Les enfants se délectent des textes d’auteurs, de les entendre, de les dire, de les analyser, et parfois même de nous en expliquer le sens. Ce sont aussi des mots de soldats, souvent d’hommes anonymes qui nous survivent et à qui les enfants prêtent leurs voix. Puis, à leur tour, avec leur professeur, ils se servent de ces textes comme d’un outil de travail et écrivent au début « à la manière de » puis avec leurs propres mots. Les professeurs nous font parvenir leurs courriers de « jeunes poilus », que nous allons intégrer au spectacle. C’est d’ailleurs à leur lecture que l’on comprend à quel point leur histoire les touche. Comment les élèves réagissent-ils à ce voyage artistique et historique ? Ce type de projet sort les enfants du cadre scolaire. Ils sont en immersion dans des théâtres, des lieux d’histoire et de féerie qui mettent dans leurs yeux une curiosité nouvelle, l’impression qu’ils vont toucher à quelque chose de particulier. Ensuite, il y a le regard de l’autre : jouer, chanter, danser devant les autres. Étrangement, ils sont extrêmement bienveillants entre eux, parce qu’ils savent sans doute eux-mêmes l’effort considérable que cela représente. C’est d’ailleurs plus facile en primaire qu’au collège où le regard sur soi, et, implicitement le regard de l’autre comportent d’autres enjeux. 14+18 est un outil formidable pour certain et pour d’autres une épreuve que nous surmontons ensemble. Les élèves avec qui nous travaillons, répondent très différemment à nos propositions, selon leur âge, leur histoire… Il faut donc s’adapter et se concentrer sur l’aspect pédagogique plus que sur le spectacle, même si pour la plupart il s’agit de leur projet. Ce n’est déjà presque plus le nôtre… Un reportage en trois étapes a été réalisé sur ce projet : Episode 1 : https://www.youtube.com/watch?v=mgGb58JZb2Q Episode 2 : https://www.youtube.com/watch?v=woOWjudmugE Episode 3 comportant une interview avec Marie-Ève Signerole : https://www.youtube.com/watch?v=pBlE_Aum0eI

Quelques lettres extraites du livret Cher Maître, Si vous saviez comme on s'enuie par les jours noirs et les nuits blanches, comme au long des lignes téléphoniques la boue des boyaux colle aux semelles lourdes d'eau, si vous saviez comment est long ce troisième hiver de batailles, comme on est seul au milieu des camarades, quand on redit toutes les paroles de la veille, quand il ne faut pas dormir. Si vous saviez qu'elles nous manquent vos histoires. Si j'osais vous demander. Peut-être parmi tous les livres que vous avez dans votre bibliothèque, vous en trouveriez dans un coin deux ou trois fatigués et ternis que vous pourriez nous envoyer ? S'il en est ainsi, pour moi et les autres à qui vous aurez fait oublier quelques heures grises, je vous remercie de tout mon cœur. Roger D. 7 septembre 1915 de Françoise Marette 9 ans à Pierre DEMMLER Mon cher Oncle Pierre, je te remercie de ta lettre qui m’a fait beaucoup de plaisir. Je voudrais bien me marier avec toi l’année prochene, mais je ne peut pas parce que je suis encors trop petite, mais hier en me promenant j’ais souffler sur une chandelle de Monsieur le curé et tous les machins sont partit d’un seul coup alors petètre toudemême que je pourer me marier avec toi quand canmême mais je ne sais pas si cette chandelle a mentis. Je pense que tu tura beaucoup de boche. Je t’embrasse bien fort et je suis ta fienser. Ta vava Lettre 11 septembre 1915, De Vava à mon Oncle Pierre « Mon Dieu ! Protéger l’oncle Pierre et aussi tout les papa des pauvres enfant dont la maman est morte et qui sont tout seul et aussi tout les orphelin de la guerre et il y a beaucoup de maman qui ont été chassé des villes des pays et en s’ennalant il sont mort de chagrin en pensant que leur mari est mort et il leisse quelque fois 1 enfant 2 enfants 3 enfants 4 enfants 5 enfants 6 enfant et quelque fois jusqu’à 16 enfants alors mon Dieu je devrai être bien sage aulieu d’être malobnête avec Jacqueline comme je suis toujours, pendant que je jou, il se passe des choses oribles. J’ai beaucoup de peine d’avoir été mechante. Françoise Marette dite Françoise Dolto Mon cher Papa, « Maman a trouvé qu’une des bagues était petite et m’allait très bien. Elle me l’a offert en ton nom et j’en suis ravi. Je ne la quitte plus. Je couche avec et à l’école les garçons voudraient en avoir une, car ils sont envieux. Tout les jours je la fais briller ; Merci encore. Je t’embrasse de tout mon cœur mon cher papa en attendant le jour ou nous nous retrouverons tous les 4 et pour toujours. Ton fils qui t’aime Le 7 octobre 1915, d’Alexandre à son épouse Amelie « Ma chère Amelie, Je suis heureux de tout ce que tu me racontes des fillettes, mais je n’ai pas besoin de te recommander pas de surmenage pour Madeleine, qu’elle étudie mais qu’elle joue. Dans les yeux de ceux qui nous regardent partir, sans doute sommes nous beaux… et grands. Nous allons par là-bas, où l’on meurt, où l’on est défiguré, haché, déchiré… et nous y allons… au pas, au son des cuivres aigus… Nous portons dans nos cartouchières la mort. Nos fusils tuent. Nous sommes forts et doux peut-être… Nous sommes une bête formidable qui pourrait broyer un enfant, sans le voir, sans entendre ses cris et sa plainte. Nous sommes un énorme troupeau de formidables douleurs… Alexandre »

Chère Lucie, Quand cette lettre te parviendra, je serai mort fusillé. Voici pourquoi : le 27 novembre, vers 5 heures du soir, après un violent bombardement de deux heures, dans une tranchée de première ligne et alors que nous finissions la soupe, des Allemands se sont amenés dans la tranchée, m’ont fait prisonnier avec deux autres camarades. J’ai profité d’un moment de bousculade pour m’échapper des mains des Allemands. J’ai été accusé d’abandon de poste en présence de l’ennemi. Nous sommes passés vingt-quatre, hier soir, au conseil de guerre. Six ont été condamnés à mort, dont moi. Il faut un exemple. Mon portefeuille te parviendra et ce qu’il y a dedans. J’espère te revoir dans un monde meilleur. Je meurs innocent du crime d’abandon de poste qui m’est reproché. Ma dernière pensée, à toi jusqu’au bout.

La vie dans les tranchées Plus encore que les grandes batailles - Verdun, la Somme, Passchendaele -, les tranchées ont profondément marqué la Première Guerre mondiale : l’ennui, le froid, la boue, la vermine, la misère... sont décrits dans de nombreux journaux intimes et autres documents personnels. Le principal fléau des tranchées est le mauvais temps. La moindre averse transforme la terre agricole, grasse et fertile, en un énorme bourbier. Outre la boue, il y a le froid. Durant l’hiver 1917, il gèle jusqu’à moins 20 degrés à Ypres. Dans et autour des tranchées, les rats foisonnent. Ils mangent les maigres repas des soldats et grignotent aussi les nombreux cadavres non enterrés dans le no mans’ land. Les poux constituent un autre fléau auquel personne n’échappe, vu le manque d’hygiène dans les tranchées. Les soldats souffrent de problèmes physiques, mais mentalement aussi, leur vie est un supplice. Le sentiment dominant est l’ennui. Le manque de sommeil, l’impuissance exaspérante, la confrontation constante avec la mort et les mutilations entraînent un grand épuisement.

Bibliothèque royale de Belgique Tous droits réservés, diffusion limitée et gratuite à l’usage pédagogique

Le retour de la censure pendant la Première Guerre mondiale Le 2 aout 1914, le décret sur l’état de siège suspend la liberté de la presse. Désormais, l’autorité militaire peut interdire toute publication jugée dangereuse. Le lendemain, est créé le bureau de la presse du ministère de la guerre qui est chargé d’organiser la censure. Les journaux sont soumis à un régime de contrôle préalable afin de supprimer toute critique et d’empêcher la diffusion de renseignements à l'ennemi. Les journalistes doivent soumettre leur travail à l’administration et éventuellement procéder aux modifications exigées. Les coupures ou « caviardages » sont révélés par des « blancs » dans les colonnes des journaux. Certains choisissent parfois d’outrepasser les instructions, publient les articles dans leur intégralité et prennent alors le risque d’une sanction. Pour compenser les interdictions faites aux journalistes de mener leurs propres enquêtes, l’État-major leur donne quotidiennement trois communiqués officiels qui donnent une version souvent inexacte des opérations. La censure politique cesse avec la levée de l’état de siège le 12 octobre 1919.

Archives départementales de l’Allier Tous droits réservés, diffusion limitée et gratuite à l’usage pédagogique

Episode de la trêve de Noël La trêve du front de 1914 est sans doute l'un des événements les plus marquants de la Grande Guerre. Le 24 décembre, dans l'horreur des tranchées, les armes se taisent. D'un côté les Anglais ; de l'autre, les Allemands. Sans aucune concertation, sur des centaines de kilomètres de front, les deux camps ennemis se rapprochent et, pour un instant, fraternisent. Ce devait être une guerre éclair. Décembre 1914, déjà 300.000 morts en quatre mois, ce n'est que le début. Les troupes sont épuisées. Sur les lignes du front belge, le moral est au plus bas. Un film raconte l'histoire de ce ténor et officier allemand, Walter Kirchhoff, qui entonne un chant dans la nuit. « Douce nuit », un hymne de Noël cher aux chrétiens. À quelques dizaines de mètres, comme en écho, les notes d'une cornemuse jaillissent des tranchées britanniques. Et ce ne sont que les prémices d'une incroyable nuit de trêve. Les ennemis s'avancent, prudents dans le no-man's land et fraternisent. C'est une parenthèse dans cette inhumanité de la guerre de la part d'Hommes qui entendent le rester. Dès le 26 décembre, les combats reprennent impitoyables. Le « Boche » redevient l'ennemi héréditaire des Français. Mais tout au long de la guerre, des milliers de soldats vont s'offrir mutuellement des moments de paix. Il y a eu d'autres fraternisations après Noël 1914 mais pas nécessairement au moment de Noël. Car pour éviter les fraternisations, le commandement a compris qu'il fallait par exemple bombarder les lignes ennemies ce jour-là pour éviter que les hommes sortent des tranchées et qu'ils se serrent la main. Dès 1915, la presse britannique publie des dessins de ces fraternisations puis des photos. Pas la France, ni l'Allemagne : le sujet est tabou.

France TV info Tous droits réservés, diffusion limitée et gratuite à l’usage pédagogique

Corpus musical Prélude Première gymnopédie, Erik Satie Mobilisation La Jeune Garde, Montéhus sur une musique de Saint-Gilles (Arrangement pour violoncelle, piano, tambour, clairon) Le départ L’Histoire du soldat, La marche du soldat, Igor Stravinsky (Version existante pour trio violon, violoncelle, piano) Faust, Gloire immortelle, Charles Gounod Première nuit Sonate pour violoncelle et piano, Claude Debussy Les petits facteurs Sonate pour piano et clarinette, Francis Poulenc Lettre à Lou Si je mourrais là-bas, paroles de Guillaume Apollinaire sur une musique de Jean Ferrat Première bataille Le Sacre du Printemps, Danse des adolescentes, Igor Stravinsky (Diffusion d’un enregistrement) Les Anges blancs À la claire fontaine, chanson populaire Trois beaux oiseaux du paradis, Maurice Ravel Le déserteur Des Knaben Wunderhorn, Der Tamboursg'sell, Gustav Mahler La censure Bleuet, Paroles de Guillaume Apollinaire sur une musique de Francis Poulenc Noël des enfants qui n'ont plus de maison, Claude Debussy Arrêter les aiguilles, Berthe Sylva (Version piano-chant) Les femmes à l’arrière Du gris, Berthe Sylva (Version piano-chant)

Les Poux Le Vol du Bourdon, Nicolaï Rimski-Korsakov (Arrangement pour quatuor à cordes) Joyeux noël Stille nacht, chanson populaire Deuxième bataille Kaiserwalser, Johan Strauss Les pupilles Les berceaux, Gabriel Fauré (Arrangement)

Journée commune du 29/09/2014 exercice corporel

Erik Satie Erik Satie est un compositeur français de la fin du XIXème et du début du XXème siècle ; il se rattache à la musique moderne. Il est connu pour son style particulier, caustique et personnel, dirigé notamment contre les conventions du romantisme. Satie commence l’apprentissage de la musique auprès de l’organiste de Honfleur, puis entre au Conservatoire de Paris où il obtient des résultats médiocres. Ses premières mélodies sont publiées dès 1887 par son père (Gymnopédies) ; dès cette période, Satie est précurseur dans plusieurs domaines qui s'épanouiront bien plus tard : musique graphique (absence de barres de mesure) et conceptuelle, musique de collage.

Tous droits réservés, diffusion limitée et gratuite à l’usage pédagogique Il s’installe à Montmartre et travaille comme pianiste-accompagnateur au cabaret Le Chat Noir, où il se lie avec Mallarmé, Verlaine et Claude Debussy. Il compose des pièces selon ses amitiés du moment : Le Fils des Étoiles pour la Rose-Croix, Uspud (ballet chrétien) avec le poète Contamine, Danses gothiques puis Vexations en rapport avec son amante Suzanne Valadon. Quelque temps après avoir formé l’Église Métropolitaine d’art de Jésus-Conducteur, il se consacre brusquement à l’univers du music-hall. À 39 ans, il décide d’obtenir un diplôme à la Schola Cantorum de Vincent d’Indy, il décroche la mention Très Bien, comme pour contredire ses détracteurs (Trois morceaux en forme de poire). Au moment de la Guerre, il fait la connaissance de Jean Cocteau, avec qui il collabore dans le cadre d’un ballet puis dans le contexte de l’éclosion du Groupe des Six (Georges Auric, Louis Durey, Arthur Honegger, Darius Milhaud, Francis Poulenc, Germaine Taillefferre). Toute sa vie, Satie s’est inscrit contre le conformisme artistique du moment (romantisme, impressionnisme, wagnérisme), en adhérant par exemple au mouvement du dadaïsme, en se tenant à l'écart de la vie mondaine parisienne et en méprisant ouvertement les critiques musicaux de son temps. Sa renommée de provocateur dépasse parfois le vrai rôle que sa musique, à la fois avant-gardiste, accessible et épurée, a joué au seuil du XXème siècle. Satie en 6 dates : • 1879 : Études au Conservatoire de musique. • 1891 : En compagnie de Claude Debussy, Satie s’engage dans l’Ordre kabbalistique de la Rose-Croix, dirigé par le sâr Peladan. • 1893 : Liaison brève mais passionnée avec Suzanne Valadon (peintre). • 1905 : Inscription à la Schola Cantorum ; étude du contrepoint avec Vincent d’Indy. • 1915 : Rencontre avec Jean Cocteau ; ils sont à l’origine de la création du Groupe des Six en 1920, constitué en réaction contre le wagnérisme et l’impressionnisme. • 1919 : Rencontre avec Tristan Tzara ; découverte du dadaïsme.

Satie en 6 œuvres : • 1888 : Trois Gymnopédies, pour piano • 1890 : Six Gnossiennes, pour piano • 1903 : Trois morceaux en forme de poire, pour piano à 4 mains • 1914 : Sports et divertissements, 21 pièces pour piano, avec des dessins de Charles Martin • 1917 : Parade, ballet en un acte créé à Paris (poème de Jean Cocteau, mise en scène de Pablo Picasso) • 1918 : Socrate, œuvre pour piano ou orchestre et voix •1924 : Relâche, ballet

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Première gymnopédie Les trois Gymnopédies d’Erik Satie sont des œuvres pour piano publiées en 1888 à Paris. Que signifie ce terme ? Peu d'auditeurs des Gymnopédies (1888) d'Erik Satie connaissent l'origine de ce mot grec. À Sparte, lors du passage de l'enfance à l'adolescence, les rites d'initiation du futur citoyen se terminaient par les gymnopédies. Les garçons devaient tenir debout, exposés nus en plein soleil, parmi les chœurs de danse. Ces fêtes célébrées en l'honneur d'Apollon auraient été organisées pour la première fois par Thalétas de Crète (~ VIIème siècle). Les athlètes des jeux (lancement du javelot, du disque, etc.) rythmaient leurs évolutions au son de la flûte. Des scènes de chasse et autres sports étaient mimées par de jeunes Lacédémoniennes nues, dont les Athéniens se moquèrent en les traitant de phénomérides (« montreuses de cuisses »).

« GYMNOPÉDIE », Encyclopædia Universalis Pierre-Paul LACAS

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La Jeune Garde, Montéhus sur une musique de Saint-Gilles (Arrangement pour violoncelle, piano, tambour, clairon) Ce chant de la jeunesse ouvrière de France est composé avant le Congrès de Tours (décembre 1920), congrès de fondation du Parti Communiste. Avant la Seconde Guerre Mondiale, il fut chanté aussi bien par les jeunesses socialistes que par les jeunesses communistes. La version originale de Montéhus commençait par : « Nous sommes la jeune France... ». Les mouvements communistes l’ont substitué pour : « Nous sommes la Jeune Garde... ». Les deux premiers couplets sont de Montéhus, les autres ont été ajoutés par la suite. On remplace souvent aujourd'hui l' « ordre nouveau » du dernier couplet, de fâcheuse résonnance, par « monde nouveau ».

Nous sommes la jeune garde Nous sommes les gars de l’avenir

Élevés dans la souffrance, Oui, nous saurons vaincre ou mourir.

Nous combattons pour la bonne cause, Pour délivrer le genre humain Tant pis si notre sang arrose Les pavés sur notre chemin.

Refrain

Prenez garde ! Prenez garde ! Vous les sabreurs, les bourgeois, les gavés, et les curés

V’là la jeune garde ! V’là la jeune garde, Qui descend sur le pavé.

C’est la lutte finale qui commence, C’est la revanch’ de tous les meurt de faim

C’est la révolution qui s’avance, Et qui sera victorieuse demain.

Prenez garde ! Prenez garde ! À la jeune garde !

Enfants de la misère, De force nous sommes des révoltés

Nous vengerons nos pères Que des brigands ont exploités. Nous ne voulons plus de famine

À qui travaille il faut du pain, Demain nous prendrons les usines,

Nous sommes des hommes et non des chiens.

Nous n’voulons plus de guerre Car nous aimons l’humanité,

Tous les hommes sont nos frères Nous clamons la fraternité, La République universelle,

Tyrans et rois tous au tombeau ! Tant pis si la lutte est cruelle

Après la pluie le temps est beau.

Quelles que soient vos livrées, Tendez-vous la main prolétaires.

Si vous fraternisez, Vous serez maîtres de la terre.

Brisons le joug capitaliste, Et bâtissons dans l’monde entier,

Les États-Unis Socialistes, La seule patrie des opprimés.

Pour que le peuple bouge,

Nous descendrons sur les boulevards. La jeune Garde Rouge

Fera trembler tous les richards ! Nous les enfants de Lénine Par la faucille et le marteau

Et nous bâtirons sur vos ruines Le communisme, ordre nouveau !

Le Drapeau Rouge

Recueil de chants révolutionnaires Tous droits réservés, diffusion limitée et gratuite à l’usage pédagogique

Igor Stravinsky Igor Fiodorovitch Stravinsky est un compositeur, pianiste et chef d’orchestre russe (naturalisé Français puis Américain), du XXème siècle.

L’unité de son œuvre s’observe dans son audace, l’ensemble de ses compositions s’applique à oser franchir les barrières des conventions stylistiques. Véritable citoyen du monde, il nait en Russie, se réfugie en Suisse pendant la première guerre mondiale, s’installe ensuite de la France où il obtient la nationalité. Il se lie d’amitié avec toute une partie de l’intelligentsia avant-gardiste. On peut citer son amitié sincère pour Picasso, ou sa liaison avec Coco Chanel. Il part ensuite pour les États-Unis, où il obtient aussi la nationalité.

Tous droits réservés, diffusion limitée et gratuite à l’usage pédagogique Son père chanteur et sa mère pianiste, Stravinsky est affecté par le manque de tendresse reçue dans sa jeunesse, et l’insistance de ses parents pour qu’il ne fasse pas de la musique son métier. Il suit donc des cours de Droit à l’université de Saint-Pétersbourg à partir de 1901, en même temps que des leçons d’harmonie et de contrepoint. À la mort de son père, il abandonne peu à peu le droit pour se consacrer entièrement à la musique. Sa rencontre avec Rimski-Korsakov fut décisive, il devient son professeur de musique. Il lui enseigne principalement l’orchestration et les formes classiques. Le début de la carrière de Stravinsky est intrinsèquement lié à sa rencontre avec Diaghilev, il compose la musique des ballets russes de ce dernier qui remporte un franc succès, Stravinsky devient célèbre. Ses compositions, par leur aspect provocateur car hors des codes classiques, ne plaisent pas à tous, le Sacre du Printemps notamment suscite la moquerie et le scandale. L’évolution de sa carrière et de son œuvre peut se découper en plusieurs parties, d’abord très inspiré par le folklore russe, il se tourne ensuite vers un style plus dépouillé, avant de retourner à des formes plus classiques. Enfin, il s’intéresse à la musique sérielle, dans la lignée du chromatisme de Schönberg (pourtant sceptique à l’origine) et exploite ces champs de possibilités dans ses compositions. Sa vie en 6 dates :

1906 : Il épouse sa cousine Catherine Gavrilona Nossenko avec qui il a 4 enfants. 1908 : Mort de son maitre Rimski-Korsakov. 1917 : Stravinsky passe du temps à Rome entouré de Cocteau, Massine, Picasso. 1935 : Sont publiées les Chroniques de ma vie écrites par Stravinsky. 1945 : Il obtient la nationalité américaine et s’installe à Hollywood. 1962 : Il est invité en URSS pour ses 80 ans. Après 48 ans d’exil, il retourne sur sa terre natale.

Son œuvre en 6 dates : 1907 : Symphonie en mi bémol composée lors de son apprentissage avec Rimski-Korsakov 1913 : Le Sacre du printemps pour les Ballets russes de Diaghilev 1919 : Piano Ragtime Music 1923 : Les Noces 1948-1951 : The Rake’s Progress 1956 : Canticum Sacrum

Biographie France Musique

Tous droits réservés, diffusion limitée et gratuite à l’usage pédagogique L’Histoire du soldat, La marche du soldat (Version existante pour trio violon, violoncelle, piano) Note de programme Stravinsky avait fait la connaissance de Ramuz à l'automne 1915, par l'entremise d'Ansermet. L'écrivain vaudois avait travaillé avec lui à l'adaptation française des textes de Noces, de Pribaoutki, des Berceuses du Chat et de Renard. À la fin de 1917, alors qu'il était dans une situation matérielle et morale pénible, le musicien conçut avec Ramuz le projet d'une œuvre pour « une espèce de petit théâtre ambulant » avec des moyens modestes dont les éléments narratifs seraient tirés d'un des contes populaires russes publiés par Afanasiev, « Le déserteur et le diable ». Ramuz travailla constamment au texte de février à août 1918, tandis que la partition de Stravinsky est datée de Morges du 6 avril au 23 septembre. La vie théâtrale étant alors presque nulle, la réalisation du projet ne put voir le jour que grâce à la générosité de Werner Reinhart. Les décors furent confiés à René Auberjonois, la mise en scène à Georges et Ludmila Pitoëff, la direction des sept musiciens assurée par Ansermet. C'est ainsi que cette œuvre, prévue pour un spectacle forain, vit le jour le 28 septembre 1918 au théâtre plutôt bourgeois de Lausanne. Deux ans plus tard, Ramuz publia seul un texte largement révisé, tandis que Stravinsky discutait avec Diaghilev d’une représentation de l'œuvre dans le cadre des Ballets Russes. Des répétitions eurent lieu à Londres, mais Ansermet avait des difficultés à trouver des interprètes, tandis que ni Picasso ni Rouché n'en voulaient et que le chorégraphe Massine était surchargé. Le Soldat fut exécuté sous forme de Suite à Londres le 20 juillet 1920 et à Genève en 1923 avec de notables modifications dans la partition (notamment l'amplification de la dernière danse du Diable). C'est l'année 1924 qui fut décisive pour la diffusion de l'œuvre ; la partition fut publiée chez Chester et des représentations eurent lieu à Berlin, Zurich et Paris. Ce n'est cependant que beaucoup plus tard que l'Histoire du Soldat devait parvenir à toucher les publics neufs auxquels pensaient ses créateurs. L'histoire est inspirée du « cycle de légendes ayant trait aux aventures du soldat déserteur et du Diable qui, par ses artifices, arrive infailliblement à lui ravir son âme ». Stravinsky expliquait ainsi le choix des instruments qui ont chacun un rôle de soliste : « Je ne voyais donc pas d'autre solution que de m'arrêter à un groupe d'instruments, à un ensemble où puissent figurer les types les plus représentatifs, l'aigu et le grave, des différentes familles instrumentales. Pour les archets : le violon et la contrebasse (son registre étant le plus étendu), le basson ; pour les cuivres : la trompette et le trombone ; enfin la percussion manipulée par un seul musicien, le tout, bien entendu, sous la direction d'un chef. Autre chose encore rendait cette idée particulièrement attrayante, c'est l'intérêt que présente pour le spectateur la visibilité de ces instrumentistes ayant chacun à jouer un rôle concertant. Car j'ai toujours eu horreur d'écouter la musique les yeux fermés, sans une part active de l'œil... »

Quant à la mise en scène, il la concevait ainsi : « … placer mon petit orchestre pour l'Histoire du Soldat bien en évidence d'un côté de la scène, tandis que de l'autre côté se trouvait une petite estrade pour le lecteur. […]

Programme du Festival d'Automne à Paris, 1980 Site de l’IRCAM

Tous droits réservés, diffusion limitée et gratuite à l’usage pédagogique Le Sacre du Printemps, Danse des adolescentes (Diffusion d’un enregistrement) Note de programme L'idée de la composition du Sacre du Printemps suivit la composition de l'Oiseau de Feu mais sa réalisation dut attendre que Petrouchka soit achevé. En finissant à Saint-Pétersbourg les dernières pages de l'Oiseau de Feu, j'entrevis un jour, de façon absolument inattendue, car mon esprit était alors occupé par des choses tout à fait différentes, j'entrevis dans mon imagination le spectacle d'un grand rite sacral païen : les vieux sages, assis en cercle et observant la danse à la mort d'une jeune fille qu'ils sacrifient pour leur rendre propice le dieu du printemps. Ce fut le thème du Sacre du Printemps. Je dois dire que cette vision m'avait fortement impressionné et j'en parlai immédiatement à mon ami le peintre Nicolas Roerich, spécialiste de l'évocation du paganisme… À Paris, j'en parlai aussi à Diaghilev qui s'emballa d'emblée pour ce projet. (Igor Sravinsky) On sait le scandale que provoqua la création de cette œuvre « révolutionnaire ». Le Sacre du Printemps a servi de repère à tous ceux qui ont établi l'acte de naissance de ce que nous appelons encore musique contemporaine. À peu près au même titre, et vraisemblablement pour les mêmes raisons, que les Demoiselles d'Avignon de Picasso. Sorte d'œuvre-manifeste, elle n'a cessé depuis sa création, d'alimenter d'abord les polémiques, puis les louanges, enfin les mises au point. Elle n'a donc point cessé, depuis cinquante ans, d'être présente. Paradoxalement, jusqu'à ces dernières années, le Sacre a « fait carrière » beaucoup plus comme œuvre de concert que comme ballet. Et encore maintenant, malgré quelques productions retentissantes, les exécutions « symphoniques » dépassent de beaucoup, en nombre, les exécutions scéniques. D'autre part, de même que le nom de Schoenberg reste identifié avant tout au Pierrot Lunaire, de même le nom de Stravinsky reste accolé au Sacre du Printemps, je dirais au Phénomène Sacre du Printemps : œuvre et contexte réunis. Cette « pièce » est devenue, par elle-même et par la légende vite répandue autour de sa création, un moment exemplaire de la modernité.

Même si, aujourd'hui, le paysage historique apparaît plus multiple, et la personnalité de Stravinsky plus complexe, nul ne peut encore échapper à l'excitation physique provoquée par la tension et la vie rythmiques de certaines sections dont on imagine sans peine quelle stupeur elles ont dû provoquer dans un monde où l'esthétique du « civilisé » s'épuisait souvent en gracieusetés moribondes. C'était le sang neuf venant des « barbares » une sorte d'électrochoc appliqué sans ménagement à des organismes chlorotiques. On emploie en algèbre le terme de simplification quand on réduit les termes d'une équation à une expression plus directe. C'est bien dans ce sens que l'on peut parler du Sacre comme d'une simplification essentielle. Elle réduit les termes d'un langage complexe et permet de repartir sur des bases nouvelles. »

Pierre Boulez, programme du Festival d'Automne à Paris, 1980 Site de l’IRCAM


Le Sacre du Printemps, Ballet de Maurice Bejart


Charles Gounod Charles Gounod est un compositeur français du XIXème siècle. Il est connu principalement pour ses opéras et ses mélodies, et dans une moindre mesure pour son œuvre religieuse. Elevé dans une famille de mélomanes, Charles Gounod reçoit l’enseignement de Halévy et Lesueur au Conservatoire de Paris. Il gagne le Prix de Rome en 1839, et réside à la Villa Médicis où il étudie la musique religieuse. En 1843, il devient maître de chapelle et organiste (église des Missions Etrangères) ; il suit également des cours de théologie, mais abandonne l’idée d’entrer dans les ordres peu après l’avènement de la Deuxième République.

Tous droits réservés, diffusion limitée et gratuite à l’usage pédagogique Gounod étudie Lully, Gluck, Mozart et s’enthousiasme pour Rossini : il est résolument attiré vers le théâtre lyrique et compose ses premières œuvres sans grand succès (Sapho, Ulysse). Son cinquième opéra, Faust, remporte finalement l’adhésion du public et de la critique. Pourtant il constitue une rupture avec le bel canto italien, privilégiant le lyrisme mélodique à la virtuosité vocale. Cet opéra marque la renaissance de l’art lyrique français, perceptible également dans ses nombreuses mélodies d’une écriture épurée et sobre, dont les lignes vocales épousent l’accentuation naturelle de la langue. Après la création de trois opéras peu remarqués, Gounod retrouve le succès avec Roméo et Juliette (1867) ; c’est l’apogée de sa carrière. Suivent encore quelques œuvres lyriques (Jeanne d’Arc, Polyeucte). À la fin de sa vie, Gounod n’écrit plus que de la musique sacrée, dont plusieurs messes ainsi que deux célèbres oratorios, Rédemption et Mors et Vita. L’œuvre de Gounod traduit la sensibilité littéraire du compositeur, qui s’attache à dévoiler les sentiments les plus ténus de l’âme ; par son écriture claire et mesurée, Gounod a contribué à la définition du style français dont les héritiers seront Bizet, Lalo ou Saint-Saëns, par opposition au bel canto italien ou le romantisme wagnérien. Gounod en 6 dates

1839 : Grand Prix de Rome pour sa cantate Fernand 1843 : Maître de chapelle et organiste de l’église des Missions Etrangères 1851 : Création de son premier opéra, Sapho 1852 : Édition de la première partition de Gounod Ulysse 1852-70 : Président des Orphéons de Paris 1870 : Exil en Angleterre au moment de la guerre

Gounod en 6 œuvres 1855 : Messe solennelle de Sainte-Cécile 1859 : Faust, opéra en 5 actes, sur un livret de Jules Barbier et Michel Carré d’après la pièce de

Goethe ; créé au Théâtre Lyrique 1864 : Mireille, opéra en 5 actes sur un livret de Michel Carré d’après un poème provençal de

Frédéric Mistral (Mireio) 1867 : Roméo et Juliette, opéra en 5 actes, livret de Jules Barbier et Michel Carré d’après la pièce

de Shakespeare ; créé au Théâtre Lyrique 6 Mélodies 1885 : oratorio Mors et Vita

Faust, Gloire immortelle Lorsque Gounod part en 1939 pour la Villa Médicis à Rome, il emporte avec lui l’œuvre de Goethe et songe déjà à l’opéra qu’il composera un jour et notamment à La nuit de Walpurgis. L’œuvre longuement mûrie n’est présentée au public que vingt ans plus tard, au Théâtre-Lyrique, le 19 mars 1859. Gounod retravaille ensuite sa partition, transforme les dialogues en récitatifs et, pour sa représentation à l’Opéra en 1869, doit ajouter un ballet au début du Vème acte, fameuse scène de La nuit de Walpurgis. Le Faust de Gounod est un des plus grands succès de l’opéra français, on dénombrait, en 1975, 2 358 représentations à l’Opéra Garnier.

© Gallica


L’histoire de l’histoire : Héros d’un conte populaire allemand du XVIème siècle, Faust est inspiré d’un personnage réel, docteur, astrologue, qui aurait étudié la magie à Cracovie. Mystérieux, soupçonné de sorcellerie, il serait mort vers 1539. Ce mythe se propage à travers l’Europe, d’abord par une première adaptation anonyme publiée en 1587 dont la traduction parue en Angleterre inspire à Christopher Marlowe, un contemporain de Shakespeare, son Docteur Faustus en 1592. D’autres versions voient le jour, principalement en Allemagne. C’est la version de Marlowe, qui met en valeur l’aspect légendaire et le pacte diabolique, qu’étudie Goethe. Faust accompagne le poète pendant de nombreuses années, écrivant Faust en deux parties, la première publiée en 1798 est traduite par Gérard de Nerval en 1826. La seconde partie ne paraît qu’en 1831. De nombreux compositeurs du XIXème siècle se passionnent pour ce mythe.

Médiathèque de la Philharmonie de Paris Tous droits réservés, diffusion limitée et gratuite à l’usage pédagogique

Claude Debussy Claude Debussy est un compositeur français à cheval entre le XIXème siècle et le XXème. Musicien libre et anticonformiste, Debussy a souvent été caractérisé d’impressionniste musical, étiquette qu’il n’a jamais acceptée. Sa musique accorde une place de choix à la couleur et aux timbres instrumentaux. Debussy commence sa formation musicale au Conservatoire de Paris où il y suit les cours de composition d'Ernest Guiraud et un temps la classe d'orgue de César Franck. L’élève révèle déjà une personnalité compliquée et insaisissable. En 1884, Debussy remporte le premier Prix de Rome mais son séjour à la Villa Médicis sera le point de rupture avec l’académisme. Supportant mal son exil, le musicien démissionne au bout de deux ans et rentre à Paris où il mènera une vie de bohème.

Tous droits réservés, diffusion limitée et gratuite à l’usage pédagogique Admirateur de Mallarmé et habitué de ses salons, Debussy est fasciné par le symbolisme. Il s’inspire de ce mouvement dans sa musique, notamment dans son Prélude à l’après-midi d’un faune à partir d’un poème de Mallarmé. Le compositeur fait preuve d’une audace musicale mal appréciée notamment exemple avec son opéra Pelléas et Mélisande qui fut très critiqué avant d’être célébré et joué dans le monde entier. Artiste aux inspirations éclectiques, il est notamment séduit par les musiques d’Extrême-Orient : gamme pentatonique, gamme par tons entiers, créant ainsi un univers musical unique, insaisissable. Plusieurs compositeurs se sont réclamés de l’héritage de Debussy comme Boulez ou Dutilleux. L’œuvre de Debussy en 6 dates :

1893 : Quatuor à cordes en sol mineur 1894 : Prélude à l’après-midi d’un faune inspiré du poème Faune de Mallarmé 1902 : Pelléas et Mélisande sur un livret de Maurice Maeterlinck 1905 : La mer 1912 : Préludes

La vie de Debussy en 5 dates :

1870 : Claude Debussy prend ses premières leçons de musique, réfugié dans le Sud chez sa tante pendant la guerre.

1884 : Il obtient le premier prix de Rome avec sa cantate L’Enfant prodigue. 1884-1892 : Il mène une vie de bohème à Paris avec sa compagne « Gaby aux yeux verts ». Fin 1890 : Il fait la rencontre de Mallarmé et Satie. 1899 : Il se marie avec Lucie Texier. 1903 : Il débute une relation qui fait scandale avec Emma Bardac et finit ses jours avec elle.



Sonate pour violoncelle et piano Le séjour de trois mois qu'il fit au bord de la mer, dans ce qu'il appelait son « coin » de Pourville, à l'été 1915, eut l'effet le plus bénéfique sur la vigueur créatrice de Claude Debussy, qui y composa sa Sonate pour violoncelle et piano. Il confiait alors à un ami : « Je dois bien humblement avouer que je sens la mort sourdre en moi. C'est pourquoi j'écris comme un forcené ou celui qui n'aurait plus qu'un jour à vivre ». En effet, la volonté de Debussy de défier la mort par la création musicale se trouvait accrue par la guerre de 1914, la mort récente de sa mère, son propre combat avec le cancer et de graves accès de dépression. Son désir de renouer avec la musique pure et les formes traditionnelles a donné lieu à la composition de cette œuvre en 1915. À la différence de ses contemporains, l'exploration que fit Debussy du néo-classicisme ne fut pas marquée par les modèles allemands du passé mais bien inspirée de tendances strictement nationalistes qui visaient à donner un nouveau souffle au style français traditionnel. On constate d'ailleurs que les sonates ont été signées « Claude Debussy, musicien français » et gravées avec une ornementation typique à la tradition française. Bien qu'il s'agisse d'une œuvre de musique pure, traditionnelle au niveau de sa forme, il émane de la Sonate pour violoncelle une indéniable dimension théâtrale qui évoque un monde empreint d'humour, de sarcasme et de fantaisie. On ne s'étonnera pas que Debussy ait pensé à l'origine intituler cette œuvre « Pierrot fâché avec la lune ». Le premier mouvement est marqué par une certaine simplicité et une grâce typiques au style français. Ici, deux motifs, d'abord présentés au piano, puis au violoncelle, fournissent la substance du reste de l'œuvre. Le deuxième mouvement, intitulé Sérénade, a le caractère badin de circonstance, le violoncelle imitant une guitare, une mandoline, une flûte et un tambourin, comme pour traduire les efforts désespérés que fait Pierrot pour séduire sa bien-aimée. Les couleurs exotiques, les passages en pizzicati et les rythmes de habanera donnent à ce mouvement des accents espagnols. Le Finale, enchaîné sans interruption à la Sérénade, respire une grande liberté de pensée, par le caractère folklorique de sa mélodie et sa verve rythmique. Après un bref et fluide passage marqué con morbidezza, le ton assuré et optimiste du matériau musical précédent est repris.

© Alexis Luko, juillet 2001, pour Traçantes Service de rédaction et de traduction de la Société québécoise de recherche en musique.

Traduction : Marc Hyland Tous droits réservés, diffusion limitée et gratuite à l’usage pédagogique

Noël des enfants qui n'ont plus de maison Le Noël des enfants qui n'ont plus de maison est une chanson de Claude Debussy composée en décembre 1915 pour voix et piano. Le compositeur est également l’auteur du texte. Cette œuvre reflète le sentiment de colère qui anime le peuple français contre les Allemands depuis le début de la première guerre mondiale. À cause du conflit et pour éviter les combats, Claude Debussy avait été obligé de déménager sa famille à plusieurs reprises. Ces nombreux déplacements et les soins dont il a besoin (il est alors atteint d’un cancer) l’endettent considérablement. C’est un période où il compose très peu. Cette pièce patriotique est la dernière chanson qu’il composera. Dans ce Noël des enfants qui n'ont plus de maison, la luxurience et la difficulté de la partie de piano tranchent avec l’apparente simplicité de la mélodie.

Claude Debussy : Noël des enfants qui n'ont plus de maison Charton Mathias 2014

Les indispensables de la Maitrise de Seine-Maritime Tous droits réservés, diffusion limitée et gratuite à l’usage pédagogique

Francis Poulenc Auteur de près de 200 mélodies, il s’illustre aussi dans d’autres genres (opéra, musique de chambre, œuvres pour piano, un opus important de musique sacrée), et laisse des écrits qui témoignent de l’attachement qu’il porte à la langue. Poulenc découvre le piano grâce à sa mère, qui lui parle des classiques, et grâce au pianiste Ricardo Viñes, son mentor spirituel, qui l’initie à la musique de son temps (Claude Debussy, Eric Satie, Manuel de Falla…). Viñes lui permet de s’introduire dans les cercles artistiques du moment, où il fréquente par exemple Jean Cocteau et Max Jacob. C’est notamment la découverte d’Igor Stravinsky qui sera déterminante pour sa carrière de compositeur.

Tous droits réservés, diffusion limitée et gratuite à l’usage pédagogique Au tout début de sa carrière, Poulenc prend part à la création du Groupe des Six (en référence au Groupe des Cinq russes), composé d’Arthur Honegger, Darius Milhaud, Georges Auric, Louis Durey et Germaine Tailleferre : ces compositeurs s’assemblent pour réagir contre le romantisme, le wagnérisme, et dans une moindre mesure, l’impressionnisme. Même s’il reste autodidacte en grande partie, Poulenc étudie la composition avec Charles Koechlin dans les années 1920, et découvre le style de Gabriel Fauré, dont Koechlin était l’élève. Entre commandes et inspirations plus personnelles, Poulenc crée aléatoirement ballets, parfois non dénués d’humour (Les Animaux modèles, 1942), œuvres religieuses (Messe en sol majeur, 1937) ou œuvres instrumentales (Concert champêtre pour la claveciniste Wanda Landowska (1928), Sinfonietta, (1947)). Il reste très attaché à la voix qu’il met en avant dans ses nombreuses mélodies mais aussi dans des opéras, comme Les Dialogues des Carmélites (1957) ou La Voix humaine (1958). Poulenc fait alterner dans ses pièces un grand sérieux, qui semble aller de pair avec sa foi profonde, et un sens prononcé de l’amusement et de la fantaisie. La diversité de ses créations souligne un style assuré et inspiré, qui rend compte de l’éclectisme esthétique dans le traitement de l’orchestre et de la voix, tout en restant bien ancré dans la tonalité/modalité. Poulenc en 6 dates :

1915-17 : Rencontre Guillaume Apollinaire, Paul Eluard, André Breton, Louis Aragon, André Gide.

1917 : Poulenc s’illustre dans un concert de musique qualifiée d’avant-gardiste au théâtre du Vieux-Colombier. On trouve notamment au programme sa Rapsodie nègre, œuvre vocale pour baryton et petit ensemble instrumental ; c’est une réussite.

1921 : Création des Mariés de la Tour Eiffel, première œuvre d’importance du Groupe des Six, ballet collectif sur un livret de Cocteau

1926 : Rencontre avec Pierre Bernac, baryton qui devient rapidement son interprète fétiche. Il interprète les Chansons gaillardes de Poulenc cette année-là.

1935 : Pèlerinage à Rocamadour suite au décès de plusieurs de ses amis ; Poulenc se rapproche à nouveau de la foi catholique alors qu’il s’en était éloigné.

1948 : Poulenc donne son premier récital aux États-Unis, en compagnie de Pierre Bernac ; il fait la connaissance de la soprano Leontyne Price et du compositeur Samuel Barber (dont Poulenc créera en 1952 les Mélodies passagères, à Paris).

Poulenc en 6 œuvres :

1918 : Le Bestiaire ou Cortège d’Orphée, recueil de mélodies sur des poèmes d’Apollinaire (issus du recueil éponyme)

1932 : Concerto pour deux pianos en ré mineur, commande de la princesse Edmond de Polignac ; inspiration issue d’un spectacle de gamelan (ensemble instrumental traditionnel de Java). Influence du Concerto en sol de Maurice Ravel et du Concerto pour piano n°21 de Mozart

1945 : Figure humaine, cantate pour chœur mixte composée pendant la guerre (1943) ; hymne à la Liberté considéré comme un chef-d’œuvre dès sa création

1947 : Les Mamelles de Tirésias, opéra-bouffe en deux actes et un prologue, adaptation de la pièce d’Apollinaire, créé à l’Opéra-Comique

1949 : Sonate pour violoncelle et piano, création à la salle Gaveau 1958 : La Voix humaine, tragédie lyrique d’après Jean Cocteau, créée à l’Opéra-Comique par sa

cantatrice fétiche Denise Duval. Long monologue qui fait appel aux talents d’actrice de la soprano.


Tous droits réservés, diffusion limitée et gratuite à l’usage pédagogique Sonate pour piano et clarinette La Sonate pour piano et clarinette de Francis Poulenc fut dédiée à la mémoire d’Arthur Honneger en 1962. Il la composa pour le clarinettiste Benny Goodman qui la créa avec Leonard Bernstein au piano. Cette création eut lieu à New York, au Carnegie Hall, le 10 avril 1963, soit trois mois après la mort de Francis Poulenc, lors d'un concert d'hommage. D’une durée de 14 minutes environ, elle est composée de trois mouvements :

1. Allegro tristamente 2. Romanza 3. Allegro con fuoco

Bleuet, Paroles de Guillaume Apollinaire, Musique de Francis Poulenc Bleuet a été écrit en 1916 par Guillaume Apollinaire. En 1939, Francis Poulenc en a écrit la musique. Les trois premiers vers seront chantés pendant ce spectacle.

Jeune homme de vingt ans Qui a vu des choses si affreuses

Que penses-tu des hommes de ton enfance Tu connais la bravoure et la ruse

Tu as vu la mort en face plus de cent fois tu ne sais pas ce que c'est que la vie Transmets ton intrépidité

À ceux qui viendront après toi

Jeune homme Tu es joyeux ta mémoire est ensanglantée

Ton âme est rouge aussi De joie

Tu as absorbé la vie de ceux qui sont morts près de toi Tu as de la décision

Il est 17 heures et tu saurais Mourir

Sinon mieux que tes aînés Du moins plus pieusement

Car tu connais mieux la mort que la vie Ô douceur d'autrefois Lenteur immémoriale

Si je mourrais là-bas, paroles de Guillaume Apollinaire, Musique de Jean Ferrat

Si je mourais là-bas sur le front de l’armée Tu pleurerais un jour ô Lou, ma bien-aimée

Et puis mon souvenir s’éteindrait comme meurt Un obus éclatant sur le front de l’armée

Un bel obus semblable aux mimosas en fleur

Et puis ce souvenir éclaté dans l’espace Couvrirait de mon sang le monde tout entier La mer les monts les vals et l’étoile qui passe

Les soleils merveilleux mûrissant dans l’espace Comme font les fruits d’or autour de Baratier

Souvenir oublié vivant dans toutes choses Je rougirais le bout de tes jolis seins roses

Je rougirais ta bouche et tes cheveux sanglants Tu ne vieillirais point toutes ces belles choses

Rajeuniraient toujours pour leurs destins galants

Le fatal giclement de mon sang sur le monde Donnerait au soleil plus de vive clarté

Aux fleurs plus de couleur plus de vitesse à l’onde Un amour inouï descendrait sur le monde

L’amant serait plus fort dans ton corps écarté

Lou si je meurs là-bas souvenir qu’on oublie - Souviens-t’en quelquefois aux instants de folie De jeunesse et d’amour et d’éclatante ardeur - Mon sang c’est la fontaine ardente du bonheur

Et sois la plus heureuse étant la plus jolie

Ô mon unique amour et ma grande folie

Guillaume Apollinaire


À la claire fontaine, chanson populaire À la claire fontaine est une chanson française traditionnelle. Elle vient d'un poème anonyme du XVIIIème siècle. Il s'agit d'une chanson en laisse composée de vers hexasyllabiques ou d’alexandrins assonancés en /e /. Très populaire en France, elle l'est aussi au Québec depuis le XVIIIème siècle, où elle était historiquement chantée par les coureurs des bois lors de longs voyages en canot. Cette chanson, premier hymne national de la Nouvelle-France, a connu plus de 500 versions. Au Canada, au début de la Conquête anglaise, il s'agissait d'un chant de résistance codé. La claire fontaine était une métaphore du fleuve Saint-Laurent qui était alors bordé de chênes. « Je m'y suis baigné » signifie l'installation des Français dans la vallée du Saint-Laurent. La rose symbolise les Anglais et le rosier, l'Angleterre. L'amie (ou la maîtresse, selon les versions) représente la France que « jamais je n'oublierai. »

Wikipedia Tous droits réservés, diffusion limitée et gratuite à l’usage pédagogique

Maurice Ravel Homme à la personnalité indépendante et énigmatique, Maurice Ravel laisse une œuvre qui se situe à la charnière entre le XIXème et le XXème siècle, temps des querelles entre modernistes et traditionalistes, entre l’avenir et le passé.

Maurice Ravel se tient à la fois à l’écart de la révolution portée par Schönberg et de l’académisme de la Schola Cantorum. Son audace ainsi que son admiration pour Satie, lui vaut une forte réprobation de ces milieux qui lui coûte notamment des échecs successifs au Concours de Rome. Souvent comparé à Debussy, avec lequel il partage cette utilisation de l’harmonie comme une couleur, avec des dissonances non résolues, il s’en distingue par une écriture pianistique très novatrice et une maîtrise de l’orchestration hors du commun. Fauré, qui fut son professeur de composition, et un ami cher, qualifia son travail d’une « sincérité désarmante ». Son œuvre peut être qualifiée d’éclectique, au vu des sources variées de ses inspirations : Couperin, Rameau, admirateur de Mozart, Saint Saëns. Ravel est aussi fasciné par la musique noire américaine comme le jazz et le blues et imprégné de musique hispanique (sa mère est d'origine espagnole).

Tous droits réservés, diffusion limitée et gratuite à l’usage pédagogique Dans un catalogue de 111 œuvres, Maurice Ravel nous a laissé une grande majorité de chefs d’œuvre mondialement reconnus qui font de lui l’un des plus grands compositeurs français du XXème siècle. Son œuvre en 6 dates :

1901 : Jeux d’eau 1907 : Rapsodie espagnole 1909-1912 : Daphnis et Chloé 1928 : Le boléro 1929-1931 : Concertos pour la main gauche et Concerto en sol 1932 : Don Quichotte à Dulcinée composée sur un poème de Paul Morand

Sa vie en 6 dates :

1889 : Ravel entre au Conservatoire de Paris. 1910 : Il est l’un des fondateurs de la Société musicale indépendante pour promouvoir la musique

contemporaine. 1913 : Ravel défend Le Sacre du printemps de Stravinsky qui fit polémique. 1914 : La première guerre mondiale éclate, Ravel n’est pas engagé dans l’aviation en raison de

sa petite taille, il ne peut supporter l’inaction, il réussit finalement à se faire engager comme conducteur d’un camion militaire.

1921 : Ravel achète la maison « le Belvédère » à Montfort-l’Amaury, dans laquelle il recevra son entourage.1

1928 : Tournée aux États-Unis et au Canada. Biographie France Musique

Tous droits réservés, diffusion limitée et gratuite à l’usage pédagogique 1 Il y composera notamment L'Enfant et les Sortilèges, le Boléro, le Concerto en sol pour piano et orchestre et le Concerto pour la main gauche.

Trois beaux oiseaux du paradis Trois chansons (pour chœur mixte sans accompagnement) / (Chansons a capella) 1) Nicolette (dédiée au poète et compatriote Apache Tristan Klingsor) 2) Trois beaux oiseaux du paradis (dédiée à Paul Painlevé, mathématicien et brièvement premier ministre entre 1917 et 1925) 3) Ronde (dédiée à Paule Clemenceau, belle-sœur de l’ancien et futur premier ministre Georges Clemenceau) Ces chansons pour chœur sans accompagnement ont été écrites entre décembre 1914 (Trois beaux oiseaux du paradis) et février 1915 (Nicolette et Ronde), tandis que Ravel attendait d'être enrôlé dans l'armée. Les chansons ont été publiées en 1916 (voir lettre de Ravel à Lucien Garban : dans Orenstein [1989] lettre n°134), mais n’ont connu leur première performance qu’en octobre 1917 avec un chœur réuni par Jane Bathori et son mari. Ces chansons marquent une incursion rare dans l'écriture chorale pour Ravel, la première depuis ses tentatives malheureuses au Prix de Rome (à part les chœurs sans paroles dans Daphnis et Chloé). Une partie de l'intérêt des Trois chansons est que Ravel en a écrit lui-même les textes. Le premier et le dernier des poèmes ont un humour ironique. Ravel s’est clairement délecté de l'utilisation de la langue. Le second fait référence à plusieurs reprises au départ à la guerre, que son dédicataire Painlevé avait déjà vécu et que Ravel s’apprêtait à vivre. [La seule œuvre dans laquelle Ravel avait mis en musique son propre texte était Noël des jouets (1905).]

http://www.maurice-ravel.net/index.htm Tous droits réservés, diffusion limitée et gratuite à l’usage pédagogique

Gustav Mahler Situé à la période charnière du XIXème et du XXème siècle, Gustav Malher initie la transition vers le post-romantisme et le modernisme. Le compositeur autrichien bouleverse le genre symphonique et devient l’un des symboles du romantisme exacerbé.

Issu d’une famille juive modeste, Gustav Malher étudie au Conservatoire de Vienne où il suit notamment les cours d’harmonie de Robert Fuch et de composition de Franz Kenn, c'est à cette occasion qu'il rencontre Bruckner. Mahler occupe ensuite différents postes de chef d’orchestre et de directeur musical en Europe centrale et en Autriche. Son génie de l'orchestration est remarqué lorsqu’il dirige Mozart, Beethoven et Wagner à l’Opéra de Prague, salle qu'il quitte en raison de conflits avec l'administration et les musiciens. Sa nomination comme directeur musical de l’Opéra de Vienne, capitale alors en pleine ébullition artistique, constitue l’apogée de sa carrière. Dans le désaccord qui oppose les conservateurs (Brahms) aux progressistes (Wagner), Gustav Mahler choisit son camp, celui de Wagner qui le fascine par la révolution musicale qu'il porte. Victime d’antisémitisme malgré sa conversion et sa tendance au mysticisme catholique, il quitte Vienne et finit sa carrière à l’Orchestre philharmonique de New York.

Tous droits réservés, diffusion limitée et gratuite à l’usage pédagogique Par leurs dimensions monumentales, la démesure de l’effectif orchestral, la volonté d’embrasser un monde, les symphonies de Mahler constituent des chefs d’œuvre du romantisme. Jouant sur les contrastes entre trivialité et gravité, il excelle dans l’écriture contrapuntique, libre, dissonante et de plus en plus audacieuse. De son vivant, c'est davantage son talent orchestral que son génie de compositeur qui sera célébré. Par l’évolution subtile de principes à laquelle son œuvre participe, il influence notamment Schönberg ou Chostakovitch. L’œuvre de Mahler en 6 dates : • 1884-1885 : Lieder eines fahrenden Gesellen (Chants d’un compagnon Errant) • 1888-1896 : Symphonie numéro 1 « Titan » • 1888-1894 : Symphonie numéro 2 « Résurrection » • 1901-1904 : Kindertotenlieder (Chants pour des enfants morts) • 1903-1904 : Symphonie numéro 6 « Tragique » • 1908-1909 : Das Lied von der Erde (Le Chant de la Terre)

La vie de Mahler en 6 dates : • 1883-1885 : Second Kapellmeister à l’Opéra de Kassel, il y rencontre Johanna Richter à qui il dédie les Lieder eines fahrenden Gesellen. • 1886 : Il dirige à l’Opéra de Prague des représentations de Mozart, Gluck, Beethoven et Wagner. • 1888-1891 : Directeur musical de l’Opéra Royal de Budapest • 1897- 1908 : Il dirige l’Opéra de Vienne. • 1901 : Il épouse Alma Schindler. • 1908 : Il dirige au Metropolitan Opera de New-York.


Des Knaben Wunderhorn, Der Tamboursg'sell, Gustav Mahler Des Knaben Wunderhorn (Le Cor enchanté de l'enfant) sont des lieder pour voix et orchestre composés par Gustav Mahler. Les textes, comme une grande partie des textes utilisés par Mahler dans ses symphonies et lieder, viennent du recueil Des Knaben Wunderhorn, textes traditionnels allemands compilés et réécrits par Achim von Arnim et Clemens Brentano. Comme ils ne forment pas un cycle, il n'y a pas d'ordre d'interprétation prédéfini. Douze de ces lieders furent publiés en 1899 sous le titre Humoresken (Humoresques) dans l'ordre suivant :

1. Der Schildwache Nachtlied - Musique de nuit de la sentinelle (janvier/février 1892) 2. Verlorne Müh - Peine perdue (février 1892) 3. Trost im Unglück - Consolation dans le malheur (avril 1892) 4. Wer hat dies Liedlein erdacht ? – Qui a imaginé cette chansonnette ? (avril 1892) 5. Das irdische Leben - La vie terrestre (après avril 1892) 6. Des Antonius von Padua Fischpredigt - Le prêche de Saint Antoine de Padoue aux poissons

(juillet/août 1893) 7. Rheinlegendchen - Petite légende du Rhin (août 1893) 8. Lied des Verfolgten im Turm - Chanson des persécutés dans la tour (juillet 1898) 9. Wo die schönen Trompeten blasen - Où sonnent les belles trompettes (juillet 1898) 10. Lob des hohen Verstandes - Éloge de la raison (juin 1896) 11. Urlicht - Lumière primitive (1893) 12. Es sungen drei Engel - Trois anges chantent (1895)

Urlicht (composée en 1892 puis orchestrée en juillet 1893) est rapidement devenue le quatrième mouvement de la Symphonie n° 2. Es sungen drei Engel est directement composé pour la Symphonie n° 3, nécessitant un chœur d’hommes et un chœur de femmes en plus d'une contralto soliste. C'est la seule des douze chansons pour laquelle Mahler n'écrivit pas une version pour voix seule et orchestre et c'est également la seule qu'il ne publia pas séparément. Une version orchestrale sans voix de Des Antonius von Padua Fischpredigt constitue la base du Scherzo dans la Symphonie n° 2, ainsi que pour Ablösung im Sommer dans la Symphonie n° 3.

À cette époque, une chanson supplémentaire Das himmlische Leben (La vie céleste) composée en février 1892 (puis orchestrée en mars 1892) fait partie du lot. Mais lors de la publication en 1899, elle fut réorchestrée pour devenir le finale de la Symphonie n° 4. Ainsi, elle fut d'une part retirée de la collection, et d'autre part ne bénéficia pas d'une version pour voix seule et piano. Après 1901, Urlicht et Es sungen drei Engel furent retirées de la collection et remplacées dans les éditions tardives par deux autres chansons :

Revelge (juillet 1899) Der Tamboursg'sell – Le petit joueur de tambour (août 1901)

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Johann Strauss Johann Strauss fils est une référence de la musique légère classique : avec son père, Johann Strauss père, il est à l'origine d'un vaste répertoire de divertissement, et a marqué l'histoire de la musique comme « le roi de la valse viennoise ».

Johann Strauss fils se destine à la musique contre l'avis de son père (Johann Strauss père, l'auteur de la Marche de Radetzki), comme d'ailleurs ses frères Josef et Eduard. Il étudie la musique d'abord en cachette avec des musiciens de l'orchestre de son père. Après le divorce de ses parents, il entame des études musicales sérieuses soutenu par sa mère, et étudie le violon avec Anton Kohlmann, la théorie et la composition avec Joseph Drechsler. Il obtient une Musiklicenz (permis officiel de donner des concerts publics) bien qu'il n'ait pas encore atteint la majorité. Il fait ses débuts avec son orchestre au Casino de Dommayer à Hietzing et présente un programme qui comporte six de ses compositions ainsi que des nouvelles valses de son père. La prestation remporte un tel succès - les valses sont bissées à 19 reprises - qu'il est aussitôt considéré comme le grand rival de son père.

Tous droits réservés, diffusion limitée et gratuite à l’usage pédagogique S'en suit une tournée en Europe et aux États-Unis : il se rend à New York et Boston pour diriger des « concerts-monstres », ses valses font le tour du monde. Sang viennois, la Valse de l'Empereur, Le Beau Danube bleu, Aimer, boire et chanter, Histoires de la forêt viennoise, sont autant de succès qui restent associées pour les Viennois à la joie de vivre. Après sa rencontre avec Jacques Offenbach, il se lance dans l'écriture des opérettes : en 1874 est créée (à Vienne puis à New-York) l'opérette La Chauve-Souris. Viendront Le Baron tzigane, Cagliostro à Vienne, jusqu'à Sang viennois (posthume). On lui doit aussi 500 valses, dont la plupart sont restées célèbres, appréciées autant de Brahms que de Wagner. Même l'avant-garde ne renie pas son héritage : Alban Berg, Arnold Schoenberg ou Anton Webern transcriront ses valses pour quatuor à cordes. Johann Strauss fils en 6 dates : ♦ 1831 : Il compose sa première valse. ♦ 1844 : Il forme un orchestre de 24 musiciens. ♦ 1848 : Il est nommé chef de la musique municipale de Vienne. ♦ 1860 : Il rencontre Jacques Offenbach. ♦ 1874 : Création de sa première opérette, La Chauve-Souris ♦ 1889 : Il compose sa dernière œuvre, le ballet Cendrillon.

Johann Strauss fils en 6 œuvres : ♦ 1858 : Tritsch-Tratsch-Polka ♦ 1867 : An der schönen blauen Donau (Le Beau Danube bleu), valse ♦ 1868 : Geschichten aus dem Wienerwald (Histoires de la forêt viennoise), valse ♦ 1873 : Der Karneval in Rom (Le Carnaval à Rome) ♦ 1874 : Die Fledermaus (La Chauve-Souris) ♦ 1885 : Der Zigeunerbaron (Le Baron tzigane)


Kaiserwalser, La valse de l’Empereur, Johan Strauss La Valse de l'Empereur est un exemple typique de valse viennoise dans sa forme aboutie : introduction, chapelet de valses et coda avec rappels thématiques. Empreinte de légers accents martiaux, la Valse de l'Empereur fut écrite pour les cérémonies d'ouverture de la salle de concerts du Königsbau de Berlin, à l'automne 1889. Son titre fait référence au pacte signé par les empereurs d'Autriche et d'Allemagne à Berlin quelques mois auparavant. Arnold Schoenberg a écrit une transcription de cette valse en 1925, pour piano, clarinette, flûte et quatuor à cordes.


Berthe Sylva Berthe Faquet est née en 1885, ou peut-être en 1901, vraisemblablement à Brest ou dans ses environs (même si certains soutiennent mordicus qu’elle voit le jour dans le Tarn ou le Lot-et-Garonne), la jeunesse de la future Berthe Sylva est un mystère. Si l’hypothèse d’une genèse Bretonne est à ce jour la plus crédible, le parcours de jeunesse de la jeune fille reste globalement inconnu. Ce n’est qu’aux alentours de 1910 que des témoins fiables attestent de sa présence à Paris. Est-elle alors l’une de ces petites bonnes bretonnes qui, à l’instar du personnage de Bécassine, quittent leur Armorique natale pour trouver un travail de domestique à la capitale ? Cette possibilité est évoquée, même si, à la fin de sa vie, la principale intéressée évoquera, dans une interview, une enfance occupée à voyager aux quatre coins du monde. Mythomanie ? Propos sciemment déformés (voire inventés de toutes pièces) par le scribouillard chargé de l’entretien ? Paroles tenues sous l’emprise de l’alcool ? Aujourd’hui encore, les spéculations vont bon train. C’est aujourd’hui dimanche... Chanteuse de cabaret, elle ne perce réellement que bien après la première guerre mondiale, en 1926, lorsqu’elle se fait l’interprète des « Roses blanches », une chanson tragique narrant les dernières heures d’une mère âgée à qui son fils apporte des fleurs dans sa chambre d’hôpital. Composée par l’accordéoniste de music-hall Léon Ratier, le titre est un succès immédiat qui fait de Berthe Sylva l’une des grandes dames de la chanson parisienne qu’on vient applaudir à La Gaieté Montparnasse ou au Bataclan. L’image de « chanteuse de la misère » traditionnellement associée à Berthe ne doit cependant pas faire oublier que son répertoire ne fut pas composé que d’histoires de dépression, d’absinthe et de pavé sordide. En effet, au milieu de ses titres noirs, figurent quelques morceaux largement plus gais comme « Frou-frou », « Le tango des fauvettes » ou « Mousmé d’amour ».

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Du gris, Berthe Sylva (Version piano-chant)

Eh Monsieur, une cigarette

Une cibiche, ça n'engage à rien Si je te plais on fera la causette

T'es gentil, t'as l'air d'un bon chien Tu serais moche, ce serait la même chose

Je te dirais quand même que t'es beau Pour avoir, tu en devines bien la cause

Ce que je te demande : une pipe, un mégot Non pas d'Anglaises, ni d'bouts dorés

Ce tabac-là, c'est du chiqué

Du gris que l'on prend dans ses doigts Et qu'on roule

C'est fort, c'est âcre comme du bois Ça vous saoule

C’est bon et ça vous laisse un goût Presque louche

De sang, d’amour et de dégoût Dans la bouche

Monsieur le Docteur, c'est grave ma blessure ?

Oui je comprends, il n'y a plus d'espoir Le coupable, je n'en sais rien, je vous le jure

C'est le métier, la rue, le trottoir Le coupable, ah je peux bien vous le dire

C'est les hommes avec leur amour C'est le cœur qui se laisse séduire La misère qui dure nuit et jour

Et puis je m'en fous, tenez, donnez-moi Avant de mourir une dernière fois

Du gris, que dans mes pauvres doigts

Je le roule C'est bon, c'est fort, ça monte en moi

Ça me saoule Je sens que mon âme s'en ira

Moins farouche Dans la fumée qui sortira

De ma bouche


Arrêter les aiguilles, Berthe Sylva (Version piano-chant)

Riches ou pauv's quoi qu'on fass' sur la terre Notre existence est un'chose éphémère

Et des pendul's le tic-tac incessant Semble nous dir' tout passe avec le temps Voici l'enfant qui vient de v'nir au monde Sa mèr'penchée vers sa petit' têt' blonde

Vers la pendul' placée près de son lit Jette un regard et soucieuse se dit :

Si l'on pouvait arrêter les aiguilles

Au cadran qui marqu'les heur's de la vie Nos p'tits enfants si mignons, si gentils

N'grandiraient pas pour déserter leur nid Lorsqu'à vingt ans un jour ils se marient Sans un regret ils part'nt et vous oublient

Et les mamans dont ils brisent l'espoir Pens'nt : on voudrait près d'soi toujours les voir

Rester petits garçons ou petit's filles Si l'on pouvait arrêter les aiguilles

Un malfaiteur, pour expier son crime, Est condamné au châtiment ultime,

Dans sa cellule, il entend ses gardiens, Dire tout bas : « Ce sera pour demain », Le lendemain il voit que l'aube se lève,

Et ses idées se brouill'nt comme dans un rêve, Il s'est secoué de terreur et d'remords, Et dit tremblant sentant venir la mort,

Si on pouvait arrêter les aiguilles,

Au cadran qui marque les heures de la vie, J'n'aurais p't'êtr' pas lorsque sonnait minuit,

Commis le crime dont je vais être puni, Il a suffit d'un' fatale minute,

Pour que d'un homme je devienne une brute, Mais quoi voici l'horloge de la prison,

Qui sonn' le glas de la séparation, Plus qu'un espoir, mon Dieu pour ma famille,

Si l'on pouvait arrêter les aiguilles.

Dans les campagnes ainsi que dans les villes, Règne le calme et chacun vit tranquille,

Sans se douter qu'un orage gronde au loin, Pour boul'verser la paix du genre humain, Un peu partout, en Europe, en Afrique, Les noirs dessous de l'infâme politique,

Sèment la guerre, horreur de tous les temps, Que nul ne peut arrêter et pourtant,

Si on pouvait arrêter les aiguilles,

Au cadran qui marque les heures de la vie, On entendrait plus le tocsin sonner,

Pour enlever nos fils à leur foyer, Quand à l'instant où tous les bras travaillent, Quoi de plus triste que l'heure des batailles,

Peut-êtr' qu'un jour retrouvant sa raison, L'homm' maudira la guerre et ses passions,

Plus de tueries, ni d'homm's qui se fusillent, Si l'on pouvait arrêter les aiguilles.

Tous emportés par l'effroyable ronde,

Les années passent si vit' pour tout l'monde, Que l'on se dit : pourquoi se jalouser,

Se fair'tant d'mal au lieu de s'entraider, Deux pauvres vieux, usés, cassés par l'âge,

Sentant venir l'heure du grand voyage, Encore unis, comm' dans leur jeune temps,

Dans un baiser disent en s'enlaçant :

Si on pouvait arrêter les aiguilles, Au cadran qui marque les heures de la vie, Nous n'aurions pas la triste appréhension,

D'entendre l'heur' de la séparation, Après avoir passé tout' une vie,

A nous chérir sans aucun'jalousie, Le coeur bien gros, on n'devrait pas penser,

Qu'un jour hélas il faudra nous quitter, Vivons d'espoir, à quoi bon s'fair' tant d'bile,

Puisqu'on ne peut pas arrêter les aiguilles.

Rimski-Korsakov Compositeur romantique incontournable de la Russie (milieu XIXème siècle), Rimski-Korsakov fut professeur de musique, d’harmonie et d’orchestration et membre du Groupe des Cinq.

Issu d’une famille aristocratique, il entreprend, contraint par sa famille, une carrière dans la Marine. Doué pour la musique, il étudie à l’insu de sa famille le piano et la composition. Alors qu’il est encore officier dans la marine, il commence en 1862 l’écriture de sa première symphonie qui sera jouée en public pour la première fois en 1865. Encouragé par ceux qui constitueront plus tard le Groupe des Cinq (Mili Balakirev, Alexandre Borodine, Modeste Moussorgski, César Cui), il songe sérieusement à entreprendre une carrière de compositeur.

Tous droits réservés, diffusion limitée et gratuite à l’usage pédagogique Il devient alors professeur de composition et d’orchestration au Conservatoire de Saint-Pétersbourg. Guidé par Tchaïkovski, il approfondit ses études musicales. Il dirigera les différents orchestres de la marine impériale et les Concerts Symphoniques russes avec Mitrofan Belaiev en 1886. Il compose alors ces plus grandes œuvres telles que Shéhérazade. Suite à la mort de Tchaïkovski en 1893, il compose pour le théâtre impérial onze opéras entre 1893 et 1908. Il est l’auteur de deux traités d’orchestration dont le second sera achevé par son fils après sa mort. Parfois surnommé le « magicien de l’orchestre » en raison de son talent en orchestration, il est le compositeur le plus important d’opéras russes avec au total 15 opéras. Il est apprécié pour son inspiration puisée dans la musique populaire folklorique, ses thèmes fantastiques, sa virtuosité et ses qualités d’orchestration. Rimski-Korsakov en 6 dates • 1861 : Rencontre avec le pianiste Mili Balakirev • 1865 : Création de sa première symphonie • 1868 : 1ère rencontre avec Tchaïkovski • 1872 : Mariage avec Nadejda Purgold, femme musicienne qui sera pour lui comme Clara Schumann pour Robert Schumann • 1884 : Adjoint de Balakirev, directeur de la Chapelle du Palais impérial. Ce sera l’occasion pour Rimski-Korsakov de côtoyer la musique religieuse russe orthodoxe • 1907 : Direction à Paris des 5 concerts historiques russes organisés par Sergueï Diaghilev

Rimski-Korsakov en 6 œuvres • 1887 : Capriccio espagnol, œuvre orchestrale fondée sur des mélodies espagnoles composée dans le cadre des Concerts Symphoniques Russes. • 1888 : Shéhérazade, suite symphonique créée pour les Concerts Symphoniques Russes. • 1888 : La Grande Pâque russe, ouverture de concert, œuvre créé en mémoire de deux membres du Groupe des Cinq, Borodine et Moussorgski. • 1900 : Le Vol du Bourdon, interlude orchestral pour son opéra Le conte du tsar Saltan. • 1905 : La légende de la ville invisible de Kitège et de la demoiselle Fevronia, opéra en 4 actes. Apprécié pour l’équilibre entre le chant et l’orchestre et pour ses airs russes. • 1909 : Le Coq d’or, opéra en trois actes censuré du vivant du compositeur car dénonçant les actions du gouvernement russe.


Le Vol du Bourdon, Nicolaï Rimski-Korsakov (1899-1900) (Arrangement pour quatuor à cordes) Formation : chœur mixte accompagné par un orchestre symphonique classique avec bois et cuivres par deux, soit 2 flûtes, 2 hautbois, 2 clarinettes, 2 bassons, 2 cors en la, en ré, en mi, 2 trompettes, 2 timbales, cordes. C’est un conte russe qui aurait inspiré Rimsky-Korsakov. Le Vol du bourdon est extrait de l’opéra Les contes du Tsar Saltan et représente le moment musical le plus connu. Un jeune prince espiègle est souvent l’objet de remontrances de la part de ses trois tantes. Afin de se venger de leurs incessantes observations et grâce à un pouvoir extraordinaire il décide de se métamorphoser en bourdon. Sous cette forme, il se plaît à tournoyer autour d’elles et même à les piquer sans merci. Cette œuvre est une musique descriptive car elle décrit les mouvements d’un bourdon par des montées et des descentes de notes conjointes appelées gamme. Les nuances décrivent aussi ces mouvements par des crescendo et des decrescendo.

Cathy Proust – CPDEM – IA 17 – févier 2009 Académie de Poitiers


Stille nacht, chanson populaire Stille Nacht (allemand) Stille Nacht, Heilige Nacht !

Alles schläft; einsam wacht Nur das traute heilige Paar. Holder Knabe im lockigten Haar, Schlafe in himmlischer Ruh ! Schlafe in himmlischer Ruh !

Stille Nacht, Heilige Nacht ! Gottes Sohn, o wie lacht Lieb' aus deinem göttlichen Mund, Da uns schlägt die rettende Stund'. Jesus in deiner Geburt ! Jesus in deiner Geburt !

Stille Nacht, Heilige Nacht ! Die der Welt Heil gebracht, Aus des Himmels goldenen Höhn, Uns der Gnaden Fülle läßt sehn, Jesum in Menschengestalt ! Jesum in Menschengestalt !

Douce nuit (français) Douce nuit, sainte nuit !

Dans les cieux ! L'astre luit. Le mystère annoncé s'accomplit Cet enfant sur la paille endormi, C'est l'amour infini ! C'est l'amour infini !

Saint enfant, doux agneau ! Qu'il est grand ! Qu'il est beau ! Entendez résonner les pipeaux Des bergers conduisant leurs troupeaux Vers son humble berceau ! Vers son humble berceau !

C'est vers nous qu'il accourt, En un don sans retour ! De ce monde ignorant de l'amour, Où commence aujourd'hui son séjour, Qu'il soit Roi pour toujours ! Qu'il soit Roi pour toujours !

http://www.lexilogos.com/chant_stille_nacht.htm


Gabriel Fauré

Gabriel Fauré est une figure musicale importante de la fin du XIXème siècle en France. Héritier de l’école Niedermeyer, influencé par Camille Saint-Saëns et Frédéric Chopin, il a largement contribué à l’essor de la musique française. Gabriel Fauré, devant ses prédispositions musicales, intègre très tôt la nouvelle école de musique religieuse fondée par Louis Niedermeyer. Outre l’enseignement du fondateur de l’école, il y reçoit les conseils de Camille Saint-Saëns et Gustave Lefèvre. Parallèlement à son activité de compositeur, Fauré mène une vie active au sein d’institutions musicales, notamment en tant que directeur du Conservatoire de Paris, maître de chapelle puis titulaire du grand orgue de l’église de la Madeleine, ainsi qu’en tant que co-fondateur de la Société Nationale de Musique. Son catalogue abonde d’œuvres pour piano, intimistes, parfois appelées pièces de salon : barcarolles, nocturnes, arabesques, valses-caprice, impromptus, fantaisies ou ballades. Il façonne un langage musical qui lui est propre, des enchaînements harmoniques que l’on qualifie encore aujourd’hui de « fauréen ». Il excelle également dans la mélodie dont les plus célèbres recueils sont La Bonne chanson et L’Horizon chimérique. Fauré en 6 dates : • 1865 : Il obtient un 1er prix de composition avec le Cantique de Jean Racine. Ses études à l’Ecole Niedermeyer, commencées en 1854, s’achèvent. • 1877 : Il est nommé maître de chapelle à la Madeleine. • 1877 : Fauré rencontre Franz Liszt à Weimar. • 1905 : Il est nommé directeur du Conservatoire de Paris. • 1915 : Il révise l’œuvre pour piano de Robert Schumann, pour les éditions Durand. • 1923 : Il est promu grand-croix de la Légion d’honneur et rencontre Arthur Honegger.

Fauré en 6 œuvres : • 1865 : Cantique de Jean Racine, pour chœur à 4 voix mixtes et orgue, op.11 • 1875 : Les Djinns, pour chœur mixte à 4 voix et orchestre ou piano, op.12 • 1887-1889 : Messe de Requiem, op.48 • 1892-1894 : La Bonne Chanson, neuf mélodies pour voix et piano, op.61 • 1907-1912 : Pénélope, drame lyrique en 3 actes • 1919 : Masques et Bergamasques, comédie musicale en 1 acte

Biographie de la Documentation de Radio France Tous droits réservés, diffusion limitée et gratuite à l’usage pédagogique

Les berceaux (Arrangement) Cycle de trois mélodies sur des poèmes de Sully Prudhomme et d'Armand Silvestre. Comprend :

1- Les berceaux (poème de Sully Prudhomme, si bémol mineur), 2- Notre amour (poème d'Armand Silvestre, mi majeur), 3- Le secret (poème d'Armand Silvestre, ré bémol majeur). La première est dédiée à Alice Boissonnet, la deuxième à Mme Castillon, la troisième à Alice Boissonnet. Numéros 7, 8 et 9 dans le 2ème recueil de mélodies (Paris, Hamelle, 1897)

Le berceau créé à Paris, Société nationale de musique, le 9 décembre 1882.


Biographies des artistes Marie-Ève Signeyrole, mise en scène Marie-Ève Signeyrole écrit et met en scène ses premières pièces et comédies musicales jeune public au sein de l’Association musicale Divertimento. Licenciée en Lettres Modernes à la Sorbonne, et titulaire d’un master audiovisuel à l’Institut International de l’Image et du Son, elle participe à la création d’Ellios Production, société de production audiovisuelle, en qualité de directrice artistique et réalisatrice. En 2009, la jeune réalisatrice réalise son second moyen-métrage Alice au pays s’émerveille, filmé en Serbie et interprété par Emir Kusturica. Le film est sélectionné et primé dans les festivals internationaux (France, Suisse, Pologne, Roumanie, Allemagne…). En 2013, elle achève l’écriture de son long-métrage For You I fear. Marie-Ève Signeyrole commence à travailler à l’Opéra de Paris en 2003 sur les productions de metteurs en scène tels que Willy Decker, Peter Sellars, Laurent Pelly, Christoph Warlikowski… De 2006 À 2012, elle est collaboratrice de Christoph Marthaler, Stanilas Nordey, jean-Claude Auvray, David Mc Vicar, Emir Kusturica,… Elle participe aux éditions 2013 de l’Atelier Opéra en création de l’Académie Européenne de Musique du Festival d’Aix-en Provence sous la direction de Manfred Trojahn. En mai 2012, elle met en scène La Petite Renarde rusée de Leos Janacek à l’Opéra national de Montpellier. En juin 2013, elle participe à l’Académie européenne de musique (ENOA community) en tant que jeune metteur en scène au Festival d’Aix-en-Provence. Elle poursuit cette résidence en juin 2014 pour développer son projet d’écriture d’un opéra contemporain Vanilla Pudding en tant qu’auteur et metteur en scène. En juillet 2013, elle met en espace et en lumière Mass de Bernstein, le concert d’ouverture pour le festival Radio France. En janvier 2014, elle met en scène Eugène Onéguine de Tchaïkovski à l’Opéra national de Montpellier. En juin 2014, elle est auteur du spectacle musical 14+18, qu’elle met en scène à l’Opéra national de Paris, pour Dix mois d’école et d’opéra en co-podruction avec l’Opéra national de Lorraine, de Montpellier et de Reims. Marie-Ève met en scène Owen Wingrave en octobre 2014 à l’Opéra national de Lorraine et L’Affaire Tailleferre à l’Opéra de Limoges en novembre 2014. Elle mettra en scène Le Monstre du labyrinthe, création de Jonathan Dove sur un livret de Alasdair Middleton, dirigé par Sir Simon Rattle, au festival d’Aix-en-Provence en juillet 2015.

Elle prépare le Tryptique de Puccini pour la saison 2016/1017 à l’Opéra national de Montpellier. Elle reprendra Eugène Onéguine en avril 2016 à l’Opéra de Limoges ; puis elle mettra en scène Carmen pour l’Opéra national de Bordeaux en septembre 2016. Simon Hatab, dramaturgie Il a étudié les arts de la scène à l’Université Paris X et suivi les cours de l’École internationale de théâtre Jacques Lecoq. Il a mis en scène Disparition totale du dom juan, L'Île déserte de Joseph Haydn (compagnie Opéra de Poche), écrit et mis en scène le spectacle Carmen-Chantier – coproduction de la MCB° - Scène nationale de Bourges – lauréat 2012 de la Fondation HSBC. Il travaille au département dramaturgie de l'Opéra national de Paris et a notamment été dramaturge des spectacles Quand je serai grand... à l’Amphithéâtre Bastille et 14+18 à l’Amphithéâtre Bastille, à l'Opéra national de Lorraine, à l'Opéra de Reims et à l'Opéra national de Montpellier. Il a été commissaire de l’exposition Verdi-Wagner au Palais Garnier et a collaboré au livre du tricentenaire Le Ballet de l’Opéra (éditions Albin Michel). Il a donné un cycle de cours intitulé Qu'est-ce que la dramaturgie ? à l'Université Paris X et animé un wokshop au King's College London autour du théâtre révolutionnaire de Sylvain Maréchal. Julie Compans, chorégraphie Née à Ales, Julie Compans étudie l’anthropologie du corps et la philosophie de l’art à l’université de Nice où elle obtient son DEA en Esthétique des Arts Chorégraphiques. Son parcours théorique l’amène peu à peu vers la pratique de la danse. Naissance d'une vocation qui commence à la Dance Academy de Tilburg aux Pays-Bas, et se poursuit au centre EPSE Danse à Montpellier dirigé par Anne Marie Porras, où elle entre en formation Scène et obtient son diplôme d’état de professeur en danse contemporaine. Elle vit actuellement à Paris où elle enseigne le yoga et poursuit sa carrière de danseuse interprète avec la Compagnie Moebius en tango et les Ballets de la parenthèse en danse contemporaine dirigée par Christophe Garcia, pour Boléro, la Chaconne de Bach, Un Paso s'il vous plaît et Cyrano. D'autre part, elle continue à développer son écriture chorégraphique en participant à des workshops avec des compagnies étrangères comme la Batsheva Dance Compagny, le collectif Peeping Tom et Fabulous Beast. C’est avec Don Giovanni de Jean-Paul Scarpitta qu’elle entre dans le monde de l’opéra, s’ensuit Le Château de Barbe-Bleue, La flûte enchantée, C’était Marie-Antoinette et La Traviata à l’Opéra national de Montpellier. Elle danse aussi dans La Veuve joyeuse à l'Opéra de Marseille et dans Faust à l'Opéra de Paris et participe à d'autres productions comme My fair lady de Robert Carsen au Théâtre du Châtelet et Die Fledermaus de Waut Koeken à l'Opéra national du Rhin. Sa rencontre avec la metteur en scène Marie Ève Signeyrole est déterminante, elle l'accompagne comme collaboratrice au mouvement sur plusieurs projets dont La petite renarde rusée en 2012 a l'Opéra de Montpellier. Actuellement, elle intervient aussi comme chorégraphe pour l'Opéra de Paris, de Nancy, de Reims et de Montpellier dans le cadre de la création « 14+18 » (production 10 mois d'école et d'opéra) et participera à L’Affaire Tailleferre, production à venir pour l'opéra de Limoges.

Fabien Teigné, scénographie Après une formation à l’Université d’Arts Plastiques de Rennes puis à l’atelier de Sèvres à Paris, il étudie la scénographie à l’Ecole Supérieure des Arts Décoratifs de Strasbourg. C’est là qu’il rencontre et suit l’enseignement du scénographe d’Olivier Py (metteur en scène et futur directeur du Festival d’Avignon), Pierre-André Weitz. Il est depuis 2003 son assistant à la scénographie tant au théâtre qu’à l’opéra : le soulier de satin, Die Sonne, Tannhäuser, le Freischütz, les Huguenots… Fabien Teigné signe sa première scénographie d’opéra en janvier dernier à la cité de la musique : Echo et Narcisse de Gluck mise en scène par Marguerite Borie. D’autre part, il réalise les décors de plusieurs metteurs en scène de théâtre, Jean-Damien Barbin Je vous quitte, j’ai à faire, Valéry Warnotte Les Animaux, Mort de Judas-le point de vue de Ponce Pilate, Olivier Balazuc le Génie des bois, Olivier Coyette le voyage à la Haye... Il a accompagné Jean-Paul Scarpitta pour la réalisation des décors de : Nabucco et Manon Lescaut. Il a déjà collaboré avec la metteuse en scène Marie-Eve Signeyrole pour La Petite Renarde Rusée donnée en 2012 à l’Opéra national de Montpellier, et en 2014 pour Owen Wingrave de Britten joué à Nancy. Valérie Blanvillain, chef de chœur, direction musicale Valérie Blanvillain est diplômée du Conservatoire Supérieur de Musique de Genève, du Conservatoire National de Région de Montpellier, en musique de chambre et diplômée d’état en accompagnement piano. En parallèle, elle obtient son diplôme de musicothérapeute et travaille en clinique psychiatrique, maisons de retraite, IME auprès d’adultes et adolescents. Parallèlement à sa carrière d’accompagnatrice, elle étudie le chant lyrique, la direction d’orchestre et de chœur. Elle devient directrice musicale de la saison lyrique d’opérette gardoise jusqu’en 1999. Depuis 2008, elle dirige du piano l’ensemble vocal Lyrica 12, douze chanteurs lyriques se produisant en chœur autour d’œuvres du répertoire lyrique d’opérette et d’opéra. Elle dirige le Chœur Universitaire Languedoc-Roussillon depuis 2011, et le Chœur des universités Montpelliéraines Ecume depuis 2013. Elle a été sollicitée pour un récital lyrique dans le cadre du festival des Chorégies d’Orange, et a assuré la fonction de pianiste chef de chant pour l’Opéra d’Avignon, l'Opéra Junior sous la direction successive de W.Koujoukharov, de Valérie Saint-Agathe, de Jérôme Pillement et de Vincent Recolin, le festival des Folies d’O, le Festival de Radio France Montpellier Languedoc-Roussillon, le Chœur Symphonique Languedoc-Roussillon sous la direction d’Hervé Niquet, le Chœur des Eléments sous la direction de J. Suhubiette. Depuis 1999, elle occupe le poste de pianiste chef de chant à l’Opéra Orchestre national de Montpellier Languedoc-Roussillon. Valérie Blanvillain continue sa formation de chef de chœur auprès des Maestro Peter Erdei en 2012 et auprès du maestro Frieder Bernius en 2014. Dans le cadre de la saison 2013/2014 de L’OONM, elle a été chef de chant sur la production Orphée et Eurydice de Glück et L’Etoile de Chabrier. Elle a été chef de chœur de 100 enfants pour le projet « Voyages ».

Les projets, dans le cadre de la saison 2014/2015 de l’OONM : Chef de chant des productions Happy happy de Mathis Nitschke, de La Clémence de Titus de Mozart. Directrice musicale du projet 14+18, reprise de la production de l’Opéra de Paris. Solistes de l’Orchestre national Montpellier Languedoc-Roussillon Orchestre national Montpellier Languedoc-Roussillon En trente ans de carrière, l’Orchestre national Montpellier Languedoc-Roussillon a connu un essor spectaculaire, qui en fait aujourd’hui l’une des formations les plus dynamiques du paysage musical français. Contrairement à la plupart des orchestres de région créés sous le ministère d’André Malraux par Marcel Landowski, l’Orchestre de Montpellier n’est pas né d’une structure préexistante. Lorsqu’en 1979, Georges Frêche, maire de Montpellier, fonde l’orchestre, il s’agit de relever un défi : initier le mouvement nouveau d’une véritable politique artistique et musicale à Montpellier. La création de l’Orchestre a représenté un formidable espoir de renaissance. Très vite, le tout nouveau Conseil Régional et le Conseil Général de l’Hérault ont pris conscience de sa nécessaire existence. Sous l’impulsion de son fondateur, l’Orchestre s’est développé et a adapté son répertoire à ses effectifs croissants : entre les trente musiciens de la formation initiale et ses quatre-vingt-quatorze musiciens aujourd’hui, l’orchestre a pu progressivement assumer avec bonheur l’ensemble du répertoire symphonique du XVIIIe siècle à l’époque contemporaine. Ce développement força l’admiration et grâce à la reconnaissance de l’Etat en 1985, il devient Orchestre de Région. C’est en 1990 que René Koering, alors directeur du Festival de Radio France et Montpellier, prend la direction générale de l’Orchestre Philharmonique de Montpellier. Se développe alors à Montpellier une structure originale et particulièrement dynamique : René Koering, responsable de la programmation artistique et de la gestion de la formation, dote parallèlement l’orchestre d’un directeur musical. Les apparitions de l’orchestre vont connaître dès lors un retentissement nouveau, et asseoir sa réputation à l’échelle régionale, nationale, et aujourd’hui internationale. En 1989, l’orchestre Philharmonique de Montpellier s’installe au Corum inauguré en novembre. Il y trouve l’année suivante une salle de répétition, la salle Beracasa, un lieu de concert prestigieux, l’Opéra Berlioz, et une salle parfaitement adaptée à la musique de chambre, la salle Pasteur. Une installation remarquable que bien des orchestres peuvent envier à Montpellier. En 1992, René Koering fait appel à Gianfranco Masini pour assurer la direction musicale : la disparition brutale du maestro italien l’année suivante met fin à une précieuse collaboration, dont la création d’œuvres de Busoni et du Christophe Colomb de Franchetti laisse la trace dans la mémoire de l’Orchestre. De 1994 à 2007, Friedemann Layer prend la tête de l’Orchestre, participant activement au dynamisme et à la grande qualité des saisons musicales. En 1999, l’orchestre de Montpellier devient Orchestre national.. De septembre 2009 à juin 2012, Lawrence Foster a été directeur musical désigné. Un nouveau directeur musical devrait être nommé en 2015 Attentif à ne jamais négliger les grandes œuvres du répertoire, l’Orchestre national Montpellier Languedoc-Roussillon mène toutefois une véritable politique de création et de sensibilisation à la musique du XXe siècle. Des compositeurs tels que Maderna, Adams, Cage, Pärt, Penderecki, Korngold, Henze, Ligeti, Dusapin ou Xenakis font partie désormais de la vie musicale montpelliéraine. Par ailleurs, depuis 2000, l’Orchestre accueille des compositeurs contemporains en résidence : Jean-Louis Agobet (2000-2001), Jean-Jacques Di Tucci (2002), Marco Antonio Pérez-Ramirez (2002- 2006), Richard Dubugnon (2006-2008), Philippe Schoeller en 2008.

Le prestige de l’Orchestre national Montpellier Languedoc-Roussillon, qui en fait aujourd’hui l’un des meilleurs de l’hexagone, se laisse mesurer aux grands noms qu’il ne cesse de rencontrer. Des chefs tels que Ivan Fischer, Marek Janowski, Armin Jordan, Emmanuel Krivine, Antonio Pappano, Nello Santi, Pinchas Steinberg, Jerzy Semkov, Riccardo Muti…; des solistes comme Pierre Amoyal, Augustin Dumay, François-René Duchâble, Evgeni Kissin, Radu Lupu, Nikita Magaloff, Maria Joao Pires, Mistilav Rostropovitch, David Fray… ; des chanteurs tels que, Montserrat Caballe, Jennifer Larmore, Rockwell Blake, Béatrice Uria-Monzon, Pauletta de Vaughn, Gary Lakes, Katia Ricciarelli, Giuseppe di Stefano, Chris Merritt, Hildegard Behrens, Margaret Marshall, Karen Huffstodt, José van Dam, Thomas Moser, Leonie Rysanek, Viorica Cortez, Nathalie Stutzmann, Jean-Philippe Lafont, Juan Diego Florez, Daniela Barcelona, Nora Gubisch, Roberto Alagna, sont autant de preuve de confiance et de haute exigence artistique. Et de fait, l’Orchestre depuis quelques années développe une carrière internationale, invité au cours des saisons musicales de Milan, Barcelone, Athènes, Beyrouth, Budapest, Bratislava ou Prague. Outre sa participation active au Festival de Radio France et Montpellier, l’Orchestre se produit dans de nombreux festivals français. Régulièrement invité sur les grandes scènes parisiennes, il s’est produit à la salle Pleyel, en septembre 2008, dans une version concert d’Aida, sous la baguette d’Alain Altinoglu. Il donne 3 représentations de Die Zauberflöte en octobre 2009, sur la scène du Châtelet, et en 2011 Aida au Stade de France. Depuis 1999, l’Orchestre national Montpellier Languedoc-Roussillon a soin de graver son histoire, grâce à une discographie proposant plus d’une quarantaine d’enregistrements publics, lors de la saison ou à l’occasion du Festival de Radio France et Montpellier. Ainsi, il a pu créer sa propre ligne de disques en coproduction avec Actes Sud, et travailler en partenariat avec les Editions Naïve. En janvier 2012, dirigé par Riccardo Muti, il a soulevé l’enthousiasme du public montpelliérain avec le Requiem de Verdi. Depuis décembre 2013, Valérie Chevalier en est la directrice générale.

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