Palais Brongniart

Place de la Bourse, Paris 2e

Du jeudi 13 au dimanche 16 novembre 2014De 11h à 20h, nocturne le 13 novembre jusqu’à 22h

Fermeture à 18h30 le 16 novembre

Retrouvez Paris Tableau sur www.paristableau.com

Téléphone du commissariat pendantla durée du Salon : +33 (0) 1 83 92 24 10

Organisation : Paris Tableau26, rue Laffitte – 75009 ParisTél. : +33 (0) 1 45 22 37 82E-mail : contact@paristableau.com

LE SALON INTERNATIONAL DE LA PEINTURE ANCIENNE

I N T R O D U C T I O N

Dear Visitors,e exhibitors, founder members and I are delighted towelcome you to Paris Tableau 2014.For this fourth edition, twenty-four internationallyrenowned galleries and two frame dealers are gathered inthe magnificent Palais Brongniart to present their latestacquisitions to you and share their passion for old masterpaintings.At the same time, in keeping with our mission to promotean appreciation of the history of the art and paintings ofthe European old masters, this year we have teamed upwith several prestigious institutions to put on two specialevents, both turning the spotlight on the Netherlands andon Flemish painting.e first is the symposium entitled Utrecht and theInternational Caravaggesque Movement taking place onursday 13 November and organised in association withthe Centraal Museum Utrecht and Radboud University,Nijmegen. We wish to thank Dr Liesbeth M. Helmus andDr Volker Manuth for their active involvement in theorganisation of this outstanding event, as well as GerLuijten for the valuable support of the Custodia Foundation.is series of lectures given by distinguished experts onCaravaggism will be published in a high-quality scholarlyvolume, thanks to the generous support of Daniel ierry,Chairman of the Supervisory Board of GT Finance towhom we are also extremely grateful.e second event is the exhibition Three collections, asingle passion, which brings together at Paris Tableau,for the first time ever, masterpieces from the collections ofthe Centraal Museum Utrecht, the French insurance groupAXA ART and the P. & N.de Boer Foundation, Amsterdam.e presentation of works from these three institutions,which at first glance appear to be very different from oneanother, offers an unprecedented opportunity to discussissues related to building up a collection of old masterpaintings and to discover, or rediscover, Flemish masterpiecesor works influenced by them. In particular we would liketo thank Edwin Jacobs, Director of the Centraal MuseumUtrecht, Henri de Castries, Chairman and CEO of AXA,as well as Hilde de Boer-Venverloo and Peter de Boer forthe loan of these outstanding works.In the hope that these events as well as our exhibitors’exquisite paintings, which reflect the high quality standardsof our Fair, will surprise and delight you, we wish you anexcellent visit.

Chers visiteurs,

C’est avec grand plaisir que les exposants, les membres fondateurs etmoi-même vous accueillons au Salon Paris Tableau 2014.

Pour cette quatrième édition, décalée d’un jour en raison du11 novembre, vingt-quatre galeries et deux marchands de cadres derenommée internationale se sont réunis au sein du majestueux PalaisBrongniart pour vous faire découvrir leurs dernières acquisitions etainsi vous faire partager leur passion pour la peinture ancienne.

En parallèle et toujours fidèles à notre volonté de contribuer à lavalorisation de l’histoire de l’art et des tableaux de maîtres ancienseuropéens, nous avons organisé cette année grâce à la collaborationde prestigieuses institutions deux événements inédits qui ont pourpoint commun de mettre à l’honneur les Pays-Bas et la peintureflamande.

Le premier est le colloque intitulé Utrecht et le mouvement caravagesqueinternational proposé le jeudi 13 novembre et réalisé en collaborationavec le Centraal Museum d’Utrecht et la Radboud Universiteit deNimègue. Nous tenons à remercier vivement le DrLiesbeth M.Helmuset le Dr Volker Manuth pour leur engagement dans l’organisation dece bel événement ainsi que M. Ger Luijten pour le soutien offert parla Fondation Custodia. Ce cycle de conférences données par de grandsspécialistes du caravagisme a également donné lieu à une publicationscientifique de premier plan dont l’existence a été rendue possiblegrâce à M. Daniel Thierry, Président du Conseil de surveillance deGT Finance que nous remercions chaleureusement.

Le second n’est autre que l’exposition Trois collections, une seulepassion, qui réunit exceptionnellement à Paris Tableau des œuvresissues des collections du Centraal Museum d’Utrecht, du groupefrançais d’assurances AXA ART, mais aussi de la Fondation P. & N. deBoer d’Amsterdam. La présentation des tableaux de ces trois institutions,au premier abord très différentes les unes des autres, est une occasioninédite d’évoquer les questions relatives à la constitution d’unecollection de tableaux anciens tout en découvrant ou redécouvrantdes chefs-d’œuvre de la peinture flamande ou ayant subi son influence.Nous remercions tout particulièrement M. Edwin Jacobs, directeurdu Centraal Museum d’Utrecht, M. Henri de Castries, Présidentdirecteur général d’AXA ainsi que Mme Hilde de Boer-Venverloo etM. Peter de Boer pour le prêt de ces collections d’exception.

En espérant que ces événements ainsi que les beaux tableaux de nosexposants, reflets de la qualité et de l’exigence voulues pour notreSalon, sauront vous étonner et vous enchanter, nous vous souhaitonsune excellente visite.

Maurizio CanessoPrésident de Paris Tableau

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En couverture : Gerard van Honthorst, L’Entremetteuse, 1625 (© Centraal Museum Utrecht / Ernst Moritz)

Achevé d’imprimer en octobre 2014 sur les presses de l’imprimerie Cloître, à Landerneau (France)

Pour leur apport scientifique et leur amicale participation, les membres de la commission d’admission des œuvres :

Les œuvres exposées sont présentées sous la responsabilité directe et unique de l’exposant. La commission d’admission, mise en place par l’organisation de Paris Tableau,n’a pu donner qu’un avis consultatif sur la qualité et l’authenticité des œuvres. La responsabilité des organisateurs et des membres de ladite commission ne pourra en aucuncas être recherchée si l’authenticité d’une œuvre devait être contestée.

The exhibited works are presented and offered for sale under the exclusive responsibility of the individual exhibitor only. The vetting committee invited by the organisers of theParis Tableau fair has given its opinion and advice regarding the exhibited works’ authorship and quality in a consultative capacity only. The organisers and members of saidcommittee will assume no legal responsibility in the event the authorship of a work is questioned.

Pour les traductions et les relectures :

Ros Schwartz Translations Ltd, LondresTraductions : M. Jean-Louis Eveque, Mme Susan Mackervoy, Mme Mireille Ribière, M. Dafydd Roberts et Mme Anne WalgenwitzRelectures : Mmes Anne Newman (anglais, sauf p. 16) et Valérie Malafronte (français)Coordinatrice : Mme Ros Schwartz

Nos partenaires AXA ART, GT Finance, le Centraal Museum Utrecht,la Radboud Universiteit, la Fondation Custodia, Art Transit et nos partenaires presse

Pour la conception graphique :

M. François Brécard

Pour sa collaboration, le bureau d’organisation de Paris Tableau :

Mmes Hélène Mouradian, Claire Dubois et Manon Girard

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AXA ART nous fait l’honneur cette année d’être notre partenaire officiel ; nous remercions tout particulièrement Mme Sylvie Gleises,Directrice générale France Benelux Moyen-Orient, pour son aimable collaboration.

Nous tenons également à remercier chaleureusement :

Pour le prêt de leurs collections dans le cadre de l’exposition Trois collections, une seule passion : M. Edwin Jacobs, Directeur du Centraal MuseumUtrecht, M. Henri de Castries, Président directeur général d’AXA, Mme Hilde de Boer-Venverloo et M. Peter de Boer

Pour leur aide précieuse et leur implication dans l’organisation du colloque international : Mme Liesbeth M. Helmus, Conservateur des peintures,dessins et sculptures, Centraal Museum Utrecht et M. Volker Manuth, Professeur d’histoire de l’art, Radboud Universiteit, Nimègue

Pr Stephen BannProfesseur émérite et chercheur en histoire de l’art,Université de Bristol (Bristol)

Pr Philippe BordesProfesseur d’histoire de l’art moderne,Université Lyon 2 (Lyon)

M. Dominique BrêmeDirecteur du Domaine de Sceaux,�Musée national de l’Île-de-France (Sceaux)

M. Peter van den BrinkDirector of the Suermondt-Ludwig Museum(Aix-la-Chapelle)

Pr Andrea De MarchiProfesseur associé d’histoire de l’art,Università degli studi di Firenze (Florence)

Dr Frits DuparcAncien directeur du Koninlijk Kabinetvan Schilderijen Mauritshuis (La Haye)

M. Ian KennedyAncien conservateur au muséeNelson Atkins Museum (Kansas City)

Dr Wouter KloekSpécialiste des tableaux des écoles nordiques des XVe et XVIe siècles,ancien conservateur au Rijksmuseum (Amsterdam)

M. Alastair LaingAncien conservateur des peintures et sculptures,The National Trust (Londres)

M. Jean-Patrice MarandelConservateur des peintures,Los Angeles County Museum of Art (Los Angeles)

M. Gregory MartinAncien directeur du département des tableaux anciens,Christie’s (Londres), membre du Corpus Rubenianum (Anvers)

M. Fred G. MeijerConservateur au département des tableaux ancien flamandset hollandais, au RKD Netherlands Institute for Art History (La Haye)

Pr Mauro NataleProfesseur au département d’histoire de l’art,Université de Genève (Genève)

Dr Erich SchleierAncien conservateur, Gemäldegalerie,Staatliche Museen (Berlin)

Didier Aaron & Cie – 3os. Agnew & Sons Ltd – 21

Charles Beddington Ltd – 15

Kunsthandel P. de Boer B.V. – 17

Galerie Canesso – 5Enrico Ceci - Cornici Antiche – 14

Galerie Éric Coatalem – 25

Galerie Michel Descours – 2Grassi Studio – 1Haboldt & Co – 24

Jean-François Heim – 10

Derek Johns Ltd – 12

De Jonckheere – 22

David Koetser Gallery – 20

Jacques Leegenhoek – 23

Galerie Montanari – 18

Galerie Maurizio Nobile – 11

Porcini – 8Galerie Sanct Lucas – 4Galerie G. Sarti – 13

Talabardon & Gautier – 26

Galerie Terrades – 9Rafael Valls Ltd – 16

Carlo Virgilio & C. – 6Galerie Claude Vittet – 19

e Weiss Gallery – 7

LES ExPOSANT SThe exhibitors

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17/ KUNSTHANDEL P. DE BOER B.V.Kunsthandel P. de Boer est spécialisé dans les peintures hollandaises et flamandes, particulièrementcelles du xVIIe siècle, ainsi que celles des xVIe et xVIIIe siècles. La galerie, située depuis toujoursau centre d’Amsterdam, a été créée en 1922. Elle se trouve aujourd’hui dans une maison duxVIIe siècle décorée avec des meubles anciens, au bord du Herengracht.En marge de l’achat et de la vente de tableaux, la galerie se charge également d’expertises envue d’assurance et de conseils pour la restauration et l’encadrement. La galerie expose à laTEFAF de Maastricht depuis 35 ans et possède une importante bibliothèque qui est ouverteaux historiens de l’art.

The Kunsthandel P. de Boer gallery specialises in Dutch and Flemish old master paintings.Although we have 16th- and 18th-century paintings in stock, our main focus is on the 17th century.The gallery was established in 1922 and has always been located in the centre of Amsterdam,currently in a 17th-century house on the Herengracht, filled with antique furniture.Besides buying and selling paintings, we also carry out valuations and can provide advice onrestoration and framing. For the past 35 years our gallery has participated in TEFAF Maastrichtand our extensive library is available for art-historical research.

Peter de Boer, Niels de Boer, Hilde de Boer-Venverloo

Herengracht 512 – 1017 CC Amsterdam – Pays-BasTél. : +31 20 623 6849 – Fax : +31 20 623 1285E-mail : info@kunsthandelpdeboer.comwww.kunsthandelpdeboer.com Mobiles : +31 629016160 et +31 621520044

ExHIBITORS

21/ THOS. AGNEW & SONS LTD

Anthony Crichton-Stuart, Anna Cunningham

22 Grafton Street – Londres W1S 4Ex – Grande-BretagneTél. : +44 (0)20 7491 9219E-mail : anna.cunningham@agnewsgallery.com – www.agnewsgallery.com

Fondée à Manchester en 1817, la maison Thomas Agnew & Sons a ouvert sa galerie londonienneen 1860 dans le quartier de Mayfair, où elle s’est forgé une réputation de premier plan. Fortede sa longue histoire, Agnew’s négocie dans le monde entier avec une clientèle privée et insti-tutionnelle des plus exigeantes.Tout en restant fidèles aux principes qui guident la maison depuis toujours, le nouveaupropriétaire et la nouvelle direction d’Agnew’s se veulent très présents dans tous les domainesdu marché de l’art, de la peinture ancienne à celle du XXe siècle. Agnew’s propose des œuvresreprésentant un large éventail de genres, de sujets et de périodes à une clientèle variée, travaillantinlassablement avec collectionneurs et conservateurs en vue de développer les collectionsexistantes et de donner à un public nouveau et plus jeune le goût de collectionner.

Founded in Manchester in 1817, Thomas Agnew & Sons opened a London gallery in 1860, whereit established itself as one of Mayfair’s leading dealerships. Agnew’s has a proud history of dealingto the most discerning private collectors and museums throughout the world.While remaining true to the original remit of the firm, Agnew’s, now under a new and dynamicownership and management, is an active participant in all areas of the market, from old mastersto 20th century. Agnew’s gallery appeals to a cross-section of buyers, presenting a broad range ofgenres, subjects and periods, working constantly with established collectors and curators to refineexisting collections, and introducing a new and younger audience to the pleasure of collecting.

ExPOSANT S

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3/ DIDIER AARON & CIEFondée en 1923, la galerie est aujourd’hui présidée depuis New York par Hervé Aaron, quireprésente la troisième génération de cette famille de marchands d’art. Pour accompagner aumieux ses clients, la galerie est également implantée à Londres et à Paris, où elle est dirigée parBruno Desmarest. Elle présente dans des immeubles prestigieux un vaste éventail de la créationartistique des xVIIe, xVIIIe et xIxe siècles.La galerie compte parmi ses clients les plus grands musées internationaux et a réalisé cesdernières années plusieurs transactions marquantes avec, entre autres, des œuvres du Titienet de Nicolas Lancret. Elle organise régulièrement d’ambitieuses expositions thématiques.

Founded in 1923, the gallery is now in its third generation and is under the directorship of HervéAaron in New York. So as to work more closely with its clients, the gallery is also represented atprestigious locations in Paris, under director Bruno Desmarest, and London. At each of its threesites, the gallery shows important works of art of the 17th, 18th and 19th centuries.The gallery counts among its clients some of the greatest museums worldwide and in recent yearshas sold some significant works of art, including paintings by Titian and Nicolas Lancret. Itregularly organises ambitious thematic exhibtions.

Hervé Aaron, Bruno Desmarest, Laure Desmarest, Alan E. Salz, Bérengère Tost

152, boulevard Haussmann – 75008 Paris – FranceTél. : +33 (0)1 47 42 47 34 – Fax : +33 (0)1 42 66 24 17E-mail : contact@didieraaron-cie.com – www.didieraaron.com Stand : +33 (0)1 83 92 20 47

15/ CHARLES BEDDINGTON LTD

Charles Beddington, Charlotte Mosely

16 Savile Row – Londres W1S 3PL – Grande-BretagneTél. : +44 (0)20 7439 4959 – Fax : +44 (0)20 7439 4969E-mail : info@charlesbeddington.comwww.charlesbeddington.com Mobile : +44 (0) 777 427 1820

Charles Beddington Ltd est un courtier et marchand de tableaux anciens, basé à Londres. Aprèsavoir travaillé chez Christie’s dès 1983, en qualité de directeur du département des tableauxanciens à Londres, Charles a commencé à travailler indépendamment en 1998. Très respectéen tant qu’éminent spécialiste des vues vénitiennes, il a été le commissaire d’expositionsmajeures dont il a rédigé les catalogues – récemment à la National Gallery de Londres et à laNational Gallery de Washington.La formation académique des collaborateurs de la galerie influe grandement sur ses activitéset la majorité des œuvres présentées sont, sinon des redécouvertes, du moins des œuvresauparavant inconnues sur le marché.

Charles Beddington Ltd is a London dealer and agent in old master paintings. Having worked atChristies since 1983, ultimately as head of the London Old Master Picture Department, Charlesstarted independently in 1998. He is respected as a pre-eminent scholar of Venetian view paintings,and has curated and written catalogues for major exhibitions, most recently at the National Galleryof Art, London, and the National Gallery of Art, Washington.Our academic background is a strong influence on the gallery’s activities, and we pride ourselvesthat the majority of the paintings we offer are either rediscoveries or at least fresh to the market.

1/ GRASSI STUDIO

2/ GALERIE MICHEL DESCOURSL’ouverture de la galerie de peintures et de dessins Michel Descours en décembre 2009 acouronné 35 années de passion et d’expérience. Connu de longue date comme antiquairespécialisé dans le mobilier et les objets d’art, Michel Descours avait le désir et l’ambition decréer à Lyon un espace exclusivement dédié à ce qui peut lui sembler le meilleur dans le domainedes beaux-arts. Si la galerie fait aujourd’hui référence en matière d’école lyonnaise, ses intérêtsdépassent de beaucoup cette production ; elle propose à sa clientèle privée aussi bien qu’insti-tutionnelle un large choix de peintures et de dessins européens du XVIe au XXe siècle. MichelDescours et son équipe partagent leur passion en conseillant les collectionneurs, en accueillantrégulièrement les amateurs pour des événements et en collaborant avec les musées pour desexpositions.

The opening of the Michel Descours gallery of paintings and drawings in December 2009 was theculmination of a passionate thirty-five-year career. With his reputation as a specialist in antiquefurniture and objets d’art, Michel Descours’ ambition was to create a space in Lyon devotedexclusively to the very best in the field of fine arts. While the gallery is now considered a leadingchampion of the Lyon school, Michel Descours’ interests extend far beyond that, and the galleryoffers both its private and institutional clients a wide selection of European paintings and drawingsfrom the 16th to the 20th centuries. The enthusiasm of Michel Descours and his team is evident,as they advise collectors and regularly host events, working closely with museums on exhibitions.

Michel Descours, Mehdi Korchane, Gwilherm Perthuis, Paul Ruellan

44, rue Auguste-Comte – 69002 Lyon – FranceTél. : +33 (0)4 72 56 75 97 et +33 (0) 4 78 37 34 54 – Fax : +33 (0)4 72 41 90 67E-mail : contact@galerie-descours.com – www.peintures-descours.fr

Marco Grassi, Matteo Grassi

158 A East 71st Street – NY 10021 – New York – États-UnisTél. : +1 212 226 6616 – Fax : +1 212 226 5496E-mail : mail@grassistudio.com – www.grassistudio.com

Luigi Grassi ouvrit sa première galerie à Florence en 1900. Dès lors, « Luigi Grassi & Sons »devint un lieu de référence, autant pour les Européens que pour les principaux collectionneursaméricains d’art de la Renaissance. Après la mort du professeur Grassi en 1937, ses filspoursuivirent son travail, notamment Arturo en Amérique. Par la suite, Marco Grassi, un desfils d’Arturo, fit carrière dans la restauration de tableaux à Florence, en Suisse, puis s’installa àNew York il y a une trentaine d’années. En 2000, Marco et son fils Matteo s’établirent en tantque « Grassi Studio » à New York et à Paris, en se spécialisant dans les tableaux de maîtresanciens. L’implication de la famille dans le marché de l’art a ainsi atteint la cinquièmegénération.

Professor Luigi Grassi opened his first gallery in Florence in 1900. In the following decades ‘LuigiGrassi & Sons’ became a point of reference for Europe’s and America’s leading collectors ofRenaissance art. Running of the gallery was taken over by Professor Grassi’s sons after his deathin 1937 and, notably, with Arturo in America. Later, Marco Grassi, one of Arturo’s sons, pursueda career as a paintings conservator in Florence, Switzerland and, for the past thirty years, in NewYork. In 2000, he and his son Matteo established ‘Grassi Studio’ in New York and Paris, specialisingin old-master paintings. With this initiative, the family’s involvement with European art enteredits fifth generation.

25/ GALERIE ÉRIC COATALEMFondée en 1986, la galerie Éric Coatalem est spécialisée dans les tableaux, dessins et sculpturesdes maîtres français du XVIIe au XXe siècle. Elle a présenté la première rétrospective consacréeau peintre Lubin Baugin en 1994, un important ensemble de paysages de George-AugustusWallis en 1998, puis une exposition sur l’artiste François Perrier en 2001. Pour son 20e anniversaire,la galerie a exposé des toiles des principaux maîtres français du XVIIe siècle, à Paris puis àNew York. Depuis 1994, la galerie participe régulièrement à la Biennale des Antiquaires et auSalon du dessin, à Paris, à la TEFAF de Maastricht et à l’International Fine Art Fair de New York.Elle a organisé au printemps 2013, en collaboration avec la galerie Bellanger, une expositioncomportant plus de 50 tableaux français du XVIIe siècle.

Founded in 1986, the Galerie Éric Coatalem specialises in the paintings, drawings and sculpturesof the French masters from the 17th to the 20th centuries. In 1994, the gallery staged the firstretrospective devoted to the painter Lubin Baugin, and in 1998, it presented an important set oflandscapes by George-Augustus Wallis, followed in 2001 by an exhibition on the artist FrançoisPerrier. To mark its 20th anniversary, the gallery exhibited the paintings of key French masters ofthe 17th century, first in Paris and later in New York. Since 1994, the gallery has participated in theBiennale des Antiquaires and Salon du Dessin in Paris, the TEFAF in Maastricht and theInternational Fine Art Fair of New York. During the spring of 2013, and in collaboration with galleryBellanger, it organised an exhibition featuring more than fifty French 17th-century paintings.

Éric Coatalem, Manuela de Paladines

136, rue du Faubourg-Saint-Honoré – 75008 Paris – FranceTél. : +00 33 (0)1 42 66 17 17 – Fax : +00 33 (0)1 42 66 03 50E-mail : coatalem@coatalem.com – www.coatalem.com Stand : +33 (0)1 83 92 24 02

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ExHIBITORSExPOSANT S

5/ GALERIE CANESSO

Maurizio Canesso, Véronique Damian, Olimpia Valdivieso

26, rue Laffitte – 75009 Paris – FranceTél. : +33 (0)1 40 22 61 71 – Fax : +33 (0)1 40 22 61 81E-mail : contact@canesso.com – www.canesso.com

La galerie Canesso a été fondée en 1994 à Paris par Maurizio Canesso, fort d’une longueexpérience dans la peinture ancienne italienne. Son activité est orientée exclusivement vers lestableaux exécutés entre le xVe et le xVIIIe siècle par des artistes italiens ou étrangers ayant résidéen Italie. Le choix des œuvres, pour la plupart inédites, se porte sur des sujets avec figures, tantpour la peinture d’histoire, la peinture de genre ou le portrait, tout en faisant la part belle auxnatures mortes et aux paysages.Conseiller et guider le collectionneur est l’un des axes de travail de la galerie. L’étroitecollaboration avec les historiens de l’art et les conservateurs de musée atteste de son succèsauprès des institutions du monde entier. Maurizio Canesso et son équipe seront heureux devous recevoir pour vous faire partager leurs dernières découvertes.

The Galerie Canesso was founded in 1994 in Paris by Maurizio Canesso who has many years’experience of Italian old master paintings. The gallery focuses exclusively on works from the 15th

to the 18th centuries by Italian artists or foreigners who sojourned in Italy. The paintings selected,most of them unpublished, encompass a wide range of figurative art: historical subjects, genrepainting, portraits, with a focus on still-lifes and landscapes.One of the gallery’s key principles is to provide advice and guidance for the art collector, while closecontact with art historians and museum curators attests to the gallery’s worldwide success.Maurizio Canesso and his team will be delighted to welcome you and share their latest discoveries.

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22/ DE JONCKHEERELa maison De Jonckheere est fondée à Bruxelles en 1976. Spécialisée dans les tableaux flamands,elle s’impose comme galerie de référence en sélectionnant les plus belles œuvres du marché.En 1983, elle s’installe à Paris. Acteur incontournable dans le monde de la peinture flamandeet hollandaise, elle élargit son activité aux maîtres de vedute du XVIIIe siècle et aux peintresmodernes. Ces collections sont présentées aux amateurs les plus exigeants, notamment lors departicipations aux principales foires d’art ancien. En 2010, la maison s’installe à Genève et jointà son exposition de tableaux ses archives et sa bibliothèque composée de plus de 10 000 ouvrages.

De Jonckheere was founded in Brussels in 1976. Specialising in Flemish paintings, it has sinceestablished itself as a gallery of distinction by selecting the finest works on the market. In 1983,De Jonckheere opened a gallery in Paris, becoming an essential player in the world of Flemishpainting and has since expanded its activity to the 18th-century masters of Italian vedute andmodern painters. These different collections draw in the most demanding art lovers worldwide,and the gallery takes part in prestigious art fairs. In 2010, De Jonckheere opened a gallery inGeneva where, in addition to exhibiting paintings, its archives are displayed and it has a libraryof more than 10,000 works.Georges de Jonckheere, François de Jonckheere, Daisy Prevost Marcilhacy, Alice Frech

100, rue du Faubourg-Saint-Honoré – 75008 Paris – FranceTél. : +33 (0)1 42 66 69 49 – Fax : +33 (0)1 42 66 13 42E-mail : paris@dejonckheere-gallery.com – www.dejonckheere-gallery.com

7, rue de l’Hôtel-de-Ville – 1204 Genève – SuisseTél. : +41 223 108 080 – Fax : +41 223 108 081E-mail : geneve@dejonckheere-gallery.com

10/ JEAN-FRANçOIS HEIMDepuis 30  ans, Jean-François Heim partage avec joie sa passion des tableaux, dessins etsculptures d’artistes du XVIe au XXe siècle. Aujourd’hui, la nature de ce métier réside dans lasélection des objets, le choix des contacts et l’analyse de l’expertise.Authenticité, qualité, état, rareté, mais aussi inventivité de l’artiste, virtuosité, puissanced’évocation de l’œuvre et émotion sont les principales raisons de ses choix artistiques. Le strictrespect de ces critères a établi la réputation de la galerie et ce professionnalisme lui vautaujourd’hui la confiance des plus grands collectionneurs et des plus grandes institutions dumonde de l’art. Organiser une opération de mécénat ou une dation est une compétencereconnue de la galerie. Juriste de formation, Jean-François Heim est un conseiller indépendantentre un collectionneur, un mécène et une collection publique.

Jean-François Heim has been sharing his passion for 16th–20th-century paintings, drawings andsculptures for more than thirty years. Today, this experience is reflected in his selection of worksof art, the quality of his contacts and his expertise.Authenticity, state of conservation and rarity, as well as the virtuosity of the artists and theemotional power of their works all guide his artistic choices. His unfaltering respect for thesecriteria has established the reputation of the gallery, ensuring the satisfaction of clients from aroundthe world. Jean-François Heim also acts as a confidential advisor and assists collectors in buyingor in organising the sale of a collection.

Jean-François Heim, Sabine de Lambertye, Teresa Perez Diaz

Utengasse 52 – CH 4058 Bâle – SuisseTél. : +41 61 681 35 35 – Fax : +41 61 681 75 70E-mail : jean.f.heim@galerieheim.ch – www.galerieheim.ch

12/ DEREK JOHNS LTD

Derek Johns, Burcu Yuksel, Ellida Minelli, Transom Linsey

12 Duke Street, St James’s – Londres SW1Y 6BN – Grande-BretagneTél. : +44 207 839 7671 – Fax : +44 207 930 0986E-mail : fineart@derekjohns.co.uk – www.derekjohns.co.uk

Après avoir travaillé chez Sotheby’s à partir de 1968, Derek Johns devient marchand indépendanten 1981 et s’installe sur Duke Street, où il est aujourd’hui encore établi. Derek Johns est unexpert des écoles européennes du XIIIe au XVIIIe siècle, en particulier des écoles italienne,française, espagnole et coloniale. Il propose également des tableaux et dessins des XIXe etXXe siècles. Bien connu pour son talent de découvreur, il fournit les plus grands musées dumonde ainsi que des collections privées.Derek Johns expose régulièrement dans les grands salons internationaux d’art, tels que laTEFAF, la Biennale dell’Antiquariato à Florence, Paris Tableau et le Winter Antiques Show deNew York.

Derek Johns was at Sotheby’s from 1968 to 1981 when he became an independent art dealer,establishing premises in Duke Street where he has remained ever since. He has expertise in allmajor European schools of art from the 13th to the 18th centuries, particularly Italian, French,Spanish and Colonial works. He also deals in 19th- and 20th-century paintings and drawings. Wellknown for his talent for uncovering neglected masterpieces, Derek Johns supplies the world’s leadingmuseums and private collections.Derek Johns exhibits regularly at the major international art fairs including TEFAF, the Biennaledell’Antiquariato in Florence, Paris Tableau and the Winter Antiques Show in New York.

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24/ HABOLDT & CO

Bob Haboldt, Goedele Wuyts, Hélène Sécherre, Carlo Van Oosterhout

70, rue du Faubourg-Saint-Honoré – 75008 Paris – FranceTél. : +33 (0)1 42 66 44 54 – Fax : +33 (0)1 42 66 44 52E-mail : oldmasters@haboldt.com

Marchand de tableaux et dessins anciens de renommée internationale, Bob Haboldt a fondésa galerie à New York en 1983. En 1990, il choisit Paris pour implanter sa seconde galerie. Ilpossède aujourd’hui des showrooms à Amsterdam, Paris et New York. La galerie propose unlarge éventail d’œuvres de grande qualité, des fonds d’or italiens jusqu’au début du XIXe siècle,principalement des écoles nordiques, mais les écoles française, espagnole et italienne sontégalement représentées. Membre du Syndicat National des Antiquaires, Bob Haboldt a participéau Salon du dessin et à la Biennale des Antiquaires à Paris, à The International Fine Art Fairde New York, à la Mostra dell’Antiquariato de Florence, et expose à la TEFAF de Maastrichtdepuis plus de 25 ans.

A dealer in paintings and drawings with an international reputation, Bob Haboldt founded hisgallery in New York in 1983. In 1990, he chose to open his second gallery in Paris. Today, he hasshowrooms in Amsterdam, Paris and New York. The gallery offers an extensive range of high-quality works ranging from the Italian goldgrounds up to works from the early 19th century,primarily from the Northern Schools, but the French, Spanish and Italian Schools are alsorepresented. A member of the Syndicat National des Antiquaires, Bob Haboldt has participatedin the Salon du dessin and the Biennale des Antiquaires in Paris, the New York International FineArt Fair and the Mostra dell’Antiquariato in Florence and he has exhibited at the MaastrichtTEFAF for more than 25 years.

11/ GALERIE MAURIZIO NOBILEC’est en 1987, dans le cadre enchanteur du palais Bovi-Tacconi, dans le cœur historique deBologne, que Maurizio Nobile débute sa carrière d’antiquaire. En 2010, fort d’une notoriétécroissante, il inaugure une seconde galerie à Paris. Spécialisé dans les tableaux et dessins desmaîtres italiens actifs entre la fin du XVe siècle et la première moitié du XXe siècle, MaurizioNobile s’intéresse également à la sculpture, aux objets d’art et aux meubles des XVIIIe etXIXe siècles. Tout en participant à des salons prestigieux, Maurizio Nobile propose dans sesgaleries de nombreuses expositions où il présente des tableaux qui témoignent de ses recherches,mais aussi des redécouvertes et des nouveautés absolues pour le marché de l’art.

Maurizio Nobile launched his antique-dealing career in 1987, in the splendid setting of PalazzoBovi-Tacconi in Bologna’s historical heart. Having established a growing reputation, he opened asecond gallery in 2010, in Paris. Specialising in the paintings and drawings of the Italian mastersfrom the end of the 15th century to the first half of the 20th, Maurizio Nobile also takes an interestin the sculpture, fine art and furniture of the 18th and 19th centuries. As well as participating inprestigious art fairs, Maurizio Nobile organises a rich programme of exhibitions in his own gallerieswhere he presents the fruits of his research – sometimes rediscovered works and other times worksthat are new to the art market.

Maurizio Nobile, Laura Marchesini, Davide Trevisani

Via Santo Stefano, 19/a – 40125 Bologne – Italie : +39 051 238363 – bologna@maurizionobile.com

45, rue de Penthièvre – 75008 Paris – France : +33 (0)1 45 63 07 75 – paris@maurizionobile.com

www.maurizionobile.com

8/ PORCINILa galerie Porcini (jadis appelée « Napolinobilissima ») a été fondée en 1969 par VincenzoPorcini dans le centre historique de Naples. La galerie est allée à la recherche des toiles et desobjets que les voyageurs du Grand Tour avaient contribué à disperser dans le monde entier, enles rassemblant pour constituer de nouvelles et merveilleuses collections.En 1986, la galerie s’est installée dans ses locaux actuels au 6 Piazza Vittoria, en se spécialisantdans la peinture ancienne – grâce à Dario Porcini – et en accordant une attention particulièreaux artistes italiens et étrangers présents en Italie. La galerie est présente aux biennalesinternationales de Florence et de Rome, et garde un dialogue permanent avec des institutionset chercheurs internationaux.

The Porcini Gallery (formerly "Napolinobilissima") was founded in 1969 by Vincenzo Porcini inthe old town centre of Naples. Over the years it has researched paintings and objets d’art that thesophisticated travellers on the Grand Tour scattered worldwide, bringing them together in newand wonderful collections.In 1986 the gallery moved to its present location in Piazza Vittoria, and specialises, thanks toDario Porcini, in old paintings, with an emphasis on Italian and foreign artists who were activein Italy. The Porcini Gallery attends the International Biennale of Florence and Rome, and is inconstant dialogue with international institutions and scholars.

Vincenzo Porcini, Dario Porcini, Alba Palmiero

Piazza Vittoria 6 – 80121 Naples – ItalieTél. : + 39 081 76 43 550 – Fax : + 39 081 24 57 67 9E-mail : info@porcinigallery.com – www.porcinigallery.com

23/ JACqUES LEEGENHOEKIssu d’une famille de restaurateurs de tableaux, Jacques Leegenhoek se passionne très tôt pourla peinture et rejoint en 1972 le département des tableaux anciens de Sotheby’s à Londres. Aucours des quatorze  années passées dans cette maison de vente, il travaille à New York,Amsterdam, Bruxelles et Paris. Il se met à son compte en 1986 et ouvre sa galerie actuelle en1994.La galerie présente des tableaux anciens, sélectionnés sur leur qualité, leur caractère inédit etleur état de conservation, et propose un large choix de peintures nordiques, italiennes oufrançaises. Ces tableaux sont régulièrement remarqués par des collectionneurs privés, maisaussi par des musées et fondations, tant en France qu’à l’étranger.

Born into a family of restorers, Jacques Leegenhoek developed an early passion for paintings,joining Sotheby’s Old Masters department in London in 1972. During his fourteen years there, heworked in New York, Amsterdam, Brussels and Paris, setting up as a dealer in Paris in 1986,where he opened his present gallery in 1994 in the antiques and art dealers’ district.Jacques Leegenhoek specialises in unpublished old masters paintings from the Flemish, Dutch,Italian and French schools, all selected for their high quality, uniqueness and superb condition.These works regularly attract the attention of private collectors and museums, both in France andinternationally.

Jacques Leegenhoek, Nadine Fattouh

35, rue de Lille – 75007 Paris – FranceTél. : +33 (0)1 42 86 85 51 – Fax : +33 (0)1 42 86 85 52E-mail : jleegenhoek@gmail.com – www.leegenhoek.com Mobile : +33 (0)6 85 31 36 78

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ExHIBITORSExPOSANT S

20/ DAVID KOETSER GALLERY

David Koetser, Trudy Wipfli, Annemarie Van Der Hoeven, Gaëlle-Anne Hervouët

Talstrasse 37 – CH 8001 Zurich – SuisseTél. : +41 44 211 5240 – Fax : +41 44 211 5669E-mail : info@koetsergallery.com – www.koetsergallery.com Stand : +33 (0)1 83 92 24 01

Spécialisée dans les tableaux anciens des écoles hollandaise, flamande et italienne, la galerieKoetser a été fondée en 1923 par les frères Koetser. La société s’est agrandie avec l’ouvertured’un bureau à New York, permettant d’établir des contacts privilégiés avec des collectionneursprivés du monde entier ainsi qu’avec des musées sur l’ensemble du territoire américain. Ouverteen 1967, la galerie de Zurich est aujourd’hui devenue le centre principal des activités. Desexpositions et conférences sont régulièrement organisées et le Kunsthaus de Zurich présente,au sein de ses collections permanentes, 70 tableaux provenant de la Fondation Koetser. Lagalerie contribue à enrichir tout autant les collections particulières que celles des musées.

The Koetser Gallery has specialised in fine old masters of the Dutch, Flemish and Italian Schoolssince the Koetser brothers went into partnership in London in 1923. The firm expanded whenoffices were opened in New York, leading to the establishment of worldwide contacts among privatecollectors and museums throughout the USA. In 1967 the gallery opened at its present locationin Zurich, where the firm’s activities are now concentrated. The gallery puts on regular exhibitionsand lectures, and some 70 old masters from the Koetser Foundation are part of the ZurichMuseum’s permanent collection. The gallery works actively with museums and advises privatecollectors.

9/ GALERIE TERRADES

Gabriel Terrades, Antoine Cahen

8, rue d’Alger – 75001 Paris – FranceTél. : +33 (0)1 40 20 90 51 – Fax : +33 (0)1 40 20 90 61E-mail : contact@galerieterrades.com – www.galerieterrades.com

Fondée en 1986 à Paris par Gabriel Terrades, la galerie Terrades est située rue d’Alger, près dujardin des Tuileries. Dans ce lieu, Gabriel Terrades, rejoint par Antoine Cahen en 2001, aimefaire partager sa passion pour la peinture ancienne et du XIXe siècle auprès des amateurs commedes responsables des plus grandes institutions. Leur goût éclectique et leur exigence en matièrede qualité leur permettent de poser un regard original sur les œuvres italiennes et françaisesdu XVIe au début du XXe siècle. La galerie organise chaque année une exposition consacrée à lapeinture française, accompagnée d’un catalogue qui fait référence. Fidèle à ses origines, GabrielTerrades manifeste également un vif intérêt pour la peinture espagnole et la galerie a organiséen 2011 une exposition remarquée consacrée à ce thème.

Located in rue d’Alger, close to the Tuileries Gardens, the Galerie Terrades was established in Parisin 1986 by Gabriel Terrades, who was joined by Antoine Cahen in 2001. The pair share a passionfor old masters and 19th-century painting with art lovers and the heads of major institutions. Withtheir eclectic taste and exacting standards, they have developed an original portfolio of Italianand French art from the 16th to the early 20th centuries. Each year, the gallery organises anexhibition devoted to French painting, accompanied by a catalogue that has become a valuablepoint of reference. Faithful to his origins, Gabriel Terrades also has a keen interest in Spanishpainting and in 2011, the gallery organised a noted exhibition on this theme.

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ExHIBITORSExPOSANT S

26/ TALABARDON & GAUTIERFidèles à Paris, où ils ont ouvert leur première galerie en 1992, Bertrand Gautier et BertrandTalabardon sont installés entre le Palais de l’Élysée et Saint-Philippe-du-Roule. Évitant toutespécialisation, les deux associés ont réussi à éveiller la curiosité du public avec des œuvressouvent inattendues.Dans les expositions qu’ils organisent ou sur chacun de leurs stands – à Paris Tableau, à laTEFAF de Maastricht ou au Salon du dessin – ils ont su confirmer leur réputation dedécouvreurs au goût original mais toujours sûr. La liste des institutions qui leur ont faitconfiance (on en épargnera la litanie au visiteur) montre que cette indépendance du regardn’est pas incompatible avec une exigence constante de qualité.

Bertrand Gautier and Bertrand Talabardon have remained loyal to Paris where they opened theirfirst gallery in 1992. They are located between the Elysée palace and Saint-Philippe-du-Roule.Having consciously avoided specialisation, the two partners have succeeded in arousing the public’scuriosity with works that are often startling.Through the shows they organise and on their stands at art fairs – Paris Tableau, TEFAF inMaastricht and the Salon du dessin – they have confirmed their reputation as pioneers withoriginal but always definite taste. The institutions that have placed their trust in Talabardon andGautier (too numerous to list here) show that their distinctive taste is not incompatible with thedemand for the very highest quality.

Bertrand Gautier, Bertrand Talabardon, Nathalie Guyonvarc’h, Eva Belgherbi

134, rue du Faubourg-Saint-Honoré – 75008 Paris – FranceTél. : +33 (0)1 43 59 13 57 – Fax : +33 (0)1 43 59 10 29E-mail : talabardon.gautier@wanadoo.fr Stand : +33 (0)1 83 92 24 03

4/ GALERIE SANCT LUCASDepuis sa fondation en 1919, la galerie Sanct Lucas est établie au Palais Pallavicini surJosefsplatz, en plein cœur de Vienne. Dès ses débuts, la galerie s’est consacrée exclusivement àla vente des maîtres anciens et de la peinture du xIxe siècle. La galerie est toujours restée lapropriété de la même famille, celle du gérant-propriétaire actuel, M. Roman Herzig, petit-filsdu fondateur. Au debut de sa formation, M. Herzig a commencé à travailler chez Christie’s àLondres, dans le département des tableaux anciens, et cela fait 35 ans qu’il est responsable dela galerie Sanct Lucas.Depuis 25 ans, la galerie expose régulièrement à la TEFAF de Maastricht et dans de nombreuxautres salons internationaux. Elle compte parmi ses clients les plus importants musées dumonde.

Established in 1919, the Galerie Sanct Lucas is located in the Palais Pallavicini on Josefsplatz, inthe heart of Vienna. From its beginnings as an auction house, the gallery has dealt exclusively inold masters and 19th-century paintings. Since its opening, it has remained in the hands of the samefamily, that of the current owner and manager, Roman Herzig, grandson of the founder. Mr Herzigtrained in the Old Masters department at Christie’s London, and has been running the GalerieSanct Lucas for 35 years.For the last 25 years the firm has exhibited at the TEFAF in Maastricht, as well as at otherinternational fairs, and counts most of the world’s leading museums among its clients.

Roman Herzig, Eva Metelka, Konrad Count Waldersee

Josefsplatz 5, Palais Pallavicini – 1010 Vienne – AutricheTél. : + 43 1 5 12 82 37 – Fax : + 43 1 5 13 32 03 16E-mail : info@sanctlucas.com

13/ GALERIE G. SARTI

Giovanni Sarti, Claire Sarti, Sandrine Le Nech, David Boaretto-Sarti

137, rue du Faubourg-Saint-Honoré – 75008 Paris – FranceTél. : +33 (0)1 42 89 33 66 – Fax : +33 (0)1 42 89 33 77E-mail : giovanni.sarti@wanadoo.fr – www.sarti-gallery.com

Giovanni Sarti présente, dans l’hôtel particulier du 137 rue du faubourg Saint-Honoré, despeintures italiennes du XIVe au XVIIIe siècles, avec quelques meubles et objets d’art d’exception.Il organise régulièrement des expositions sur les primitifs et les tableaux de la Renaissanceitalienne, accompagnées d’un catalogue bilingue. Parmi les expositions passées, on peutégalement citer Vues de Venise et « Capricci » (1725-1835), Fastueux objets en marbre et pierresdures (une spécialité de la galerie), Les peintres caravagesques italiens.Giovanni Sarti participe à la TEFAF, à la Biennale des Antiquaires de Paris, à Frieze Masters(Londres) et à Paris Tableau.

Giovanni Sarti presents, in the “hôtel particulier” situated 137 rue du Faubourg Saint-Honoré,14th to 18th century Italian paintings, with some important furniture and objects. He regularlyorganises exhibitions on Italian Early and Renaissance paintings, with an accompanying bilingualcatalogue. Among the exhibitions held there one can also cite 18th century views of Venice and“capricci” (1725-1835), Sumptuous hardstone and marble pieces (a speciality of the gallery),Italian caravaggesque painters.Giovanni Sarti participates in the TEFAF, the Biennale des Antiquaires (Paris), Frieze Masters(London) and Paris Tableau.

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19/ GALERIE CLAUDE VITTETActif depuis 1988, Claude Vittet est spécialiste des écoles du Nord des XVIe et XVIIe siècles, despaysagistes français du XVIIIe siècle ainsi que de l’art de la miniature. Son goût le conduit àsélectionner des œuvres abordant la peinture d’Histoire ainsi que les sujets mythologiques etreligieux, lui permettant de proposer des œuvres rares et de répondre aux exigences des col-lectionneurs et des musées.Membre du SNA (Syndicat National des Antiquaires) et de la CNES (Chambre Nationale desExperts Spécialisés en objets d’art et de collection), il intervient en tant qu’expert et consultantauprès des particuliers et des institutions.

Established in 1988, Claude Vittet specialises in 16th- and 17th-century old masters of the Northernschools as well as 18th-century French landscape paintings and miniatures. His personal preferenceis for works devoted to historical, mythological and religious subjects, and he has built up a selectionof rare works to offer collectors and museums.He is a member of SNA (Syndicat National des Antiquaires) and expert for the CNES (NationalChamber of Experts in Works of Art), advising both private individuals and institutions.

Claude Vittet, Françoise Lasisz

Le Louvre des Antiquaires – 2, place du Palais Royal – 75001 Paris – France Tél./fax : +33 (0) 1 42 60 11 39E-mail : vittet.claude@yahoo.fr – www.galerievittet.com Mobile : +33 (0)6 19 47 14 31

ExHIBITORSExPOSANT S

7/ THE WEISS GALLERY

Mark Weiss, Catherine Weiss, Florence Evans, Christopher Brannigan

59, Jermyn Street – Londres SW1Y 6Lx – Grande-BretagneTél. : +44 20 7409 0035 – Fax : +44 20 7491 9604E-mail : info@weissgallery.com – www.weissgallery.com Stand : +33 (0)1 83 92 24 00

La galerie Weiss est reconnue comme spécialiste de la peinture de portraits, couvrant à la foisl’Angleterre des époques Tudor et Stuart ainsi que l’Europe du Nord des XVIe et XVIIe siècles. Lagalerie est située au 59 Jermyn Street, au cœur du prestigieux quartier de Saint James’s, àLondres. Tout au long de sa brillante carrière, Mark Weiss a fait de nombreuses et importantesdécouvertes qui se trouvent aujourd’hui dans de prestigieuses collections privées ou publiques.

The Weiss Gallery is recognised as a leading specialist in old master portraits, covering both BritishTudor and Stuart works, as well as northern European portraits from the 16th and 17th centuries.The prestigious gallery is located at 59 Jermyn Street, in the heart of St James’s, London. MarkWeiss has made numerous important discoveries during his long career, which today can be foundin major private and public collections.

16/ RAFAEL VALLS LTD

Rafael Valls, Toby Campbell, Caroline Valls

11 Duke Street – St James’s – Londres SW1Y 6BN – Grande-BretagneTél. : +44 207 930 1144 – Fax : +44 207 976 1596E-mail : toby@rafaelvalls.co.uk – www.rafaelvalls.co.uk Mobile : +44 786 778 7060

Rafael Valls Limited est une galerie de Saint James’s, à Londres, spécialisée dans la peintureancienne et dotée d’un intérêt particulier pour les écoles hollandaise, flamande et espagnole.Elle propose un choix d’œuvres éclectique et s’est forgée une réputation enviée en matière depeintures en trompe-l’œil. Rafael Valls négocie des toiles anciennes depuis plus de 35 ans et ilest constamment à la recherche d’œuvres hors du commun ; cette particularité se confirme lorsdes expositions organisées chaque année par la galerie. La galerie met un point d’honneur àsélectionner des œuvres de qualité exceptionnelle et à leur trouver des acquéreurs avertis, qu’ils’agisse de grands musées ou de collections privées tout autour du monde.

Rafael Valls Limited is a St James’s art gallery dealing in old masters, in particular Dutch, Flemishand Spanish paintings. The gallery carries an eclectic and varied stock, and has gained an enviablereputation for specialising in trompe-l’œil paintings. Rafael Valls has been dealing in old mastersfor over 35 years and is always looking for something out of the ordinary, which is often reflectedin the exhibitions held every year in the gallery. The gallery prides itself in its history of dealingin works of the highest quality and its hand in finding homes for them in many important museumsand private collections around the world.

6/ CARLO VIRGILIO & C.La galerie Carlo Virgilio a ouvert ses portes à Rome en 1979 avec l’exposition Disegni romanidi figura (1800-1870). C’est une des premières grandes galeries qui s’est intéressée aux dessinsacadémiques et néoclassiques. Elle a, depuis, organisé plus d’une centaine d’expositions etautant de catalogues, rédigés par de grands spécialistes italiens et européens. Au fil du temps,ces catalogues ont privilégié la peinture et la sculpture.Grâce à ses nombreuses acquisitions, la galerie dispose désormais de vastes archivesphotographiques et documentaires qui constituent de précieuses références pour les experts.Nombreux sont les collectionneurs privés, les institutions et les musées, en Italie et à l’étranger,qui lui ont acheté des œuvres d’importance majeure.

Galleria Carlo Virgilio opened its doors in Rome in 1979 with the exhibition Disegni romani difigura (1800-1870), one of the first instances of an interest in academic and neoclassical drawingshown by a commercial venue. Since then the gallery has organised over one hundred exhibitionsaccompanied by as many catalogues curated by leading Italian and European specialists. Overtime, these catalogues have tended to focus more on painting and sculpture.As part of its commitment to the ongoing activity of recording the artistic materials it acquires,the gallery has also built up a sizable photographic and documentary archive, a valuable resourcefor experts. Numerous private collectors, institutions and museums – in Italy and elsewhere –have purchased works of major importance.

Carlo Virgilio, Stefano Grandesso, Marta Galli, Barbara Musetti

Via Della Lupa 10 – 00186 Rome – ItalieTél. : +39 06 687 109 3 – Fax : +39 06 681 300 28E-mail : info@carlovirgilio.it

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14/ ENRICO CECI – CORNICI ANTICHEEnrico Ceci a commencé son activité en 1975, en prenant les rennes de l’entreprise familialedébutée en 1950. Depuis 1985, il s’est spécialisé dans le commerce des cadres anciens du XVIe auXXe siècle. Parmi ses clients, on trouve des collectionneurs privés, des musées et des institutionspubliques et privées. Il a participé à diverses manifestations d’art internationales, telles que laBiennale de Rome au palais Venezia, la Biennale de Florence au palais Corsini, The MilanoInternational Fine Art & Antiques Show, la Gotha de Parme, la Modenantiquaria de Modène etParis Tableau en 2012 et 2013. Il a été président du Syndicat autonome des marchands d’art deModène de 1997 à 2000 et de 2006 à 2009, ainsi que membre de plusieurs commissions d’expertsdans des expositions d’antiquaires. Il est Commandeur de la République italienne depuis 1999.

Enrico Ceci started his business in 1975, as a continuation of a family concern established in 1950.Since 1985, he has specialised in the sale of antique frames of the 16th to the 20th centuries. Hisclients include private collectors, museums and public and private institutions. He has participatedin a wide range of international art events, such as the Rome Biennale at the Palazzo di Venezia,the Florence Biennale at the Palazzo Corsini, the Milano International Fine Art & Antiques Show,the Gotha de Parme, the Modenantiquaria in Modena and Paris Tableau in 2012 and 2013. Hewas President of the Independent Association of Art Dealers of Modena from 1997 to 2000 andfrom 2006 to 2009, and is a member of several expert committees for antique dealers’ exhibitions.He was appointed Commander of the Italian Republic in 1999.

Enrico Ceci

v. per Pompeano 4253 – 41028 Serramazzoni (Modène) – ItalieTél. : +39 335-315307E-mail : enricoceci@enricoceci.com – www.enricoceci.com Mobile : +39 335 315 307

18/ GALERIE MONTANARILa galerie Montanari fondée en 1978 par Amedeo Montanari a déménagé sur la rive droite en2002. Elle présente une grande collection de cadres anciens français, espagnols, italiens ethollandais, allant du xVIe au xxe siècle. La galerie exécute tout type d’encadrements anciens etmodernes afin de mettre en valeur les œuvres confiées et réalise également tout modèle decadre sur mesure.Capucine Montanari, la fille d’Amedeo, a repris la direction de la galerie, assurant ainsi sacontinuité. L’équipe, jeune et dynamique, comprend un « meilleur ouvrier de France » spécialisteen encadrement. Ces professionnels utilisent des matériaux neutres et conformes aux normesactuelles les plus contraignantes afin d’assurer une conservation optimale et de satisfaire aussibien les institutions publiques que les particuliers.

The Montanari Gallery founded in Paris in 1978 by Amedeo Montanari moved to the Right Bankin 2002. It shows a large collection of French, Spanish, Italian and Dutch old-master paintings,dating from the 16th to the 20th centuries. The gallery handles all kinds of antique and modernframing to showcase the works it sells. It also produces made-to-measure frames.Capucine Montanari, Amedeo’s daughter, has taken over the gallery, assuring continuity for thebusiness. Its young, dynamic team of framers includes a recipient of the “Meilleur ouvrier deFrance” award. These professionals use materials which comply with strict regulations to ensureoptimum conservation and to meet the demands of public and private institutions alike.

Capucine Montanari-Fleury

8, rue de Miromesnil – 75008 Paris – FranceTél. : +33 (0)1 49 24 07 52 – Fax : +33 (0)1 49 24 07 42E-mail : amontanari@wanadoo.fr – www.montanaricadres.com

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D I D I E R A A R O N & C I E

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D I D I E R A A R O N & C I E

Bacchante endormieHuile sur toile71 x 105 cm1763

ExPOSITIONSalon de 1763, n° 15

BIBLIOGRAPHIENicolas Lesur et Olivier Aaron, Jean-Baptiste-Marie Pierre(1714-1789), Premier peintre du roi, Paris, Arthena, 2009,n° P.231, p. 301 (comme perdu)

Récemment redécouverte, notre Bacchante endor-mie est l’une des dernières œuvres que Pierre

présenta au Salon, en 1763. Le tableau choqua unepartie de la critique par son réalisme affirmé, quis’opposait au goût dominant pour une peinturefrivole et légère. La touche elle-même est sensuelle,large et brillante et les empâtements contrastentavec l’exécution raffinée et précise des mains etdu visage.

La scène, où l’on voit une bacchante couchée surune peau de tigre, épuisée par l’orgie, est prétexteà un fort beau nu féminin. Elle est baignée d’uneextraordinaire clarté lunaire dont les accents froidslimitent de façon audacieuse la palette de l’artiste.De par ce souci de simplicité, d’équilibre et decontraste, Pierre chercha à renouer, au milieu desannées 1760, avec son style des années 1740, quilui avait apporté succès et reconnaissance.

Sleeping Bacchante Oil on canvas71 x 105 cm1763

ExHIBITIONSalon of 1763, no. 15

LITERATURENicolas Lesur and Olivier Aaron, Jean-Baptiste-Marie Pierre(1714-1789), Premier peintre du roi, Paris, Arthena, 2009,no. P.231, p. 301 (as lost)

Recently rediscovered, our Sleeping Bacchante isone of the last works that Pierre exhibited at the

Salon, in 1763. e painting shocked some of thecritics by its assertive realism, which was blatantlyat odds with the dominant taste for light, frivolouspainting. e brushwork itself is sensuous, wideand glossy, the impasto contrasting with therefined, precise execution seen in the hands andface.

e setting, where a bacchante appears lying ona tiger skin, exhausted from an orgy, serves as amere pretext for a quite beautiful female nude.She is bathed in an extraordinary light from themoon whose cold accents restrict the artist’spalette in quite an audacious fashion. With thisattention to simplicity, balance and contrast, Pierresought to reconnect, in the mid-1760s, with hisstyle of the 1740s – a style that had brought himsuccess and recognition.

Jean-Baptiste-Marie Pierre(Paris, 1714 – Paris, 1789)

D I D I E R A A R O N & C I ED I D I E R A A R O N & C I E

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Raymond quinsac Monvoisin(Bordeaux, 1794 – Boulogne-sur-Mer, 1870)

Achille donnant à Nestor le prix de la sagesseHuile sur toile130 x 164 cmTableau reçu 2e prix de Rome en 1820

Élève de Pierre-Narcisse Guérin (1774-1833),qui lui donne le goût du retour à l’Antique et lui

enseigne la primauté du dessin sur la couleur,Monvoisin côtoie notamment Géricault, Delacroixou encore Ary Scheffer. L’année 1820 marque uneannée cruciale dans la carrière du jeune artiste.Tiré d’un passage de l’Iliade, le sujet pour le GrandPrix était Achille donnant à Nestor le prix de lasagesse. Dans les jeux célébrés pour les funéraillesde Patrocle, quatre prix avaient été donnés auxdifférents genres d’exercices. Il restait un cinquièmeprix à donner, ce prix était une grande coupe d’or.Achille la prend et s’avance vers Nestor, la lui metentre les mains. « Tenez, lui dit-il, mon père, recevezcette coupe qui vous fera ressouvenir [sic] des funé-railles de Patrocle. » La scène se passe au milieudes vainqueurs qui ont remporté les prix et desspectateurs des jeux. Le 15juillet 1820, les membresde l’Académie décernent à Monvoisin le secondprix de Rome : « Le tableau se fait remarquer parune heureuse composition, par un effet piquant,par un agréable développement dans la dispositionde ses groupes, par une exécution précieuse enbeaucoup de parties et bien étudiée. »

Monvoisin part ensuite pour l’Italie, où il passetrois ans. En 1842, on lui demande de venir fonderune académie de peinture, sculpture et architectureau Chili. Monvoisin passe alors presquequatorze ans en Amérique du Sud, fondant éga-lement des académies de peinture au Pérou et auBrésil.

Achilles Giving Nestor the Prize for WisdomOil on canvas130 x 164 cmis painting won the artist second prize in the Prix de Rome,1820

Monvoisin was a pupil of Pierre-Narcisse Guérin(1774-1833), who taught him to use antiquity as

his source of inspiration and to give drawingprecedence over colour. It was in Guérin’s studiothat Monvoisin met fellow students Géricault,Delacroix and Ary Scheffer. e year 1820 was acrucial turning point in Monvoisin’s career. esubject for the Grand Prix had been taken froma passage in the Iliad, Achilles Giving Nestor thePrize for Wisdom. At the celebrated games for thefuneral ceremonies of Patroclus, four prizes hadbeen given for four different types of exercise.ere remained a fih prize to be awarded: a largegold urn. Achilles took it and, moving towardsNestor, put it into his hands: “Take this, my goodold friend, as an heirloom and  memorial of thefuneral of Patroclus.” e scene takes place amidthe winners and spectators of the games. On15 July 1820 the members of the Académie desBeaux-Arts awarded Monvoisin the second prize:“e painting is remarkable in its pleasingcomposition, a certain piquancy of effect, the well-thought-out placement of the groups of figures, thecarefully studied execution of many parts of it.”

Monvoisin finally set out for Italy, where heremained for three years. In 1842 he was asked tofound a school for painting, sculpture andarchitecture in Chile. Monvoisin would remainin South America for nearly fourteen years,establishing schools in Peru and Brazil.

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T H O S . A G N E W & S O N S LT DT H O S . A G N E W & S O N S LT D

Chevaux effrayés par les vaguesHuile sur sa toile d’origine32,4 x 40,9 cm

PROVENANCECollection de l’artiste ; peinture léguée par lui ou sa veuve,Mme Marguerite-Françoise Gérard (†1848), à son neveu,Henri Gérard (†1882), et demeurée dans la famille jusqu’en2013

ExPOSITIONLa Jeunesse des Romantiques, Paris, Maison de Victor Hugo,18 mai – 30 juin 1927, n° 1066

BIBLIOGRAPHIEH. Gérard, Œuvres du baron François Gérard, Paris, 1857

Cette peinture de François Gérard témoigne desa vision romantique du monde et de sa capacité

à l’exprimer dans un style d’une modernité excep-tionnelle. Le tableau fut probablement exécutévers 1829, lors d’un séjour sur la côte normandeprès de Boulogne, Dieppe et Le Havre.

Chef de file de l’école néoclassique et principalportraitiste de la période napoléonienne, Gérardoccupa une place de premier plan à Paris parmiles écrivains, musiciens, poètes et artistes de sontemps, et fut d’ailleurs représenté par Louis-Léopold Boilly dans son tableau L’Atelier d’Isabey.Gérard fréquenta les figures de proue de la géné-ration romantique, notamment François-Renéde  Chateaubriand, Victor Hugo et EugèneDelacroix, dont il lança la carrière et dont l’influenceest sensible dans cette toile. Sa relation avec lesRomantiques, notamment avec Victor Hugo –poète, romancier et dramaturge reconnuaujourd’hui comme l’un des plus grands écrivainsde l’histoire de la littérature française – fut telleque nombre de ses œuvres, y compris le présenttableau, figuraient dans l’exposition La Jeunessedes Romantiques présentée à la Maison de VictorHugo en 1927.

Né des désillusions de la Révolution française de1789 et en réaction contre le Siècle des Lumièresqui donnait la primauté à l’ordre et à la raison, lemouvement romantique voulut privilégier

Horses frightened by the WavesOil on unlined canvas32.4 x 40.9 cm

PROVENANCECollection of the artist; by descent from him, or his widow,Mme Marguerite-Françoise Gérard (d.1848) to his nephew,Henri Gérard (d. 1882); by descent until 2013

ExHIBITIONLa Jeunesse des Romantiques, Paris, Maison de Victor Hugo,18 May – 30 June 1927, no. 1066

LITERATUREH. Gérard, Œuvres du baron François Gérard, Paris, 1857

This painting of extraordinary modernity is tes-tament to François Gérard’s capacity as a visionary

and Romantic artist. The painting probably datesto around 1829, at which time Gérard spent hisholidays on the coast, near Boulogne, Dieppe andLe Havre.

Best known as a representative of French neoclas-sicism, and as a leading portraitist of 19th-centuryFrench society, Gérard was a well-respected figureamong authors, musicians, poets and artists inParis, and is present in the painting by Louis-Léopold Boilly, L’Atelier d’Isabey. He associatedwith many of the leading figures of the Romanticgenerat ion, including François-Renéde Chateaubriand, Victor Hugo and EugèneDelacroix, whose career he launched, and thisinfluence can be seen in the present painting.Victor Hugo, French poet, novelist and dramatistof the Romantic movement, is considered one ofFrance’s greatest and best-known French writers,and it is a testament to the relationship betweenFrançois Gérard, Victor Hugo and the Romanticsthat many of Gérard’s works, including the presentpainting, appeared as part of an exhibition – LaJeunesse des Romantiques – held at the Maison deVictor Hugo in 1927.

With its emphasis on the imagination and emotion,Romanticism emerged as a response to disillu-sionment with the Enlightenment values of reason

François Pascal Simon Gérard, dit baron Gérard(Rome, 1770 – Paris, 1837)

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l’imagination et le sentiment. Des artistes commeDelacroix et le baron Gérard s’inspirèrent deRubens et des peintres vénitiens de la Renaissanceen utilisant une palette vive et chaude et en pro-cédant par touches amples afin de créer des scènespourvues d’une grande charge émotionnelle.

Motif récurrent dans la poésie et la peintureromantiques, le cheval en est comme l’emblème :il personnifie l’affectivité et la vie spirituelle del’être humain ainsi que sa ferveur. L’image ducheval a, de tout temps, représenté l’idée del’« autre » visage de l’homme, la face cachée de sespeurs et de ses désirs, comme dans Le Cauchemarde Fuseli, exécuté en 1781 et considéré commeavant-coureur de la théorie freudienne de l’in-conscient. La métaphore du cavalier et de sa mon-ture, que Sigmund Freud utilisait en 1932 pourdécrire les rapports du moi et du ça, est particu-lièrement intéressante dans le contexte de cettepeinture montrant un cavalier en train de lutterpour reprendre le contrôle de ses chevaux.

Le motif du cheval est souvent associé à celuid’une mer déchaînée, susceptibles l’un et l’autrede symboliser le pouvoir de la nature et la soif deliberté des Romantiques. Chevaux sortant de lamer, peint par Delacroix vers la fin de sa vie, en1860, et conservé aujourd’hui à la CollectionPhillips (Washington DC), présente des ressem-blances frappantes avec ce tableau. Les motifs ducheval et de la mer se retrouveront plus tardassociés par les surréalistes dans le cadre de leurexploration de l’inconscient. Ce tableau préfigureainsi certaines œuvres de Giorgio de Chirico.

Cette œuvre est auréolée d’une provenance pres-tigieuse puisqu’elle est demeurée dans la famillede l’artiste depuis son exécution jusqu’à l’année2013.

and order in the aftermath of the French Revolutionof 1789. Artists such as Delacroix and BaronGérard took inspiration from the art of Rubensand painters of the Venetian Renaissance, usingvivid, warm colours and broad brushstrokes tocreate an emotionally charged scene.

In both poetry and painting of the Romanticperiod, the horse is presented as a creature whichsymbolises the essence of Romanticism; a per-sonification of man’s emotional and spiritual selfand the passionate spirit. The image of the horsehad long been associated with the idea of theinner “other”, representing secret fears and desires,as seen in Fuseli’s The Nightmare, painted in 1781,said to be a precursor of Freudian ideas on theunconscious. In 1932 Sigmund Freud wrote “onemight compare the relation of the ego to the id withthat between a rider and his horse” – an idea thatseems to take form in this painting, in which arider tries to control the spirited horses.

The motif of the horse was also often combinedwith imagery of the stormy sea, exploiting thepotential of both as symbols of the power ofnature and the freedom of the Romantic soul.Late in his life, in 1860, Delacroix painted HorsesComing out of the Sea, now in the Phillips Collection,Washington DC, which is strikingly similar to thepresent painting. This same combination ofthemes was also later employed by the Surrealists,particularly Giorgio de Chirico, known for theirexploration of the unconscious.

The present painting remained in the family ofthe artist almost unknown to the public andscholars until 2013.

C H A R L E S B E D D I N G T O N LT DC H A R L E S B E D D I N G T O N LT D

Francesco Guardi (Venise, 1712 – Venise, 1793)

Le Bacino di San Marco, Venise,le jour de l’Ascension, avec le Bucentorepartant pour San Nicolò del LidoHuile sur toile52,2 x 84,8 cm

PROVENANCE(Probablement) Richard Hart Davis, MP (1766-1842),Mortimer House, Clion, Gloucestershire (voir ci-dessous) ;Philip John Miles, MP (1773-1845), Leigh Court, AbbotsLeigh, Somerset, en 1822 (époque à laquelle il était accrochédans la salle de billard) et légué à son petit-fils ; Sir PhilipMiles, 2e Bt, MP (1825-1888) ; sa vente, Christie’s, à Londres,28 juin 1884, lot 25, vendu pour 405 guinées à Agnew’s pourle compte du « Baron A. Rothschild » ; baron Albert vonRothschild (1844-1911), Heugasse 24-26 (qui deviendraPrinz-Eugen-Straße 22), Vienne ; Eduardo Moratilla, Paris ;Galleria Lorenzelli, Bergame ; collection privée, Italie, 1957(pour laquelle acheté récemment, selon Pallucchini 1957) ;« Récemment sur le marché londonien » selon une lettre deRodolfo Pallucchini datée du 21 juillet 1965 ; acheté à Munichle 8 août 1965 et légué aux propriétaires actuels.

ExPOSITIONMilan, Galeria Sacerdoti, Antologia di tesori pittorici italianidal XIV al XVIII sec., 1960, n° 20 (catalogue de M. Monteverdi,pp. 38-41, illustré p. 18, donnant comme dimensions 50 x90 cm)

BIBLIOGRAPHIEJ. Young, A Catalogue of the Pictures at Leigh Court, nearBristol ; the seat of Philip John Miles, M.P. with Etchings fromthe Whole Collection, Londres, 1822, p. 27, n° 69, avec unegravure sur bois, attribuée à Canaletti et mesurant 60 x68 cm ; W. Roberts, Memorials of Christie’s: A Record of ArtSales from 1766 to 1896, Volume 2, Londres, 1897, p. 75 ;R. Pallucchini, « Un capolavoro di F. Guardi vedutista », ArteVeneta, xI°, 1957, pp. 226-228, fig. 239-240 ; W. G. Constable,Canaletto: Giovanni Antonio Canal 1697-1768, Londres, 1962(et éditions suivantes, revues par J. G. Links), II, n° 346, nonrépertorié ; A. Morassi, Guardi. L’opera completa di Antonioe Francesco Guardi, Venise, 1973, I, pp. 196-198 et 63-64,n° 285 (avec les dimensions erronées 50 x 90 cm, reprises ducatalogue d’exposition Sacerdoti) ; II, fig. 321 (et égalementerroné en tant que fig. 420, pour illustrer un tableau différent,beaucoup plus petit, de la fondation Gulbenkian, à Lisbonne,ne représentant pas l’Ascension) ; L. Rossi Bortolatto, L’operacompleta di Francesco Guardi, Milan, 1974, n° 588, illustré.

Cachée dans une collection privée depuis 1965,cette œuvre exceptionnelle et mature de Guardi

représente la fête annuelle vénitienne la plus spec-taculaire, la Festa della Sensa. Chaque année, lejour de l’Ascension, le Doge et le Sénat étaienttransportés dans la magnifique galère d’État, le

e Bacino di San Marco, Venice,on Ascension Day, with the Bucintoroleaving for San Nicolò del LidoOil on canvas52.2 x 84.8 cm

PROVENANCE

(Probably) Richard Hart Davis, MP (1766-1842), MortimerHouse, Clifton, Gloucestershire (see below); Philip JohnMiles, MP (1773-1845), Leigh Court, Abbots Leigh, Somerset,by 1822 (when it was hanging in the Billiard Room) and bydescent to his grandson; Sir Philip Miles, 2nd Bt, MP (1825-88); his sale, Christie’s, London, 28 June 1884, lot 25, sold for405 guineas to Agnew’s on behalf of ‘Baron A. Rothschild’;Baron Albert von Rothschild (1844-1911), Heugasse 24-6(later Prinz-Eugen-Straße 22), Vienna; with Eduardo Moratilla,Paris; with Galleria Lorenzelli, Bergamo; Private Collection,Italy, 1957 (for which purchased recently, according toPallucchini 1957); ‘Recently on the London market’ accordingto a letter of 21 July 1965 from Professor Rodolfo Pallucchini;purchased in Munich on 8 August 1965 and by descent tothe present owners

EXHIBITION

Milan, Galeria Sacerdoti, Antologia di tesori pittorici italianidal XIV al XVIII sec., 1960, no. 20 (catalogue by M. Monteverdi,pp. 38-41, illustrated p. 18, giving the measurements as 50 x90 cm)

LITERATUREJ. Young, A Catalogue of the Pictures at Leigh Court, nearBristol; the seat of Philip John Miles, M.P. with Etchings fromthe Whole Collection, London, 1822, p. 27, no. 69, with anengraving, described as by Canaletti, as on wood and as meas-uring 60 x 68 cm; W. Roberts, Memorials of Christie’s: ARecord of Art Sales from 1766 to 1896, Volume 2, London,1897, p. 75; R. Pallucchini, ‘Un capolavoro di F. Guardivedutista’, Arte Veneta, XI°, 1957, pp.  226-8, figs 239-40;W. G. Constable, Canaletto: Giovanni Antonio Canal 1697-1768, London, 1962 (and subsequent editions, revised by J.G. Links), II, no. 346, as untraced; A. Morassi, Guardi. L’operacompleta di Antonio e Francesco Guardi, Venice, 1973, I,pp. 196-8 and 63-4, no. 285 (with the erroneous measurementsof 50 x 90 cm, taken from the Sacerdoti exhibition catalogue);II, fig. 321 (and erroneously also as fig. 420, to illustrate adifferent, much smaller painting in the Gulbenkian Foundation,Lisbon, not depicting Ascension Day); L. Rossi Bortolatto,L’opera completa di Francesco Guardi, Milan, 1974, no. 588,illustrated.

Hidden in a private collection since 1965, thisexceptional and mature work by Guardi shows

the most spectacular Venetian annual celebration,the Festa della Sensa. On Ascension Day each yearthe Doge and Senate were transported in the

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C H A R L E S B E D D I N G T O N LT D

magnificent state barge called the Bucintoro fromthe Molo to near the church of San Nicolò delLido for the ceremony of the Marriage with theSea, during which the doge cast a gold ring intothe water, symbolising the close relationship withthe sea to which the maritime republic owed itsfortunes. The festival was the high point of theVenetian year, and one which visitors to Italy onthe Grand Tour made every effort to attend.Depictions of the event were inevitably the mostsumptuous form of view painting and, prized bycollectors, they remain among the most admiredworks of Luca Carlevarijs, Canaletto and Guardi.

In a certificate dated 7 July 1965, Morassi describedthe painting as ‘di eccezionale bellezza’ (of extraor-dinary beauty) and dated it after 1780. Subsequently,in his standard monograph of 1973, he revisedthis dating to ‘around 1775-80’, referring to it asan ‘opera notevolissima’ (a highly notable work).The painting is likely coeval with the celebratedpair of views also showing the Bacino on AscensionDay but from entirely different viewpoints, whichwere formerly in the Crespi collection, Milan. Ofslightly smaller size (50 x 80 cm), they show TheBucintoro approaching San Nicolò del Lido andThe Bucintoro returning to the Molo. The stylisticsimilarities with this painting are so pronouncedthat in the catalogue of the 1960 exhibition,Monteverdi actually confused it with one of them.Only one other depiction by Guardi of the Bacinoon Ascension Day, where the Molo is seen moreor less frontally, is known, in the GulbenkianFoundation, Lisbon. In that painting, which is ofslightly larger dimensions (61 x 92 cm), the rangeand forms of the buildings are very similar, andthere are also two barges at lower left, but thehorizon line is higher.

It has not hitherto been noticed that this paintingis that of which an engraving was published in1822, when the painting was in the outstandingcollection of the wealthy merchant Philip Miles,MP (1773-1845) at Leigh Court, Somerset, whereit remained until 1884.

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Bucintoro, du Mole jusqu’à proximité de l’églisede San Nicolò del Lido, pour la cérémonie duMariage avec la mer, durant laquelle le Doge jetaitdans l’eau un anneau d’or symbolisant l’étroiterelation avec la mer qui avait fait la fortune de larépublique maritime. La fête était le point d’orguedu calendrier mondain vénitien et attirait notam-ment les visiteurs étrangers effectuant leur GrandTour en Italie. Les représentations de cet événementrevêtaient évidemment les plus somptueusesformes de panoramas et, très prisées des collec-tionneurs, elles restent parmi les œuvres les plusadmirées de Luca Carlevarijs, Canaletto et Guardi.

Dans un certificat daté du 7 juillet 1965, Morassidécrit le tableau comme étant « di eccezionale bel-lezza » (d’une beauté exceptionnelle) et le dateaprès 1780. Par la suite, dans sa monographiestandard de 1973, il modifie sa datation « vers1775-1780 », faisant référence à une « opera note-volissima » (une œuvre particulièrement remar-quable). Il est probable que le tableau soit contem-porain de deux célèbres variantes du Bacino lejour de l’Ascension – dont les points de vue sontcependant totalement différents – qui étaientautrefois dans la collection Crespi, à Milan. Dedimensions un peu plus réduites (50 x 80 cm),elles représentent Le Bucentaure approchant SanNicolò del Lido et Le Bucentaure retournant auMole. Les similarités stylistiques existant aveccette œuvre sont si prononcées que dans lecatalogue de l’exposition de 1960, Monteverdi laconfond même avec l’une d’elles. La seule autreœuvre connue de Guardi représentant le Bacinole jour de l’Ascension, dans laquelle le Mole estpratiquement vu de face, est conservée à lafondation Gulbenkian, à Lisbonne. Dans cetteœuvre, de dimensions légèrement supérieures(61 x 92 cm), la diversité et les formes des bâtimentssont très semblables, deux barges figurent égalementplus bas à gauche et la ligne d’horizon est plushaute.

Ce tableau n’a jusqu’ici pas été reconnu commeétant celui dont une gravure avait été publiée en1822, date à laquelle l’œuvre se trouvait dans l’ex-ceptionnelle collection du riche marchand PhilipMiles, MP (1773-1845) à Leigh Court, Somerset,Angleterre, et où elle resta jusqu’en 1884.

K U N S T H A N D E L P. D E B O E RK U N S T H A N D E L P. D E B O E R

Lucas Valckenborch(Louvain, v. 1535 – Francfort, 1597)

Un Paysage boisé aux personnages dansantet se réjouissant dans un villageHuile sur panneau transformé au diamètre de 13,2 cmSigné aux initiales VVL et daté de 1596

PROVENANCEGalerie Fischer, Lucerne, vente anonyme 1er juin 1948, lot2526 avec Eugene Slatter, Londres 1951, acquis parMme N. Macgilp, Repton, Derbyshire avec Leonard Koetser,Londres 1968, acquis par la mère du propriétaire actuel ; col-lection européenne privée

BIBLIOGRAPHIEA. Wied, Lucas und Marten van Valckenborch (1535-1597und 1534-1612): das Gesamtwerk mit kritischem Oeuvrekatalog,Freren, 1990, p. 133, ill. n° 9

ExPOSITIONEugene Slatter, Exposition de maîtres hollandais et flamands,Londres, 30 avril – 7 juillet 1951, n° 13

Valckenborch rejoint la guilde des peintres deMalines en 1560 et travaille aux côtés d’artistes

tels que Hans van Wechelen et Pieter Balten, dansla tradition de Pieter Bruegel l’Ancien. D’aprèsWied, ce tableau est le premier exemple connu dekermesse peinte par Valckenborch. L’artiste revien-dra à ces groupes de personnages tout au long desa carrière : La Ronde des villageois dansant, parexemple, est vue comme son allégorie du mois deseptembre aux environs de 1585 (Vienne, muséed’Histoire de l’art, n° 5684), alors que le Mariageau village, daté d’environ 1574 (Copenhague,musée national d’art, n° 659) ressemble beaucoupà ce tableau en ce qui concerne le thème et leformat (malgré ses dimensions bien plus grandes)et contient le même motif de personnages assis àune table et buvant. Comme dans beaucoup deses tableaux, Valckenborch allie un paysage ima-ginaire à une description naturaliste de détailsnarratifs de la vie quotidienne.

A wooded landscape with figures dancingand merry-making in a villageOil on a turned panel13.2 cm diam.Signed with initials VVL and dated 1596

PROVENANCEGalerie Fischer, Lucerne, sale Landau, June 1 1948, lot no.2526, plate 24, with Eugene Slatter, London 1951, from whomacquired by Mrs N. Macgilp, Repton, Derbyshire with LeonardKoetser, London, 1968, from whom acquired by the motherof the present owner; European private collection

LITERATUREA. Wied, Lucas und Marten van Valckenborch (1535-1597und 1534-1612): das Gesamtwerk mit kritischem Oeuvrekatalog,Freren, 1990, p. 133, no. 9 ill.

ExHIBITIONLondon, Eugene Slatter, Exhibition of Dutch and FlemishMasters, London 30 April – 7 July 1951, no. 13

Valckenborch joined the painters’ guild of Mechlinin 1560 and worked alongside such artists as

Hans van Wechelen and Pieter Balten in thetradition of Pieter Bruegel the Elder. Accordingto Wied, this painting is the first known exampleof a kermesseby Valckenborch. e artist returnedto these figure groups throughout his career; thering of dancing villagers for instance, can be seenin his depiction of the month of September(Vienna, Kunsthistorisches Museum, no. 5684)as late as 1585, while e Village Wedding, datedc. 1574 (Copenhagen, Staten Museum for Kunst,no. 659), most similar in theme and format(though of much larger dimensions), contains thesame motif of figures seated at a table drinking.As in many of his paintings, Valckenborch blendsan imaginary landscape with the naturalisticdepiction of narrative details and everyday life.

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K U N S T H A N D E L P. D E B O E RK U N S T H A N D E L P. D E B O E R

Jan Brueghel le Jeune et atelier(Anvers, 1601 – Anvers, 1678)

Dispute d’oiseauxHuile sur cuivre18,5 x 25,5 cm

PROVENANCECollection Frank

En 1624, ayant terminé son apprentissage chezson père, Jan le Jeune se rend en Italie, avec son

ami d’enfance Anthony van Dyck. Durant uneépidémie de choléra, Jan l’Ancien meurt subitement.Jan le Jeune reprend alors l’atelier de son père àAnvers. Pendant toute sa carrière, il y produirades œuvres d’un style semblable.

En 1630, il devient le doyen de la guilde d’Anvers.La cour d’Autriche et celle de France font partiede ses clients, et il semble s’être rendu en Franceaux environs de 1650. Bien que Jan le Jeune peignedifférents sujets, il est surtout connu pour ses pay-sages, dont les représentations varient de simplesvillages à des scènes mythologiques, en passantpar des allégories et une nouvelle catégorie : lesanimaux au sein de paysages. Ses allégories repré-sentent les sens, les éléments, les saisons ou encorel’abondance. Tout comme son père, il a créé desarrière-plans de paysages pour de nombreux pein-tres, tels que Peter Paul Rubens et Hendrick vanBalen.

Le motif de ce tableau, des oiseaux perchés surune branche avec une chouette au centre, s’inspiredu tableau Le Concert des oiseaux de Jan Brueghell’Ancien.

Tous nos remerciements à Fred Meijer de laRKD pour son attribution à Jan Brueghel leJeune et atelier.

Birds fightingOil on copper18.5 x 25.5 cm

PROVENANCEFrank Collection

Aer training under his father, Jan the Youngerwent to Italy in 1624, travelling with his childhood

friend Anthony van Dyck. When Jan the Elderdied suddenly in a cholera epidemic, Jan theYounger took over his father’s busy Antwerpstudio and spent his career producing works in asimilar style.

He became dean of Antwerp’s guild in 1630. Hisclients included the Austrian and French courts,and he may have visited France in the 1650s.While Jan the Younger painted many subjects, heis best known for landscapes whose subjectsranged from villages to mythological scenes toallegories, and to a new category – animals inlandscapes. His allegories depicted the senses, theelements, the seasons and abundance. Like hisfather, he created landscape backgrounds formany painters, including Peter Paul Rubens andHendrick van Balen.

e motif of this picture – birds perching on abranch with an owl at the centre – is known fromJan Brueghel the Elder’s A Concert of Birds, alsopainted by Jan Brueghel the Younger.

We are grateful to Mr Fred Meijer of the RKD forthe attribution to Jan Brueghel the Younger andStudio.

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G A L E R I E C A N E S S O

Simon Vouet(Paris, 1590 – 1649)

G A L E R I E C A N E S S O

Portrait d’hommeHuile sur toile58,2 x 47 cm

PROVENANCELugano, collection particulière

BIBLIOGRAPHIEJ.-P. Cuzin, « Les frères Le Nain : le mystère des portraits »,in Figures de la réalité. Caravagesques français, Georges dela Tour, les frères Le Nain…, Paris, 2010, pp. 309-310, fig. 309,p. 316, note 22 (rééd. de Hommage à Michel Laclotte – étudesur la peinture du Moyen Âge et de la Renaissance, Milan,1994, p. 480-493)

Dans ce brillant exercice consacré au portrait,domaine dans lequel il a excellé dès son jeune

âge, Simon Vouet expose ici non plus une œuvrede la période italienne, mais une œuvre dont ladate d’exécution suit de peu son retour à Paris, fin1627. La liberté virtuose de la touche de lacollerette, la présence des couleurs froides –notamment le vert dans la veste à crevés –, le typephysique du modèle à la mode en vigueur à lacour de Louis xIII, jouent en faveur de cette hypo-thèse. La mise en page reflète le contexte français,celui des portraits contemporains des frèresLe Nain et de Daniel Dumonstier (1576-1646).De toute évidence, Vouet cherche de nouveauxmodèles pour s’adapter au goût français ; noussommes à un moment charnière dans l’évolutionde son style.

L’identité du personnage garde son mystère.L’image serait bien surprenante pour un portraitofficiel. Le modèle pose un regard bienveillant surcelui qui est en train de fixer ses traits avec fougue,ce qui semble plutôt indiquer le portrait d’unproche, peut-être d’un artiste, tant l’on sent decompassion dans ce pinceau attaché à rendre lecalme et la bonhomie de cette physionomie.

Vouet a déjà 38 ans lorsqu’il retrouve la capitalefin 1627, après 16  ans d’absence. Reconnu etrenommé, il est accueilli chaleureusement par leroi et la reine, qui le mettent aussitôt à contributionsur le chantier du Luxembourg, pratiquant demoins en moins le portrait.

Portrait of a ManOil on canvas58.2 x 47 cm

PROVENANCELugano, private collection

LITERATUREJ.-P. Cuzin, “Les frères Le Nain: le mystère des portraits”, inFigures de la Réalité. Caravagesques français, Georges deLa Tour, les frères Le Nain…, Paris, 2010, pp. 309-10, fig. 309,p. 316, note 22 (reprinted from Hommage à Michel Laclotte– études sur la peinture du Moyen Âge et de la Renaissance,Milan, 1994, pp. 480-493)

In this brilliant exercise in portraiture, a realmin which the artist excelled from his earliest

years, Simon Vouet offers us a work painted notduring his Italian period, but shortly aer hisreturn to Paris at the end of 1627. e virtuosofreedom of touch in the ruff, the presence of cooltones – particularly the blue-green in the slasheddoublet – and the physical appearance of thesitter, a type that was fashionable at the court ofLouis xIII, would all support this hypothesis. epictorial approach reflects a French context, thatof the contemporary portraits by the Le Nain bro-thers and Daniel Dumonstier (1576-1646). Clearly,Vouet sought new models through which to adapthimself to French taste, and this represents a keymoment in the evolution of his style.

e sitter’s identity remains a mystery, and suchan image would be surprising for an officialportrait. e figure directs a benevolent gaze atthe painter as he captures his features with aspirited brush, which would indicate that this issomeone close to Vouet – perhaps an artist – suchis the compassion one feels in the rendering ofthis calm, good-natured individual.

Vouet was already 38 when he returned to Parisin late 1627 aer sixteen years abroad. He achievedrecognition and renown, and was warmly welcomedby the king and queen, who promptly put him towork at the Palais de Luxembourg, where he prac-tised portraiture increasingly little.

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G A L E R I E C A N E S S O

Louis Dorigny(Paris, 1654 – Vérone, 1742)

G A L E R I E C A N E S S O

Pan et SyrinxHuile sur toile146,7 x 113,5 cm

PROVENANCECollection particulière

BIBLIOGRAPHIEE. Negro, N.Roio, Alessandro Marchesini 1663-1738, Modène,2010, fig. p. 14

Issu d’une famille d’artistes, Louis est le fils deMichel Dorigny (1617-1665), qui a épousé l’une

des filles de Simon Vouet (1590-1649), et le frèrede Nicolas Dorigny (1658-1746), lui aussi peintreet graveur. Il apprend le métier avec son père puisavec Charles Le Brun (1619-1690). Bien qu’admisà l’Académie royale de peinture et de sculpture deParis en 1663, il est déçu de n’y obtenir que lesecond prix et, de sa propre initiative, part enItalie. Une longue pérégrination le mène de Romevers le nord de l’Italie, pour finalement s’établir àVérone, vers 1690. C’est un artiste complet et unfresquiste talentueux. La renommée de ses pinceauxle portera jusqu’à Vienne, pour œuvrer au palaisdu prince Eugène de Savoie.

L’épisode mythologique représenté met en scènePan et Syrinx et trouve sa source dans le récitd’Ovide (Les Métamorphoses, I, 691). Le poètelatin situe l’action en Arcadie, là où le dieu satyrese met en tête de poursuivre la nymphe Syrinxhabituée à « déjouer les poursuites des satyres eux-mêmes et des dieux de toute sorte. » Elle échappeà Pan « qui se croyait maître de Syrinx qu’il venaitde saisir. » Alors qu’elle réussit à atteindre le fleuveLadon, « elle prie les nymphes des eaux, ses sœurs,de la métamorphoser», ce qu’annoncent les roseauxau premier plan, symbolisant sa destinée et sonapparence finales.

La dynamique du geste de Pan saisissant Syrinxd’une main et écartant les roseaux de l’autre, legroupe cadré di sotto in su et en plan resserré seplacent résolument dans une esthétique baroqueet spectaculaire, typique du style de l’artiste.

Pan and SyrinxOil on canvas146.7 x 113.5 cm

PROVENANCEPrivate collection

LITERATUREE. Negro and N. Roio, Alessandro Marchesini 1663-1738,Modena, 2010, fig. p. 14

Born into a family of artists, Louis was the sonof Michel Dorigny (1617-65), who had married

one of the daughters of Simon Vouet (1590-1649),and brother of Nicolas Dorigny (1658-1746), whowas also a painter and printmaker. Althoughenrolled in the Académie Royale de Peinture etde Sculpture in Paris in 1663, he was disappointedwhen he only received second prize, and on hisown initiative set out for Italy; he had learned hiscra from his father, and then from CharlesLe Brun (1619-90). A lengthy peregrination wouldtake him from Rome to northern Italy, where hesettled in Verona in about 1690. His renown as afully rounded artist and talented fresco painterled him to Vienna, where he worked in the palaceof Prince Eugene of Savoy.

e work before us depicts an episode inmythology – the story of Pan and Syrinx, as toldby Ovid (Metamorphoses, I: 691). e Latin poetplaces the story in Arcadia, where the satyr-godset out to pursue the nymph Syrinx, who wasaccustomed to “elude the satyrs chasing her, andthe other sylvan deities.” She fled from Pan “whothought he had her in his grasp” and, as she finallyreached the River Ladon, “she begged her sistersof the water to transform her”, as implied by thereeds in the foreground, symbolising her fate andher ultimate appearance.

e dynamic gesture of Pan, seizing Syrinx withone hand and parting the reeds with the other,and the close-up, from a di sotto in su vantagepoint, emphatically set the picture within a baroqueaesthetic that is typical of the artist’s style.

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G A L E R I E É R I C C O ATA L E M

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Louis-Léopold Boilly(La Bassée, 1761 – Paris, 1845)

G A L E R I E É R I C C O ATA L E M

Trompe-l’œil aux pièces de monnaiesur le plateau d’un guéridonHuile sur marbre blanc cerclée d’ébène47 cm (58 cm avec sa bordure)Inscription sur le feuillet à gauche : Boilly peintre rue  /Faubourg Saint-Denis No 14 / la deuxième porte en montantà / gauche / à ParisInscription sur le feuillet à droite : NEUCHATEL / MonsieurPourtalès le cadet / chez Mrs Coulon / rue de clery / Paris

PROVENANCEOctave Linet ; sa vente, Palais Galliera, Paris, 23 mars 1963,lot 4 ; Cologne, collection Gustav Rau ; légué en 2001 à laFondation Unicef, inv. GR I.245

ExPOSITIONLille, Palais des Beaux-Arts, Rétrospective Louis-LéopoldBoilly, 4 novembre 2011 – 16 janvier 2012, no 168

BIBLIOGRAPHIEP.  Marmottan, Le Peintre Louis Boilly (1761-1845), 1913,p.  253 ; A. Scottez-De Wambrechies, L’Œuvre dessinée deBoilly, L’Estampille, 1988a, p. 120 ; I. Mayer, Catalogue desPeintures de la Fondation Rau, 1989, sans no ; L. S. Siegfried,« Boilly and the Frame-up of Trompe l’œil », Oxford ArtJournal, 1992, XV, no 2, p. 31, fig. 7 ; L. S. Siegfried, The Artof Louis Léopold Boilly. Modern Life in Napoleonic France,New Haven, en association avec le Kimbell Art Museum,Fort Worth et National Gallery, Washington, 1995, p. 187,fig.  161 ; Ph. Bordes, Fort Worth and Washington. LouisLeopold Boilly, The Burlington Magazine, 1996, p. 153

Ce trompe-l’œil a été peint sur le plateau d’unguéridon commandé par les Pourtalès, famille

suisse assez proche de Louis-Léopold Boilly.Comme l’indique l’inscription sous le portraitréalisé sur cette œuvre, « Monsieur Pourtalès lejeune », il s’agit d’une représentation de James-Alexandre, le fils aîné de la famille. Exposée auSalon de 1800, l’œuvre eut tellement de succèsqu’on dut la protéger par des barrières. Boillyadopte ici la convention du « cartel », qui date dela Renaissance et identifie non seulement l’auteurmais également l’adresse et l’accès à son studio :« Boilly peintre, rue Faubourg Saint-Denis N° 14,la deuxième porte en montant à gauche, à Paris. »Boilly occupa cette adresse entre 1799 et 1802.

Trompe-l’œil with Coinson the Tray of a GueridonOil on marble surrounded with ebonyDiameter 47 cm (58 cm with the border)Inscribed on the leaf of paper on the left: Boilly peintre rue /Faubourg Saint-Denis N° 14 / la deuxième porte en montantà / gauche / à ParisInscribed on the leaf of paper on the right: NEUCHATEL /Monsieur Pourtalès le cadet / chez Mrs Coulon / rue de clery/ Paris

PROVENANCEOctave Linet; his sale, Palais Galliera, Paris, 23 March 1963,lot 4; Gustav Rau collection, Cologne; bequeathed in 2001to the Unicef Foundation, inv. GR I.245

ExHIBITIONLille, Palais des Beaux-Arts, Rétrospective Louis-Léopold Boilly,4 November 2011 – 16 January 2012, no.168

LITERATUREP. Marmottan, Le Peintre Louis Boilly (1761-1845), 1913,p. 253; A. Scottez-De Wambrechies, L’Œuvre dessinée deBoilly, L’Estampille, 1988a, p. 120; I. Mayer, Catalogue desPeintures de la Fondation Rau, 1989, not numbered; L. S.Siegfried, ‘Boilly and the Frame-up of Trompe l’œil’, OxfordArt Journal, 1992, XV, no. 2, p. 31, fig. 7; L. S. Siegfried, TheArt of Louis Léopold Boilly. Modern Life in Napoleonic France,New Haven in association with the Kimbell Art Museum,Fort Worth and National Gallery, Washington, 1995, p. 187,fig. 161; Ph. Bordes, Fort Worth and Washington. LouisLeopold Boilly, The Burlington Magazine, 1996, p. 153

This trompe-l’oeil was painted on the tray of agueridon commissioned by the Pourtalès, a Swiss

family quite close to Louis-Léopold Boilly.  Asindicated by the inscription under the portrait(“Monsieur Pourtalès le jeune”), this is a depictionof James-Alexandre, the eldest son. Exhibited atthe Salon of 1800, it proved such a success that ithad to be protected with barriers. Boilly hasadopted the convention here of the “label” whichoriginates in the Renaissance, and which not onlyidentifies the artist, but also his address (between1799 and 1802) and how to access his studio:Boilly painter, rue Faubourg Saint-Denis No 14,the second door on the left going upstairs, inParis.

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Adélaïde Labille-Guiard(Paris, 1749 – Paris, 1803)

G A L E R I E É R I C C O ATA L E M

Portrait d’un conventionnelHuile sur toile73 x 60 cm

PROVENANCECollection particulière

Ce portrait d’un conventionnel, encore non iden-tifié à ce jour (Talleyrand, d’après la tradition

familiale), présente un mélange de naturalisme etd’idéalisme très caractéristique des tendancesesthétiques après la chute de Robespierre.

Adelaïde Labille-Guiard, portraitiste de la noblesseet en particulier des femmes, réalisera plusieursportraits pendant la Révolution, comme celuireprésentant Joachim Lebreton (musée Nelson-Atkins, Kansas City), dans lequel on retrouveexactement le même vêtement.

Portrait of a Member of the French ConventionOil on canvas73 x 60 cm

PROVENANCEPrivate collection 

This portrait, for which the sitter is as yet uniden-tified (Talleyrand, according to family tradition),

features a blend of naturalism and idealism, highlycharacteristic of the aesthetic trends that dominatedthe period after Robespierre’s fall.

Adélaïde Labille-Guiard painted many portraitsof the nobility and especially women; she alsoproduced several during the French Revolution,including one of Joachim Lebreton (Nelson-Atkins Museum, Kansas City), in which exactlythe same clothes can be seen.

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G A L E R I E É R I C C O ATA L E M

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G A L E R I E M I C H E L D E S C O U R S

Jacopo Negretti, dit Palma le Jeune (Venise, v. 1548 – Venise, 1628)

G A L E R I E M I C H E L D E S C O U R S

Saint SébastienHuile sur toile190 x 114 cmSigné en bas à droite, sur la margelle : JACOBUS PALMA.F.

Palma le Jeune appartient à la tradition vénitienneinitiée, au tournant du XVIe siècle, par Giovanni

Bellini et Giorgione, et dont Titien – qui dominele siècle par la puissance de son coloris – est legénial accomplissement. Fils et élève d’AntonioPalma, Jacopo récupère surtout l’héritage artistiquede son grand-oncle Palma le Vieux, l’un despeintres les plus illustres de la cité des Doges,s’assurant ainsi une reconnaissance publique. Lejeune peintre parvient à renouveler le langagevénitien en l’enrichissant de la puissance plastiquede Michel-Ange, dont il a étudié l’œuvre au coursdes huit années qu’il passe à Rome dans lesannées 1560. De retour à Venise en 1568, il estparticulièrement marqué par la peinture duTintoret. Après l’incendie de 1577, il collaborelargement à la décoration de la salle du GrandConseil du Palais des Doges, avec Jacopo Bassano,Paolo Véronèse et Federico Zuccaro.

Saint Sébastien illustre bien la double influencequi caractérise l’art de Jacopo, ainsi que la placequ’il occupe à Venise à la charnière des XVIe etXVIIe siècles. L’œuvre doit être considérée à lalumière du débat sur le paragone, le parallèle entreles arts, qui traverse toute la Renaissance et sousle signe duquel est plus particulièrement placéela concurrence entre l’axe Rome-Florence (dessin)et Venise (couleur). Quoique attaché à une colonnequi lui impose l’immobilité, saint Sébastien campeune posture serpentine et dynamique déployantson corps dans l’espace. À ses pieds gît sa cuirassede dos, aussi fortement modelée que son torse.Reprenant la puissance michelangesque à soncompte, le peintre démontre ainsi que sa peinturepeut rivaliser avec la sculpture en imitant, grâceaux ressources du coloris, sa tridimensionnalité.

Saint SebastianOil on canvas190 x 114 cmSigned lower right, on the coping: JACOBUS PALMA.F.

Palma il Giovane belonged to the Venetiantradition initiated by Giovanni Bellini and

Giorgione around the end of the 15th century andbrought to brilliant fruition by Titian, whosepowerful use of colour was to dominate the 16th

century. The son and student of Antonio Palma,Jacopo drew in particular on the artistic heritageof his great uncle Palma il Vecchio, one of the mostfamous Venetian painters – thus guaranteeingpublic approval for his work. The young painterwas able to renew the Venetian style by enrichingit with the sculptural energy of Michelangelo,whose work he studied during the eight years hespent in Rome in the 1560s. On his return toVenice in 1568 he was strongly influenced by thepainting of Tintoretto. After the fire of 1577 hecontributed substantially to the decoration of thegrand council hall in the Doge’s Palace, alongwith Jacopo Bassano, Paolo Veronese and FedericoZuccaro.

Saint Sebastian is a valuable illustration of thedual influence that characterises Jacopo’s work.The work should be considered in the light of theParagone debate which runs through the wholeof the Renaissance, comparing the relative meritsof the different art forms (architecture, sculptureand painting) and defining the terms of the rivalrybetween the Rome-Florence axis (drawing) andVenice (colour). Although he is tied to a columnand rendered immobile, Saint Sebastian strikes adynamic, serpentine pose here that displays hisbody effectively within the picture space. At hisfeet lies his armour backplate, moulded as con-vincingly as his torso. Harnessing as he does thepower of Michelangelo’s work for his own purposes,the artist demonstrates that painting can indeedrival sculpture, using the nuances of colour toconvey three-dimensionality.

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G A L E R I E M I C H E L D E S C O U R SG A L E R I E M I C H E L D E S C O U R S

Jean Joseph xavier Bidauld (Carpentras, 1758 – Montmorency, 1846)

G A L E R I E M I C H E L D E S C O U R S

Paysage vu à travers une treille,Montmorency, vers 1840Huile sur toile32,5 x 41 cmSigné et localisé en bas au centre, sur la lettre : a Mr / Bidaul[d]/ [Montmorency] ; au revers de la toile, marque au pochoir :A la palette d’or / ancienne maison / Rey / Brullon / rue del’Arbre sec / n° 46 / Paris ; au revers sur le châssis, étiquette defournisseur : BINANT /rue de cléry n°7 /près celle Montmartre/ Paris

Bidauld est du petit nombre d’artistes auto-didactes qui, à la fin du XVIIIe siècle, ont rénové

le genre du paysage par une expérimentationinédite de la peinture de plein air. Ce fils d’unmodeste orfèvre de Carpentras se forme auprèsde son frère à Lyon, où il est arrivé à l’âge de 10 ans.Un séjour d’un an à Genève, où il découvre lespectacle sublime des montagnes, s’initie à l’étudede la nature et se familiarise avec de grands maîtresflamands et hollandais, décide de sa vocation depaysagiste. Arrivé à Paris en 1783, après un détourpar le Midi, il y recueille les conseils de Vernet etcopie des tableaux de genre pour le parfumeur etmarchand de tableaux Dulac, bienfaiteur qui luipermet de s’établir à Rome en 1785 et pour cinqannées. La méthode qu’il développe en Italie estsensiblement différente de celle de Valenciennes.Il ne va pas saisir la nature sur le vif dans desesquisses rapides et fragmentaires, comme l’a faitson aîné, mais se pose devant le motif pour lereproduire avec application et selon un point devue pittoresque, apprenant ainsi, « comme il ledisait lui-même, à faire des études en faisant destableaux, et à faire des tableaux en faisant desétudes » (Raoul-Rochette, 1847).

L’aisance que son immense succès lui a apportéelui a permis d’acquérir en 1822 la propriété deMontlouis à Montmorency, ayant jadis appartenuà Jean-Jacques Rousseau. C’est là qu’il peint lePaysage vu à travers une treille, signé avec malicepar une lettre posée au bas du treillis, avec l’adresse« à Mr Bidauld Montmorency ».

Landscape Viewed rough a Trellis,Montmorency, c. 1840Oil on canvas32.5 x 41 cmSigned with location lower centre, on the letter: a Mr /Bidaul[d] / [Montmorency]; Stencilled on reverse of canvas:A la palette d’or / ancienne maison / Rey / Brullon / rue del’Arbre sec / n° 46 / Paris; supplier label on reverse of stretcher:BINANT / rue de cléry n° 7 / près celle Montmartre / Paris

Bidauld is one of a small number of self-taughtartists who reinvigorated the landscape genre in

the late 18th century through pioneering experi-ments with plein air painting. The son of a modestclockmaker and goldsmith in Carpentras, hetrained with his brother in Lyon, where he movedat the age of ten. He spent a year in Geneva wherehe discovered the sublime spectacle of the moun-tains, began studying the natural world andbecame familiar with the great Flemish and Dutchmasters – experiences that led him to his vocationas a landscape artist. Arriving in Paris in 1783,after a detour via southern France, Bidauld followedadvice from Vernet and copied genre paintingsfor the perfumer and art dealer Dulac, a benefactorwho paid for him to move in 1785 to Rome, wherehe remained for five years. The method Bidaulddeveloped in Italy is significantly different fromthat of his older compatriot Valenciennes. He didnot seek to capture nature in the moment, inrapid and fragmentary sketches, as did the latter,but placed himself instead in front of the subjectin order to reproduce it diligently and from a pic-turesque point of view, learning in the process,“as he said himself, to study while making paintingsand to make paintings while studying” (Raoul-Rochette, 1847).

Bidauld’s huge success brought him great wealth,allowing him to acquire in 1822 Montlouis, thehouse in Montmorency formerly owned by Jean-Jacques Rousseau. It was here that he painted theLandscape Viewed Through a Trellis,wittily signedby means of a letter placed on the lower part ofthe trellis, addressed to “Mr Bidauld Montmorency”.

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G R A S S I S T U D I OG R A S S I S T U D I O

Apollonio di Giovanni di Tommaso(Florence, 1415/1417– Florence, 1465)

Crucifixion avec la Vierge et les saintsMarie-Madeleine, François et BenoîtTempera et or sur panneau73 x 49 cmVers 1450

ExPOSITIONDa Donatello a Lippi – Officina Pratese, Prato, PalazzoPretorio, septembre  2013 – janvier 2014, catalogue no 37,Andrea Staderini (dir.)

Né à Florence vers 1416, son travail dans sa villenatale est documenté de 1446 à 1465, année de

sa mort. La découverte récente d’un cahier d’ateliera permis aux experts d’associer le nom de l’artisteà plusieurs tableaux qui avaient été attribués àd’autres peintres, tels que le « Maître de CassoniJarves » ou le « Maître du Virgile ». Une rechercherécente a permis une analyse plus précise desœuvres aux sujets religieux d’Apollonio di Giovanni,un aspect de son œuvre qui avait été négligéjusqu’alors au profit des sujets profanes, mieuxconnus. Le style d’Apollonio a progressé au mêmerythme que celui de Filippo Lippi, Paolo Uccelloet Paolo Veneziano, mais reflète aussi le maniérismegothique tardif de Fra Angelico et de Gentile daFabriano.

Le présent panneau, en parfait état de conservation,n’a plus son cadre d’origine, mais ne semble pasavoir été autrement modifié. Sa taille et son ico-nographie suggèrent qu’il avait été réalisé pour leculte privé. Andrea de Marchi a récemmentreconnu le tableau ici présenté comme étant uneœuvre de maturité de l’artiste et a attiré l’attentionvers la figure du saint François agenouillé, quiapparaît au pied de la croix dans la monumentaleTrinité de la Galerie de l’Académie à Florence.

Crucifixion with the Virgin Mary and SaintsMary Magdalene, Francis and BenedictTempera and gold on panel73 x 49 cmc. 1450

ExHIBITIONPrato, Palazzo Pretorio, Da Donatello a Lippi – OfficinaPratese, September 2013 – January 2014, catalogue no. 37 byAndrea Staderini

Born in Florence around 1416, the artist isrecorded working there from 1446 to 1465, the

year of his death. The relatively recent discoveryof a studio workbook has allowed modern schol-arship to gather under the painter’s correct nameworks that had previously been assigned conven-tional attributions such as “the Master of theJarves Cassoni” or the “Virgil Master”. Recentresearch has also allowed a more accurate assess-ment of Apollonio di Giovanni’s paintings of reli-gious themes – an aspect of his activity previouslyoverlooked in favour of his better-known secularworks. Apollonio’s style developed in tune withthe progressive innovations of Filippo Lippi, PaoloUccello and Paolo Veneziano, but also reflects thelate Gothic mannerisms of Fra Angelico andGentile da Fabriano.

Although the present impeccably conserved panelno longer retains its original engaged frame, itappears not to have been otherwise altered. Its sizeand iconography suggest that it was produced forprivate devotional use. In fact, the example pre-sented here has only recently been firmly establishedas an important mature work in the artist’s oeuvreby Professor Andrea de Marchi who drew attentionto the virtually identical figure of the kneelingSaint Francis that appears at the foot of the crossin the monumental Trinity in the Galleriadell’Accademia in Florence.

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G R A S S I S T U D I OG R A S S I S T U D I O

Louis Gauffier(La Rochelle, 1761 – Livourne, 1801)

Portrait de Ferdinando NerliHuile sur sa toile d’origine66 x 48,3 cmSigné et daté, en bas à gauche : L. Gauffier Flor.ce 1798

PROVENANCEResté dans la descendance du modèle

Gauffier reçut sa première formation dans lestudio du peintre d’histoire Hughes Taraval. En

1779, il gagna le grand prix de Rome avec untableau de sujet religieux, thème dans lequel il n’ajamais excellé. À cause de sa nature fragile, Gauffierpréféra ensuite peindre des tableaux d’une pluspetite échelle, principalement des portraits et despaysages.

En 1792, il s’installa à Florence. Là, il reçut descommandes de la noblesse locale, des touristes etdu personnel militaire français. Gauffier était unartisan très méticuleux, préparant souvent desétudes de son sujet à la gouache, pour ensuite lesreproduire à l’huile dans un plus large format.Après sa mort, son épouse fit don des études del’artiste au Château de Versailles.

Le modèle du portrait présenté ici est Ferdinando(di Jacopo) Nerli (1770-1829), descendant d’unedes familles les plus anciennes et les plus distinguéesde Florence. Ferdinando fut chambellan de lacour de Ludovic Ier de Bourbon (1801-1803) etde Charles-Louis de Bourbon, roi d’Étrurie (1803-1807), puis fut à nouveau nommé au même postepar Ferdinand III, grand duc de Toscane, après laRestauration de 1815. En 1803, il épousa la filledu prince de Firmano, Giulia Strozzi di Bagnolo.Le nom Nerli disparut au début du XXe siècle.

Un petit croquis en couleur du tableau est conservéau musée de Versailles. Ce tableau est singulier caril semble n’avoir jamais été retiré de son cadred’origine.

Portrait of Ferdinando NerliOil on unlined canvas66 x 48.3 cmSigned and dated, bottom left: L. Gauffier Flor.ce 1798

PROVENANCEBy descent in the family of the sitter

Gauffier received his initial training in Paris fromthe history painter Hughes Taraval. In 1779, he

won the Academy’s Prix de Rome competitionwith a religious subject, a genre in which he neverexcelled. In fact, due to fragile health, Gauffiertended to favour portraits and landscapes on asmaller scale.

In 1792, he settled in Florence where he receivedpatronage from the local nobility, visiting touristsand from French military personnel. Gauffier wasa formidable craftsman, often preparing smallstudies of his subjects in gouache, which wouldthen be completed in oil in a slightly larger format.After Gauffier’s premature death in 1801, hiswidow bequeathed his portrait studies to theChateau of Versailles.

The sitter in the present portrait is Ferdinando(di Jacopo) Nerli (1770-1829), a descendant ofone of Florence’s oldest and most distinguishedfamilies. Ferdinando served as chamberlain in thecourts of Louis I, House of Bourbon (1801-3) andCharles Louis (1803-7), kings of Etruria, and wasconfirmed in that post by Grand Duke FerdinandIII after the Restoration in 1815. In 1803, hemarried the daughter of the Prince of Firmano,Giulia Strozzi di Bagnolo. The Nerli name hasbeen extinct since the early 20th century.

A small coloured sketch of the present paintingis conserved at the Musée de Versailles. Thispainting is unusual in that it appears it may neverhave been removed from its original frame.

Johann Georg Platzer(Sankt Michael in Eppan, 1704 – Sankt Michael in Eppan, 1761)

H A B O L D T & C O

Bacchus et ArianeHuile sur cuivre56,2 x 79,5 cmSigné en bas à gauche : J.G. Plazer

Bacchus et MidasHuile sur cuivre56,1 x 79,3 cmSigné sur le tonneau : J.G. Plazer

Une paire

PROVENANCECollection privée européenne, depuis le xIxe siècle jusqu’en2013

Issu d’une famille de peintres du Tyrol du Sud,Johann Georg Platzer étudie auprès de son beau-

père Josef Anton Kessler puis chez son oncleChristoph Platzer, peintre de cour à Passau. Ils’établit à Vienne probablement après 1726. Inscrità l’Akademie der Bildenden Künste, il se lied’amitié avec son compatriote le peintre FranzChristoph Janneck (1703-1761). Platzer trouverapidement une clientèle pour les tableaux decabinet peints sur cuivre et devient l’un despeintres les plus à la mode à la cour impériale.Tout en continuant de recevoir des commandesde la part de l’aristocratie et de la bourgeoisie for-tunée de Vienne, Platzer retourne dans sa provincenatale en 1739, sans doute en raison d’une dété-rioration de sa santé. Il meurt à Sankt Michael inEppan en 1761.

Notre paire de tableaux illustre deux épisodes desMétamorphoses d’Ovide (Livre VIII, pp. 174-182et Livre  IX, pp.  85-99). Le sujet de Bacchus etAriane relate comment Ariane, fille de Minos (roide Crète), fut séduite et consolée par Bacchus surl’île de Naxos après que Thésée l’eut abandonnée.Le thème des Noces de Bacchus et Ariane fut traitéà plusieurs reprises par Platzer et trois variantessignées de sa main sont actuellement conservéesà Paris, musée du Louvre (avec pour pendant leCombat des Centaures et des Lapithes), à Kassel,Staatliche Kunstsammlungen (idem) et à Dresde,

Bacchus and AriadneOil on copper56.2 x 79.5 cmSigned, lower le: J.G. Plazer

Bacchus and MidasOil on copper56.1 x 79.3 cmSigned, on the barrel: J.G. Plazer

A pair

PROVENANCEEuropean private collection from the 19th century throughto 2013

Johann Georg Platzer was born into a family ofpainters based in South Tyrol and studied with

his stepfather Josef Anton Kessler and then withhis uncle Christoph Platzer, a court painter atPassau. He moved to Vienna, probably after 1726,where he enrolled at the Akademie der BildendenKünste (Academy of Fine Arts) and became afriend of his compatriot the painter Franz ChristophJanneck (1703-61). Platzer quickly found a clientelefor his cabinet paintings on copper and becameone of the most fashionable painters at the imperialcourt. While continuing to receive commissionsfrom the Viennese aristocracy and wealthy bour-geoisie, Platzer returned to his native province in1739, most probably due to declining health. Hedied in Eppan in 1761.

Our pair of paintings illustrates two episodesfrom Ovid’s Metamorphoses, Bacchus and Midas(Book VIII), and Bacchus and Ariadne (Book IX)which tells the story of how Ariadne, daughter ofMinos, king of Crete, was seduced and comfortedby Bacchus on the island of Naxos after she wasabandoned by Theseus. Platzer handled the themeof the marriage of Bacchus and Ariadne severaltimes, and three variants signed by him arecurrently held in Paris, in the Musée du Louvre(paired with the Battle of Centaurs and Lapiths),in the Staatliche Kunstsammlungen in Kassel(same pairing) and in Dresden’s Gemäldegalerie

H A B O L D T & C O

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H A B O L D T & C O

Gemäldegalerie Alte Meister (avec une Offrandeà Diane). Le sujet de Bacchus et Midas est plusrare. Notre tableau semble la seule version peintepar Platzer : capturé par des paysans phrygiens, lesatyre Silène, père nourricier de Bacchus, futaccueilli généreusement par le roi Midas qui lereconduisit auprès de Bacchus. En remerciement,Bacchus accéda à la demande de Midas de trans-former en or tout ce qu’il toucherait.

Par le foisonnement des détails et leurs lignes ser-pentines, ces tableaux offrent un bel exemple dela virtuosité de l’artiste et de l’exubérance durococo autrichien. La composition sollicite per-pétuellement le regard, mais reste lisible grâce autalent de Platzer qui place ses personnages prin-cipaux au centre du tableau devant un fondvégétal. De part et d’autre de cet axe vertical, uneéchappée de paysage laisse entrevoir des scènesannexes, comme le départ de Thésée et de sescompagnons. Au premier plan, l’articulation degroupes de deux à quatre personnages permet auregard de circuler sans interruption des satyres etménades enivrés par le vin et la musique jusqu’auxéléments de nature morte, puis de revenir auxprotagonistes principaux de la scène. Platzer mul-tiplie les détails innombrables et les référencesaux modèles des peintres flamands du maniérismeet du baroque, en particulier Wtewael, Rubens etJordaens. Extrêmement riche dans ses référencespicturales, cette peinture peut être lue comme laquintessence de l’esprit du XVIIIe siècle par soninterprétation ironique et licencieuse des thèmesmythologiques antiques. Grâce à son exécutionsomptueuse et le raffinement chromatique descouleurs émaillées, Platzer pousse à l’extrêmel’aspect sensuel de ces deux scènes bachiques.Conçus comme de véritables morceaux de bravoure,Bacchus et Ariane et Bacchus et Midas sont l’œuvred’un des peintres les plus importants du rococod’Europe centrale. Restée dans la même familledepuis le XIXe siècle, cette paire de tableaux constitueune redécouverte importante dans l’œuvre del’artiste. Christina Pucher date les tableaux vers1735 lorsque l’artiste était encore actif à Vienne.

Alte Meister (with an Offering to Diana). Bacchusand Midas is rarer as a subject. Our paintingseems to be the only version painted by Platzer:captured by Phrygian peasants, the satyr Silenus,foster-father to Bacchus, was generously welcomedby king Midas, who returned him to Bacchus. Byway of thanks, Bacchus granted Midas’ request tobe able to turn everything he touched into gold.

With their abundant detail and sinuous lines,these paintings offer a fine example of the artist’svirtuosity and the exuberance of the Austrianrococo style. The composition consistently offerssomething to hold the viewer’s interest whileretaining its overall clarity thanks to Platzer’sskilful placing of the main figures at the centre ofthe painting, against a background of vegetation.On either side of this vertical axis, stretches ofopen landscape offer glimpses of related scenes,such as the departure of Theseus and his entourage.In the foreground, groups of two to four figuresare arranged so that the eye can travel continuouslyamong the satyrs and maenads drunk on wineand music and the still-life elements of the com-position and then return to the scene’s main pro-tagonists. Platzer accumulates a multitude ofdetails and references to models by Flemish man-nerist and baroque painters, in particular Wtewael,Rubens and Jordaens. Highly cultivated in its pic-torial references, this painting can be read asepitomising the 18th-century mindset, with itsironic and licentious interpretation of these themesfrom classical mythology. Sumptuous executionand the sophisticated handling of his jewel-likecolours allow Platzer to maximise the sensualaspect of these two Bacchic scenes. Bacchus andAriadne and Bacchus and Midas are genuinebravura pieces by one of central Europe’s mostimportant rococo painters. This pair of paintings,which have remained in the same family since the19th century, represent a major rediscovery in theartist’s oeuvre. Dr Christina Pucher dates thepaintings to around 1735, when the artist was stillactive in Vienna.

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Johan omas Lundbye(Kalundborg, 1818 – Bedsted, 1848)

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Peter Christian Skovgaard appuyécontre un muret dans une étable, 1843

Huile sur papier marouflé sur toile34 x 28 cmSitué, daté et signé avec monogramme en bas à droite : VeibyJuny 1843 TL

PROVENANCE

Baron Stampe, Nysø (1895) ; vente de la collection du ConsulGénéral Johan Hansen, partie 9, Winkel & Magnussen 139,1933 no 113, reproduit p. 17 ; collection privée, Danemark

EXPOSITION

Thorvaldsen’s Museum, Copenhague, Johan Thomas Lundbye1818-1848… at male det kjære Danmark, 1994, no 43, reproduitp. 66 et mentionné p. 67 avec un passage du journal deLundbye daté du 15 mai 1844 (Madsen, 1949, p. 182)

BIBLIOGRAPHIE

C. Madsen, Johan Thomas Lundbye, 1818-1848, Copenhague,1949, p. 182, no 143

Déjà considéré de son vivant comme le principalpaysagiste romantique danois, Lundbye semble

avoir échappé à l’influence d’Eckersberg. Il com-mence sa formation dès l’âge de 12 ans auprès deJohan Ludwig Lund (un proche de Caspar DavidFriedrich et des nazaréens allemands de Rome),avant d’être l’élève du peintre animalier ChristianHolm, puis d’être admis à l’Académie deCopenhague en 1833, où il se lie d’amitié avecThorald Laessøe et Peter Christian Skovgaard.Dans ces années-là, le style et le sens du coloris deChristen Købke exercent une influence détermi-nante sur lui, mais c’est probablement le paysagistenorvégien Johan Christian Dahl qui le marqueradavantage. En 1835, il débute à l’exposition deCharlottenborg. On considère qu’il atteint samaturité artistique vers 1838.

Durant l’été 1843, Lundbye passe deux mois avecson ami Skovgaard à Vejby, dans le Nord de laSealand. Ce tableau représente son ami de manièreinformelle, créant une atmosphère intimiste enutilisant les lignes droites dans un jeu perspectiffermé et en employant une gamme de tons chaudset dorés.

Peter Christian Skovgaard LeaningAgainst a Low Wall in a Barn, 1843

Oil on paper laid down on canvas34 x 28 cmSigned with a monogram, situated and dated lower right:Veiby Juny 1843 TL

PROVENANCE

Baron Stampe, Nysø (1895) ; the collection of Johan Hansen,Consul General, his sales, part IX, Winkel & Magnussen 139,1933 no. 113, reproduced p. 17; private collection, Denmark

EXHIBITION

Thorvaldsen Museum, Copenhagen, Johan Thomas Lundbye1818-1848… at male det kjære Danmark, 1994 no. 43, repr.p. 66 and mentioned p. 67 with a passage from the diary ofLundbye, 15 May 1844 (Madsen, 1949, p. 182)

LITERATURE

C. Madsen, Johan Thomas Lundbye 1818-1848, Copenhagen,1949, p.182, no. 143

Hailed during his lifetime as the most importantDanish Romantic landscape artist, Lundbye seems

to have escaped Eckersberg’s influence. From theage of twelve, he was trained by Johan LudwigLund (close to Caspar David Friedrich and theGerman Nazarene painters in Rome) before study-ing with the animal painter Christian Holm.Admitted to the Academy of Copenhagen in 1833,Lundbye became friends with Laessøe and P. C.Skovgaard. During those years, Købke’s style andsense of colour had an immense influence onLundbye, though the Norwegian landscape painterJohan Christian Dahl arguably left an even deeperimpression on him soon afterwards. In 1835, hebegan exhibiting his works at Charlottenborg. Itis thought that he reached his artistic maturityaround 1838.

In the summer of 1843, Lundbye spent two monthswith his friend Skovgaard in Vejby, in northernZealand. This painting shows his friend in aninformal pose; it creates an intimate atmosphereusing straight lines in a closed-perspective arrange-ment and a range of warm golden colours.

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Alexandre-François Desportes(Champigneulles, 1661 – Paris, 1743)

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Hallali de loup, 1721

Huile sur toile250 x 225 cmSignée et datée en bas à droite : Desportes 1721

PROVENANCEPeint pour les frères Pâris (hôtel de la Force, Paris) ; ClaudePâris dit La Montagne (château de Croixfontaine) ; Étienne-Michel Bouret en 1742 (après 1752, hôtel de la GrangeBâtelière, Paris) ; coll. M. de La Borde ; à partir de 1770, coll.M. Grimod de la Reynière ; vente galerie Georges Petit, 28-29 mai 1931, no 196 ; collection privée, France

ExPOSITIONSLe sport dans l’art : exposition ouverte du 14 décembre 1884au 31 janvier 1885, galerie Georges Petit, Paris, 1884, no 63 ;Exposition de tableaux, statues et objets d’art au profit del’œuvre des Orphelins d’Alsace-Lorraine : Salle des États auLouvre. 1885, Paris, 1885, no 121 ; Exposition de la Véneriefrançaise et des trophées, 17 mai – 30 juin 1923, musée desArts Décoratifs, Paris, 1923, no 47

BIBLIOGRAPHIEG. de Lastic Saint-Jal, P. Jacky, Desportes, Saint-Rémy-en-l’Eau, 2010, t. I (monographie), pp.  181-182 (ill.), t. II(catalogue raisonné) p. 175, no P654

Élève du peintre animalier Nicasius Bernaert, lejeune Alexandre-François Desportes participe à

de nombreux décors pour les châteaux d’Anet oude Versailles. Vers 1695, il part en Pologne etdevient peintre de la cour du roi Jean Sobieski. Àla mort du roi de Pologne, en 1696, il rentre enFrance et se consacre exclusivement à la représen-tation de scènes de chasse. Nommé « peintre dechasse » par Louis XIV, l’artiste choisit de se repré-senter en habit de chasseur pour son tableau deréception en 1699. Il décore un grand nombre derésidences royales et princières, parmi lesquellesles châteaux de Chantilly, de Compiègne ou deChoisy. En 1712, Desportes part en Angleterre, oùil a un énorme succès. De son retour en 1735jusqu’à sa mort en 1743, les commandes ne ces-seront d’affluer.

Cette chasse au loup est une des quatre chassesqui furent réalisées en 1721 pour les frères Pâris,et vraisemblablement pour l’hôtel de la Force àParis.

Wolf Hunt, 1721

Oil on canvas250 x 225 cmSigned and dated on lower right: Desportes 1721

PROVENANCEPainted for the Pâris brothers (Hôtel de la Force in Paris);Claude Pâris known as La Montagne (Château deCroixfontaine); in 1742 with Etienne-Michel Bouret (from1752 on in the Hôtel de la Grange Bâtelière, Paris); coll. M. deLa Borde; from 1770 coll. M. Grimod de la Reynière; saleGalerie Georges Petit, 28-9 May 1931, no. 196; privatecollection, France

ExHIBITIONSParis, Galerie Gorges Petit, Le sport dans l’art: expositionouverte du 14 décembre 1884 au 31 janvier 1885, 1884, no.63; Paris, Exposition de tableaux statues et objets d’art au profitde l’œuvre des Orphelins d’Alsace-Lorraine: Salle des États,Musée du Louvre. 1885, Paris, 1885, no. 121; Paris, Musée desArts Décoratifs, Exposition de la Vénerie française et destrophées, 17 May – 30 June 1923, no. 47

LITERATUREG. de Lastic Saint-Jal, P. Jacky, Desportes, Saint-Rémy-en-l’Eau, 2010, t. I (monograph), pp. 181-2 (ill.), t. II (catalogueraisonné) p. 175, no. P654

Alexandre-François Desportes became the pupilof the animal painter, Nicasius Bernaert. The

early part of his career was spent painting decorativescenes, and he also spent some time working atthe Château d’Anet and at Versailles for LouisXIV.In 1695, he left for Poland where he was appointedcourt painter to King John Sobieski. After thedeath of the king in 1696, he returned to Franceand thereafter dedicated himself almost exclusivelyto painting hunting pictures. He became a courtpainter to Louis XIV, and decorated a large numberof the royal residences, including the Château deChantilly, the Château of Compiègne and theChâteau de Choisy. Desportes became a memberof the Academy in 1699 with a self-portrait as ahunter. In 1712, he travelled to England where hewas greeted with great acclaim. From his returnto France in 1735 to his death in 1743, commissionscontinued to pour in.

This Wolf Hunt represents one of the four huntingscenes created in 1721 for the Pâris brothers, andprobably for the Hôtel de la Force in Paris.

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William Larkin(actif à Londres v. 1580-1619)

Portrait en buste d’Elizabeth Drury,Lady Burghley, devenue Comtesse d’Exeter(1577/8-1654), tournée vers la gauche,vêtue d’une riche collerette de dentellesur un ensemble sombre perléHuile sur panneau79 x 58 cmv. 1615

PROVENANCELa comtesse d’Exeter, depuis le xVIIe siècle ; Sotheby’s, Londres,17 novembre 1948, lot 116 (« Portrait de dame inconnue » parCornelia Jonson [sic]) ; collection privée, Belgique

Elizabeth Drury est la troisième fille de WilliamDrury (1550-1590) et Elizabeth Stafford (†1600),

une dame de chambre de la reine Elizabeth. Ellepasse sa jeunesse à Hawstead Place, dans le Suffolk,où la reine lui rend visite en août 1578, signe dela considération royale dont bénéficient ses parents.En 1594, Elizabeth se marie à William Cecil (1566-1640), troisième baron de Burghley à partir de1605. Elle est sa seconde épouse, la première étantdécédée en 1591. Elizabeth et ses trois filles,Elizabeth, Diana et Anne, vivent dans la résidenceprincipale de la famille Cecil à Burghley, près deStamford, dans le Lincolnshire, mais égalementdans la demeure des Exeter, sur le Strand à Londres.Quand son époux obtient le titre de comte en1623, elle devient la comtesse d’Exeter.

La robe noire et le précieux médaillon marqué dumonogramme RD qui apparaît en évidence sontdes indices du deuil auquel Lady Burghley s’astreintsuite à la perte de son frère ainé Robert Drury, quiest mort à l’âge de quarante ans le 2 avril 1615. Ilest probable qu’Elizabeth ait commandé ce portraità l’artiste pour son propre compte, plutôt quepour l’offrir à un membre de la famille. À noterque la couleur noire était très en vogue chez lesdames à cette époque.

Ce portrait peut être rapproché d’un portrait deplain-pied peint par William Larkin qui fait partied’un célèbre ensemble connu sous le nom de theSuffolk Collection (Kenwood House, Londres).

Portrait of Elizabeth Drury, Lady Burghley,later Countess of Exeter (1577/8-1654),turned half-length to the le, wearingan elaborate lace collared ruff overa dark costume and pearled trimmingsOil on panel79 x 58 cmc. 1615

PROVENANCEe Countess of Exeter, from the 17th century; Sotheby’s,London, 17 November 1948, lot 116 (‘Portrait of an UnknownLady’ by Cornelia Jonson [sic]); private collection, Belgium

Elizabeth Drury was daughter of Sir WilliamDrury (1550-90) and Elizabeth Stafford (d. 1600),

a Lady of the Bedchamber to Queen Elizabeth.She spent her early life at Hawstead Place inSuffolk, visited by the queen in August 1578,marking the monarch’s favour towards her parents.In 1594 Elizabeth married William Cecil (1566-1640), 3rd Baron of Burghley from 1605. She washis second wife, his first having died in 1591.Elizabeth and her three daughters, Elizabeth,Diana and Anne, lived at the principal Cecil familyhome of Burghley House near Stamford inLincolnshire, and also at Exeter House on theStrand in London. When her husband succeededto the earldom as 2nd earl in 1623, she became theCountess of Exeter.

The black dress and the jewelled locket, with themonogram RD prominently displayed, are indi-cators of mourning by Lady Burghley for herolder brother Robert Drury, who died aged fortyon 2 April 1615. It is most likely that Elizabethcommissioned this half-length portrait from theartist for her own purposes, rather than as a giftfor another member of the family; however, blackwas also a fashionable colour for a lady at thistime.

This portrait is closely related to a full-length oneof Lady Burghley by William Larkin, which is partof a set of similar works by the artist, known asthe Suffolk Collection (Kenwood House, London).

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Marten van Valckenborch(Louvain, 1535 – Francfort, 1612)

Paysage d’automne avec vendangeset récolte de fruitsHuile sur toile85 x 127 cm

PROVENANCEVendu par la maison de ventes C.F. Roos & Co., Amsterdam,18décembre 1917, no 189 avec son pendant, Winterlandschaft,no 190 ; collection privée, Portugal

BIBLIOGRAPHIEWied, Alexander, Lucas und Marten van Valckenborch (1535-1597 und 1534-1612), Das Gesamtwerk mit KritischemOeuvrekatalog, Luca Verlang Freren, 1990, pp. 262-263, no 27

Marten van Valckenborch est issu d’une famillehollandaise de peintres spécialistes de paysages

et de scènes de genre, parmi laquelle lui et sonfrère Lucas (1537-1597) sont les plus renommés.Gillis et Frederik van Valckenborch, les deux filsde Marten seront également peintres.

Ce que l’on connaît de la vie de Marten vanValckenborch nous est parvenu grâce aux comptestenus par Karel van Mander (1548-1606), lepeintre et poète hollandais d’origine flamande,réputé pour être le biographe de plus de 250artistes venant des Pays-Bas, contemporains ouhistoriques de renom, dans son fameux Schilder-boeck. Il y suggère que Valckenborch a appris lesressorts du commerce de peinture de paysage àMechelen, Anvers, considéré à l’époque commeun haut lieu de la pratique de la peinture à l’huileet de l’aquarelle, précisément dans le champ de lapeinture de paysage.

Le tableau figure au catalogue raisonné des artistesLucas et Marten van Valckenborch par AlexanderWied, anciennement au Kunsthistorisches Museumde Vienne. L’œuvre est cataloguée sous le titre deHerbstlandschaft mit Weinlese und Obsternte(Paysage d’automne avec cueillette de raisin etrécolte de fruits). On trouve également dans lecatalogue le pendant de cette pièce, Winterlandschaftmit Reisigsammlern und Schweineherde (Paysaged’hiver avec ramasseurs de bois et troupeaux deporcs).

Autumn Landscape with Vintageand Fruit HarvestOil on canvas85 x 127 cm

PROVENANCESold at auction, C. F. Roos & Co., Amsterdam, 18 December1917, cat. no. 189 with its pair, Winterlandschaft, cat. no. 190;private collection, Portugal

LITERATUREWied, Alexander, Lucas und Marten van Valckenborch (1535-1597 und 1534-1612), Das Gesamtwerk mit KritischemOeuvrekatalog, Luca Verlang Freren, 1990, pp. 262-3, no. 27

Marten van Valckenborch came from a family ofNetherlandish landscape and genre painters, of

which he and his brother Lucas (1537-97) werethe most prominent. Marten’s two sons, Gillisand Frederik van Valckenborch were also painters.

What is known about Marten’s movements islearned from accounts given by Karel van Mander(1548-1606) the Flemish-born Dutch painter andpoet mainly remembered as a biographer ofNetherlandish artists in his Schilder-boeck, whichdescribed the lives and works of more than 250contemporary and historical painters. Mandersuggests that Valckenborch learned his trade inlandscape painting in Mechlin, Antwerp, whichwas widely recognised at the time as the centrefor oil and watercolour practice, particularly inlandscape painting.

The painting appears in the catalogue raisonnéof the artists Lucas and Marten van Valckenborchby Dr Alexander Wied, formerly of the Kunsthis-torisches Museum, Vienna. It is catalogued thereas Herbstlandschaft mit Weinlese und Obsternte(Autumn Landscape with Grape-gathering andFruit Harvest). Also in the catalogue is the pendantto this piece, Winterlandschaft mit Reisigsammlernund Schweineherde (Winter Landscape withBrushwood Collectors and Pig Herd).

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Le Maître au Feuillage brodé(actif à Bruxelles de 1480 à 1500)

Vierge à l’EnfantHuile sur panneau66 x 57 cm

PROVENANCEGalerie Fischer, Lucerne 16 juin 1953, no 104 ; galerieScheidwimmer, Munich, 1954 ; collection privée, Munich

BIBLIOGRAPHIEArts, no 334, 23 novembre 1951, p. 6 repr. ; G. C. Bauman,« Flemish Paintings in The Jack and Belle Linsky Collection »,in The Metropolitan Museum of Art, New York, 1984, p. 53 ;Max Friedländer, Early Netherlandish Painting, XIV, 1937,p. 95 ; IV, Leiden et Bruxelles, 1969, p. 128, pl. 82 ; D. Martens,« Le Maître des portrais Baroncelli : un élève de PetrusChristus ? », in Gentze bijdragen tot de Kunstgedrieschen enOudheidkunste, vol. 30, 1995, pp. 71-105 (p. 75) ; F. Gombert,« Un réseau de collaborations d’artistes », in F. Gombert,D. Martens (éd.), Le Maître au Feuillage brodé, cat. exp. Palaisdes Beaux-Arts, Lille, 13 mai – 24 juillet 2005, Paris, 2005,pp. 92-93, cat. 11a, repr. couleur ; F. Gombert, D. Martens(dir.), Le Maître au Feuillage brodé, colloque organisé par lePalais des Beaux-Arts de Lille, 23-24 juin 2005, Lille 2007,ill. 153 infrarouge, pp. 104, 173, 185-186, repr. p. 204

Emblématique de la production des artistesbruxellois de la seconde moité du XVe siècle, cette

Vierge à l’Enfant, d’une rare beauté, s’inscrit dansle corpus d’un maître aujourd’hui bien connu parde nombreuses et récentes recherches. Attribuéepar Max Friedländer en 1926 au Maître au Feuillagebrodé, cette Vierge à l’Enfant a été rapidementassociée par l’historien de l’art à un panneauaujourd’hui conservé à Lille figurant deux donateursen prière. En effet, il fait état d’une concordanceintéressante entre ces deux tableaux dans le trai-tement des arcades en relief. Formant les voletsd’un triptyque dont le panneau central était laVierge à l’Enfant,ces donateurs, Barbe de Croesincket Louis Quarré, indiquent donc la destination del’œuvre originale dédiée à la Vierge : le triptyquedevait probablement orner une chapelle familialeou l’intérieur d’une maison.

Destinée à la dévotion privée, cette Vierge àl’Enfant est la reprise d’un modèle perdu de DirkBouts. En témoigne un autre panneau étroitementsimilaire et attribué à son fils, Albrecht Bouts. Onretrouve la Vierge installée dans une niche donnant

Virgin and ChildOil on panel66 x 57 cm

PROVENANCEFischer Gallery, Lucerne, 16 June 1953, no. 104; ScheidwimmerGallery, Munich, 1954; private collection, Munich

LITERATUREArts, 23 November 1951, no. 334, p. 6 repro.; G. C. Bauman,“Flemish Paintings in the Jack and Belle Linsky Collection”,The Metropolitan Museum of Art, New York, 1984, p. 53; M. J.Friedländer, Early Netherlandish Painting, XIV, 1937, p. 95;IV, Leiden and Brussels, 1969, p. 128, pl. 82; D. Martens, “LeMaître des portrais Baroncelli: un élève de Petrus Christus?”,Gentze bijdragen tot de Kunstgedrieschen en Oudheidkunste,1995, vol. 30, pp. 71-105 (p. 75); F. Gombert, “Un réseau decollaborations d’artistes”, in F. Gombert, D. Martens (pub.),Le Maître au Feuillage brodé, exh. cat., Palais des Beaux-Arts,Lille, 13 May – 24 July 2005, Paris, 2005, pp. 92-3, cat. 11a,colour repro.; F. Gombert, D. Martens (pub.), Le Maître auFeuillage brodé, Colloquium organised by the le Palais desBeaux-Arts de Lille, 23-4 June 2005, Lille, 2007, ill. 153infrared, pp. 104, 173, 185-6, repro. p. 204

Emblematic of the works produced by the artistsin Brussels during the second half of the 15th cen-

tury, this exceptionally beautiful Virgin and Child,belongs to the body of work of a master wellknown today thanks to extensive recent research.Attributed to the Master of the EmbroideredFoliage by Max Friedländer in 1926, the arthistorian quickly linked this Virgin and Child toa panel currently kept in Lille depicting twodonors praying. He draws an interesting parallelbetween these two paintings regarding the portrayalof the arches in relief. Forming the sides of atriptych whose central panel was the Virgin andChild, the donors, Barbe de Croesinck and LouisQuarré indicate the purpose of the original workdevoted to the Virgin: it was probably intendedto decorate a family chapel or to be hung insidea house.

Intended for private devotion, this Virgin andChild is a copy of a missing model by Dirk Bouts.Evidence lies in another very similar panel attributedto his son, Albrecht Bouts. Here, the Virgin is setin a niche looking outwards, surrounded by four

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sur l’extérieur, encadrée par quatre colonnes etdes arcades ornées. La Vierge est vêtue d’unetunique rouge et couverte d’un manteau bleudont le détail du liseré fait un bel écho aux volutesdes arcades. Dans ses bras, elle tient l’Enfant quiserre de sa main gauche une pomme, symbole dupéché originel, et qui devient, dans cette compo-sition, le fruit de la Rédemption et du Salut. Desa main droite, il attrape son pied : par ce gestecaractéristique d’un nourrisson, il invite les fidèlesà le suivre. Le thème de l’Enfant jouant avec sespieds ou attrapant son orteil a déjà été vu danscertaines Vierge à l’Enfant de Rogier van derWeyden ou de son entourage. Van der Weyden estd’ailleurs l’instigateur de ces vierges en demi-figures qui connurent un grand succès dans lesretables domestiques de la seconde moitié duXVe siècle.

Actif à Bruxelles dans le dernier tiers du XVe siècle,le Maître au Feuillage brodé livre ici un bel exemplede la production de l’époque, entre reprise desmodèles de Rogier van der Weyden etcristallisation d’un style propre décelé par MaxFriedländer, plus particulièrement dans letraitement des paysages. Si ce dernier fonde sestravaux sur une forte relation entre peintures,tapisseries et broderies, on peut constater ici unpaysage plutôt restreint et une place majeureaccordée à la Vierge et à l’Enfant. Grâce au clichéinfrarouge (cf. F. Gombert et D. Martens [dir.],actes du colloque, Lille 2007, ill. 153), on remarqueune composition sûre et d’une grande maîtrise.Selon Albert Châtelet, le tableau de Louvain seraitla copie de cette version et aurait été réalisé auXIXe siècle pour l’abbaye Sainte-Gertrude deLouvain. Cette dernière devait posséder l’original,revendu par le clergé, ainsi que les deux portraitsde donateurs de Lille, rassemblés ensuite en unpanneau unique.

columns and decorated arches. The Virgin wearsa red tunic under a blue cloak. The details aroundthe edges of the cloak cleverly echo the scrolls ofthe arches. She carries the Child in her arms, whilehe holds an apple in his left hand, the symbol ofthe original sin. In this painting, it becomes thefruit of Redemption and Salvation. He clasps hisfoot with his right hand, a gesture characteristicof an infant, inviting the faithful to follow him.The theme of the Child playing with his feet orcatching hold of his toe is a common feature in anumber of paintings of the Virgin and Child byRogier van der Weyden or his entourage; he was,in fact, the instigator of these half-length Virginswhich were very popular in domestic altarpiecesin the second half of the 15th century.

Active in Brussels in the last third of the 15th

century, the Master of the Embroidered Foliageprovides us with a fine example of the era’s artisticproduction: copies of Rogier van der Weyden’smodels and the crystallisation of his own style,detected by Max Friedländer, especially in therendering of landscape. While the latter bases hisfindings on a strong relationship between paintings,tapestries and embroideries, this painting showsa rather more restrained landscape, with theVirgin and Child taking centre stage. It is clearfrom the infrared image (cf. F.Gombert, D.Martens[eds], colloquium proceedings, Lille 2007, ill. 153)that this is a skilled and confident work. Accordingto Albert Châtelet, the painting in Leuven is a copyof this version and was painted in the 19th centuryfor St Gertrude’s Abbey in Leuven. The original,which it owned, was sold by the clergy, as well asthe two portraits of the donors of Lille, subsequentlyput together in a single panel.

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Carstian Luyckx(Anvers, 1623 – ? après 1658)

D AV I D K O E T S E R G A L L E R Y

Bouquet de roses, pivoines et passiflores dansun vase ainsi qu’une coccinelle et un papillonHuile sur panneau32 x 24,8 cmSigné en bas à droite

PROVENANCEBrian Koetser Gallery, Londres, 1971 ; collection privée,Londres, 1971-2012

ExPOSITIONAutumn Exhibition, Brian Koetser Gallery, Londres, 1971

BIBLIOGRAPHIEConnoisseur, octobre 1971

Carstian Luyckx fait son apprentissage chez lepeintre de fleurs Philip de Marlier à partir de

1640, puis passe dans l’atelier de Frans FranckenIIIen 1642.

Il est officiellement enregistré comme membre dela guilde de Saint-Luc en 1645 et il est documentéà cet endroit jusqu’à la naissance de son fils en1653. Très peu de tableaux de Luyckx sont datés.On sait en revanche qu’il a collaboré avec DavidTeniers le Jeune ainsi qu’avec Nicolaes vanVerendael. Il est également connu pour ses Vanités,ses trophées de chasse et ses peintures d’animauxvivants.

Still Life of Roses, Peonies and PassionFlowers in a Glass Vase on a Stone Ledgewith a Ladybird and a ButterflyOil on panel32 x 24.8 cmSigned lower right

PROVENANCEWith Brian Koetser Gallery, London, 1971; private collection,London, 1971-2012

ExHIBITIONAutumn Exhibition, Brian Koetser Gallery, London, 1971

LITERATUREConnoisseur, October 1971

Carstian Luyckx was apprenticed to the flowerpainter Philip de Marlier from 1640, transferring

to the studio of Frans Francken III in 1642.

He was officially registered with the Guild of SaintLuke in 1645 and is documented there up to 1653when he had a son. Few paintings by Luyckx aredated. He is known to have collaborated withDavid Teniers the Younger and Nicolaes vanVerendael. He also painted vanitases, huntingtrophies and live animals.

D AV I D K O E T S E R G A L L E R Y

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Salomon van Ruysdael(Naarden, 1600/3 – Haarlem, 1670)

D AV I D K O E T S E R G A L L E R Y

Paysage d’estuaire au bac et nageursHuile sur panneau48,2 x 47 cmSigné et daté sur le bac : S. v Ruysdael 1640

PROVENANCELeonard Koetser Gallery, Londres, 1962 ; collection privée,Royaume-Uni, 1962-2014

ExPOSITIONAutumn Exhibition of Flemish and Italian Old Masters,Leonard Koetser Ltd, Londres, 1962, n° 15, p. 17

Ce tableau est caractéristique des œuvres de VanRuysdael au sommet de sa carrière. Suivant les

enseignements de Carel van Mander, dans lesPrincipes du très noble art de la peinture de 1604,il semble avoir réussi à capturer ce lent déploiementdes différents tons de violet de l’aube.

Pour valoriser le thème de l’importance de lanature, Van Ruysdael utilise les outils à sa disposition– la peinture à l’huile et le panneau de bois – pourmieux articuler l’homogénéité de la scène. Legrain du bois et même sa couleur sont utiliséscomme base pour le motif des vagues dans lesparties sombres de l’eau, au premier plan – unetechnique qui sera plus tard employée par Willemvan de Velde le Jeune. Ces effets réalistes sontmodérés par les reflets poétiques de la lumière surl’eau dans les parties plus claires qui se fondentavec le ciel à l’horizon.

Salomon van Ruysdael (nom écrit différemmentpour le distinguer de son frère Isaack et de sonneveu Jacob) entre en 1623 dans la guilde despeintres à Haarlem, où il reste durant toute sacarrière. Les vues et points de repère dans sestableaux attestent de sa connaissance de son payset des gravures de vues topographiques. Il sespécialise dans les vues de rivière, mais peint aussides paysages, des marines et quelques naturesmortes. Van Ruysdael, comme ses contemporainsPieter de Molijn et Jan van Goyen, a pour butd’expérimenter les effets de tons en peinture, oùl’humeur est évoquée non pas par l’action maispar un mélange subtil de couleurs et de textures,afin de dépeindre un moment évocateur.

River Estuary with Ferry Boat and SwimmersOil on panel48.2 x 47 cmSigned and Dated on the ferry: S. v Ruysdael 1640

PROVENANCELeonard Koetser Gallery, London, 1962; private collection,United Kingdom 1962-2014

ExHIBITIONAutumn Exhibition of Flemish and Italian Old Masters,Leonard Koetser Ltd, London, 1962, no. 15, p. 17

is painting is typical of van Ruysdael at theheight of his career. Following Karel van Mander’s

precept in his Foundation of the Noble, Free Art ofPaintingof 1604, he has captured the slow unfurlingof the purple-tinged dawn light.

As though to continue this theme of the importanceof nature, van Ruysdael uses the tools of hispractice – the oil paint and the wood of the panel– to further convey the homogeneity of the scene.e grain of the wood and even its colour serveas the basis for the pattern of waves in the darker-toned water of the foreground, a technique lateremployed by Willem van de Velde the Younger.is realistic effect is tempered by the poeticreflection of the light on water in the middle dis-tance, which subtly blends into the sky.

Salomon van Ruysdael (thus spelled to differentiatehim from his brother Isaack and nephew Jacob)entered the painters’ guild in Haarlem in 1623,remaining there for his entire career. e viewsand landmarks in his paintings prove his knowledgeof his country and of topographical engravings.He specialised in river views, but also paintedlandscapes, seascapes and some still lifes. VanRuysdael, along with fellow artists Pieter de Molijnand Jan van Goyen, sought to experiment withthe effects of tone in painting, where mood isevoked not through action, but through the subtleblending of colour and texture to construct anevocative scene.

D AV I D K O E T S E R G A L L E R Y

J A C q U E S L E E G E N H O E K J A C q U E S L E E G E N H O E K

Simone Cantarini(Pesaro, 1612 – Vérone, 1648)

Sainte CécileHuile sur toile119 x 96 cm

Nous remercions le professeur Daniele Benati d’avoir confirmél’attribution à Cantarini.

Notre Sainte Cécile est l’œuvre d’un des élèves lesplus doués et les plus indépendants de Guido

Reni. Elle s’inscrit dans une tradition votive quiremonte à la célèbre Sainte Cécile de Raphaël(Pinacothèque de Bologne), en même tempsqu’elle exprime à merveille le style si personnelde Cantarini, équilibre parfait entre l’idéal classiquede Reni et le naturalisme de Gentileschi et Guerrieri.

La gamme chromatique avec ses tons sourds, lesombres qui sont comme grattées sur les mains etle visage, ainsi que l’extraordinaire tension poétiqueque dégage notre Sainte Cécile totalement absorbéepar l’écoute de la musique céleste, sont unesignature de l’artiste et font de ce tableau un ajoutmajeur à son catalogue.

Saint CeciliaOil on canvas119 x 96 cm

We are grateful to Professor Daniele Benati for confirmingthe attribution to Cantarini.

Our Saint Cecilia is arguably by Reni’s mostgied and independent pupil. It follows the votive

tradition that goes back to Raphael’s famous SaintCecilia (Bologna, Pinacoteca Nazionale) and, atthe same time, marvellously displays Cantarini’spersonal style, a perfect balance between Reni’sclassicism and Gentileschi’s naturalism.

e subtle colours, the very particular way ofapplying the shades and the extraordinary poetictension of this Saint Cecilia absorbed by the holymusic are trademarks for the artist, making thispainting an important addition to Cantarini’scatalogue.

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J A C q U E S L E E G E N H O E K J A C q U E S L E E G E N H O E K

Jan van Dalem ou Dalen(Actif à Bruxelles ou Anvers vers 1630-1670)

Joueur de flûteHuile sur toile71,5 x 60 cm

Ce magnifique tableau doit être rattaché à la pro-duction du peintre flamand Jan van Dalem, dont

le corpus d’œuvres retrouvées n’atteint pas encorela dizaine. Ce corpus témoigne toutefois d’unartiste original et éclectique, probablement nourride Caravagisme dans sa jeunesse, après un voyagepossible en Italie.

Notre tableau est en revanche marqué par l’espritdes Le Nain et on pourrait se demander si l’artisten’a pas séjourné également à Paris, tant la com-position et le coloris semblent étrangers à laculture anversoise. Van Dalem est en définitiveun artiste inclassable, qui a eu le mérite de resterindifférent au courant rubénien (dominant àAnvers à l’époque) et qui sort enfin peu à peu del’oubli.

A Flute playerOil on canvas71.5 x 60 cm

is splendid painting is by the Flemish artistJan van Dalem. His rediscovered works do not

yet exceed ten paintings, yet they show a very ori-ginal and eclectic painter who probably discoveredCaravaggism during his youth, possibly aer atrip to Italy.

However, our painting shows the influence of theLe Nain brothers and it is conceivable that VanDalem might actually have spent some time inParis; indeed, there is little evidence of a Flemishinfluence here. e artist seems to defy classification,not having succumbed to Rubens’ dominancewhich held sway at the time. His oeuvre is slowlybeing rediscovered.

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G A L E R I E M AU R I Z I O N O B I L E G A L E R I E M AU R I Z I O N O B I L E

Filippo Pedrini(Bologne, 1763 – Bologne, 1856)

Scène allégorique avec la Vérité Dévoilée,Mars, la Renommée et autres figuresHuile sur toile84 x 64 cm

EXPERTISE

L’attribution de l’œuvre est confirmée par Donatella BiagiMaino

Cette splendide peinture de Filippo Pedrini estl’esquisse préparatoire d’une partie de l’un des

plafonds à fresque du palais Tanari à Bologne. Lafamille Tanari, présente à Bologne à partir duXVIe siècle, était l’une des familles les plus en vuede la ville. Amateurs des arts et grands mécènes,ils réunirent une riche et prestigieuse collectiond’art, aujourd’hui dispersée dans les musées lesplus importants du monde. La décoration del’étage noble de leur palais, situé au centre-ville,fut confiée elle aussi, en 1794, à des artistes de pre-mier plan, comme Filippo Pedrini et GiuseppeValiani.

Les deux peintres s’étaient lancés dans l’exécutionde très belles fresques à thème mythologique etallégorique, lesquelles sont étroitement liées à lapartie centrale de notre tableau. La partie supérieurede l’esquisse, quant à elle, montre la Vérité dévoiléeen la personne d’une femme tenant un livre, assisesur un globe, tandis que dans la partie inférieure,la Renommée, femme ailée avec une trompette,précède Mars chassant deux figures (la Calomnieet l’Ignorance ?).

Dans cette délicieuse esquisse, le goût raffiné etamusé de Filippo Pedrini pour les mythologiesressort avec évidence. Le peintre adopta destechniques vibrantes, aux teintes vives et presqueà la limite du rococo, dans le choix des raccourciset des évolutions pour les lignes zigzagantes descompositions. Enfant de la balle, Pedrini put jouirdes enseignements de son père Domenico et deGaetano Gandolfi, duquel il devint le digneépigone.

Allegorical Scene with the Truth Unveiled,Mars, the Fame and Other FiguresOil on canvas84 x 64 cm

AUTHENTIFICATION

The attribution has been confirmed by Donatella BiagiMaino

This exquisite painting is the preparatory oilsketch for a section of a fresco that decorates one

of the ceilings of Palazzo Tanari in Bologna. TheTanaris lived in Bologna from the 16th century andwere one of the city’s most prominent families.Art lovers and philanthropists, they broughttogether a rich and prestigious art collection thathas since been dispersed among the world’s mostimportant museums. The decoration of the pianonobile of their palazzo, situated in the city’shistorical centre, was entrusted in 1794 to eminentartists such as Filippo Pedrini and GiuseppeValiani.

The two painters had gained an excellent reputationfor their magnificent frescos with mythologicaland allegorical themes, to which the central partof the painting in question is closely related. Theupper part of the painting shows Truth Unveiled,personified by a woman seated on a globe with abook in her hands, while in the lower part Fame,a winged woman with a trumpet, precedes Marswho is driving away two figures (the personificationsof Calumny and Ignorance?).

This delightful sketch clearly shows Filippo Pedrini’srefined and often playful inclination towardsmyths. He adopted a lively set of techniques, withdazzling hues and an almost late-rococo use offoreshortening and zigzagging lines. Born to afamily of artists, Pedrini made the most of theexperience gained by both his father Domenicoand Gaetano Gandolfi, proving himself a worthysuccessor.

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G A L E R I E M AU R I Z I O N O B I L E G A L E R I E M AU R I Z I O N O B I L E

Sebastiano Ricci (Belluno, 1659 – Venise, 1734)

DioscorideHuile sur toile183 x 37 cm

BIBLIOGRAPHIEE. Lucchese, « Sebastiano Ricci e dintorni », in Studi di Storiadell’Arte, 21, 2010, pp. 216-217

EXPERTISE

L’attribution du tableau est confirmée par Annalisa Scarpa

Le cartouche située en bas du tableau permetd’identifier le personnage représenté comme

étant Pedanius  Dioscoride d’Anazarbe, célèbremédecin de l’Antiquité originaire de l’Asie Mineureet de culture grecque. Sa renommée est liée notam-ment au fait que c’est à lui que l’on doit la premièreclassification systématique, dans un traité ency-clopédique, de plus de 1 000 substances (végétales,animales, minérales) à action pharmacologique.Le texte rédigé en grec, mais connu sous le nomlatin De materia Medica, fut utilisé dans le domainemédical jusqu’en 1700.

Le sujet et le format anormal de la toile laissent àpenser qu’elle était encastrée dans une boiseriecontemporaine, dotée de diverses portes et étagères,destinée à la décoration des espaces intérieursd’une pharmacie vénitienne, à l’image de celleparfaitement conservée de Santa Fosca, réaménagéedans le musée de Ca’ Rezzonico. Le tableau futréalisé par Sebastiano Ricci entre la première etla deuxième décennie du XVIIIe siècle, lorsque lepeintre, fort de ses succès florentins, obtint àVenise un vaste triomphe pour ses dernières etimportantes commandes publiques. Dans ceDioscoride, Ricci s’exprime par une touche fraîche,un jeu habile de clairs-obscurs et des effets delumière imprévus où des amas de matière, étalésd’un jet, créent et définissent les volumes des plisdes étoffes.

Nous pouvons rapprocher de notre tableau uneœuvre realisée par Antonio Arrigoni, représentantsans doute le médecin Areios, l’ami de Dioscoride,auquel il dédia son traité.

DioscoridesOil on canvas183 x 37 cm

LITERATUREE. Lucchese, “Sebastiano Ricci e dintorni”, Studi di Storiadell’Arte, 21, 2010, pp. 216-17

AUTHENTIFICATION

The attribution has been confirmed by Annalisa Scarpa

From the scroll situated in the lower part of thepainting we can ascertain that the figure portrayed

is Pedanius Dioscorides of Anazarbus, the eminentphysician from antiquity born in Asia Minor andof Greek culture. He is renowned for an ency-clopaedia he compiled detailing over one thousandsubstances and their pharmacological properties.Originally written in Greek but more widelyknown by its Latin title De Materia Medica, thetext was used by physicians until 1700.

The subject and the unusual format of the canvasboth suggest that it was inset in a contemporaneousboiserie comprising closets and shelves for theinterior of a Venetian pharmacy, similar to thosethat have been perfectly conserved in Santa Fosca,now displayed at the Ca’ Rezzonico museum. Thiswork was painted between the first and the seconddecade of the 18th century when, following hissuccess in Florence, Ricci gained widespread famein Venice thanks to a number of major publiccommissions. Ricci’s hand can be seen in thisDioscorides, in the fresh touch of his brushstrokes,the skilful play of chiaroscuros and the unexpectedtouches of light, in which rapidly applied layersof materials create and define volumes in the foldsof the fabrics.

A matching painting is also known to exist,executed by Antonio Arrigoni, portraying thephysician Areios, the friend of Dioscorides towhom the latter dedicated his treatise.

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P O R C I N I

Francesco Solimena (Canale di Serino, 1657 – Naples, 1747)

La Conversion de SaulHuile sur toile129 x 102 cmMaquette d’une fresque destinée à la sacristie de la basiliqueSaint-Paul Majeur, à Naples

Cette toile est le modèle de présentation pourl’une des fresques de la sacristie de la basilique

Saint-Paul Majeur à Naples. Le cycle, entièrementréalisé par Francesco Solimena entre1689 et1690,est la première commande officielle napolitainede l’artiste. Il inaugure une peinture moderne qui,s’inspirant de Giordano et de Preti et rappelantdes œuvres de Cortona et de Lanfranco, annoncel’évolution caractéristique du XVIIIe siècle : l’âged’or de la peinture baroque de fresque. Ce genreconsacrera Solimena en tant qu’artiste majeur dela peinture européenne.

Le cycle décoratif tout entier a suscité au coursdes siècles une grande admiration auprès desartistes et des connaisseurs : le biographe deSolimena, De Dominici, louera la beauté du coloriset la variété des physionomies, soulignant la com-plexité de la mise en scène et le talent des coupsde pinceau. Fragonard, quant à lui, en tirera desdessins qui seront ensuite incisés pour le Voyagepittoresque de Saint-Non.

Le style de la peinture coïncide parfaitement avecla technique utilisée par l’artiste pour ses modèleset ses ébauches : il applique sur le fond préparatoirebrun une matière dense et lumineuse, en incisantles lignes et les décorations des étoffes avec laqueue du pinceau.

L’œuvre, en parfait état de conservation, présenteen outre plusieurs repentirs qui témoignent de lafraîcheur authentique de la première idée.

L’attribution est confirmée par Nicola Spinosa,qui inclura cette peinture dans le prochain volumedédié à l’artiste.

e Conversion of SaulOil on canvas129 x 102 cmPreparatory study for fresco in the sacristy of the Church SanPaolo Maggiore, Naples

This painting is a modelletto, a small-scale pre-paratory study for one of the frescoes in the

sacristy of the Basilica di San Paolo Maggiore inNaples. The cycle, painted by Francesco Solimenabetween 1689 and 1690, his first important publiccommission in Naples, is the earliest example ofa composition which, drawing on aspects of thework of Giordano and Preti and recalling precedentsby Cortona and Lanfranco, confirms Solimena’sstatus as a major figure in European painting; assuch, it marks a development in the grandiosebaroque fresco tradition of the 18th century.

Over the centuries, the entire work has beengreatly admired by artists and connoisseurs alike.Solimena’s biographer, De Dominici, has praisedthe beauty of its colouring and the diversity ofphysical types and facial expressions, also pointingout Solimena’s mastery of composition and thevitality of his brushwork, while Fragonard drewon this work for some drawings which were thenengraved for his Voyage pittoresque de Saint-Non.

The style of the painting is a perfect example ofthe artist’s technique for preparing models andstudies, painting thick, luminous matter onto thedarker prepared canvas, cutting lines and deco-rations in the gowns and other fabrics with thewooden end of the brush.

The perfectly preserved modelletto reveals severalchanges in approach, highlighting the genuinefreshness of the original idea.

The attribution has been confirmed by NicolaSpinosa, who will include this work in an upcomingvolume on Solimena.

P O R C I N I

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P O R C I N I

Jusepe de Ribera (Jàtiva, 1591 – Naples, 1652)

Tête coupée de saint Janvier (?)Huile sur toile41 x 47 cm

La toile inédite présentée ici s’insère dans le vasteensemble des têtes coupées de saints, diffusé

dans la Naples des vice-rois. Plusieurs artistes,dont Jusepe de Ribera, se chargèrent avec succèsde la réalisation de cet ensemble.

L’identité du saint nous est livrée par la représen-tation dramatique de la tête du martyr, jeune etimberbe, accompagnée par un texte sacré et parla mitre qui tranchent sur les tonalités sombresdu fond par une chaude luminosité. La force plas-tique du cadrage rapproché révèle les caractèresde réalisme et d’extrême naturalisme propres à lapeinture du maître espagnol : cheveux rasés derrièrela nuque jusque derrière les oreilles, pour éviterde gêner la lame du bourreau, ou encore flots desang soulignant que l’action vient juste de sedérouler. Autant d’éléments qui pourraient justifierl’absence des ampoules, attribut généralementprésent dans l’iconographie de saint Janvier.Contrastant avec cette violence, Ribera nousrestitue une image de sérénité avec cette expressiondu visage – qui semble plongé dans un sommeilbéat.

Cette peinture est datée de 1645-50. D’un pointde vue stylistique, on peut la rapprocher d’uneTête de saint Jean-Baptiste arrivée sur le marchébritannique en 2006. Son attribution est confirméepar Gianni Papi et Nicola Spinosa.

Severed Head of Saint Januarius (?)Oil on canvas41 x 47 cm

is previously unseen canvas is one of manypaintings carried out during Naples’ viceroy

period by a number of successful artists, of whomJusepe de Ribera is one, featuring the severedheads of saints.

e subject is readily identifiable as Saint Gennaro(Januarius) by the dramatic representation of theyouthful, beardless head of the martyr, besidewhich is a sacred text, as well as a mitre whosewarm luminosity stands out against the darktones of the background. e visual force of theclose-up view brings out the intense naturalismtypical of this Spanish master; one notes how thehair is shaved on the nape of the neck and behindthe ears, so as not to hamper the executioner’ssword stroke, while the streams of blood conveyquite clearly the nature of the event that has justtaken place. is could explain the absence hereof the phials, usually characteristic of SaintGennaro’s iconography. In contrast to this impliedviolence, Ribera makes the saintly visage a visionof serenity, as if to suggest that Saint Gennaro issleeping the sleep of the blessed.

e painting, which can be dated to the late 1640s,can be compared stylistically with a roughlycontemporary Head of Saint John the Baptist byRibera that appeared on the English art marketin 2006. Attribution is confirmed by Gianni Papiand Nicola Spinosa.

P O R C I N I

Pompeo Batoni(Lucques, 1708 – Rome, 1787)

G A L E R I E S A N C T L U C A S

La Mise au tombeauHuile sur toile43,8 x 29,8 cmVers 1761-62

PROVENANCE

Collection privée anglaise

Ce tableau est une étude à l’huile préparatoire à la grandeMise au tombeau de la Santissima Trinità à Crémone.

L’église paroissiale de la Santissima Trinità futreconstruite de 1737 à 1739 par Andrea Nono,

architecte originaire de Vénétie, et consacrée le25 septembre 1740. La Mise au tombeau com-mandée à Pompeo Batoni est le fruit d’une donationde Rocco Orlandini (v.  1688-1758), paroissienbergamasque de la vallée de Brembana. Le 17 sep-tembre 1758, le donateur avait offert à la paroisseun nouveau tableau d’autel pour la chapelle duSaint Sépulcre de l’église de la Santissima Trinità,en échange du droit d’inhumation dans cette cha-pelle. Suivant les prescriptions du donateur, Batonis’est départi de l’iconographie traditionnelle decet épisode de la Passion du Christ. Il représentebien évidemment les protagonistes du drame :Joseph d’Arimathie, Marie-Madeleine et saintJean déposant le corps du Christ, enveloppé dansun linceul, dans une tombe réduite à un simplesarcophage rectangulaire, mais pour satisfaireaux exigences de Rocco Orlandini, le peintreintroduit également d’autres figures étrangères àcet épisode : saint Joseph et saint Antoine dePadoue, agenouillé à la droite du Christ dont iltient la main.

Le tableau pourrait correspondre à celui mentionnédans un document d’exportation vers une desti-nation inconnue en janvier 1762.

Il sera publié dans le catalogue raisonné de l’œuvrede Pompeo Batoni, que prépare actuellementEdgar Peters Bowron.

e EntombmentOil on canvas43.8 x 29.8 cmC. 1761-2

PROVENANCE

English private collection

The painting is a compositional sketch in oil for eEntombment, Santissima Trinità, Cremona and was paintedin preparation for the larger work.

e Cremonese parish church of the SantissimaTrinità was substantially reconstructed between

1737 and 1739 by Andrea Nono, an architect fromthe Veneto, and consecrated on 25 September1740. Batoni’s commission for e Entombmentwas the result of a bequest on 17 September 1758of a parishioner, Rocco Orlandini (c. 1688–1758),a Bergamasco from the Val Brembana, for a newaltarpiece for the Cappella del Santo Sepolcro inSantissima Trinità, in exchange for the right ofburial in the chapel. In accordance with thedictates of the commission, Batoni has departedfrom the traditional iconography of this episodefrom the Passion of Christ. While he has depictedthe usual principal figures – Joseph of Arimathea,Mary Magdalene and Saint John the Evangelist –lowering the body of Christ in a sheet into thetomb (a simple rectangular sarcophagus), thepresence of Saint Joseph and Saint Anthony ofPadua, who is kneeling at the right and holdingChrist’s hand, his symbols of a lily and a book nearby, satisfy the requirements of the late Orlandini.

e painting may be that referred to in an exportdocument relating to an unspecified destinationin January 1762.

Our painting will be published in the forthcomingcatalogue raisonné of Pompeo Batoni by EdgarPeters Bowron.

G A L E R I E S A N C T L U C A S

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Jean-Étienne-Franklin Dubois(Paris, 1796 – Paris, 1854)

G A L E R I E S A N C T L U C A S

L’Escalier de la galerie des Officesà Florence en 1826Huile sur toile25 x 19,5 cmSigné et daté 1826

Jean-Étienne Dubois est issu d’une famille d’ar-tistes : il est le fils d’Étienne Dubois (dit Dubois

père) qui travaillait pour Napoléon au palais deCompiègne et pour l’impératrice Joséphine auchâteau de la Malmaison. Il se forme dans l’atelierde Jean-Baptiste Regnault (1754-1829), toutcomme son frère François, dit Dubois l’aîné. Ilvoyage également en Italie, comme le prouventles sujets de ses tableaux exposés au Salon, de1819 jusqu’à sa mort en 1854. Il aborde des scènesde genre, des paysages et des portraits.

Jean-Étienne Dubois exécute notre tableau aucours d’un séjour à Florence en 1826. Cette vuede l’intérieur des Offices à Florence, peinte d’aprèsnature, offre un témoignage exceptionnel del’aspect d’origine de la majestueuse cage d’escaliersituée à l’entrée du musée, créée à la fin du xVIIIe siè-cle. Un certain nombre de vues d’intérieur desgrands musées européens sont réalisées au coursdu xIxe siècle, rendant compte du développementd’une nouvelle muséologie. Selon A.  Godoli,l’actuel directeur du département Architectureaux Offices, notre tableau constitue la seule œuvreconnue à ce jour présentant une vue complète del’escalier à deux rampes, tel qu’il était à l’origine.

À la fin du xIxe siècle et au début du xxe siècle, unetroisième volée de marche est construite : l’escaliervisible dans notre tableau, qui longe un mur,apparaît donc désormais centré aux visiteursactuels.

e stairway of the Uffizi Galleryin Florence in 1826Oil on canvas25 x 19.5 cmSigned and dated 1826

Jean Étienne Franklin Dubois was born into afamily of artists: he is the son of Étienne Dubois,

who executed assignments for Napoléon at thePalais de Compiègne and for Empress Joséphineat the Château de Malmaison. He was trained atthe atelier of Jean-Baptiste Regnault (1754-1829),just like his brother François, and travelled inItaly, as evidenced by his works which wereexhibited at the Salon from 1819, until his deathin 1854. He painted genre scenes, landscapes andportraits.

is scene of the inside of the Uffizi came aboutas a result of a sojourn in Florence in 1826. Paintedfrom life, it offers an exceptional view of theoriginal majestic staircase situated at the entranceof the museum, built at the end of the 18th century.A number of inside views of the great Europeanmuseums were realised during the 19th century,documenting a new museology. However,according to A. Godoli, currently director of theDepartment of Architecture at the Uffizi, ourpainting is, at the time of writing, the only knownwork showing a comprehensive view of theoriginal stairs with two banisters.

In the late 19th and early 20th centuries a thirdflight of stairs was built; the staircase visible alonga wall in our painting, therefore, appears centredto visitors today.

G A L E R I E S A N C T L U C A S

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G A L E R I E G . S A R T I G A L E R I E G . S A R T I

Luca Giordano(Naples, 1634 – Naples, 1705)

Portrait de PlatonHuile sur toile116,5 x 99 cmVers 1660

ExPOSITIONSaint-Paul-de-Vence, Fondation Maeght, Les Formes de lapensée : peintre et philosophe, un récit, 29 juin – 11 novembre2013

Ce saisissant Portrait de Platon (sujet d’ailleursindiqué par l’inscription de son nom en haut du

tableau) est un exemple parfait de la productionde jeunesse de Luca Giordano et prend place dansla formidable galerie de portraits idéalisés queréalisa le grand artiste napolitain sur l’exemple deRibera, parmi lesquels plusieurs séries de philo-sophes.

Platon montre ici du doigt un miroir, posé surune table, dans lequel se reflète sa main. On lit surle bord de la table la devise suivante : « La più granvitoria / che possa havere / un’uomo è vincere / séstesso » («La plus grande victoire / que puisse rem-porter / un homme est de se vaincre / soi-même»),transcription d’un passage des Lois ou de laLégislation (I, 626) de Platon dans lequel le crêtoisClinias dit à un Athénien : « […] remporter sursoi-même la victoire est, de toutes les victoires, laprincipale et la plus excellente […] ».

Notre personnage est représenté à mi-corps ; il ale visage marqué, grave et très expressif, dans unesprit dont on a parfois dit qu’il annonçait Goya.Le philosophe se tient devant un fond sombre,éclairé par une lumière violente ; une esthétiquemanifestement de matrice caravagesque maisadoucie par la leçon de Ribera. De celui-ci vientaussi le naturalisme appuyé : les traits du visageavec ses rides profondes, la barbe blanche laisséeà l’abandon, la chemise grossière à moitié ouverte,le vieux manteau cousu à gros points – tous ceséléments soulignant le rapport établi entre phi-losophie et misère par le néo-stoïcisme.

Portrait of PlatoOil on canvas116.5 x 99 cmC. 1660

ExHIBITIONSaint Paul de Vence, Maeght Foundation, Adventures of truth– Painting and philosophy: a narrative, 29 June – 11 November2013.

A perfect example of Luca Giordano’s early work,this captivating Portrait of Plato (as indicated by

his name inscribed along the top of the canvas)takes its place among a formidable gallery ofidealised portraits painted by the great Neapolitanartist in the footsteps of his teacher Jusepe deRibera.

With his left hand, Plato points to a mirrorsteadied on a table with his other hand. Themirror reflects his hand and the side of the tablebears the following inscription: “La più granvitoria / che possa havere / un’uomo è vincere / séstesso”, translation of a passage from Plato’s Laws(I.626) in which Clinias, a Cretan, tells an Athenianthat “the victory over self is of all victories the firstand best.”

Our philosopher, depicted half-length, has afurrowed, grave expression, which the paintersought to convey as vividly as possible – as somehave said, almost foreshadowing Goya – and thefigure is shown frontally, emerging from a darkbackground and lit starkly. The aesthetic rootshere are clearly Caravaggesque, softened by thelegacy of Ribera. The latter is also the source ofinspiration for an emphatic naturalism: facialfeatures marked by deep wrinkles, an unkemptwhite beard, a rough, half-open shirt, and an oldcoat sewn with long stitches – all elements thatunderline the links made by Neostoic thinkersbetween philosophy and poverty.

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G A L E R I E G . S A R T I G A L E R I E G . S A R T I

Giovanni Salamone di Ser Albertino da Bologna, dit Giovanni da Bologna(actif en Vénétie et à Bologne, documenté en Vénétie et à Trévise entre 1377 et 1389)

Vierge à l’EnfantTempera et or sur panneau88 x 55 cmVers 1380Inscription : MPM OMV (Maria Mater Domini)

Ce tableau, datable autour de 1380, est une œuvretardive de Giovanni da Bologna, peintre d’origine

émilienne, formé dans le sillage de LorenzoVeneziano et actif surtout en Vénétie entre 1360et 1390, remis en valeur récemment et considérécomme un représentant important et précoce desnouvelles tendances qui, dans l’Italie du Nord-Est, marquent le passage au gothique tardif.

Témoignage important de la peinture vénitiennede la seconde moitié du XIVe siècle, le tableautranspose un modèle iconographique d’originebyzantine en une image moderne et de style« gothique ». La Madone, représentée debout enbuste et soutenant l’Enfant de la main droite,reprend l’antique modèle de l’Hodegetria dansune variante moins habituelle, nomméeDexiokratousa.

Deux éléments renvoient à la tradition des icônes :l’inscription qui fait référence au titre de MariaMater Domini, à qui était dédiée une église deVenise, et aussi le fond rouge qui, au XIVe siècle,était typiquement vénitien. Les magnifiquesauréoles dorées « a pastiglia », celle de l’Enfant,ornée de guirlandes de goût gothique et celle dela Vierge, décorée de volutes avec une séried’étoiles à huit pointes, allusion à la « StellaMaris », sont par contre uniques, ou presque,dans la peinture italienne. Elles sont certainementinspirées d’un modèle précis d’origine orientale,peut-être une image votive datant du temps desCroisades ou chypriote et alors connue dans larégion vénitienne.

Virgin and ChildTempera and gold on panel88 x 55 cmc. 1380Inscription: MPM OMV (Maria Mater Domini)

Datable to about 1380, this painting is a late workby Giovanni da Bologna, a painter of Emilian

origin who followed in the footsteps of LorenzoVeneziano and was mostly active in the Venetobetween 1360 and 1390. He has recently beenreassessed, and is now considered an importantforerunner of the new trends that marked theshift to the Late Gothic style in north-easternItaly.

This picture is an important example of Venetianpainting of the second half of the 14th century,transposing an iconographic model of Byzantineorigin into a modern – that is, Gothic – idiom.Represented half-length, standing and supportingthe Christ Child with her right hand, the figureof Mary adopts the ancient model of the Hodegetria(“she who shows the way”) in a less customaryvariant called the Dexiokratousa.

Two elements evoke the tradition of the icon: theinscription which refers to the title of MariaMater Domini, to whom a church in Venice wasdedicated; and the red background, which wastypical of Venice in the 14th century. On the otherhand, the magnificent gilt pastiglia haloes – theChild’s decorated with Gothic-style leaf motifs,that of the Virgin with scrolls and a series of eight-pointed stars, an allusion to the “Stella Maris” –are unique, or nearly unique, in Italian painting,and were certainly inspired by an oriental model,perhaps a votive image related to the Crusades orCyprus and known in Venice.

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Philippe de Champaigne (Bruxelles, 1602 – Paris, 1674)

TA L A B A R D O N & G AU T I E R

La Sainte FaceHuile sur sa toile d’origine40 x 30,8 cm

Formé à Bruxelles auprès du paysagiste Fouquières,en 1621 Philippe de Champaigne gagne Paris où

il entre dans l’atelier de Lallemant. Il ne fera pasle voyage d’Italie. Cependant, au contact du milieuparisien, notamment de Nicolas Poussin, le réalismede ses débuts évolue vers un classicisme tempéré.En 1648, il participe à la fondation de l’AcadémieRoyale de peinture. Ses monumentales effigies deLouis XIII et du cardinal de Richelieu témoignentd’une conception très personnelle de l’art du por-trait. Peintre de l’Église, son nom reste aujourd’huiassocié au jansénisme et à l’aventure de Port-Royal où ses deux filles furent pensionnaires.

Conjuguant son talent de portraitiste avec sespréoccupations religieuses, Philippe de Champaignea laissé de nombreuses représentations de la SainteFace. Pas moins de quatre variantes de ce thèmesont actuellement répertoriées, s’échelonnantde 1630 à 1660-1665, date probable de notretableau. Inédite, cette œuvre renouvelle l’icono-graphie associée à la légende du voile employé parsainte Véronique dans la montée au calvaire pouressuyer le visage du Christ, dont l’image s’imprimamiraculeusement sur le linge. Progressivement,l’artiste va dépouiller la figure du Christ de la cou-ronne d’épines et du voile. Malgré les gouttes desang et l’épine qu’il porte encore au front, tracesde son supplice, c’est bien la figure sereine duChrist ressuscité que montre ici Champaigne etnon plus celle de l’homme de douleurs.

e Holy FaceOil on original canvas40 x 30.8 cm

Having trained in Brussels under landscape artistJacques Fouquières, Philippe de Champaigne

left for Paris in 1621, joining the studio of GeorgesLallemant. He would not travel to Italy, but underthe influence of Paris, and of Poussin more par-ticularly, his early realism gave way to a temperedclassicism. In 1648, he was one of the founders ofthe Académie Royale de Peinture. His monumentalimages of Louis XIII and Cardinal de Richelieutestify to a highly individual conception of the artof portraiture. A church painter, his name is stilltoday associated with Jansenism and the traditionof Port-Royal, where his two daughters wereboarders.

Putting his talents as a portraitist at the service ofhis religious concerns, Philippe de Champaigneproduced a number of depictions of the HolyFace, of which at least four are known to us, datingfrom 1630 to 1660-5, the probable date of thepresent painting. This is a novel take on theiconography associated with the veil St Veronicaused to wipe Christ’s face on the way to Calvary,the cloth being miraculously imprinted with hisimage. In his treatment of the subject, the artisthas omitted both the crown of thorns and the veil,so that here, despite the drops of blood and thethorn, the traces of suffering that Christ bears stillupon his brow, it is the serene face of Christresurrected that Champaigne shows us, not thatof the Man of Sorrows.

TA L A B A R D O N & G AU T I E R

Christiaen van Pol(Berkenrode, 1752 – Paris, 1813)

TA L A B A R D O N & G AU T I E R

Verre de vin et pêchessur un entablement de marbreHuile sur panneau de chêne entoilé24 x 32,5 cmSigné en bas à droite : V. POL

Christiaen van Pol appartient à la petite colonied’artistes d’origine néerlandaise établis à Paris

dès la fin de l’Ancien Régime et qui s’assurèrentun quasi-monopole de la peinture de fleurs jusqu’àla fin de l’Empire. Leur chef de file est Gérard vanSpaendonck, auprès duquel figurent son frèreCornelis, Jan Frans van Daël, Gerardus van Os,auxquels il faut ajouter le Flamand Pierre-JosephRedouté, peintre de l’impératrice Joséphine, et sesdeux frères. En cette période néo-classique, laperfection de leur dessin et l’aspect émaillé de leurpeinture correspondent au goût des amateurs quiy trouvent l’écho des peintres du siècle d’or,notamment Jan van Huysum, dont ils sont sifriands. Né le 14 mars 1752 à Berkenrode, près deHaarlem, Van Pol séjourne à Anvers avant de sefixer à Paris en 1782. Travaillant dans l’atelier queVan Daël a installé à la Sorbonne, il reçoit descommandes pour les Gobelins et prend part à ladécoration des châteaux de Bellevue, de Chantillyet de Saint-Cloud. Il participe à l’Exposition dela Jeunesse en 1791 et, la même année, prend partpour la première fois au Salon ; il y sera réguliè-rement présent jusqu’en 1810, essentiellementavec des tableaux de fleurs, certains réalisés surmarbre.

Dans cette composition particulièrement épurée,Van Pol a su équilibrer les divers éléments avecune rigueur parfaite et en évitant toute sécheresse.La palette restreinte, comme la sobriété de l’exé-cution et le rendu délicat des matières – éclat duvermeil, reflet du verre et froideur du marbrequ’adoucit le velouté des pêches – ainsi que lerefus de l’anecdote (pas de papillon ni de mouche,accessoires obligés du genre) confèrent à cepanneau une poésie singulière.

Peaches and a Glass of Wineon a Marble LedgeOil on canvas on oak panel24 x 32.5 cmSigned bottom right: V. POL

Christiaen van Pol was a member of the smallcolony of Netherlandish artists that formed in

Paris towards the end of the Ancien Régime andwhich retained something of a monopoly overflower-painting until the end of the Empire. Itsleading figure was Gerard van Spaendonck, aroundwhom gathered his brother Cornelis, Jan Fransvan Dael and Pieter Gerardus van Os, as well asthe Fleming Pierre-Joseph Redouté. The perfectionof their drawing and the freshness of their colourappealed to the art lovers of this neoclassicalperiod, who found in them an echo of the DutchGolden Age painters, such as Jan van Huysum, ofwhom they were so fond. Born in Berkenrode,near Haarlem, on 14 March 1752, Van Pol spentsome time in Antwerp before moving to Paris in1782. Working in the studio that Van Dael hadestablished at the Sorbonne, he received commis-sions from the Gobelins and contributed to thedecoration of the chateaux of Bellevue, Chantillyand Saint-Cloud. He took part in the Expositionde la Jeunesse of 1791, and that same year madehis first appearance at the Salon, where he wouldshow regularly until 1810, mainly flower paintings,some on marble.

In this particularly refined and uncluttered com-position, Van Pol has achieved a perfect balancebetween the elements, demonstrating absoluterigour while avoiding any hint of sterility. Therestrained palette, the sobriety of the executionand the delicate rendering of the materials – thereflections in the glass, the gleam of the silver-giltspoon, the coldness of the marble offsetting thepeaches’ velvet softness – together with the refusalof trivial detail (no sign of the almost inevitablebluebottle or butterfly), give this painting its dis-tinctive poetry.

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Antonio de Bellis(Naples, v. 1616 – après 1660)

G A L E R I E T E R R A D E S

Sainte Agathe en prison visitée par saint PierreHuile sur toile103 x 77 cm

BIBLIOGRAPHIEN. Spinosa, Grazia e tenerezza « in posa», Bernardino Cavallinoe il suo tempo, 1616-1656, Rome, 2013, no D20, p. 463, ill.

Artiste à la vie assez mystérieuse, Antonio deBellis se forme dans le milieu naturaliste napolitain,

entre Ribera et le Maître de l’Annonciation auxbergers. Il se fait connaître avec le cycle de peinturessur la Vie de saint Charles Borromée de l’église SanCarlo alla Mortelle, vers 1636-1639. Quelquesannées plus tard, l’artiste change assez brusquementsa manière, se rapprochant de Massimo Stanzioneet de Bernardo Cavallino. Ses œuvres des années1640-1650, comme le Saint Sébastien soigné parsainte Irène (Lyon, musée des Beaux-Arts), allientdes solutions de composition classicisantes à unraffinement des coloris hors du commun. Privéede la sève inventive du climat artistique napolitain,la fin de la carrière de De Bellis, en Croatie, seraplus décevante.

Née à Catane, sainte Agathe fut martyrisée auIIIe siècle : parmi les tortures qui lui furent infligées,on lui arracha les seins à l’aide de tenailles. Ensuiteemprisonnée, elle reçut alors la visite de saintPierre qui guérit ses blessures. C’est la scène iciillustrée par De Bellis : à droite, sainte Agathepresse sur son sein un linge immaculé cachant sesblessures ; à gauche et un peu en retrait, saintPierre se penche sur la jeune martyre et écarte samain droite en signe de surprise. Présentant toutesles caractéristiques stylistiques de l’artiste – figuresentières se détachant sur un fond sombre, gestesélégants des mains aux doigts fuselés, vêtementsaux coloris subtils – notre tableau est parfaitementreprésentatif de l’art délicat et épuré d’Antoniode Bellis des années 1640, une époque où il sedétache d’un naturalisme napolitain trop prononcépour aller vers un style plus tempéré et raffiné.

Saint Agatha in Prison Visited by Saint PeterOil on canvas103 x 77 cm

LITERATUREN. Spinosa, Grazia e tenerezza “in posa”, Bernardino Cavallinoe il suo tempo, 1616-1656, Rome, 2013, no. D20, p. 463, ill.

Antonio de Bellis, whose life remains somethingof a mystery, trained in the Neapolitan naturalistic

environment, between Jusepe de Ribera and theMaster of the Annunciation to the Shepherds. Hebegan with a cycle of paintings depicting SaintCharles Borromeo’s life in San Carlo alle Mortelle,c. 1636-9. But then a few years later, the artistchanged his style rather abruptly, getting closerto that of Massimo Stanzione and BernardinoCavallino. His works of the years 1640-50, suchas Saint Sebastian Healed by Saint Irene (Lyon,Museum of Fine Arts), combine classical compo-sition with the complexity of appealing colours.Starved of the creative vigour of the Neapolitanartistic climate, however, de Bellis’ career endedin Croatia on a disappointing note.

Born in Catania, Saint Agatha was tortured; shesuffered many torments, including her breastsbeing cut off with tongs. Thereafter imprisoned,she was visited by Saint Peter who healed herwounds, and it is this scene that de Bellis portrayshere. Exhibiting all the stylistic nuances of theartist – whole figures standing out against a darkbackground, elegant gestures of hands with slenderfingers, subtly coloured clothing – our picture isa perfect example of the delicate and refined artof Antonio de Bellis in the 1640s, the time atwhich he broke away from established Neapolitannaturalism in favour of a more measured andsophisticated style.

G A L E R I E T E R R A D E S

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Jean Barbault(Viarmes, 1718 – Rome, 1762)

G A L E R I E T E R R A D E S

Chasseur romain chargeant son fusilHuile sur toile marouflée sur panneau25,5 x 18,5 cm

De cet artiste à la biographie des plus lacunaires,on connaît sa formation auprès du peintre jan-

séniste Jean Restout, détail étonnant qui ne sembleen aucun cas le prédisposer à l’exécution descapricci qu’il réalisera quelques années plus tard.Bien qu’il échoue au concours du Prix de Romeen 1745, Barbault est introduit à l’Académie deFrance à Rome deux ans plus tard par son directeur,Jean-François de Troy. Celui-ci lui commandealors les dessins des costumes pour la grande«Mascarade turque» donnée par les pensionnairesde l’Académie en 1748. Même s’il doit s’acquitterde travaux académiques au même titre que lespensionnaires officiels, Barbault préfère produiredes œuvres plus personnelles, fruits de ses obser-vations des mœurs italiennes, comme le Berger etbufflonne quittant une grotte (Strasbourg, muséedes Beaux-Arts). Après avoir quitté le palaisMancini en septembre 1753, Barbault se lancedans l’édition, publiant en 1761 Les plus beauxmonuments de la Rome ancienne, avant de dispa-raître l’année suivante.

Barbault a, durant sa courte vie, aimé répéter sescompositions que les touristes, de passage à Rome,devaient apprécier : ce fut le cas, par exemple, dela série des Costumes d’Italie, une commande dumarquis de Vandières en 1750, dont on connaîtplusieurs variantes de certains sujets. Du Chasseurromain, on ne connaissait cependant aucuneversion peinte avant la découverte récente de notretableau inédit. Ici, Barbault campe fièrement safigure de chasseur dans la chaude lumière d’unejournée d’été romaine finissante. Ce qui frappeavant tout, c’est le savoir-faire de l’artiste, cettematière porcelainée, onctueuse, qui doit beaucoupà Pierre Subleyras (mort en pleine gloire à Romeen 1749), mise au service d’un humour plein decharme, avec une pointe de nostalgie.

Roman Hunter Loading his RifleOil on canvas mounted on panel25.5 x 18.5 cm

Little is known about this artist other than thefact that he trained with the Jansenist painter

Jean Restout, something that is unlikely to haveprepared him for the capricci he would later pro-duce. Although he failed to secure a prize in thePrix de Rome in 1745, Barbault was introducedto the Académie de France in Rome two yearslater. His director, Jean-François de Troy, com-missioned costume designs from him for theTurkish Masquerade put on by the pupils of theacademy in 1748. Although he was expected toproduce academic works in the same way as theofficial pupils, Barbault preferred to adopt a morepersonal style – the fruit of his observation ofItalian customs, like the Shepherd and BuffaloLeaving the Cave (Strasbourg, Museum of FineArts). Having left the Mancini Palace in September1753, Barbault diversified into publishing, bringingout Les plus beaux monuments de la Rome anciennein 1761. He died the following year.

Barbault liked to repeat his compositions whichtravellers passing through appreciated: this is trueof the Italian Costumes series, commissioned bythe Marquis de Vandières in 1750, of which weare aware of several versions. However, prior tothe recent discovery of our hitherto unpublishedpicture, no painted version of the Roman Hunterwas known. Here, Barbault proudly bathes hishunter in the warm light of a Roman summer’sday. What is particularly striking here is the artist’sexpertise – a smooth, porcelain-like surface, thatowes a lot to Pierre Subleyras (who died at theheight of his career in Rome, in 1749), combinedwith a wistful humour and a touch of nostalgia.

G A L E R I E T E R R A D E S

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Martin van Valckenborch(Louvain, 1534 – Francfort-sur-le-Main, 1612)

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NativitéHuile sur toile61,6 x 124,5 cmSignée : MARTE VAN / VALKENBORCH / INVeNTOR. ETFECIT

PROVENANCEŒuvre appartenant à la même famille depuis environ 1950

Martin van Valckenborch est admis à la Guildedes peintres de Malines en 1559. En 1564, il

s’établit à Anvers. Deux ans plus tard, en compagniede son jeune frère Lucas, il part se réfugier à Aix-la-Chapelle pour échapper à l’iconoclasme quirègne en Flandres. Il retourne à Anvers en 1575,ville qu’il quitte à nouveau en 1585 pour fuir l’ap-proche de l’armée espagnole. Installé à Francfort,il ouvre avec son frère un atelier qui prospère. Ilsy proposent des paysages de vallées très détaillésinspirés de ceux qu’ils produisaient à l’époque oùils travaillaient dans la vallée de la Meuse.

L’attribution à Martin van Valckenborch a étéconfirmée par Alexander Wied. Il ne connaissaitpas encore cette œuvre (toujours non répertoriée)lorsqu’il a publié sa monographie sur Valckenborch.Cette scène aux détails très fouillés est plusinventive que l’Adoration (Mois de janvier) qu’ila réalisée dans le cadre d’une série de douze œuvresrelatant une année de la vie du Christ. CetteAdoration est exposée au Kunsthistoriches Museumde Vienne. Ici, Valckenborch choisit de rassemblerplusieurs épisodes de la vie du Christ sur uneseule toile.

e NativityOil on canvas61.6 x 124.5 cmSigned: MARTE VAN / VALKENBORCH / INVeNTOR. ETFECIT

PROVENANCEIn the same family since circa 1950

Marten van Valckenborch was enrolled in theMechlin painter’s guild in 1559 and moved to

Antwerp in 1564. Two years later he fled toAachen, along with his younger brother Lucas, toescape the religious iconoclasm in Flanders. Hereturned to Antwerp in 1575 but again fled, thistime to Frankfurt, in 1585 when the Spanish drewclose to Antwerp. Together with his brother heran a flourishing workshop that traded on thebusy river valley landscapes that they had workedon during their time in the Meuse valley.

e attribution to Marten van Valckenborch hasbeen endorsed by Dr Alexander Wied. ishitherto unpublished painting was unknown toDr Wied at the time of the publication of hisValckenborch monograph. is elaborately detailedand busy scene shows more invention than theAdoration scene (Month of January) he paintedfor the series of 12 months on the life of Christ,now in the Kunsthistoriches Museum, Vienna.Instead, Valckenborch chooses to include manymoments from the life of Christ in this onepainting.

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Jacob Adriaensz Backer(Harlingen, 1608 – Amsterdam, 1651)

R A FA E L VA L L S LT D

Démocrite, le philosophe rieurHuile sur bois60 x 46,5 cmŒuvre réalisée entre 1632 et 1635

PROVENANCECollection privée, Suède

Backer est né à Harlingen en 1611. Après le décèsde sa mère, son père et lui se fixent à Amsterdam.

Ils s’installent dans le quartier de Nieuwendijk, àproximité du port. Entre 1627 et 1632, JacobAdriaensz fait son apprentissage dans l’atelier deLambert Jacobsz, à Leuwarde. Il y rencontreGovert Flinck, un apprenti qui est également deconfession mennonite. Ces deux contemporainsse sont certainement influencés mutuellement.On a jadis cru que Backer avait été l’élève deRembrandt, mais ils étaient en fait rivaux dans lemilieu terriblement concurrentiel qu’étaitAmsterdam dans les années 1630.

De retour à Amsterdam, Backer a apparemmenttravaillé pour Hendrick Uylenburgh, un grandmécène amateur de Rembrandt – entre autres.Aucun document n’atteste que Backer ait jamaisété propriétaire, ni qu’il se soit marié. Les infor-mations à son sujet restent floues. Cependant, onsait que ses contemporains tenaient Backer enhaute estime : il est considéré comme l’un despionniers de l’école hollandaise d’Amsterdam.Ses compositions pleines de vie et d’éclat sontimmédiatement reconnaissables : ce peintre ajoué un rôle crucial dans le développement artis-tique d’Amsterdam au début et au milieu duxVIIe siècle.

Democritus, the laughing PhilosopherOil on Panel60 x 46.5 cmPainted between 1632 and 1635

PROVENANCEPrivate Collection, Sweden

Born in Harlingen Backer moved with his fatherto Amsterdam in 1611 following the death of his

mother. ey lived on the Nieuwendijk near theharbour. From 1627 to 1632 he served his appren-ticeship in the studio of Lambert Jacobsz inLeeuwarden. He was a pupil at the same time asGovert Flinck, both of them being Mennonitesand as contemporaries they would have influencedeach other considerably. It was believed for a timethat Backer was a pupil of Rembrandt. In fact theywere rivals in the fiercely competitive atmosphereof 1630s Amsterdam.

On his return to Amsterdam Backer appears tohave worked for Hendrick Uylenburgh, the greatpatron of Rembrandt, among others. He is notrecorded as ever owning a house or having marriedand further information on him is vague.Nonetheless, Backer was held in high esteem byhis contemporaries and is regarded as one of thepioneers of Amsterdam classicism. His vibrantand vivid compositions are instantly recognisableand a key part of the development of Amsterdam’sart in the early to mid 17th Century.

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Felice Giani(San Sebastiano Curone, Alessandria, 1758 – Bologne, 1823)

Samson et DalilaHuile sur toile35 x 54,5 cm1784

PROVENANCERome, collection particulière ; Allemagne, collection parti-culière ; Christie’s Londres, 13 octobre 1994 ; collection par-ticulière

Il s’agit d’un des rares tableaux de chevalet deFelice Giani, le plus grand décorateur mural néo-

classique d’Italie et dessinateur célèbre et imaginatif,fondateur de l’Académie des pensées. C’est éga-lement une de ses œuvres les plus anciennes quisoit documentée. Il s’agit d’une esquisse du tableauprésenté au concours de l’Académie des Beaux-Arts de Parme en 1784 (Pinacothèque nationale ;sur l’œuvre, cf. : A. Ottani Cavina, in GalleriaNazionale di Parma. Il Settecento, sous la directionde L. Fornari Schianchi, Parme, 2000, pp. 166-168). L’œuvre avait été réalisée dans la Romecosmopolite de Batoni, Canova et David, où Giani,après une formation à Bologne auprès de Gandolfi,avait su fondre rapidement dans son style originelles suggestions figuratives dérivées du sublimenordique et de la liberté expressive de Cades etde Kauffmann, avec une prédilection pour lemaniérisme.

Les mots flatteurs employés dans le jugement aca-démique du concours, où Giani s’était classédeuxième, derrière son ami autrichien JosephBergler, conviennent plus encore à cette esquissedramatique et excitée, libre jusqu’à l’improvisation,qu’au tableau définitif. Ce dernier était accompagnépar la devise issue du Roland furieux de l’Arioste :« Celui qui s’abandonne à l’amour mérite, entreautres peines, les soucis et les chaînes qui l’attendent.»Dans le jugement écrit par le secrétaire del’Académie, Carlo Gastone Rezzonico, on peutlire ainsi : « Dans ce tableau, le travail rapide etfranc du pinceau nous est apparu admirable ;assombrie, cette touche incarna son dessin, rehaussépar les vives étincelles d’une heureuse impatience »(Giornale delle belle Arti, no 35, 1784, p. 275).

Samson and DelilahOil on canvas35 x 54.5 cm1784

PROVENANCEPrivate collection, Rome; private collection, Germany;Christie’s London, 13 October 1994; private collection

This is an uncommon example of oil painting byFelice Giani, the greatest neoclassic mural painter

in Italy and the famous and imaginative draughts-man who established the Accademia dei Pensieri;it is also one of the oldest artworks by him. In fact,it is the sketch of a painting that was presented atthe Accademia di Belle Arti of Parma competitionin 1784 (Parma, Pinacoteca Nazionale, see A.Ottani Cavina, in Galleria Nazionale di Parma. IlSettecento, edited by L. Fornari Schianchi, Parma2000, pp. 166-8). Samson and Delilah was paintedin the cosmopolitan Rome that hosted artistssuch as Batoni, Canova and David. Giani, whohad studied with Gandolfi in Bologna, was ableto incorporate into his style his propensity formannerism along with the “sublime” Nordicinfluences and the freedom of expression of Cadesand Kauffmann.

The flattering words used in the academicappraisal of the competition, in which Giani camesecond (after his Austrian friend Joseph Bergler),suit this exciting, dramatic, sketch, unstructuredto the point of improvisation, more than thefinished painting, that was accompanied by thequote from Ariosto’s Orlando Furioso: “He whogrows old in love, besides all pain which waits suchpassion, well deserves a chain.” The analysis of thisartwork, probably written by Carlo GastoneRezzonico, said: “In this painting we admired thefrankness of the swi paintbrush that overshadowedand embodied the drawing at the same time,sprinkling it with sparks of lively impatience”(Giornale delle belle Arti, no. 35, 1784, p. 275).

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August Nicodemo(Rastatt, 1763 – Naples (?), v. 1797)

Minerve accueille Louis-Charles de Franceface au tombeau de son père Louis XVI,en présence de la France et de l’Herculede BourbonHuile sur toile76 x 63 cmSigné et daté : August Nicodemo Roma 1794

PROVENANCEItalie, collection particulière

BIBLIOGRAPHIES. Grandesso, in A Picture Gallery in the Italian Tradition ofthe Quadreria (1750-1850), cat. exp. New York, SperoneWestwater, S. Grandesso (dir.), Rome, 2012

Cette rare allégorie d’origine contre-révolution-naire célèbre, en 1794, la figure du jeune Louis-

Charles, héritier au trône de France, mort l’annéesuivante. Le jeune enfant est accompagné parMinerve au sépulcre allégorique de son pèreLouis  XVI, où un putto exhibe le palmier dumartyr alors que la figure de la mansuétude renvoieau motif conçu par Canova. Sur le sarcophage, unrelief illustre les dégâts provoqués par la Révolutionfrançaise, personnifiée par les « furies » aveugles.La France offre au dauphin la couronne et lesceptre, accompagnée par Hercule, le fondateurmythique de la lignée des Bourbon – allusion à lalégitimité divine de la monarchie. Cette allégoriesignificative a été conçue à Rome entre 1793et 1794, au moment où une série de cérémoniesfunéraires consacrées à Louis XVI engendrait unnouveau répertoire figuratif allégorique et politique,tant dans les décors éphémères que dans lesgravures qui accompagnaient les oraisons funèbres.

L’artiste, allemand d’origine autrichienne, estdocumenté dans la dernière décennie du XVIIIe siècleentre Rome et Naples, où il était devenu peintrede cour de la famille royale. La commande de cetableau remonte probablement à la cour napolitaineet à sa souveraine autrichienne Marie-Caroline,sœur de Marie-Antoinette, tout comme les autresallégories contre-révolutionnaires des Bourbon(Hercule et Lycas de Canova, par exemple).

Minerva Greets Louis-Charles de Francein Front of the Tomb of Louis XVI,with France and Bourbonic HerculesOil on canvas76 x 63 cmSigned and dated: August Nicodemo Roma 1794

PROVENANCEPrivate collection, Italy

LITERATURES. Grandesso, in A Picture Gallery in the Italian Tradition ofthe Quadreria (1750-1850), exh. cat., New York, SperoneWestwater, edited by S. Grandesso, Roma, 2012

This rare and counter-revolutionary representationcelebrates the young Louis-Charles, heir to the

throne of France in the year before his death. Theyoung boy is accompanied by Minerva to the alle-gorical sepulchre of his father Louis XVI. Here, aputto holds the palm of martyrdom and a figureof Meekness recalls the similar motif by Canova.On the sarcophagus, a relief depicts the destructionof the French revolution, personified by the blindFuries. Near the Dauphin the personification ofFrance hands out the sceptre and the royal crownand Hercules, the legendary founder of theBourbons’ lineage, symbolises the divine recog-nition of monarchy. This evocative image was cre-ated in Rome, when a series of funeral ceremoniesdedicated to Louis XVI between 1793 and 1794established a new allegorical and political figurativerepertoire, both for ephemeral decorative structuresand for engravings adorning funeral orations.

Nicodemo, a German artist with Austrian origins,was active between Rome and Naples, where hebecame court painter. His portraits of Trippel,Tischbein and Hackert place him artistically inthese two cities, with painters such as Füger andKauffmann. The commission of this piece perhapsdates back to the Neapolitan court and its Austrianmonarch Maria Carolina (sister of MarieAntoinette), like other counter-revolutionaryBourbonic allegories, for instance Hercules andLichas by Canova.

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G A L E R I E C L AU D E V I T T E T G A L E R I E C L AU D E V I T T E T

Adriaen van Nieulandt (Anvers, 1587 – Amsterdam, 1658)

Nature morte à la VanitéHuile sur panneau115,5 x 83,5 cmSignée et datée 1632

PROVENANCEAncienne collection privée française

Frère de Jacob et Willem le Vieux, il s’établit àAmsterdam en 1607, où il fut l’élève de Pieter

Isaacsz et Frans Badens. En 1620, il fit un séjourà Copenhague et réalisa de nombreuses peinturespour l’oratoire de l’église du château deFrederiksborg, détruites par le feu en 1859.

Peintre essentiellement de sujets bibliques etmythologiques, ses natures mortes sont rares. Ilfaut citer un Bouquet de fleurs sur un entablement(collection privée), une Scène de cuisine et naturemorte (musée de Brunswick), l’exceptionnellevanité du musée Frans Hals à Haarlem, signée etdatée 1636 ainsi que le remarquable tableau autre-fois donné à Ambrosius Brueghel et rendu àAdriaen van Nieulandt par Fred Meijer, Vanitéavec un bouquet de fleurs (cf. art. « Not AmbrosiusBrueghel (1617-1675), but Adriaen van Nieulandt(1587-1658) ; a mutilated image of Vanity », FredG. Meijer, Oud Holland, 1995).

Dans une niche, sur un entablement en pierre,sont représentés les attributs du pouvoir, de larichesse et de la connaissance. Au centre est poséun crâne surmonté d’une couronne de laurier,symbole d’immortalité. Dans la Grèce antique, lacouronne triomphale récompense les poètes, allu-sion faite à Homère mentionné sur la couverturedu livre posé à droite sur l’entablement. Les piècesd’orfèvrerie sont un travail allemand. Grâce à leurmaîtrise technique et esthétique, les maîtresorfèvres d’Augsbourg et de Nuremberg occupaientune place dominante dans toute l’Europe. Lehanap est surmonté de la figure allégorique de laFortune, que l’on retrouve sur le nautile montéen coupe (musée du Louvre), travail du maîtreorfèvre Ulrich Ment, Augsbourg, vers 1620-1625,

Still Life with VanitasOil on panel115.5 x 83.5 cmSigned and dated 1632

PROVENANCEFormer French private collection

The brother of Jacob and Willem the Elder,Adriaen moved to Amsterdam in 1607 where he

studied under Pieter Isaacsz and Franz Badens. In1620, he resided in Copenhagen where he producedmany paintings (later destroyed by fire in 1859)for the Chapel of Orders at Frederiksborgs Palace.

He was primarily a painter of biblical and mytho-logical subjects and his still lifes are quite rare.Worthy of mention among the latter are A Bunchof Flowers on top of an Entablature (private col-lection), Kitchen with Vegetables and Fruit(Brunswick Museum), the exceptional Vanitas atthe Frans Hals Museum in Haarlem (signed anddated, 1636), as well as the remarkable paintingpreviously attributed to Ambrosius Brueghel andreattributed to Adriaen van Nieulandt by Fred G.Meijer: Vanitas with Bunch of Flowers (see article‘Not Ambrosius Brueghel (1617-1675), but Adriaenvan Nieulandt (1587-1658); a mutilated image ofVanity’, Fred G. Meijer, Oud Holland, 1995).

In our painting, on top of a stone entablature setin a niche, the attributes of Power, Wealth andKnowledge are depicted, while in the middle liesa skull wearing a crown of laurel, the symbol ofimmortality. In Ancient Greece, this triumphalcrown was awarded to poets, a reference to Homerwhose name appears on the book cover on theright side of the entablature. The metal pieces areof German origin; thanks to their technical andaesthetic mastery the craftsmen of Augsburg andNuremberg dominated their trade in all of Europe.The goblet is topped by an allegorical figure ofFortune – the same figure to be found on thenautilus shell set in a cup mount (Louvre Museum)created by Ulrich Ment, master goldsmith from

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G A L E R I E C L AU D E V I T T E T

ainsi que dans le tableau de Frans Francken  II(v. 1620, musée du Louvre). Au bout de la chaîne,dans la médaille, on reconnaît le portrait de profild’Albrecht Dürer (1471-1528). Elle fut réaliséepar Matthes Gebel (1495-1574), actif à Nuremberget considéré comme le médailleur le plus fécondde la Renaissance allemande. Il réalisa cette célèbremédaille de l’artiste âgé en 1527, soit un an avantsa mort, et fixa le portrait définitif pour les futuresgénérations.

L’esprit du tableau est davantage hollandais queflamand. Le soin qu’apporte l’artiste au traitementde la lumière et sa subtile modulation dans la largeplace qu’il accorde au vide en partie haute de laniche sont propices à la réflexion, caractéristiquede la sensibilité hollandaise et de son degré d’abs-traction. L’espace est simplement « habité » pardeux papillons qui, « échappés » des deux rosesévanescentes déjà privées de vie, symbolisent l’élé-vation de l’âme et la rédemption. La pièce deverrerie au centre de la composition, entre lumièreet pénombre, sert de transition entre le mondematériel et immatériel, point de fuite qui nousentraîne dans la profondeur de la niche.

On observe dans notre tableau le même traitementde la lumière, la même gamme chromatiquemonochrome et le même emploi des couleurs,notamment en ce qui concerne le bouquet defleurs, que dans la vanité du musée Frans Hals,réalisée quatre ans plus tard. Par ailleurs, la matièretrès fine et lisse, le soin apporté aux détails et leraffinement précieux de la nacre sont déjà enplace ici.

À travers cette œuvre, Van Nieulandt s’inscritdans la démarche philosophique de Dürer, adeptedu platonisme esthétique dans lequel est posé leparadoxe de l’art, d’un côté comme illusion, men-songe et vanité et, de l’autre, comme source de labeauté absolue et de l’affirmation du modèle clas-sique qui servit de référence à tout l’Occident.

Augsburg, and dating from 1620-5, as well as onthe painting by Frans Franken (c. 1620) at theMusée du Louvre. On the medal at the end of thechain is a portrait of Albrecht Dürer (1471-1528).This medal was crafted by Matthes Gebel (1495-1574) who was active in Nuremberg and regardedas the most prolific medal-maker of the GermanRenaissance. He produced this famous medal ofthe ageing artist in 1527 and his portrait ofDürer became the point of reference for futuregenerations.

The style of the painting is more Dutch thanFlemish. The care given by the artist to therendering of light and its subtle variations withinthe vast amount of space left empty at the top ofthe niche induces reflection, a trait of Dutch sen-sitivity and its penchant for abstraction. Space issimply ‘inhabited’ by two butterflies which –‘released’ by two fading roses already wilting –come to symbolise the rise of the soul and itsredemption. The glassware occupying the centreof the composition, set between light and shade,represents the transition between the materialand immaterial worlds, the vanishing point leadingthe eye to the depth of the niche.

This painting exhibits the same treatment of light,the same monochromatic palette and the sameuse of colour – especially in the bunch of flowers– as would be used four years later in the Vanitasof the Frans Hals Museum. Furthermore, the fine,smooth texture, the attention to detail and theexquisite mother-of-pearl are already evident inthis painting.

With this work, Adriaen van Nieulandt followsDürer’s philosophical path of aesthetic Platonismwhich postulates the paradox of art as illusion,sham and vanity on the one hand, versus absolutebeauty and affirmation of the Western classicalcanon on the other.

Frans Pourbus le Jeune(Anvers, 1569–Paris, 1622)

T H E W E I S S G A L L E R Y

Portrait d’un officier HabsbourgHuile sur toile98,4 x 77,4 cmVers 1600

Ce vif portrait révèle le panache que Pourbusintroduit dans ses portraits au milieu des années

1590, après avoir commencé à travailler pour lacour des Habsbourg de l’archiduc Albert et l’ar-chiduchesse Isabella Clara Eugenia, à Bruxelles en1594.

Le modèle, dont l’identité nous est inconnue,semble être un officier de l’armée des Habsbourg,plutôt des Pays-Bas espagnols que d’Espagne,combattant contre les États néerlandais protestantslors de la guerre de Quatre-Vingts Ans (1568-1648). Avec sa gorgerette et son simple casque àplume, ce Portrait d’un officier Habsbourgprésenteun officier en simple tenue de combat et non pasen armure. Cela permet à Pourbus de peindre unpersonnage plus modeste que ses précédents por-traits de la famille royale des Habsbourg. Il mélangeainsi les conventions de l’art du portrait flamandet espagnol, afin de présenter l’image du panachemilitaire, tout en peignant un portrait bien observéd’un soldat en service.

Portrait of a Habsburg OfficerOil on canvas98.4 x 77.4 cmC. 1600

This sumptuous portrait shows the swagger andrichness of costume that Pourbus had begun to

introduce into his portraiture by the late 1590s,after he began work for the Habsburg Court ofthe Archduke Albert and Archduchess IsabellaClara Eugenia in Brussels in 1594.

The unidentified sitter is probably an officer inthe Habsburg army, more likely a native Catholicsoldier from the Spanish Netherlands, rather thana Spaniard, who would have been fighting againstthe Protestant Dutch States in the Dutch Revolt(1568-1648). With a plain gorget and practical,low helmet plume, this painting shows an Officerof the Line in battledress, rather than in fullparade armour. Less spectacular than his subsequentdepictions of European royalty, this work of thestill relatively youthful Pourbus blends the con-ventions of Flemish and Spanish portraiture tocreate a highly naturalistic image that is a plausibleand well-observed representation of a servingsoldier.

T H E W E I S S G A L L E R Y

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Frans Pourbus le Jeune(Anvers, 1569–Paris, 1622)

T H E W E I S S G A L L E R Y

Portrait en buste d’Élisabeth de FranceHuile sur toile54,5 x 45 cmVers 1610

Cet admirable portrait d’Élisabeth de France(Fontainebleau, 1602 – Madrid, 1644), fille

d’Henri IV et de Marie de Médicis, et sœur du roiLouis XIII, date vraisemblablement de la période1609-1612. À la suite d’un mariage politique avecson cousin Philippe IV d’Espagne en 1615, elledevint reine d’Espagne, du Portugal, de Sicile etde Naples, duchesse de Bourgogne, de Brabant,de Luxembourg et de Limbourg, comtesse deFlandre et comtesse palatine de Bourgogne.

Frans Pourbus le Jeune fut un des plus grandsportraitistes de cour de son temps, au service desplus puissants monarques du XVIIe siècle –Habsbourg, Gonzague, Médicis, Bourbon. Il fitun premier voyage en France en 1606 pour accom-pagner la duchesse de Mantoue venue assister aubaptême du dauphin Louis XIII. C’est à cetteépoque qu’il peignit un portrait monumental deMarie de Médicis (conservé aujourd’hui au muséedes Beaux-Arts de Bilbao). Ce portrait en pied,probablement achevé à Mantoue puis expédié àParis, était particulièrement apprécié de Marie deMédicis. À l’époque, la cour royale désespérait dene pas avoir de grand portraitiste, aussi Marie deMédicis demanda-t-elle à sa sœur d’intervenirauprès de son époux, Vincent de Gonzague, ducde Mantoue, pour qu’il accepte d’envoyer Pourbusen France afin d’y devenir peintre officiel de lacour. Frans Pourbus arriva à Paris en 1609, où sontalent lui valut de rester en place jusqu’à sa morten 1622. On lui doit toute une série de portraitsd’Henri IV (malgré l’assassinat de celui-ci en1610), de son épouse Marie de Médicis et de leursenfants, dont Louis XIII, frère d’Élisabeth.

Portrait of Elisabeth of FranceOil on canvas54.5 x 45 cmC. 1610

This ravishing portrait of Elisabeth of France(Fontainebleau, 1602 – Madrid, 1644), daughter

of Henri IV and Marie de Medici and the sisterof Louis XIII, was most likely painted between1609 and 1612. A political marriage was arrangedto her cousin Philip IV of Spain in 1615 when shebecame Queen Consort of Spain, Portugal, Sicilyand Naples, Duchess consort of Burgundy, Brabant,Luxembourg and Limburg, Countess consort ofFlanders and Countess Palatine of Burgundy.

Frans Pourbus the Younger was one of the leadingcourt portrait painters of his time, who workedfor the great monarchs of the 17th century, theHabsburgs, the Gonzaga, the Medici and theBourbons. He first came to France in 1606 whenhe accompanied the Duchess of Mantua to thebaptism of the Dauphin Louis XIII. It was at thistime he painted a dramatic portrait of Marie deMedici (now preserved at the Museo de BellasArtes de Bilbao). This full-length portrait, whichwas probably completed by the painter in Mantuaand later sent to France, was highly appreciatedby Marie de Medici. At that time the Royal courtdespaired of not having a distinguished portraitistso Marie de Medici asked her sister to interveneon her behalf and persuade her husband VincenzoGonzaga, the Duke of Mantua to send Pourbusto France to be the official court painter. FransPourbus arrived in 1609 and remained in favourup until his death in 1622. He was responsible fora series of portraits of Henry IV (although thelatter was assassinated in 1610), and his Queen,Marie de Medici, and their children, particularlyof Elizabeth’s brother Louis XIII.

T H E W E I S S G A L L E R Y

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MARCHANDSDE CADRES ANCIENS

Frame dealers

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Très important cadre en boisà placage d’argent et bronze doré

Rome, début du xVIIIe siècleVue : 17 x 19 cmExtérieur : 37,5 x 40 cm

Noteworthy frame in wood veneeredin silver and gilded bronze

Rome, early 18th century17 x 19 cm37.5 x 40 cm

E N R I C O C E C I – C O R N I C I A N T I C H EE N R I C O C E C I – C O R N I C I A N T I C H E

Cadre en bois peint et doré à décor de feuillageset de fleurs, avec incrustations de nacre

Travail vénitien du début du xVIIIe siècleVue : 81 x 61 cmExtérieur : 111 x 91 cm

Frame, carved and gilded woodwith nacre decorations

Venice, early 18th century81 x 61 cm111 x 91 cm

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G A L E R I E M O N TA N A R I

Cadre Régence en chêne sculpté et doré à cartouchesfeuillagés, coquilles de milieux et bords cannelés,entrelacs et quadrillage fleuri

36 x 26 x 13,5 cm

French Regency frame of carved and gilt oak with foliatecartouche, centre shells and fluted sides, C-scrolls,strapwork and diaper

36 x 26 x 13.5 cm

Cadre romain « Salvator Rosa », vers 1740, en bois fruitierteinté avec feuilles d’acanthe, rubans et oves avec dard.En bois sculpté et doré

103,2 x 78,5 x 18,5 cm

Roman ‘Salvator Rosa’ frame, c. 1740, of stainedfruitwood with carved and gilt acanthus-and-tongue,ribbon and egg-and-dart

103.2 x 78.5 x 18.5 cm

G A L E R I E M O N TA N A R I

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TROIS COLLECTIONS,UNE SEULE PASSION

Three collections, a single passion

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THREE C OLLECTIONS, A SINGLE PASSIONTROIS C OLLECTIONS, UNE SEULE PASSION

Dirck van Baburen(Wijk, v. 1595 – Utrecht, 1624)

Jeune Garçon jouant de la guimbarde, 1621

Huile sur toile, 65 x 52 cm

e Young Man playing a Jew’s Harp

Les trois œuvres provenant du Centraal MuseumUtrecht exposées à Paris Tableau sont, avecL’Entremetteuse de Gerard van Honthorst, embléma-

tiques du Salon de cette année et parfaitement repré-sentatives de la collection de peinture ancienne dumusée : les peintres caravagesques d’Utrecht. Né del’influence du Caravage, le caravagisme joua un rôleconsidérable dans le développement de la peinture duXVIIe siècle. Dirck van Baburen, Gerard van Honthorstet Johannes van Bronchorst séjournèrent à Rome, oùils tombèrent en admiration devant l’art du grandmaître italien. De retour à Utrecht, ils y introduisirentce nouveau style, qui se répandit rapidement dans cer-taines villes du nord des Pays-Bas. Bien que le mou-vement ait connu son apogée entre 1620 et 1630, onen retrouve encore certains traits plus tard dans lapeinture d’un Rembrandt, par exemple.

Le Jeune Garçon jouant de la guimbarde de VanBaburen est un portrait intime, qui présente les carac-téristiques essentielles du caravagisme. Il est peint engros plan, éclairé de biais par une chandelle fumeuse.L’ombre de l’anse du bougeoir sur la page froisséedémontre au plus haut point la maîtrise du peintre.C’est Baburen au meilleur de lui-même.

Comme Baburen, Gerard van Honthorst fut unpartisan convaincu du caravagisme. Son traitementvirtuose du clair-obscur lui valut le surnom de«Gherardo delle Notti». De retour à Utrecht, Honthorstremplaça progressivement l’éclairage ténébreux de sespremiers tableaux par une lumière plus douce, plusdiffuse et une palette moins colorée. La joyeuse Bergèreaux tourterelles est un des nombreux tableaux dejeunes filles riantes peints par Honthorst dans lesannées 1620.

Johannes van Bronchorst ne subit l’influence duCaravage que plus tard. On a souvent reconnu danssa belle Jeune Femme la figure de Marie-Madeleine,bien qu’aucun de ses attributs habituels au XVIIe siècle(crâne humain, livre ou crucifix) ne figure dans cetableau.

Together with Gerard van Honthorst’s The Procuress,the three works from the Centraal Museum Utrechtexhibited at Paris Tableau this year are both perfect

reflections of the fair’s theme and highly representativeof the Museum’s collection of old masters, focused onthe Caravaggesque painters of Utrecht. Inspired bythe example of Caravaggio, Caravaggism played asignificant role in the development of 17th-centurypainting. Dirck van Baburen, Gerard van Honthorstand Johannes van Bronchorst all spent time in Rome,where they developed an admiration for the greatItalian master. Returning to Utrecht, they broughtwith them the new style, which rapidly spread to anumber of cities in the northern Low Countries.While the movement reached its apogee in 1620-30,some of its features can still be found later, in thepainting of Rembrandt for example.

Van Baburen’s Young Man Playing a Jew’s Harp isan intimate portrait that displays the essential charac-teristics of Caravaggesque painting. The scene isrendered in close-up, diagonally lit by a smoky candle.The shadow of the candleholder’s handle on thecreased paper is a perfect demonstration of the artist’sextraordinary skill. This is Baburen at his best.

Like Baburen, Gerard van Honthorst was a com-mitted Caravaggist, and his virtuoso treatment ofchiaroscuro won him the sobriquet “Gherardo delleNotti”. Back in Utrecht, the darkness of his early pain-tings was gradually dispelled by a light softer and morediffuse while his palette grew more muted. Honthorst’sShepherdess with Turtle Doves is one of many laughingyoung girls he painted in the 1620s.

Johannes van Bronchorst fell under Caravaggio’sinfluence only later. His lovely Young Woman has oftenbeen seen as a depiction of Mary Magdalene, althoughnone of her habitual attributes in the 17th century –skull, book or crucifix – are present in the painting.

Paris Tableau a l’honneur de présenterdes chefs-d’œuvre de trois institutions :le Centraal Museum Utrecht, AXA ARTet la Fondation P. & N. de Boer.Il s’agit là d’une occasion inédite d’évoquertrois façons de collectionner les tableaux anciens,tout en découvrant ou redécouvrant la peintureflamande et son influence en Europe.

Paris Tableau is honoured to presentmasterpieces from three institutions:the Centraal Museum Utrecht, AXA ARTand the P. & N. de Boer Foundation.This is a unique opportunity to explore threedifferent ways of collecting works by old mastersas well as to discover, or rediscover, Flemishpainting and its influence across Europe.

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THREE C OLLECTIONS, A SINGLE PASSIONTROIS C OLLECTIONS, UNE SEULE PASSION

Gerard van Honthorst(Utrecht, 1590 – Utrecht,1656)

Bergère aux tourterelles, vers 1625

Huile sur toile, 80,1 x 65,3 cm

Shepherdess with Turtle Doves

Johannes van Bronchorst(Utrecht, 1627 – Amsterdam, 1656)

Jeune Femme, 1654-1656

Huile sur toile, 81,9 x 66,9 cm

Young Woman

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Filiale du groupe AXA, leader mondial de l’assurancedes œuvres d’art et de l’art de vivre, AXA ART estprésent dans plus de vingt pays à travers le monde,

et notamment sur les places émergentes du marchéde l’art : Hong Kong, Brésil, Moyen-Orient.

Depuis plus de 50 ans, l’assureur apporte sonexpertise à l’ensemble des acteurs du marché del’art : collectionneurs privés, professionnels de l’art,musées et expositions temporaires, collections d’en-treprises.

Son équipe de professionnels dotés d’une doublecompétence en histoire de l’art et en assurance luipermet de garantir un service sur-mesure à sesclients, afin de prémunir leur patrimoine contre lessinistres, et de leur apporter des réponses rapides etadaptées en cas de dommage.

Au-delà de son rôle d’assureur spécialiste, AXAART est également un acteur de la communautéartistique, attaché à mieux comprendre la relationentre collectionneurs et galeries tout en les accom-pagnant dans les multiples rapports qu’ils entretien-nent avec le marché de l’art.

C’est pourquoi AXA ART a souhaité s’associerau prestigieux salon Paris Tableau pour sa quatrièmeédition, à travers le prêt de trois œuvres de lacollection d’AXA issues de La Vaupalière, magnifiquehôtel particulier du XVIIIe siècle classé monumenthistorique et aujourd’hui siège du groupe.

Il s’agit d’une toile de Philippe de Champaignereprésentant le mythe de Céphale et Procris, ainsique deux compositions florales d’Arellano, le maîtreincontesté du genre en Espagne.

Le public aura ainsi l’occasion de pouvoir admirerces œuvres très rarement exposées, confortant ainsiAXA ART dans sa conviction selon laquelle le fon-dement de son activité réside dans la valorisation etla transmission du patrimoine artistique pour lesgénérations futures.

Pour en savoir plus sur AXA ART, rendez-voussur le site internet : www.axa-art.fr

AXA ART, an AXA Group subsidiary, is the globalleader in art and collectables insurance with apresence in more than 20 countries worldwide –

including, in particular, key emerging centres for theart market: Hong Kong, Brazil and the Middle East.

For more than 50 years, AXA ART has offered itsexpertise to all the various art market players: privatecollectors, art professionals, museums and temporaryexhibitions, and corporate collections.

Its team of professionals draws on a dual expertisein art history and insurance to provide tailoredservices, safeguarding clients’ assets against financialloss and responding swiftly and effectively whendamage occurs.

Beyond its primary role as a specialist insurer, AXAART is also an active player within the artistic com-munity, dedicated to better understanding the rela-tionship between collectors and galleries while sup-porting them in the multiple relations they maintainwithin the art market as a whole.

This is why AXA ART is delighted to be a partner ofthe prestigious Paris Tableau for this fourth fair. Weare lending three works from the AXA collectionhoused in the Hôtel de la Vaupalière, the magnificent18th-century residence – a listed historic building –that is now the group’s headquarters.

The works are a painting by Philippe de Champaignedepicting the myth of Cephalus and Procris, and twofloral compositions by Arellano, the uncontestedSpanish master of this genre.

The loan gives the public an opportunity to admirethese very rarely exhibited works – reinforcing AXAART’s core belief that valorising and transmittingour artistic heritage for future generations is theunderlying foundation of its business.

To find out more about AXA ART, please visit itswebsite: www.axa-art.fr

TROIS C OLLECTIONS, UNE SEULE PASSION

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THREE C OLLECTIONS, A SINGLE PASSION

Philippe de Champaigne(Bruxelles, 1602 – Paris, 1674)

Céphale et Procris, vers 1630

Huile sur toile, 73 x 155 cm. Prêt de la collection AXA

Cephalus and Procris

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TROIS C OLLECTIONS, UNE SEULE PASSION

Juan de Arellano(Santorcaz-Madrid, 1614 – Madrid, 1676)

Guirlande de fleurs dans un décor de pierre à coquilleet composition mythologique représentant Céphale et Procris

Huile sur toile, 124 x 104 cm. Prêt de la collection AXA

Garland of flowers in a Shell Stone Decor andMythological Composition Showing Cephalus and Procris

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THREE C OLLECTIONS, A SINGLE PASSION

Juan de Arellano(Santorcaz-Madrid, 1614 – Madrid, 1676)

Guirlande de fleurs dans un décor de pierre à coquilleet composition mythologique représentant Circé et Picus

Huile sur toile, 124 x 104 cm. Prêt de la collection AXA

Garland of Flowers in a Shell Stone Decor andMythological Composition Showing Circe and Picus

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THREE C OLLECTIONS, A SINGLE PASSIONTROIS C OLLECTIONS, UNE SEULE PASSION

Cinquantenaire de la collectionde la Fondation P. & N. de Boer

Celebrating Fiy Years of the Collectionof the P. & N. de Boer Foundation

Gerard David (ou son atelier / or his Studio)(Oudewater, 1460 – Bruges, 1523)

La Déploration sur le Christ mort

Huile sur panneau, 44 x 34,5 cm

Pietà

C’est en 1922 que Piet de Boer (1894-1974) etson frère cadet Dolf (1900-1987) fondèrent àAmsterdam une galerie d’art spécialisée dans la

peinture ancienne. Le succès ne se fit pas attendreet la galerie occupa successivement des locauxtoujours plus vastes jusqu’à l’acquisition, en 1940,du grand immeuble situé au n° 512 duHerengracht – qu’elle occupe encore aujourd’hui.La galerie connut son plus grand rayonnementvers la fin des années  cinquante et durant lesdécennies suivantes.

À la disparition de son épouse, NelliePressburger, décédée en 1960, Piet de Boer seretira des affaires pour aller s’installer en Suisse,dans la petite bourgade de Hergiswil, près deLucerne, où il possédait une maison. Il collectionnaitdes tableaux et des dessins de maîtres anciensdepuis les années quarante et avait acquis, au fildes années, quelque 80 peintures et plus de 350 des-sins. En 1964, il créa la collection de la FondationP. & N. de Boer pour gérer l’ensemble et « pro-mouvoir le goût et l’appréciation des beaux-arts ausens le plus large possible. » Le premier comité dedirection réunissait Piet de Boer, son frère Dolfet une troisième personnalité nommée par lasociété Rembrandt. Il s’agissait de J. Q. vanRegteren Altena, qui avait travaillé comme assistantde Frits Lugt puis dans la galerie d’art de sononcle, Nic Beets. En l’espace de quelques décenniesseulement, De Boer réunit une collection de

It was in 1922 that Piet de Boer (1894-1974) andhis younger brother Dolf (1900-1987) establishedan art gallery in Amsterdam to deal in old master

paintings. The business soon flourished, movingto a succession of ever-larger premises until itfinally purchased in 1940 the monumental mansionat Herengracht 512, where the gallery can still befound today. The late 1950s and the subsequentfew decades were the gallery’s heyday.

After the death of his wife Nellie Pressburgerin 1960, Piet de Boer retired from the firm andmoved to Switzerland, where he owned a housein the small town of Hergiswil, near Lucerne.Having been a passionate collector of old masterpaintings and drawings since the 1940s, he hadbuilt up a fine collection of around eightypaintings over the years, as well as more than 350drawings. In 1964 he set up the collection of theP. & N. de Boer Foundation to administer thesecollections, and “to promote the love and knowledgeof the visual arts in the widest possible sense.” Thefirst executive committee of the new foundationconsisted of Piet and his brother Dolf, as well asa third member designated by the RembrandtSociety. This third member was J. Q. van RegterenAltena, who had acted as assistant to Frits Lugtand later worked at the art gallery of his uncle,Nic Beets. In the course of a few decades, De Boerbuilt up a varied collection of drawings by artistsincluding Hendrick Goltzius, Jacques de Gheyn

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THREE C OLLECTIONS, A SINGLE PASSIONTROIS C OLLECTIONS, UNE SEULE PASSION

Jakob Seisenegger(?, 1505 – Linz, 1567)

Portrait d’enfant

Parchemin, 20,5 x 17 cm

Portrait of a Child

Piet et Nellie de Boer sur la plage à Zandvoort,début des années trente

Piet and Nellie de Boer on the beach at Zandvoort,early 1930s

dessins de la main d’artistes aussi divers queHendrick Goltzius, Jacques de Gheyn II et AbrahamBloemaert. Il s’intéressa tout particulièrementaux artistes des écoles hollandaise et flamande dela fin du XVIe siècle et du début du XVIIe.

La collection comprend des peintures de PeterPaul Rubens, d’Ambrosius Bosschaert, de Balthasarvan der Ast et de Hendrick Avercamp, ainsi quedes œuvres des maniéristes Hendrick Goltzius,Cornelis van Haarlem et Joachim Wtewael. On ytrouve également un portrait tout à fait excep-tionnel peint uniquement du bout des doigts parCornelis Ketel et évoqué par Karel van Mander,un des premiers biographes de l’artiste. Lesœuvres de Hendrick Avercamp et de JakobSeisenegger exposées ici illustrent les prédilectionsdu collectionneur et de son épouse. Les naturesmortes anciennes signées Bosschaert et Van derAst proviennent d’une exposition de peinturesflorales organisée dans les années trente.

II and Abraham Bloemaert. He took a specialinterest in artists from the Dutch and FlemishSchools who were active in the late 16th and early17th centuries.

The collection contains paintings by PeterPaul Rubens, Ambrosius Bosschaert, Balthasarvan der Ast and Hendrick Avercamp, as well asworks by the Mannerists, Hendrick Goltzius,Cornelis van Haarlem and Joachim Wtewael. Wealso find a unique portrait by Cornelis Ketel,painted entirely with his fingers, as described inKarel van Mander’s early biography of the artist.The works by Hendrick Avercamp and JakobSeisenegger that are displayed here exemplify thetaste of the collector and his wife. The early stilllifes by Bosschaert and Van der Ast are theremnants of a popular exhibition of flowerpaintings organised in the 1930s.

Of the 17th-century paintings, three have beenprovided on long-term loan to Dutch museumsbecause they are listed as protected culturalheritage. They are a rare portrait by Goltzius inMuseum Boijmans Van Beuningen, a large stilllife by Joachim Beuckelaer in the Mauritshuis andthe central panel of a triptych by Pieter Aertsenin the Rijksmuseum.

De Boer was a keen traveller and made hispurchases in a wide variety of places, both withinthe art trade and from private individuals. Hisinterest was not only confined to the most famousartists; he readily bought paintings that intriguedhim and needed further research. This aspect ofhis purchasing policy is also evident in theFoundation’s paintings.

The collection of the P. & N.de Boer Foundationwas well known among art dealers and collectors.

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THREE C OLLECTIONS, A SINGLE PASSIONTROIS C OLLECTIONS, UNE SEULE PASSION

Peter Paul Rubens(Siegen, 1577 – Anvers, 1640)

Saint Sébastien et saint Georges (esquisse)

Huile sur panneau, 36,5 x 25 cm

Saint Sebastian and Saint George

Piet et Nellie de Boer au Herengracht 512,Amsterdam, début des années 1950

Piet and Nellie de Boer at the Herengracht 512,early 1950s

Trois des peintures datant du XVIIe siècle sontinscrites au patrimoine culturel national et font,à ce titre, l’objet de prêts à long terme à des muséesnéerlandais : ainsi, un des rares portraits peintspar Goltzius est exposé au musée Boijmans VanBeuningen, une grande nature morte par JoachimBeuckelaer, au Mauritshuis et le panneau centrald’un triptyque de Pieter Aertsen, au Rijksmuseum.

Passionné de voyages, De Boer effectua sesacquisitions dans de nombreux pays, aussi bienauprès de marchands d’art que de particuliers. Ilne s’intéressait pas seulement aux artistes les plusreconnus ; il achetait aussi volontiers des peinturesqui l’intriguaient et qui nécessitaient des recherches.C’est ici un autre aspect de sa philosophie d’acqui-sition manifeste dans la collection de la FondationP. & N. de Boer.

Cette collection était bien connue des mar-chands d’art et des collectionneurs. De Boerachetait parfois des dessins à Bernard Houthakkeret Nic Beets, propriétaires comme lui d’une galeried’art à Amsterdam, et certains négociants étrangerscomme Otto Wertheimer lui proposaient aussisouvent des œuvres. Einar Perman, HerbertGirardet et John Seward Johnson faisaient partiedes collectionneurs de tableaux qui se rendaientfréquemment au Herengracht. Les visiteurs occa-sionnels comptaient parmi eux des collectionneurset amateurs de dessin, comme Frits Lugt, Jan vanGelder, Jon van Regteren Altena (du comité dedirection) et Karel Boon, que De Boer consultait.Lugt, collectionneur avide, alla jusqu’à dresser laliste des œuvres dont il espérait un jour pouvoirfaire l’acquisition. De Boer notait les remarquesde ces spécialistes et rangeait ces informationsdans les classeurs où il conservait soigneusementla documentation concernant sa collection.

De Boer sometimes bought drawings from BernardHouthakker and Nic Beets, fellow gallery ownersin Amsterdam, and foreign buyers such as OttoWertheimer also frequently offered him works ofart. Other collectors of paintings, such as EinarPerman, Herbert Girardet and John SewardJohnson, put in regular appearances at theHerengracht. Collectors and connoisseurs ofdrawings such as Frits Lugt, Jan van Gelder, fellowexecutive committee member Jon van RegterenAltena and Karel Boon also occasionally visitedDe Boer and gave him the benefit of theirconnoisseurship regarding some of the drawingsthey saw there. The avid collector Lugt went sofar as to make a wish list of items he hoped to beable to buy some day. De Boer noted down theexperts’ remarks and kept them in special ringbinders dedicated to storing information abouthis collection.

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THREE C OLLECTIONS, A SINGLE PASSIONTROIS C OLLECTIONS, UNE SEULE PASSION

Hendrick Goltzius(Mulbracht, 1558 – Haarlem, 1616)

Portrait du collectionneur de coquillages Jan Govertsz van der Aar

Huile sur toile, 107 x 83 cm, signé avec monogramme et daté 1603

Portrait of the Shell Collector, Jan Govertsz van der Aar

According to the executive committee’s originalplan, the works would eventually be donated tothe Singer Museum in Laren. Dolf de Boer chairedthe Singer museum committee at the time of thisdecision, and in 1966 a superb selection of paintingsand drawings from the collection was exhibitedthere. However, a serious disagreement arose bet-ween Dolf de Boer and the Singer director, andthey parted on bad terms, as a result of which thecollection remained in the possession of theFoundation in the building at Herengracht 512and has not once been exhibited as an ensemblesince then.

Now, to mark the Foundation’s fiftieth anni-versary, a splendid selection of paintings from thecollection is on show at Paris Tableau. And later,in December, a survey of the drawings andpaintings in the collection will be exhibited at theFondation Custodia in Paris.

J. F. Heijbroek

À l’origine, le comité directeur envisageait defaire don de l’ensemble des œuvres au muséeSinger de Laren. En effet, à l’époque, Dolf de Boerprésidait le comité de ce musée. Un choix remar-quable de peintures et de dessins issus de sacollection y avait été exposé en 1966. Toutefois,Dolf de Boer et le directeur du Singer se brouillèrentpar suite d’un grave désaccord, si bien que lacollection resta à la Fondation, au n° 512 duHerengracht. Depuis, elle n’a jamais été exposéeune seule fois dans son intégralité.

Une sélection remarquable de peintures de lacollection est exposée aujourd’hui dans le cadrede Paris Tableau, à l’occasion du cinquantenairede la Fondation. En décembre de cette année, unaperçu des dessins et des peintures de cettecollection fera l’objet d’une exposition à laFondation Custodia à Paris.

J. F. Heijbroek

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THREE C OLLECTIONS, A SINGLE PASSIONTROIS C OLLECTIONS, UNE SEULE PASSION

Hendrick Avercamp(Amsterdam, 1585 – Kampen, 1634)

Scène d’hiver

Huile sur panneau, 15,5 x 29,5 cm, signé avec monogramme

Winter Scene

Jan Brueghel le Vieux(Bruxelles, 1568 – Anvers, 1625)

Souris, rose, papillon et chenille

Huile sur cuivre, 8 x 11,5 cm

Mouse, Rose, Butterfly and Caterpillar

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THREE C OLLECTIONS, A SINGLE PASSIONTROIS C OLLECTIONS, UNE SEULE PASSION

Ambrosius Bosschaert le Vieux(Anvers, 1573 – La Haye, 1621)

Vase avec fleurs

Huile sur panneau, 28,5 x 20 cm, signé avec monogramme

Vase with Flowers

Joachim Wtewael(Utrecht, 1566 – Utrecht, 1638)

Mars, Vénus et Cupidon, vers 1610

Huile sur cuivre, 18,2 x 13,5 cm

Mars, Venus and Cupid

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le mouvement caravagesqueinternational

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the International CaravaggesqueMovement

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Les multiples facettes du caravagisme en Europe – Une introductionThe Multifaceted Character of European Caravaggism: an IntroductionProf. Dr Volker ManuthProfesseur d’histoire de l’art, Radboud Universiteit, Nijmegen

Le Caravage et ses disciples à Rome : une galerie des glacesA hall of mirrors: Caravaggio and his followers in RomeProf. Dr Sebastian SchützeProfesseur d’histoire de l’art, Universität Wien

Le caractère hollandais du caravagisme d’Utrechte Dutchness of Utrecht CaravaggismDr Liesbeth M. HelmusConservateur des peintures, dessins et sculptures, Centraal Museum, Utrecht

Le mouvement caravagesque dans les Pays-Bas méridionaux et sa relation avec le Caravageet ses suiveurs à l’étranger. Une question de chronologie et de diffusione Caravaggesque movement in the Southern Netherlands and its relationship with Caravaggio and his followersabroad – a question of chronology and disseminationDr MBA Joost Vander AuweraConservateur et Chef de Section au Département d’Art Ancien,Musées Royaux des Beaux-Arts de Belgique, Bruxelles

Un ensemble de gravures d’après des tableaux caravagesques dans deux recueils de l’abbé de MarollesA set of engravings after Caravaggesque paintings in two volumes collected by the Abbé de MarollesM. Arnauld Brejon de LavergnéeConservateur général du patrimoine, ancien directeur des collections du Mobilier national

Insulter en beauté. La pittura dal naturale caravagesque et le geste de la ficaInsultingly Beautiful: Caravaggesque pittura dal naturale and the fica gestureDr Annick LemoineChargée de mission pour l’histoire de l’art à l’Académie de France à Rome,maître de conférence à l’université Rennes 2

Les caravagesques espagnolsCaravaggio’s Followers in SpainDr Sergio BenedettiAncien conservateur en chef de la National Gallery of Ireland, Dublin

Nouveaux courants de la peinture en Espagne : 1600-1620Spain, 1600-1620: new trends in paintingM. Guillaume KientzConservateur au département des peintures, musée du Louvre, Paris

Les caravagesques d’Utrecht à la National Gallery of Art de Washington.Pourquoi fallait-il attendre si longtemps ?Bringing the Utrecht Caravaggisti to the National Gallery of Art: Why did it take so long?Prof. Dr Arthur K. WheelockConservateur, peinture baroque du Nord, National Gallery of Art, Washington

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L’influence de l’art du Caravage sur ses contem-

porains et sur de nombreux artistes des géné-

rations suivantes dépassa largement les frontières

de l’Italie. Partant de l’hypothèse selon laquelle les

caravagesques du Nord (Utrecht) en donnent une

interprétation singulière, car ancrée dans leur propre

culture, et que leurs œuvres, même peintes à Rome,

sont toujours reconnaissables en tant que telles, le

colloque Utrecht et le mouvement caravagesque inter-national propose de s’interroger s’il en est de même

des caravagesques flamands, français et espagnols.

Neuf grands spécialistes de la question entreront en

dialogue à cette occasion.

Le colloque servira, en outre, de prélude à une expo-

sition sur Utrecht et le caravagisme international

organisée par le Centraal Museum en 2018.

The influence of Caravaggio’s art on his contem-

poraries and on a great many painters of sub-

sequent generations extended far beyond the borders

of Italy. Based on the hypothesis that the followers

of Caravaggio from the North (Utrecht) made their

own, local, interpretations of Caravaggio and that

their paintings are always recognisable, even when

produced in Rome, the seminar  Utrecht and theInternational Caravaggesque Movementexplores the

likelihood that the same is also true of Caravaggio’s

Flemish, French and Spanish followers. Nine distin-

guished scholars, each with special expertise in this

field, share their insights on this topic.

Furthermore, the symposium will be the starting

point for an exhibition on Utrecht and international

Caravaggism being organised by the Centraal Museum

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