Symphonieorchester des Bayerischen ... - Philharmonie de Paris...interprètent, aux côtés...

GRANDE SALLE PIERRE BOULEZ – PHILHARMONIE

Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks

Mariss JansonsIveta Apkalna

Samedi 23 mars 2019 – 20h30

« L’orgue est certes le plus grand, le plus audacieux, le plus magnifique de tous les instruments créés par le génie humain. Il est un orchestre entier, auquel une main habile peut tout demander, il peut tout exprimer. » (Honoré de Balzac, La Duchesse de Langeais, 1834).

Ce week-end s’ouvre par un concert entièrement consacré à la musique de Richard Strauss, compositeur lyrique et orchestrateur hors du commun. Accompagné de la mezzo-soprano Stéphanie d’Oustrac et de l’organiste Mathias Lecomte, l’Orchestre Pasdeloup interprète les Quatre Lieder op. 27, Festliches Präludium, Mondscheinmusik et le prophétique Ainsi parlait Zarathoustra, page à jamais immortalisée par Stanley Kubrick dans 2001 l’odyssée de l’espace.

Musicien à la personnalité atypique et flamboyante, Cameron Carpenter a su procurer à l’orgue des couleurs et des perspectives nouvelles. Comme à son habitude, il nous livre un programme inventif et varié : une transcription de la Symphonie « Romantique » d’Howard Hanson, précédée d’une interprétation singulière des Variations Goldberg de Bach.

Mariss Jansons et l’Orchestre Symphonique de la Radiodiffusion Bavaroise interprètent, aux côtés d’Iveta Apkalna, le Concerto pour orgue de Poulenc, encadré par le Carnaval romain de Berlioz et les rites ancestraux du Sacre du printemps de Stravinski.

Dans une recherche perpétuelle de nouvelles sonorités pour l’orgue, Édith Canat de Chizy, Ondřej Adámek et Raphaël Cendo proposent trois œuvres nouvelles qui illustrent la variété des styles contemporains de l’instrument. L’Ensemble 2e2m, avec à ses côtés Hampus Lindwall et Wu Wei, donne vie à ces créations, accompagné par des chœurs d’enfants et d’adultes d’Île-de-France.

Pour clore ce week-end, Olivier Latry, qui a inauguré le grand orgue de la Philharmonie en 2016, revient dans un programme construit autour de Bach : des œuvres transcrites et arrangées par ses successeurs, ou composées sur son nom.

WEEK-END ORGUES

Samedi 23 mars

15H00 CONCERT

ZARATHOUSTRAORCHESTRE PASDELOUP

WOLFGANG DOERNER, DIRECTION

STÉPHANIE D’OUSTRAC, SOPRANO

MATHIAS LECOMTE, ORGUE

Richard StraussFestliches PräeludiumQuatre Lieder op. 27Mondscheinmusik (extrait de Capriccio)Ainsi parlait Zarathoustra

16H30 RÉCITAL ORGUE

CAMERON CARPENTERCAMERON CARPENTER, ORGUE (International Touring Organ)

Johann Sebastian BachVariations Goldberg

Howard HansonSymphonie no 2 « Romantique » (transcription de Cameron Carpenter)

20H30 CONCERT SYMPHONIQUE

BAVIÈRE / MARISS JANSONS ORCHESTRE SYMPHONIQUE DE LA

RADIODIFFUSION BAVAROISE

MARISS JANSONS, DIRECTION

IVETA APKALNA, ORGUE

Hector BerliozCarnaval romain - Ouverture

Francis PoulencConcerto pour orgue

Igor StravinskiLe Sacre du printemps

Dimanche 24 mars

15H00 CONCERT

POINTS D’ORGUEENSEMBLE 2E2M

CHŒURS D’ENFANTS ET D’ADULTES D’ÎLE-DE-

FRANCE

PIERRE ROULLIER, DIRECTION

HAMPUS LINDWALL*, ORGUE

WU WEI**, SHENG

ANTOINE PECQUEUR, PRÉSENTATION

SOPHIE BOUCHERON, CHEFFE DE CHŒUR PRINCIPALE

JEAN-SÉBASTIEN VEYSSEYRE, CHEF DE CHŒUR ASSOCIÉ

PHILIPPE LE FÈVRE, CHEF DE CHŒUR ASSOCIÉ

NELLY OURSEL, CHEFFE DE CHŒUR ASSOCIÉE

OLIVIER JACQUEMIN, CHEF DE CHŒUR ASSOCIÉ

Édith Canat de ChizySun Dance, pour orgue seul (création)*

Knut NystedtImmortal Bach arrangement du choral « Komm, süsser Tod » BWV 478 de Johann Sebastian BachOndřej AdámekLost Prayer Book, pour sheng et ensemble (création française)**

Raphaël CendoIndividua, pour orgue, électronique et chœur d’orgue (création)*

18H00 RÉCITAL ORGUE

BACH +OLIVIER LATRY, ORGUE

Robert Schumann1re Fugue sur B. A. C. H.4e Fugue sur B. A. C. H.5e Fugue sur B. A. C. H.

Johann Sebastian BachChoral « Schmücke dich, o liebe Seele »Passacaille et Fugue BWV 582

Johann Sebastian Bach / Franz LisztFantaisie et Fugue en sol mineur

Johann Sebastian Bach / Charles-Marie WidorMarche du Veilleur de nuit

Franz Liszt / Jean GuillouPrélude et Fugue sur B. A. C. H.

Johann Sebastian Bach / Eugène GigoutChoral de la Pentecôte

WEEK-END ORGUES

ACTIVITÉS DU WEEK-END

Enfants et famillesConcerts, ateliers, activités au Musée…AdultesAteliers, visites du Musée…

Vous avez la possibilité de consulter les programmes de salle en ligne, 5 jours avant chaque concert,

à l’adresse suivante : www.philharmoniedeparis.fr

PROGRAMME

Hector Berlioz

Carnaval romain – ouverture

Francis Poulenc

Concerto pour orgue

ENTRACTE

Igor Stravinski

Le Sacre du printemps

Symphonieorchester des Bayerischen RundfunksMariss Jansons, directionIveta Apkalna, orgue

Coproduction Productions internationales Albert Sarfati, Philharmonie de Paris

FIN DU CONCERT VERS 22H15.

LES ŒUVRES

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Hector Berlioz (1803-1869)Carnaval romain op. 9 – ouverture

Composition : 1844.

Création : le 3 février 1844, Salle Herz, à Paris, sous la direction du compositeur.

Effectif : 2 flûtes (dont piccolo), 2 hautbois (dont cor anglais), 2 clarinettes, 2 bassons

– 4 cors, 4 trompettes (2 cornets à pistons), 3 trombones – timbales, cymbales,

tambour de basque, triangle – cordes.

Durée : environ 8 minutes.

L’opéra de Berlioz Benvenuto Cellini essuie un fiasco en 1838, à Paris, mais son ouverture est bien accueillie. Six ans plus tard, le compositeur imagine une deuxième ouverture, dite « du carnaval romain », ou plutôt un « tableau symphonique », de caractère très différent, destiné à être joué au second acte. Ce morceau fringant tourne autour de deux thèmes extraits de l’opéra : l’un dessiné en lignes pures, le « thème d’amour » ou invocation à Térésa ; l’autre échevelé et trépidant, celui de la liesse romaine au moment du carnaval.

L’invocation à Térésa est l’une des mélodies les plus charmeuses jamais écrites pour le cor anglais, sorte de sérénade accompagnée de pizzicati ; elle est reprise en crescendo par paliers, aux altos, puis dans un ensemble de cordes et de bois où l’écriture en canon la magnifie. Le thème du carnaval est esquissé dès le début du morceau, dans un brusque élan à l’unisson subitement interrompu : c’est à la fois une fausse introduction et un véri-table pressentiment du saltarello qui bondira plus loin, enfiévré, dans le murmure des cordes graves, ou explosera dans le tutti avec percussions.

Après un très bref développement, les thèmes reviennent sous la forme inattendue et exaltante d’entrées successives qui se poussent les unes les autres. Ainsi le thème de Térésa réapparaît aux bassons, aux trombones, aux flûtes et hautbois, dans des tons différents ; il finira en appels impé-rieux des trombones, entraîné dans le tourbillon du carnaval. La coda, entièrement rythmique, où le dionysiaque tambour de basque est très

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sollicité, conclut cette page qui remporta un immense succès dès le jour de sa création, où elle dut être bissée.

Isabelle Werck

Francis Poulenc (1899-1963)Concerto en sol mineur pour orgue, orchestre à cordes et timbales

Composition : Noizay, avril 1938 – Anost, août 1938 ; registration établie

avec le concours de Maurice Duruflé.

Dédicace : « Dédié très respectueusement à la princesse Edmond de Polignac ».

Création : privée, le 16 décembre 1938, dans l’atelier de la princesse de Polignac,

à Paris, par Maurice Duruflé sous la direction de Nadia Boulanger ; publique,

le 21 juin 1939, Salle Gaveau, à Paris, par Maurice Duruflé et l’Orchestre de Paris

dirigés par Roger Désormière.

Effectif : orgue soliste – timbales – cordes.


« Ce n’est pas du Poulenc plaisant genre Concerto à deux pianos, mais plutôt du Poulenc en route pour le cloître, très xve siècle si l’on veut… » Ainsi le compositeur décrivait-il dans une lettre de 1936 le Concerto pour orgue, orchestre à cordes et timbales qui occupa ses pensées pendant trois ans. Comme le Concerto pour deux pianos auquel il fait allusion, celui-ci a été commandé par un riche mécène, la princesse Edmond de Polignac, fille et héritière d’Isaac Singer, magnat de la machine à coudre. Le 21 juin 1939, Maurice Duruflé présenta le concerto Salle Gaveau, à Paris. Malgré la médiocrité de l’instrument, le succès fut au rendez-vous.

Le Concerto pour orgue marque un tournant dans la carrière de Poulenc. Par sa solennité, son ampleur, son recours au contrepoint, il tranche avec les pièces parodiques ou gouailleuses qu’il avait écrites jusque-là. Au même moment, dans ses mélodies, Poulenc délaissait l’ironie voilée de nostalgie d’Apollinaire pour le lyrisme angoissé d’Éluard. En 1936, la mort brutale du compositeur Pierre-Octave Ferroud raviva un sentiment religieux éteint depuis près de vingt ans, inspirant les Litanies à la Vierge noire.

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Cette profondeur jusque-là effleurée avec pudeur, Poulenc l’assumait désormais. Alors que le Larghetto du Concerto pour deux pianos se voulait un « jeu poétique devant le portrait de Mozart », le Concerto pour orgue cesse de lorgner vers les maîtres anciens à travers le miroir du pastiche. Poulenc s’y approprie leur style sans malice et en fait le socle d’une inspiration riche et profondément originale.

Le tutti d’orgue initial rappelle, par la tonalité comme par l’esprit, la Fantaisie en sol mineur BWV 542 de Bach. Mais c’est aux grands préludes de Dietrich Buxtehude que Poulenc emprunte la structure de l’œuvre, un mouvement unique divisé en sept sections enchaînées. Ces sections alternativement lentes et vives s’organisent en miroir autour du fiévreux Tempo allegro central, l’introduction alla Bach encadrant tout l’édifice de sa majesté.

Poulenc assigne à l’orgue un rôle ambigu. Il n’y a pas là ces affrontements titanesques auxquels les grands concertos pour piano ou violon nous ont habitués, mais plutôt une fusion entre le soliste et l’orchestre, le premier jouant souvent le rôle des bois et des cuivres absents du second. Excellent pianiste, merveilleux accompagnateur, Poulenc se montra intimidé par l’instrument à tuyaux, qu’il appréciait beaucoup mais dont il ne perçait pas les arcanes. Il se fit donc aider par Duruflé pour établir les registra-tions, c’est-à-dire traduire en combinaisons de jeux les sonorités très précises qu’il avait en tête : les puissants tutti aussi bien que les couleurs les plus suaves, comme les trois plans sonores sans cesse changeants de l’Andante moderato, la cantilène de hautbois adoucie par un cor de nuit du Très calme ou, dans le Largo final, les exquis nuages de voix céleste flottant sur le solo d’alto, puis celui de violoncelle, au-dessus d’un tapis de cordes partagées entre sourdines et pizzicati.

Duruflé conserva toujours pour Poulenc une amitié et une admiration intactes. Il lui demanda un jour s’il avait en projet des pièces pour orgue seul. Poulenc répondit par l’affirmative mais ne prit jamais le temps de tenir sa promesse. Nous ne pouvons que le regretter.

Claire Delamarche

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Igor Stravinski (1882-1971)Le Sacre du printemps – tableaux de la Russie païenne en deux parties

Première partie : L’Adoration de la terre

I. Introduction

II. Augures printaniers – Danse des adolescentes

III. Jeu du rapt

IV. Rondes printanières

V. Jeu des cités rivales

VI. Cortège du Sage

VII. Adoration de la terre (le Sage)

VIII. Danse de la terre

Seconde partie : Le Sacrifice

IX. Introduction

X. Cercles mystérieux des adolescentes

XI. Glorification de l’Élue

XII. Évocation des ancêtres

XIII. Action rituelle des ancêtres

XIV. Danse sacrale (l’Élue)

Composition : 1911-1913.

Création : le 29 mai 1913, au Théâtre des Champs-Élysées, à Paris, sous la direction

de Pierre Monteux, dans des décors de Nicolas Roerich et une chorégraphie

de Vaslav Nijinski.

Dédicace : à Nicolas Roerich.

Édition : 1913 pour la version piano à quatre mains, 1921 pour l’édition pour

orchestre, Édition russe de musique, Paris ; révision en 1947, Boosey & Hawkes.

Effectif : 2 piccolos, 3 flûtes en sol, 4 hautbois, 2 cors anglais, clarinette piccolo,

3 clarinettes, 2 clarinettes basses, 4 bassons, 2 contrebassons – 8 cors, trompette

piccolo, 4 trompettes, trompette basse, 3 trombones, 2 tubas ténors, 2 tubas –

timbales, triangle, tambourin, râpe guero, cymbales antiques, cymbales,

grosse caisse, tam-tam – cordes.


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« Le Sacre du printemps est en son genre un chef-d’œuvre, très simple, élémentaire, d’aucuns diront sauvage, d’une vie prodigieuse, d’une puissance de rythme et d’éducation dont on ne trouverait l’égal que chez Beethoven ou chez Wagner. »

Paul Landormy, La Vie parisienne, 11 avril 1914

Le 29 mai 1913, le tout jeune Théâtre des Champs-Élysées est le lieu d’un scandale mémorable, à tel point que la musique de ce « massacre du tympan » – qui pourtant joue des ressources d’un orchestre gigan-tesque – disparaît sous les huées d’un public ulcéré, entre autres, par la chorégraphie tribale de Nijinski. Quel contraste avec l’indifférence qui accueille, deux semaines plus tôt, la création dans ce même lieu du ballet debussyste Jeux, auquel participe également le célèbre danseur russe !

À l’origine de ces rencontres entre compositeurs, chorégraphes, peintres et poètes, un ami de Stravinski, ancien élève comme lui de Rimski-Korsakov : Serge de Diaghilev. Au fil des ans, les Ballets russes (dont il est le directeur) verront passer Ravel, Satie, Falla, Prokofiev ou encore Poulenc, Auric et Milhaud, du côté des compositeurs, mais aussi, aux décors, Picasso, Derain, Matisse ou Braque. La collaboration entre Stravinski et Diaghilev, inaugurée par la célèbre « trilogie russe » (L’Oiseau de feu en 1910, Petrouchka en 1911 et Le Sacre du printemps en 1913), se poursuivra avec bonheur pendant presque vingt ans (avec Pulcinella, Renard ou Les Noces, notamment), avant que la mort de l’homme de théâtre n’y mette un terme en 1929.

Le Sacre du printemps est l’œuvre d’un génie de 30 ans, comme ce fut le cas du Beethoven des Symphonies no 3 et no 5, du Berlioz de la Symphonie fantastique ou du Debussy du Prélude à l’après-midi d’un faune. L’idée en vient à Stravinski alors qu’il met la dernière main à L’Oiseau de feu : « J’entrevis un jour […] dans mon imagination le spectacle d’un grand rite sacral païen : les vieux sages, assis en cercle, et observant la danse à mort d’une jeune fille, qu’ils sacrifient pour leur rendre propice le dieu du printemps. […] Je dois dire que cette vision m’avait fortement

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impressionné et j’en parlai immédiatement à mon ami le peintre Nicolas Roerich, spécialiste de l’évocation du paganisme. »

Retardée par le travail sur Petrouchka, la composition continue de creuser la voie ouverte par celui-ci en consommant l’adieu aux enchantements sonores de L’Oiseau de feu : bitonalité parfois brutale (à distance de triton ou de septième majeure, par exemple), diatonisme radical des lignes mélodiques, utilisation d’ostinatos, juxtaposition de blocs musicaux (en quoi, comme l’explique Boulez, Le Sacre est « écrit gros »). Le travail sur le rythme, d’une grande modernité, explore aussi bien les subtils décalages (morceau inaugural) qu’un motorisme bousculé d’accents irréguliers et empli de permutations (Augures printaniers, Danse de la terre, Glorification de l’Élue, Évocation des ancêtres, Danse sacrale).

Violente, paroxystique même, la partition exploite à plein les possibilités d’un immense orchestre coloré d’instruments rares (flûte en sol, petite clarinette, trompette piccolo ou trompette basse) ou de tessitures malaisées (comme pour les bois de l’introduction à la première partie), et renforcé d’une section percussive importante (avec notamment un tambour de basque, une râpe guero et des cymbales antiques – également utilisées par Debussy dans son Prélude mallarméen).

Œuvre primitive, météore sans préméditation (« Il y a très peu de tradition derrière Le Sacre et aucune théorie », selon le compositeur), Le Sacre du printemps semble confirmer l’aphorisme de Breton, qui pourtant le suit de quinze ans : « La beauté sera convulsive ou ne sera pas » (Nadja).

Angèle Leroy

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Le concerto pour orgue

« L’orgue est certes le plus grand, le plus audacieux, le plus magnifique de tous les instruments créés par le génie humain. Il est un orchestre entier, auquel une main habile peut tout demander, il peut tout expri-mer », écrit Balzac dans La Duchesse de Langeais. L’orgue doit-il sa solitude à sa puissance et à sa richesse de timbres ? Comme il semble se suffire à lui-même, il est rarement associé à un orchestre (sauf s’il s’agit d’un orgue positif, de petites dimensions, utilisé en particulier dans la musique baroque). Il est vrai que cette combinaison pose des problèmes matériels car chaque instrument possède sa propre facture et offre des possibilités de timbres différentes. Par ailleurs, la réverbération varie considérablement selon les églises : une œuvre qui sonne bien dans un lieu ne sera pas forcément satisfaisante dans un autre.

Il existe toutefois des concertos pour orgue à partir du début du xviiie siècle. Les premiers seraient dus à Haendel, qui les jouait entre les actes de ses oratorios. Carl Philipp Emanuel Bach, Corrette, Haydn en composèrent quelques-uns. La présence d’un orgue dans les salles de concert, idée qui se développe d’abord aux États-Unis et en Angleterre, stimule peu à peu la composition de concertos, voire de symphonies avec orgue, où l’instrument se fait plus discret (on songera par exemple à la Symphonie no 3 de Saint-Saëns, de 1886). À la suite du Concerto pour orgue de Poulenc (1938), Chaynes, Escaich, Guillou (auteur de huit concertos !), Goubaïdoulina ou encore Sikora ont enrichi le répertoire.

Hélène Cao

LE SAVIEZ-VOUS ?

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LES COMPOSITEURS

Hector BerliozNé à La Côte-Saint-André, Berlioz est formé par son père, humaniste convaincu. Ses premiers contacts avec la musique sont assez tardifs, et c’est son installation à Paris qui lui permet d’affirmer sa volonté de devenir musicien. Il y découvre l’Opéra, où l’on joue Gluck et Spontini, et le Conservatoire, où il devient en 1826 l’élève de Jean-François Lesueur en composition et d’Antoine Reicha pour le contrepoint et la fugue. En même temps qu’il se présente quatre années de suite au prix de Rome, il s’adonne à des activités de journaliste, néces-saires à sa survie financière, et se forge une culture dont son œuvre portera la trace. C’est ainsi le cas avec Beethoven et Weber mais aussi avec Goethe, qui lui inspire les Huit Scènes de Faust en 1828, et Shakespeare. Les repré-sentations parisiennes de Hamlet et de Roméo et Juliette en 1827 lui font l’effet d’une révélation à la fois littéraire et amoureuse (il s’éprend à cette occasion de la comédienne Harriet Smithson, qu’il épouse en 1833). Secouée par la Révolution de juillet, l’année 1830 est marquée pour Berlioz par la création de la Symphonie fantastique, qui renouvelle profon-dément le genre de la symphonie en y intégrant les codes de la musique à

programme, et par son départ pour la Villa Médicis suite à son Premier Grand Prix de Rome. Il y rencontre notamment Mendelssohn. De retour en France, Berlioz jouit d’une solide renommée et fréquente ce que Paris compte d’artistes de premier plan. La décennie 1830-1840 est une période faste : ses créations rencontrent plus souvent le succès (Harold en Italie, Grande Messe des morts, Roméo et Juliette) que l’échec (Benvenuto Cellini). En vue de conforter sa position financière et de conquérir de nouvelles audiences, Berlioz se tourne de plus en plus vers les voyages à l’étranger (Allemagne, où il fréquente Mendelssohn, Schumann et Wagner, empire d’Autriche, Russie, où il rencontre un accueil triomphal, Angleterre). En parallèle, il publie son Grand Traité d’instrumentation et d’orchestration modernes (1844) et essuie un fiasco lors de la première de sa Damnation de Faust (1846). Les quinze dernières années de sa vie sont ponctuées de nombreux deuils (Harriet Smithson, Marie Recio sa seconde femme, Louis son fils unique). L’inspiration le pousse vers la musique religieuse (avec notamment L’Enfance du Christ, créé en 1854) et vers la scène lyrique, avec un succès mitigé (Béatrice et Bénédict (1862) rencon-trant un accueil considérablement

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plus favorable que Les Troyens, auquel Berlioz consacre ses efforts depuis 1856 mais qu’il ne peut faire créer selon ses souhaits). De plus en plus isolé, souffrant de maux divers, il meurt à Paris le 8 mars 1869.

Francis PoulencFrancis Poulenc a toujours revendiqué sa double ascendance, parisienne par sa mère, aveyronnaise par son père, source d’une dualité résumée par la célèbre formule de Claude Rostand : « moine et voyou ». La guerre et la mort précoce de ses parents ne lui permettent pas d’entrer au Conservatoire, mais il étudie le piano avec Ricardo Viñes, qui lui fait rencontrer Satie, Falla et Auric. Sa Rapsodie nègre est créée au Théâtre du Vieux-Colombier en 1917. À cette occasion, Poulenc fait la connaissance de Stravinski, qui le recommande aux éditions Chester, à Londres. L’année suivante, ses Trois Mouvements perpé-tuels pour piano remportent un franc succès qui ne se démentira pas. C’est l’époque où Milhaud, Auric, Honegger, Tailleferre et Durey se produisent souvent aux côtés de Poulenc, au point qu’en 1920, le critique Henri Collet les baptise le Groupe des Six. Ils se rangent sous la bannière de Cocteau, dont le pamphlet Le Coq et l’Arlequin est comme leur manifeste. Mais Poulenc cherche à approfondir son métier et demande à Koechlin de lui donner des leçons d’harmonie. Diaghilev lui passe

une commande pour les Ballets russes, Les Biches, ballet qui sera créé à Monte-Carlo dans des décors et costumes de Marie Laurencin. Ce succès continue d’asseoir la renommée de Poulenc, qui fréquente les salons parisiens dont celui de la princesse de Polignac, où il rencontre la claveciniste Wanda Landowska. Pour elle, il compose le Concert champêtre. La princesse de Polignac lui commande le Concerto pour deux pianos et le Concerto pour orgue, les Noailles, Aubade et Le Bal masqué. Poulenc prend alors conscience de son homosexualité. Sa correspondance révèle la complexité de sa vie affective, qui le voit souffrir de périodes d’enthousiasme alternant avec des moments de dépression. De sa rencontre avec le baryton Pierre Bernac naît un duo voix-piano compa-rable à celui que Britten formait avec Peter Pears. Poulenc compose de nombreuses mélodies pour Bernac. En 1936, il apprend la mort tragique de Pierre-Octave Ferroud et compose pour lui ses Litanies à la Vierge noire. L’année suivante, il écrit sa Messe en sol majeur a cappella puis les Motets pour un temps de pénitence, jusqu’au Stabat Mater, au Gloria et aux Sept Répons des Ténèbres (1961). Durant l’Occupation, son ballet sur des fables de La Fontaine, Les Animaux modèles, qui cite la chanson « Vous n’aurez pas l’Alsace et la Lorraine », marque sa position. Il reçoit clandestinement

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des poèmes d’Éluard, qui lui inspirent la cantate Figure humaine. Les dix dernières années de sa vie sont couron-nées par trois grandes œuvres lyriques : Dialogues des Carmélites (commande de la Scala de Milan, où l’œuvre est créée en janvier 1957), La Voix humaine (texte de Cocteau, avec Denise Duval) et La Dame de Monte-Carlo (du même Cocteau et avec la même Denise Duval). Francis Poulenc meurt d’une crise cardiaque le 30 janvier 1963, à Paris.

Igor StravinskiBien que son père fût chanteur au Théâtre Mariinsky, Stravinski n’était pas destiné à une carrière musicale. Il apprend cependant le piano et manifeste une réelle prédilection pour l’improvisa-tion. En 1901, il s’inscrit en droit à l’Uni-versité de Saint-Pétersbourg, mais la rencontre l’année suivante de Rimski-Korsakov le conforte dans sa décision d’étudier plus avant la musique. Il se partage dès lors entre des leçons particulières avec le maître et les hauts lieux de la culture pétersbourgeoise, et compose ses premières œuvres : Symphonie en mi bémol, Feu d’arti-fice. C’est ce dernier qui attire l’atten-tion de Diaghilev, qui lui commande la composition d’un ballet pour sa troupe, les Ballets russes : ce sera L’Oiseau de feu, donné à Paris en 1910 avec un succès immense. Suivront deux autres ballets : Petrouchka et Le Sacre du printemps, qui crée le scandale en mai

1913 au Théâtre des Champs-Élysées. La Première Guerre mondiale éloigne définitivement Stravinski de son pays natal ; il s’installe alors avec femme et enfants en Suisse, avant de revenir en France à la fin de la décennie. En proie à l’époque à des difficultés finan-cières, il collabore de façon suivie avec l’écrivain Charles-Ferdinand Ramuz, auteur des traductions des Noces, de Renard, et aussi du livret de l’Histoire du soldat, des partitions pour effec-tifs réduits, en lien avec des thèmes populaires russes. Pulcinella (1920) marque un tournant dans l’évolution de Stravinski, qui aborde là sa période néoclassique. Installé d’abord à Biarritz puis à Nice et à Paris, Stravinski donne ses premières œuvres non scéniques importantes : Octuor pour instru-ments à vent, Concerto pour piano et vents, Sérénade pour piano, et sillonne l’Europe en tant que chef d’orchestre. L’austérité marque de son sceau Œdipus rex, dont l’inspiration antique est prolongée par Apollon musagète (1928) et Perséphone (1934), tandis que la Symphonie de psaumes (1930) illustre l’intérêt renouvelé du compo-siteur pour les questions religieuses. Plusieurs œuvres concertantes mar - quent cette dernière décennie sur le Vieux Continent : Concerto pour violon (1931), Concerto pour deux pianos seuls (1935), Dumbarton Oaks Concerto (1938). Stravinski, devenu citoyen français en 1934, s’exile aux États-Unis

1818

au moment où éclate la Seconde Guerre mondiale. Le Nouveau Monde l’accueille à bras ouverts, et ces années sont celles d’une activité sans relâche. L’opéra The Rake’s Progress, créé en 1951 à Venise, vient mettre un terme à la période néoclassique de Stravinski, qui s’engage alors – à 70 ans – dans la voie sérielle ouverte par Schönberg, Berg et

Webern, sa principale source d’inspira-tion. Les Threni de 1958 représentent l’aboutissement de cette démarche, qu’illustrent aussi la Cantate (1952) ou Agon (1957). L’inspiration religieuse se fait de plus en plus présente : Canticum Sacrum, Abraham et Isaac, Requiem Canticles… Stravinski s’éteint à New York le 6 avril 1971.

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1919

Iveta ApkalnaConsidérée comme l’une des meil -leures instrumentistes au monde, l’organiste lettone Iveta Apkalna est titulaire depuis 2017 de l’orgue Klais de l’Elbphilharmonie de Hambourg. L’inauguration de janvier 2017 lui offre deux créations mondiales : Triptychon und Spruch in memoriam Hans Henny Jahnn de Wolfgang Rihm, avec Thomas Hengelbrock et l’Orchestre de la NDR, ainsi que ARCHE de Jörg Widmann, avec Kent Nagano et le Philharmonisches Staatsorchester Hamburg. Iveta Apkalna se produit avec les meilleures formations inter-nationales, parmi lesquelles les Berliner Philharmoniker, l’Orchestre Symphonique de la Radio Bavaroise, l’Orchestre Royal du Concertgebouw d’Amsterdam et l’Orchestre de l’Aca-démie Nationale Sainte-Cécile de Rome. Elle collabore avec d’éminents chefs d’orchestre tels que Claudio Abbado, Mariss Jansons, Marek Janowski, Kent Nagano, Thomas Hengelbrock, Antonio Pappano et Andris Nelsons, fréquemment invitée dans les festivals de Lucerne, Lockenhaus, Brême, Halle, Ludwigsbourg, Schwetzingen et du Schleswig-Holstein. Parmi ses engage-ments ces dernières saisons, citons un récital au Walt Disney Hall et ses débuts avec le Los Angeles Philharmonic sous

la baguette de Gustavo Dudamel, ainsi que des concerts dans de prestigieuses salles de Chine telles que le Centre national des arts du spectacle de Pékin et le Shanghai Symphony Hall. Tout au long de sa carrière, elle s’attire de nombreux honneurs et un succès répété aux concours internationaux. Nommée ambassadrice culturelle de Lettonie (prix d’Excellence de la Culture 2015 reçu des mains du ministre letton de la Culture), elle est la première organiste à recevoir le titre de Meilleure interprète lors de la remise de l’ECHO Klassik 2005. En 2008, Arte lui consacre le documentaire Les Envolées de l’orgue. En 2003, elle reçoit le Grand Prix de musique de Lettonie pour l’ensemble de sa carrière ainsi qu’un premier prix et quatre prix spéciaux au Concours international d’orgue M. Tariverdiev de Kaliningrad. En 2002, elle avait été finaliste du Concours international d’orgue de la Royal Bank de Calgary (Canada) et avait reçu le prix J. S. Bach. Iveta Apkalna a étudié le piano et l’orgue à l’Académie de musique Jāzeps Vitols de Riga avant de se perfectionner à la Guildhall School of Music and Drama de Londres et à la Hochschule für Musik de Stuttgart. Très engagée en faveur du répertoire contempo-rain, elle interprète les compositions de Naji Hakim, Ēriks Ešenvalds, Arturs

LES INTERPRÈTES

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Maskats ou Thierry Escaich. Avec l’Orchestre Royal du Concertgebouw d’Amsterdam, elle a donné en création mondiale Multiversum de Péter Eötvös, objet d’une vaste tournée européenne. Iveta Apkalna est née à Rēzekne en Lettonie et réside aujourd’hui entre sa ville natale et Berlin.

Mariss JansonsMariss Jansons s’impose comme l’un des chefs d’orchestre les plus mar-quants d’aujourd’hui. Né à Riga en 1943, fils du chef d’orchestre Arvīds Jansons, il suit une formation poussée en violon, piano et direction au Conservatoire de Leningrad puis se perfectionne à Vienne auprès d’Hans Swarowsky et à Salzburg auprès d’Herbert von Karajan. En 1971, il est lauréat du Concours de direction de la Fondation Herbert von Karajan de Berlin et est nommé la même année assistant d’Evgeny Mravinsky face à l’Orchestre Philharmonique de Léningrad (aujourd’hui Orchestre Philharmonique de Saint-Pétersbourg). Il a su maintenir des liens étroits avec cet orchestre, qu’il dirige régulière-ment jusqu’à 1999. De 1979 à 2000, Mariss Jansons est chef titulaire de l’Orchestre Philharmonique d’Oslo, qu’il hisse au rang d’ensemble inter-national. Il est également chef invité permanent du London Philharmonic Orchestra (1992-1997) et directeur musical du Pit tsburgh Symphony Orchestra (1997-2004). Depuis 2003,

Mariss Jansons occupe le poste de chef titulaire du Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks (BRSO). De 2004 à 2015, il est également nommé chef titulaire de l’Orchestre Royal du Concertgebouw d’Amsterdam. En plus de ces deux formations, il colla-bore régulièrement avec les Berliner et les Wiener Philharmoniker. En 2016, il dirige pour la troisième fois le fameux concert du Nouvel An à Vienne. Avec le BRSO, Mariss Jansons est l’invité de quasiment toutes les capitales et villes de festival du monde. Rappelons sa pre-mière tournée avec le BRSO en Chine et au Japon en 2005, dont les concerts ont été salués par la presse japonaise comme les meilleurs de la saison. En 2012, la société des critiques musicaux japonais a nommé leur cycle des sym-phonies de Beethoven Meilleur concert d’un ensemble étranger de l’année. Par ailleurs, le BRSO et Mariss Jansons se produisent régulièrement au Festival de Pâques de Lucerne, où l’orchestre est en résidence. La collaboration avec les jeunes musiciens constitue une prio-rité pour Mariss Jansons. À Munich, il donne de nombreux concerts avec divers orchestres de jeunes de Bavière ainsi qu’avec l’Académie du BRSO. Nombre de disques et de DVD enre-gistrés avec le Chœur et l’Orchestre de la Radio Bavaroise témoignent du vaste répertoire de Mariss Jansons (notamment une intégrale des sym-phonies de Chostakovitch en 2005).

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En 2006, son enregistrement de la Symphonie no 13 reçoit le Grammy Award de la meilleure performance orchestrale. Mariss Jansons est consa-cré chef d’orchestre de l’année 2007 par l’ECHO Klassik, et en 2011 par le magazine Opernwelt. Sous sa direction, le BRSO reçoit l’ECHO Klassik en 2010 (orchestre de l’année) pour l’enregistre-ment de la Symphonie no 7 de Bruckner. Récompensé à de nombreuses reprises pour ses réalisations dans le domaine de l’art et de la culture, Mariss Jansons est décoré de l’Ordre royal du Mérite de Norvège, de la croix d’honneur pour les Sciences et l’Art d’Autriche, de la médaille des Trois Étoiles de la République de Lettonie et de l’Ordre de Maximilien de Bavière. En 2013, il reçoit la croix fédérale du Mérite d’Allemagne, est fait chevalier de l’Ordre du Lion des Pays-Bas et commandeur dans l’Ordre des Arts et des Lettres. Pour l’ensemble de sa carrière, il se voit remettre, en mars 2015, le Grand Prix de musique de Lettonie, plus haute distinction artistique du pays. En novembre 2017, il devient le 104e lauréat de la Médaille d’or de la Royal Philharmonic Society’s – l’une des récompenses les plus presti-gieuses du monde musical. Les Berliner Philharmoniker lui expriment leur grati-tude de leur fructueuse collaboration en le faisant membre honoraire en jan-vier 2018 – un statut qui lui est conféré également en juin de la même année par les Wiener Philharmoniker. Pour

l’ensemble de sa carrière musicale, le Danemark l’honore, en mars 2018, du Léonie Sonning Music Prize, plus haute récompense du pays. Le Festival de Salzbourg lui octroie le « Festival Brooch with rubies » en août 2018.

Symphonieorchester des Bayerischen RundfunksFondé en 1949 par Eugen Jochum, le Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks (Orchestre Symphonique de la Radiodiffusion Bavaroise, BRSO) s’est très vite acquis une solide réputa-tion internationale que ses chefs titulaires, Rafael Kubelík, Sir Colin Davis et Lorin Maazel, ont chacun contribué à asseoir. Mariss Janson, qui occupe cette fonction depuis 2003, définit aujourd’hui de nouvelles perspectives pour l’orchestre. En plus des œuvres classiques et romantiques, l’ensemble met fortement l’accent sur le répertoire contemporain, en lien avec la série musica viva fondée en 1945 par Karl Amadeus Hartmann. Dès sa création, il s’est donné pour priorité de promouvoir le travail de compositeurs tels qu’Igor Stravinski, Darius Milhaud ou plus récemment Karlheinz Stockhausen, Mauricio Kagel, Luciano Berio et Péter Eötvös – lesquels sont aussi venus diriger leurs œuvres. De grands chefs invités ont marqué l’histoire de l’orchestre : des maestros comme Erich et Carlos Kleiber, Otto Klemperer, Leonard Bernstein, Sir Georg Solti,

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Maria Giulini, Kurt Sanderling ou, plus récemment, Bernard Haitink, Riccardo Muti, Esa-Pekka Salonen, Herbert Blomstedt, Daniel Harding, Yannick Nézet-Séguin, Sir Simon Rattle et Andris Nelsons. En plus de ses nombreux concerts à Munich et dans d’autres villes d’Allemagne, l’ensemble est régulière-ment conduit dans de vastes tournées dans presque tous les pays d’Europe, en Asie ainsi qu’en Amérique du Nord et du Sud. Il est régulièrement invité à se produire au Carnegie Hall de New York et dans les capitales musicales du Japon. Depuis 2004, sous la direction de Mariss Jansons, il est également orchestre en résidence du Festival de Pâques de Lucerne. L’orchestre accorde un intérêt particulier à l’encourage-ment des nouvelles générations. Dans le cadre du Concours international de l’ARD, il accompagne les jeunes musiciens lors des derniers tours, puis les lauréats pour le concert sympho-nique de clôture. Depuis octobre 2001, il organise une académie qui prépare les jeunes musiciens à leur carrière et leur offre un pont entre formation et vie professionnelle. Par ailleurs, l’orchestre développe avec convic-tion une large palette d’activités pour sensibiliser les jeunes à la musique classique. Travaillant avec de grands labels et, depuis septembre 2009, avec le label de la Radio Bavaroise BR-KLASSIK, l’ensemble enregistre une vaste discographie, qui lui vaut

régulièrement des prix nationaux et internationaux. Son enregistrement de la Symphonie no 6 de Mahler sous la direction de Daniel Harding, paru en novembre 2016, a obtenu un Diapason d’or. Depuis de nombreuses années, Le BRSO est considéré par la critique inter-nationale comme l’une des meilleures phalanges au monde. Plus récemment, ses concerts au Japon, en novembre 2018, sous la baguette de Zubin Mehta, ont été classés au premier rang des meilleurs concerts de l’année. Son enregistrement de la Symphonie no 3 de Mahler sous la direction de Bernard Haitink est consacré enregistrement de l’année 2018 par le BBC Music Magazine, et sa Symphonie no 8 de Bruckner, avec Mariss Jansons, reçoit le prix de la critique de disques allemande.

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Violons IRadoslaw SzulcAnton BarachovskyTobias SteymansThomas ReifJulita SmolenMichael ChristiansPeter RiehmCorinna Clauser-FalkFranz Scheuerer

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Michael FriedrichAndrea KarpinskiDaniel NodelMarije GrevinkNicola BirkhanKarin LöfflerAnne SchoenholtzDaniela JungAndrea KimJohanna Pichlmair

Violons IIKorbinian AltenbergerJehye LeeHeather CottrellYi LiAndreas WohlmacherAngela KoeppenNicolaus Richter de VroeLeopold LercherKey-Thomas MärklBettina BernklauValérie GillardStephan HoeverDavid van DijkSusanna PietschCelina BäumerAmelie Böckheler

AltosHermann MenninghausWen Xiao ZhengBenedict HamesAndreas MarschikAnja KreynackeMathias SchesslInka Ameln

Klaus-Peter WeraniChristiane HörrVeronique BastianGiovanni MennaAlice Marie Weber

VioloncellesLionel CottetHanno SimonsStefan TrauerEva-Christiane LassmannJan Mischlich-AndresenUta ZenkeJaka StadlerFrederike Jehkul-SadlerSamuel LutzkerKatharina Jäckle

ContrebassesHeinrich BraunPhilipp StubenrauchWies de BoevéAlexandra ScottFrank ReineckePiotr StefaniakTeja AndresenLukas Richter

FlûtesPhilippe BouclyHenrik WiesePetra SchiesselNatalie SchwaabeIvanna Ternay

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HautboisStefan SchilliRamón Ortega QueroEmma SchiedTobias Vogelmann

ClarinettesStefan SchillingChristopher CorbettWerner MittelbachBettina FaissHeinrich Treydte

BassonsEberhard MarschallMarco PostinghelRainer SeidelSusanne Sonntag

CorsEric TerwilligerCarsten Carey DuffinUrsula KepserThomas RuhRalf SpringmannNorbert DausackerFrancois Bastian

LANCEMENT DE LA SAISON 2019-20

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SAMEDI 16 MARS 13h00 : Mise en vente des abonnements 3+ et 6+ ;LUNDI 25 MARS 12h00 : Mise en vente des abonnements jeunes (- 28 ans) ;LUNDI 6 MAI 12h00 : Mise en vente des places à l’unité, activités adultes et concerts en

famille ;LUNDI 27 MAI 12h00 : Mise en vente des activités enfants et familles en cycles ;LUNDI 24 JUIN 12h00 : Mise en vente des activités enfantset familles en séances

ponctuelle.

À VOS AGENDAS !

TrompettesHannes LäubinMartin AngererWolfgang LäubinThomas KiechleHerbert Zimmermann

TrombonesHansjörg ProfanterThomas HorchUwe SchrodiLukas Gassner

TubaStefan Tischler

TimbalesStefan ReuterRaymond Curfs

PercussionsMarkus SteckelerGuido MarggranderChristian Pilz

HarpeMagdalena Hoffmann

ClavierLukas Maria Kuen

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