S / S N * } / ® F R O M COVER:

W I L L I A M CHRISTIE, PHOTO MICHEL S/.IL.N

Photographies: PAGE 2 0 - ¿ 3 : T H O M A S MÜLLER

PAGE 2 1 : M ICHEL S J A B O

PRODUCER:

JEAN-PIERRE LOISIL ( 1 - 2 ( 1 ) ; M U R I N SAUER ( 2 L - . « ) ;

NICHOLAS PARKER ( 3 6 - 4 1 )

Sound engineer J EAN CHATAURET (1-35) ; MICHEL PIERRE ( 3 6 - 4 1 )

Editing: ALEXIA BCNOIT ( 1 - 3 1 ) : MARL IN SAUER ( 3 2 - 3 4 ) ;

NICHOLAS PARKER ( 3 6 - 4 1 )

RECORDING:

0 1 / 9 7 ( 1 - 2 0 ) , 1 0 / 9 6 ( 2 1 - 3 1 ) . SALIC W A G R A M , PARIS.

0 5 / 9 5 ( 3 2 - 3 5 ) , 0 5 / 9 4 ( 3 6 - 4 1 ) , SALLE DERCHICR, O P C R A - C O M I Q I I C . PARIS

Design:

L j Vache Noire

E m o Disques S.A., Paris, France 1999

.MAOE IN GERMANV BV WARNER MUSIC MANUFACTURING EUROPE

Unauthorized copying, hiring) public performance and

broadcasting of this recording prohibited

3984-26129-2

COH) EE BIT IÎFCORDING

Total: 70'36

MUSIQUE

BALLET J E A N - P H I L I P P E R A M E A U (1683-1764)

1 - 2 0 Les Fêtes d'Hebé 3 2 ' 4 6

2 1 - 3 1 Hippolyte et Aricie 2 0 ' 1 5

M A R C - A N T O I N E C H A R P E N T I E R 0 6 4 3 - 1 7 0 4 )

3 2 - 3 4 La Descente d'Orphée aux Enfers 5 ' 2 6

3 5 Les Plaisirs de Versailles l ' 5 8

3 6 - 4 1 Médée 9 '03

(excerpts)

Les Arts Florissants sont subventionnes par le Ministère de la Culture,

la Ville de Caen, le Conseil Régional de Basse-Normandie.

parraine les Arts Florissants depuis 1990.

L,e^m^ri'Si/Vl£i ri S S A n ts

WILLIAM C H I L I ^ T J R !

ERATO

1 9 7 9 - 1 9 9 9

ème<

A N N I V E R S A I R E

M U S I Q U E de

B A L L E T

RAMEAU - CHARPENTIER

M U S I Q U E «BALLET

W I L L I A M C H R I S T I E

J E A N - P H I L I P P E RAMEAU (1683-1764)

Les Fêtes d'Hébé

1 Prologue - Ouverture 4'05

2 Scène 4 : air gai 1*29

3 Scène 4 : Bourrée 0'49

4 Scène 4 : Air gracieux pour Zéphir et les Grâces 1 '00

Première entrée : La Poésie

5 Scène 8 : Premier et Deuxième tambourins l'57

6 Scène 8 : Premier et Deuxième rigaudons l'54

Deuxième entrée : La Musique

7 Scène 5 : Ballet 0'59

8 Scène 5 : Pour le génie de Mars l'09

9 Scène 5 : La Victoire l ' l6

10 Scène 5 : Premier et Deuxième rigaudons l'25

11 Scène 5 : Chaconne 3'43

Troisième entrée : La Danse

12 Scène 6 : Première et Deuxième gavottes 2'20

13 Scène 6 : Rigaudon 0'34

14 Scène 6 : Prélude (gai) 0'4l

15 Scène 7 : Loure grave 1*24

16 Scène 7 : : Premier et Deuxième menuets 2'32

17 Scène 7 ; Musette 1*31

18 Scène 7 : Tambourin en rondeau 1 '07

19 Scène 7 : Premier et Deuxième passepieds 2'17

20 Scène 7 : Contredanse 0'29

Hippolyte et Aride

21 Prologue : Ouverture 4' 10

22 Prologue, Scène 5 :

Air en rondeau pour les amours 1 '52

23 Prologue, Scène 5 : Premier menuet 1*35

24 Prologue, Scène 5 : Marche 0'38

25 Acte 1, scène 3 : Marche 1*16

26 Acte 2, scène 3 : Premier air des Furies 1 '48

27 Acte 3, scène 8 :

Premier et Deuxième airs des Matelots 2' 10

28 Acte 3, scène 8 : Premier rigaudon 0'29

29 Acte 4, scène 3 : Deuxième air des chasseurs 1*49

30 Acte 4, scène 3 : Premier et Deuxième menuets 2'44

31 Acte 5, scène finale :

Première et Deuxième gavottes 1 '44

MARC-ANTOINE CHARPENTIER (1643-1704)

La Descente d'Orphée aux Enfers

32 Ouverture 2'53

33 Acte I, scène 1 : Entrée des Nymphes 1*22

34 Acte II, scène 2 : Les Fantômes 1*11

Les Plaisirs de Versailles

35 Ouverture 1*58

Médée

36 Prologue : Ouverture 1*52

37 Loure 2'56

38 Acte 1, scène 6 : Rondeau des Corinrhiens 1*14

39 Acte 1, scène 6 : Entracte 0'36

40 Acte 3, scène 7 : Premier air pour les démons 1 '31

41 Acte 3, scène 7 : Seconde entrée des démons 0'54

DIDIER DURAND-BANCEL, CHAIRMAN AND MANAGING DIRECTOR OF ERATO DISQUES.

Erato is delighted to join Les Arts Florissants and their founder-conductor William Christie in the celebrations for

the first twenty years of their rich and varied existence.

Both William Christie and Erato have played a large part in the rediscovery of baroque music, and it was only a

matter of time before their paths crossed, providing the occasion for some exceptionally fine discs. Thus a number of

neglected pieces have been recorded, such as Grands Motets by Mondonville and Rameau, alongside more

celebrated compositions, including King Arthur and Die Zauberflote, works which William Christie and his

musicians imbue with new feeling.

As each recording was made in the wake of a series of concerts on tour, the resulting performances are all the richer

for the many hours of work and rehearsals and the various emotions experienced during the concerts, painstakingly

prepared by William Christie and his ensemble.

Erato therefore has the greatest pleasure in hoping that this anniversary may be followed by many more, and we

would like to wish a long and prosperous life to Les Arts Florissants and to our continued collaboration.

T R A N S L A T E D B Y M A R Y C R I S W 1 C K

D I D I E R DURAND-BANCEL , PRÉSIDENT D I R E C T E U R GÉNÉRAL D'ERATO DISQUES.

C'est une grande joie pour Erato de se joindre aux Arts Florissants et à leur chef et fondateur William Christie

pour fêter les vingt ans de leur riche parcours.

William Christie et Erato ont tous deux contribué à la redécouverte de la musique baroque. Il était donc naturel

que leurs destinées se croisent un jour pour donner naissance à d'exceptionelles réalisations discographiques. Ainsi

ont été enregistrées des œuvres méconnues telles les Grands Motets de Mondonville et de Rameau et des

partitions célèbres {le Roi Arthur, La Flûte Enchantée) que William Christie et ses musiciens appréhendent d'une

manière nouvelle.

Chaque enregistrement étant réalisé à la suite de tournées de concerts, le résultat que nous conservons provient de

nombreuses heures de travail, de répétitions, d'émotions rassemblées au cours des différents concerts et constitue

un véritable travail d'orfèvre de William Christie avec son ensemble. Que cet anniversaire soit suivi de nombreux

autres pour notre plus grand bonheur à tous ! Longue vie aux Arts Florissants et à notre collaboration !

D I D I E R DURAND-BANCEL , GESCHÄFTSFÜHRENDER D I R E K T O R ERATO DISQUES.

Mit großer Freude gratuliert Erato dem Ensemble Les Arts Florissants und seinem Dirigenten und Gründer William

Christie zu dem Weg, den sie in zwanzig ereignisreichen Jahren gemeinsan zurücklegten. William Christie leistete

ebenso wie Erato einen Beitrag zur Wiederentdeckung des barocken Repertoires. Es erstaunt daher kaum, daß ihre

Wege sich kreuzten und daß durch ihre Zusammenarbeit Schallplattenaufnahmen außergewöhnlicher Qualität

entstanden. Zu ihren gemeinsamen Aufnahmen zählten weitgehend unbekannte Werke wie die Großen Motetten

Mondonvilles und Rameaus, ebenso jedoch berühmte Partituren {King Arthur, Die Zauberflöte), die von William

Christie und seinen Musikern neu gesehen und interpretiert wurden. Da jede Einspielung im Anschluß an eine

Reihe von Konzerttourneen entstand, ist das bleibende Produkt das Ergebnis zahlreicher Arbeitsstunden, Proben

und starker emorionaler Eindrücke, die während der unterschiedlichen Konzerte gewonnen wurden - eine kunstvolle

Arbeit mit Liebe zum Detail, die William Christie hier mit seinem Ensemble leistete.

Mögen - zu unserer aller Glück - auf dieses Jubiläum noch viele weitere folgen! Ein langes Leben den Arts Florissants

und unserer Zusammenarbeit! Ü B E R S E T Z U N G : A L M U T L E N Z - K O N R A D

LES ARTS FLORISSANTS ON T H E I R 2 0 T H ANNIVERSARY W I L L I A M C H R I S T I E

I have to admit to a certain wistful feeling when I think back to the beginnings of Les Arts Florissants in 1979. At that rime I

was surrounded by young musicians, singers and instrumentalists, all fired by a single passion, that of singing and playing the

music they loved.

We had to struggle to gain recognition, and fight against a widespread belief that the only real performers of baroque music

had to be foreign. I am only too happy to have been able to prove the opposite and build up what I refer to as a dynamic

French sonority, which could be seen as our trademark.

My memories are so crowded and so filled with a variety of emotions that I can hardly single out the best. Both in the music

and with the musicians I have lived through radically different experiences which nevertheless all remain very vivid: one of the

very fust concerts ever given by Les Arts Florissants, the opera by Marc-Antoine Charpentier of the same name Les Arts

florissants; the first productions with Pierre Barrat; my first collaboration with Jean-Marie Villégier as well as the first

performance of Médée at the Opéra-Comique, my work since 1989 at the Festival d'Aix-en-Provence, where we performed

The Fairy Queen produced by Adrian Noble and Les Indes galantes in a production by Alfredo Arias, not to mention the

regular collaborations with Robert Carsen abroad including King Arthur at Covent Garden in London, and ten years of work

with the Brooklyn Academy of Music in New York - these have all provided enormously important operatic experiences.

Les Arts Florissants is one of the few ensembles to have trained an entire generation of singers and players who today feature

among rhe very best in their field. Many of them have left the nest and taken wing, while yet others remain with Les Arts

Florissants. It has ever been my aim to pass on my love for this music, and the pleasure I take in performing it. In fact teaching

is one the the aspects of my profession that I most enjoy, and the fact that the teaching of both singing and music has greatly

developed over the past twenty years is a subject for congratulation.

We have always tried to enable the singer to enjoy his or her own space on stags, and aimed to bring the audience closer to the action, so

that they have a difrerent relationship with the stage from that experienced in concert. This started out by performing concerts without

music, presented with an eye on the visual aspects so as to give a sense of the stage action, and as we grew bolder, we gradually built up a

spatialization of the music. This is absolutely fundamental fbt the singer whose inteipretation is thereby given wings, as well as for the

public who thus feels closely involved in the performance. It is my hope that in the world of music, Médée will one day be as popular as

Tosca or Peliéas. In some ways we have added an extra dimension to what we call the "repertoire", and given it a définitive new "sound".

Even the smallest of all these concerts I have directed over the last twenty years gives rise to a vivid memory of intense emotions shared

with the audience and musicians alike, a certain alchemy which cannot be quantified in relation to the pure pleasure that results from

such œmmunication. If I had but one wish for the future, it would be to provide Les Arts Florissants with a regular rehearsal room and

concert hall. No better homage could be paid to both the music and its public.

LES ARTS FLORISSANTS O N T V I N G T ANS W I L L I A M C H R I S T I E

Ce n'est pas sans une certaine nostalgie que je repense à la fondation des Arts Florissants, en 1979. J étais alors entouré de jeunes

musiciens, chanteurs et instrumentistes, animés d'une passion commune : chanter et jouer ensemble la musique qu'ils aimaient.

Nous avons dû nous battre pour gagner une véritable reconnaissance, et combattre l'idée, très répandue dans le milieu musical de

l'époque, qui voulait que les seuls vrais interprètes de la musique baroque fussent les étrangers. Je suis heureux d'avoir apporté la

preuve du contraire, en créant ce que j'appellerais une dynamique à la française, une sonorité, une griffe.

Mes souvenirs sont si nombreux et si chargés d'émotions diverses que je ne saurais donner ma préférence à aucun. À la fois dans

l'effectif et dans le répertoire, j'ai vécu des moments radicalement différents, mais dont l'intensité reste très vive dans mon cœur :

l'un des tout premiers concerts donnés par Les Arts Florissants, l'opéra Les Arts Florissants de Marc-Antoine Charpentier, les

premières mises en scène avec Pierre Barrât, mon premier Travail avec Jean-Marie Villégïer, ainsi que la création de Médée à l'Opéra

Comique, mon travail au Festival d'Aix-en-Provence depuis 1989 {The Fairy Queen mis en scène par Adrian Noble, Les Indes

galantes dans la production d'Alfredo Arias), ma collaboration régulière avec Robert Carsen, les représentations à Lx>ndres {King

Arthur à Covent Garden), dix ans de travail avec la Brooklyn Academy of Music à New York) sont rous des moments lyriques qui

ont énormément compté.

Les Arts Florissants sont l'un des rares ensembles à avoir formé des générations de chanteurs et d'instrumentistes, qui figurent

aujourd'hui parmi les meilleurs de leur spécialité. Beaucoup sont partis et volent maintenant de leurs propres ailes, d'autres sont

toujours présents au sein des Arts Florissants. Je me suis toujours efforcé de leur transmettre mon goût pour cette musique et le

plaisir que j'ai à l'interpréter. La tâche de pédagogue est de celles qui me passionnent le plus dans mon métier, et la pédagogie du

chant et de la musique a énormément évolué depuis vingt ans, ce dont je me félicite.

Par ailleurs, nous avons toujours cherché à permettre au chanteur de vivre son espace scéniquement et au spectateur d'être plus

proche de l'action, d'avoir un rapport à la scène différent de celui que l'on a d'ordinaire au concert. Cela a débuté avec de petits

concerts mémorisés et présentés de façon à visualiser succintement l'action, puis l'expérience aidant, nous avons peu à peu instauré

une véritable "mise en espace" de la musique. C'est absolument primordial et pour le chanteur, qui y trouve une grande liberté, et

pour le public, qui se sent intimement impliqué dans la relation qu'il peut avoir au concert. J'ai bon espoir que bientôt, aux yeux

du monde musical, Médée sera aussi populaire, aussis souvent reprise que Tosca ou PelUas. Nous avons en quelque sorte donné une

autre dimension à ce que l'on appelle aujourd'hui le "répertoire" et définitivement imposé un nouveau son".

Au plus petit des concerts dirigés pendant ces vingt ans reste toujours attaché le souvenir vibrant d'une émotion intense partagée

avec le public et les musiciens, une alchimie et une communion qui n'ont pas de prix au regard du bonheur qui en découle. Et si

je devais formuler un souhait pour l'avenir, ce serait de pouvoir doter l'ensemble d'un lieu de répétition et de concerts : quelle plus

belle façon de rendre hommage à la musique et au public ?

LES ARTS FLORISSANTS FE IERN ZWANZIGJÄHRIGES BESTEHEN W I L L I A M C H R I S T I E

An die Gründung der Arts Florissants im Jahre 1979 denke ich immer mit leiser Vvfehmut zurück Ich war damals umgeben von jungen

Musikern, Sängern und kistrumentalisten mit einer gemeinsamen Leidenscharc wir alle wollten die Musik singen und spielen, die wir liebten.

Wir mußten einige Hürden nehmen, um anerkannt zu werden. Damals herrschte in musikalischen Kreisen die Vorstellung, daß die einzig

wahren Interpreten von Barockmusik aus dem Ausland stammen müßten. Umso glücklicher schätze ich mich, durch die Entwicklung einer

für mich typisch französischen Dynamik, eines unverwechselbaren Klangs, ja eines Markenzeichens, das Gegenteil bewiesen zu haben.

Meine Erinnerungen sind so zahlreich und so emorionsgeladen, daß es mir schwerfällt eine davon besonders hervorzuheben. Irinerhalb des

Ensembles und in unserem Repertoire habe ich ganz imterschiedliche Momente erlebt, deren Intensität jedoch in meinem Herzen lebendig

geblieben ist Ich denke an eines der ersten Konzerte der Arts Florissants, die Oper Les Arts Florissants von Marc-Antoine Charpentier, die erste

Inszenierungen mit Pierre Barrat, meine erste Zusammenarbeit mit Jean-Marie ViUegier, ebenso wie die Urauffulirung von Meaee an der Opera

Comique, meine Mitwirkung beim Musikfesrival von Aix-en-Provence seit 1989 (The Fairy Queen in einer Inszenierung Adrian Nobles, Les

Indes Galantes in der Produktion von Alfredo Arias), ganz zu schweigen von meiner regelmäßigen Zusammenarbeit mit Robert Carsen im

Ausland (King Arthur in Covent Garden in London, zehn Jahre Gemeinschaftsarbeit mit der Brooklyn Academy of Music in New York) -

wahrhaft lyrische Augenblicke, von denen ich keinen missen möchte.

Als eines von nur wenigen Ensembles bildeten Les Arts Florissants Generationen von Sängern und Iristrumentalisten aus, die heute zu den

besten ihrer Fachrichtung zählen. Viele ehemalige Mitglieder sind ausgeschieden und stehen heute auf eigenen Füßen, andere gehören

vveiterhin zum Ensemble. Ich habe mich immer bemüht, ihnen meine Vorliebe für diese Musik und meine Freude an ihrer Interpretation zu

vermitteln. De pädagogische Arbeit gehört für mich zu den interessantesten Komponenten meines Berufs, und die Lehrmethoden in Gesang

und Musik haben sich in den letzten zwanzig Jahren grundlegend gewandelt, was ich nur begrüßen kann.

Wir waren in unserer Arbeit immer bestrebt, den Sänger seinen Raum szenisch erleben zu lassen und dem Zuschauer mehr Nähe zum

Geschehen, einen anderen Blick auf die Bühne zu ermögjichen, als dies gewöhnlich beim Konzert der Fall ist Am Anfang standen dabei kurze,

aus dem Gedädimis gespielte Konzerte, deren Präsentation es ermöglichte, die Handlung in knapper Form zu veranschaulichen. Mit

zunehmender Enahrung gelang es mehr und mehr, die Musik auch als ..raumliches" Erlebnis erfahrbar zu machen. Dies ist von größter

Bedeutung, sowohl für den Sänger und dessen interpretatorische Freiheit, als auch für das I\iblikum, das so enger in das Konzert eingebunden

wird Ich habe die begründete Hoffnung, daß die Musikwelt ein Werk wie Medee schon bald ebenso schätzen und ebenso häufig aufführen

wird wie Tosca oder Pelkas. Durch unsere Arbeit erhielt die heute als ,jRerxrtoire" bezeichnete Musik eine neue Dimension und mit Sicherhei

einen neuen „Ton". Mit jedem Ideinsten der Konzerte, die ich in den letzten zwanzig Jahren leitete, bleibt die lebendige Erinnerung an ein

intensives emotionales Erlebnis mit dem I\jjblikum und den Musikern verbunden, ein matsches Miteinander dessen Glück keinen Reis hat

Für die Zukunft wäre es mein größter Wunsch, dem Ensemble einen festen Raum für Proben und Konzerte zur Verfügung stellen zu können:

was gäbe es Schöneres, um Musik und Publikum führend zu würdigen? Ü B E R S E T Z U N G : A L M U T L E N Z - K O N R A D

MUSIQUE^BALLET

In The Dancing Master, a work which was published in Paris in 1725, Pierre Rameau, himself a dancing

master, wrote: "To the glory of our nation, we can say that it really has a true feeling for fine dancing. Far from

disagreeing with such a view, foreigners over the last century have come and admired our dancers and trained in our

schools; today, there is scarcely a court in Europe without a dancing master from our Nation."

The French tradition of dancing goes back to the court ballet which, for a century, between 1572 and 1671,

met the taste of French people for spectacle and dance. According to Abbé Michel de Marolles, the court ballet,

which came into being at the Court of the Valois, is something akin to a "dumb comedy in which every action is

represented by means of dance and costume, there being no words save in the recitations which are sung". One of

the most famous court ballets, the Ballet comique de la reine, which was danced in the presence of Henri III and the

queen mother, Catherine of Medici, was staged by the renowned Balthazar Beaujoyeux, who set out to get the ballet

"to speak and sing and make the action clear".

Following the period in which the court ballet flourished, there came the comedy-ballet which sprang from

the splendid collaboration between Lully and Molière; later there appeared the opera-ballet and the tragedy-ballet,

also known as the lyric tragedy or tragedy set to music, complete with whole series of minuets, passepieds, loures,

rigaudons, gavottes, chaconnes, dance pieces and dance symphonies; slow passages and quick passages came in

alternation, together with the appearance of ghosts and furies, the innocent games of nymphs and shepherds and

tumults of will-Vthe-wisps. Marc-Anroine Charpentiers masterpiece, Médée, a lyric tragedy set to words by Thomas

Corneille, enjoyed only limited success when it was first performed, but it contained a number of divertissements in

which dance featured prominently. Les Plaisirs de Versailles, a less grandiose work, was described by Charpentier as "a

piece for the king's appartments"; it was performed at Versailles in 1682 in the presence of Louis XIV, who was well-

known for his excellence as a dancer. Charpentier composed La Descente d'Orphée aux Enfers, a short opera, towards

A D É L A Ï D E D E P L A C E

vS^S/e^ vQ/SvS/^

the year 1686; it contained a considerable number of dance passages. More and more, dance was to play an

important role in the lyric theatre.

It was around this time that the first professional dancers began to appear on stage, leading to exciting

experiments in the art. Within a short time, everybody was applauding Camargo's entrechats, so much admired by

Casanova, and comparing her prowess with that of her rival, Marie Sallee, famed for her gracious and expressive

style. Louis Dupre', known as "the god of dance" enchanted spectators with his lightness, and Guillaume Louis

Pecour enjoyed great renown - it was said of him that "nobody could dispute his bearing, his speed of foot, the

diversity of his steps and the accuracy of his ear".

Rameau began his career as a composer for the lyric theatre with Hippolyte et Aricie, the first performance of

which was given at the Academie Royale de Musique on 1 October 1733. He was already aged fifty and was

therefore a late arrival on this particular scene; he was nevertheless equipped with a considerable body of experience.

His first essay in the art turned out to be a masterpiece and the press was unanimous in hailing him as one who

could "stand alongside the greatest masters, for he has lenr new character to this form of music". Six years later, on

21 May 1739, he gave the first performance of Les Fetes d'Hebe ou les Talents lyriques, an opera-ballet consisting of a

Prologue and three "Entries"; the title of the last of the entries, La Dame, denotes by its descriprion alone just how

much importance Rameau granted to the art of dancing.

There is infinite variation in the rhythms of Rameau's music for dance, the orchestral writing is astonishingly

lively and it is enhanced by an exceptional diversity of colouring; every aspect is carefully integrated into the drama

as a whole. Moreover, the whole feature of the dancing is designed to highlight the story of the plot. "The art of

dancing owes its entire progress to his varied and harmonic musical writing and to the elevated nature of his

expression in his arias." So wrote the choreographer, Jean Georges Noverre. T R A N S L A T I O N : J O H N S I G D W I C K

MUSIQUE DE BALLET

Adélaïde de Place

Dans « Le Maître à danser », ouvrage publié à Paris en 1725, Pierre Rameau, lui-même maître à danser,

écrivait : « Nous pouvons dire, à la gloire de notre Nation, qu'elle a véritablement le goût de la belle danse. Presque

tous les étrangers loin d'en disconvenir, viennent depuis près d'un siècle admirer nos danseurs, se former dans nos

spectacles et dans nos écoles, même il n'y a pas de cour dans l'Europe qui n'ait un maître à danser de notre Nation. »

La tradition française du ballet remonte au ballet de cour qui, durant un siècle, entre 1572 et 1671, répondit

au goût des Français pour le spectacle et pour la danse. Né à la cour des Valois, le ballet de cour ressemblait, selon

l'abbé Michel de Marolles, à une « comédie muette où toutes les actions se représentent par la danse et par les habits,

sans parler, excepté dans les récits qui se chantent ». L'un des plus fameux ballets de cour, le Ballet comique de la reine,

dansé en 1581 devant Henri III et la reine mère Catherine de Médicis, avait été mis en scène par le célèbre Balthazar

Beaujoyeux, qui entendait faire « parler le ballet et chanter et résonner la comédie ».

Après l'ère florissante du ballet de cour, vint le temps de la comédie-ballet due à la collaboration fructueuse

de Lully et de Molière, puis celui de l'opéra-ballet et de la tragédie-ballet, dite aussi tragédie lyrique ou tragédie en

musique, avec leur cortège de menuets, passepieds, Canaries, loures, rigaudons, gavottes, chaconnes, airs à danser et

symphonies de danses, avec leur succession de mouvements lents et de mouvements rapides, et leur défilé de furies et

de fantômes, leur horde de démons, leurs jeux de nymphes et de bergers innocents, leur tumulte d'esprits follets.

Chef-d'œuvre de Marc-Antoine Charpentier, Méde'e, rragédie lyrique sur un livret de Thomas Corneille, créée avec

un succès mitigé en 1693, incluait des divertissements faisant une large place à la danse. De moindres dimensions,

Les Plaisirs de Versailles, « pièce pour les appartements du roi », que Charpentier fit jouer en 1682 à Versailles, devant

Louis XIV qui, on le sait, excellait particulièrement dans l'art de la danse, et La Descente d'Orphée aux Enfers, petit

opéra qu'il composa vers 1686, suscitèrent également un geste chorégraphique. De plus en plus, le ballet était appelé

à jouer un rôle important dans la musique lyrique.

C'est à cette époque que parurent sur scène les premiers danseurs professionnels. Que d'expériences nouvelles !

On se plut bientôt à applaudir aux entrechars de la Camargo qui faisaient l'admiration de Casanova, au style

gracieux et expressif de sa rivale, Marie Salle, à la légèreté de Louis Dupré dit « le dieu de la danse », ou aux

dispositions de Guillaume Louis Pécour auquel disait-on, personne ne disputa jamais « le bon air, la vitesse de la

jambe, la diversité des pas et la justesse de l'oreille ».

C'est par une tragédie-ballet et un chef-d'œuvre, Hippolyte et Aricie, que Rameau débuta avec bonheur sa

carrière théâtrale, à l'Académie royale de Musique, le 1er octobre 1733. Déjà âgé de cinquante ans, il arrivait tard sur

la scène lyrique, mais n'en était pas moins armé d'une solide expérience. Ce coup d'essai fut un coup de maître et

dans son unanimité, la presse reconnut qu'il pouvait prétendre « égaler les plus grands maîtres [car] il a donné une

musique mâle et harmonieuse d'un caractère neuf ». Six ans plus tard, le 21 mai 1739, il créait un opéra-ballet en un

prologue et trois entrées, Les Fêtes d'Hêbé ou les Talents lyriques, dont la troisième entrée, La Danse, suffit par son titre

même à démontrer quelle place Rameau accordait à cet art.

Avec leurs rythmes variés à l'infini, les symphonies de danse ramistes, accompagnées par un orchestre

extraordinairement vivant, enrichi de coloris d'une exceptionnelle diversité, font partie intégrante du drame. Elles

conquièrent tout l'appareil instrumental de l'œuvre lyrique pour en colorer les intentions dramatiques. « C'est à la

composition variée et harmonique, c'est aux traits et aux conversations spirituelles qui régnent dans ses airs, que la

danse doit tous ses progrès », écrivit le chorégraphe Jean Georges Noverre.

MUSIQUE DE BALLET

Adélaïde de Place

In seinem 1725 in Paris erschienenen Stück Le Maître à danser bemerkte Pierre Rameau, der damals selbst als

Tanzmeister tätig war: „Zum Ruhm unserer Nation dürfen wir behaupten, daß ihr ein wirkliches Gespür für den

schönen Tanz eigen ist. Derselben Ansicht sind nahezu alle Fremden, die seit fast hundert Jahren in unser Land

kommen, um unsere Tänzer zu bewundern, sich von unseren Stücken inspirieren und an unseren Schulen ausbilden

zu lassen. Mehr noch - in ganz Europa gibt es keinen Fürstenhof, der nicht einen Tanzmeister unserer Nation

beschäftigen würde".

Die Tradition der französischen Tanzkunst geht auf das höfische Ballett (ballet de cour) zutück, welches ein

Jahrhundert lang - zwischen 1572 und 1671 - die Vorliebe der Franzosen für Schauspiel und Tanz widerspiegelte.

Am Hof der Valois entstanden, glich das ballet de cour nach den Worten des Abbé Michel de Marolies „... einer

stummen Komödie, in der sämtliche Handlungen durch den Tanz und die Kostüme dargestellt werden, ohne

Sprache, ausgenommen nur die gesungenen récits". Eines der berühmtesten ballets de cour, das Ballet comique de la

reine, wurde 1581 vor Heinrich III. und der Königinmutter Katharina von Medicis gesungen. Es war von dem

bekannten Balthazar Beaujoyeux inszeniert worden, dessen Absicht es war, „... das Ballett sprechen und die Komödie

singen und klingen zu lassen".

Nach der Blütezeit des ballet de cour brach die Zeit der Comédie-ballet an, die sich auf die ftuchtbare

Zusammenarbeit zwischen Lully und Molière gründete. Später kamen Opéra-ballet und Tragédie-ballet in Mode,

wobei die letztere auch als Tragédie lyrique oder Tragédie en musique bezeichnet wurde. All diese Stücke zeichneten

sich durch eine Vielfalt von Menuetten, Passepieds, Canaries, Loures, Rigaudons, Gavotten, Chaconnes, Airs à

danser und Symphonies de danses aus; in allen folgten langsame und schnelle Sätze in charakteristischer Weise

aufeinander. Sie waren bevölkert von Furien, Geistern und Dämonenscharen, vom Spiel der Nymphen und

unschuldiger Schäfer, und nicht zuletzt vom tollen Treiben der Kobolde. Betrachten wir Marc-Antoine Charpentiers

Meisterwerk Médée, eine Tragédie lyrique zu einem Libretto Thomas Corneilles, die 1693 mit gemischtem Erfolg

uraufgeführt wurde. Die Divertissements dieses Werks weisen dem Tanz eine herausragende Rolle zu. Ein Beispiel

bescheideneren Umfangs ist Les Plaisirs de Versailles, „... ein Stück für die königlichen Gemächer". Charpentier

brachte es 1682 in Versailles in Gegenwart Ludwigs XIV zur Aufführung, der sich bekanntlich selber ausgezeichnet

auf die Tanzkunst verstand. Oder La Descente d'Orphée aux Enfers, eine kurze Oper, die Charpentier um 1686

komponierte, und die, wie das vorhergehende Werk, eine choreographische Arbeit erforderte. Der Stellenwert des

Balletts in der lyrischen Musik nahm also spürbar zu.

Um diese Zeit erschienen auf den Bühnen die ersten professionellen Tänzer. Ein völlig neuartiges Erlebnis!

Schon bald applaudierte man begeistert den Kreuzsprüngen der Camargo, die selbst die Bewunderung eines

Casanova erregten, dem anmutigen und ausdrucksvollen Stil ihrer Rivalin Marie Salle, der sprichwörtlichen

Leichtigkeit Louis Duprés, auch der „Gott des Tanzes" genannt, oder den Anordnungen Guillaume Louis Pécours,

dem offenbar niemand je „... seine Noblesse, die Schnelligkeit der Beine, die Vielfalt der Schritte und die Feinheit

des Gehörs" abstritt.

Mit seiner Tragédie-ballet Hippolyte et Ariele, einem Meisterwerk, begann Rameau am 1.Oktober 1733

erfolgreich seine Theaterlaufbahn an der Académie royale de Musique. Damals bereits fünfzig Jahre alt, schlug er

seinen Weg als Opernkomponist erst spät ein, verfügte jedoch über einen reichen Erfahrungsschatz. Sein Versuch

geriet zum Geniestreich und die Presse bescheinigte ihm einhellig, daß er es „mit den größten Meistern" aufnehmen

könnte, „... da er eine kraftvolle und harmonische Musik völlig neuer Art" gegeben hätte. Sechs Jahre später, am

21 .Mai 1739, brachte er eine Opéra-ballet in einem Prolog und drei Akten zur Uraufführung: Les Fêtes d'Hébé ou les

Talents lyriques {Hebes Fest oder Die Lyrischen Talente). Schon der Titel des dritten Akts, La Danse, beweist, welchen

Stellenwert Rameau dieser Kunst einräumte.

Mit ihren unerschöpflich variierten Rhythmen, ihrer schillernden und komplexen Orchesterbegleirung, sind

Rameaus Symphonies de danse ein vollwertiger Bestandteil des Dramas. Sie erstrecken sich auf sämtliche

Instrumente des lyrischen Werkes, dessen dramatische Intentionen sie untermalen. Wie der Choreograph Jean

Georges Noverre einmal bemerkte: „Erst seine abwechslungsreiche und harmonische Komposition, die geistvollen

Elemente und Dialoge in seinen Arien, machten die Weiterentwicklung des Tanzes möglich".

Ü B E R S E T Z U N G : A L M U T L E N Z - K O N R A D

CHARPENTIER

Médée

"In short this is the performance Charpentiers

opera deserves."

"Outstanding" BBC Musk magazine, April 1995 10 by Luister

Gramophone Awards nomination 1996

4 5 0 9 - 9 6 5 5 8 - 2

4 5 0 9 - 9 8 4 8 6 - 2 (highlights)

CHARPENTIER

La Descente d'Orphée aux Enfers

"Record of the year for me, with tenor

Paul Agnew singing his heart out as Orpheus."

Gramophone, December 1996

Gramophone Awards nomination 1996

Editor's choice Gramophone

Critics' Choice Gramophone 1996

(Lindsay Kemp)

0 6 3 0 - 1 1 9 1 3 - 2

CHARPENTIER

Divertissements, airs et concerts

to be released January 1999

3 9 8 4 - 2 5 4 8 5 - 2

CHARPENTIER

Les Plaisirs de Versailles

"Dans cette arène ludique où la grâce côtoie la

bouffonnerie, chanteurs et musiciens des Arts

Florissants enchantent, exultent, jubilent."

Répertoire, February 1997 10 Best Records o f the Month

( R I T M O ) , J a n 1997

0 6 3 0 - 1 4 7 7 4 - 2

COU P E RI N " F i r s c c h o i c e i n B B C R a d i o 3 " B u i l d i

. v l a Library", 22/01/1997 Leçons de 1 enebres "Avec Christie et ses deux solistes, l'on franchit un

pas vers la perfection..." Diapason, April 1997

0 6 3 0 - 1 7 0 6 7 - 2

HANDEL

Orlando (3 CD)

"Christie läßt mit kräftigeren Farben malen,

schärft die Kontraste und entfacht ein loderndes

Bühnenfeuer auf höchstem technischen und

musikalischen Niveau ".

Fono Forum, Germany, December 1996

0 6 3 0 - 1 4 6 3 6 - 2

0 6 3 0 - 1 7 3 5 2 - 2 (highlights)

3 9 8 4 - 2 3 4 1 8 - 2

LANDI

Il Sant'Alessio (2 CD)

"Voilà donc une révélation du répertoire, dans un

domaine indécis entre opéra et oratorio, à travers

une interprétation qui semble bien idéale."

Répertoire, October 1996

"Une découverte électrisante"

La Croix, October 1996

M O N D O N V I L L E

Les Grands Motets

" [...] William Christie and Les Arts Florissants give you a

silk purse." Observer, 19 October 1997

o f the year 1998

"The three French grands motets recorded here are an

absolute treasure, offering, among much else, French

gravity, robust counterpoint, astonishingly vivid

orchestration and constantly beguiling melody."

% December 1997

Nominated for the Victoires de la

Musique 1997

0 6 3 0 - 1 7 7 9 1 - 2

D'INDIA

Italian madrigals

Released in November 1998

Quarterly mention

"Preis der Deutschen Schallplattenkritik",

November 1996

MONTEVERDI

Vespro della Beata Vergine (2 CD)

"This really does sound like music for a feast day."

The Guardian, 11 September 1998

"Even if you've already got more than one Vespers

on the shelves, make room for this one. It's up with

the best of them." Classic CD, October 1998

Classic C D choice o f the month,

O c t o b e r l 9 9 8

Performance o f outsranding quality

( B B C Music Magazine), Ocrober 1998

C D choice in Classic F M ,

November 1998

0 6 3 0 - 1 1 9 1 3 - 2

MOZART

Die Entführung aus dem Serail (2 CD)

To be released in January 1999

3 9 8 4 - 2 5 4 9 0 - 2

MOZART

Die Zauberflote (2 CD) ^ "None so far has bettered William Christie's Magic

Flute, with its lively young cast and spritely orchestral Classical C D of the week (The

playing." The Guardian, 24 October, 1997

"Simply ishge." Australian Outrage, November 1996

Guardian, 15/03/96)

Grammy Award nominarion 1996

(classical producer of rhe year)

Danish Classical Award nomination

1996

0 6 3 0 - 1 2 7 0 5 - 2

0 6 3 0 - 1 2 9 5 1 - 2 (highlighrs)

Mo 2 AST

MOZART

Requiem

"There is a sharper cutting edge, an acute

awareness of the music's intrinsic drama that

makes for an invigorating and moving

experience.. "Classic CD, November 1995

"La verve des Arts Florissants, la cohérence de la

distribution et rengagement de Christie rendent

cette fête complète." Le Monde, October 1996

0 6 3 0 - 1 0 6 9 7 - 2

Grammy Awards.

(best choral performance award

to conductor & chorus master)

PURCELL

Dido and Aeneas

"Christie's new Erato disc wins hands down, for

this is perhaps the liveliest, freshest, most

exhilarating Dido on record",

Sunday Times, February 1995

PURCELL

King Arthur (2 CD)

"There is surely no other ensemble so brilliant at bringing Purcell to life."

The Times, 24 September, 1997

Gramophone Award 1995

Disc of the month, Classic C D

"Victoires de la Musique"

1995

R A M E A U

Les Grands Motets

"Expect music with an immediate appeal and

subtle sophistication. In this sort of repertoire

they're frankly unbeatable. Bravo!"

Classic CD, "On the cover disc" April 1995

Grand Prix de Discophiles 1994

Victoires de la Musique (Best Baroque

recording o f the year)

Prix Musique Baroque (Académie du

Disque Lyrique)

Prix de l'Académie Charles Cros

Gramophone Award 1995

R A M E A U

Les Fêtes d'Hébé (2 CD)

"S'agissam de Rameau et de Christie, un musicien a

rencontré son interprète." Repertoire, March 1998

"Nothing of Rameau's subde nuances is lost on this

experienced and sensitive ensemble and the result is

rewarding indeed." Gramophone, November 1998 Awards «J;

Winner '

3 9 8 4 - 2 1 0 6 4 - 2

R A M E A U

Hippolyte et Aricie

"La splendeur de la musique, l'extraordinaire

connivence que Christie entretient avec elle, rendent

de bout en bout passionnante cette oeuvre."

Le Monde de la Musique, March 1997

Gramophone Award 1997

Best C D s o f 1997 ( B B C Music)

Radio 3 Best opera recordings of the year

Record Academy Award

Best C D s of the year 1997 ( R 1 T M O )

Classical Cannes Award

«An absolute must [...]»

Early Music Review, 4 April, 1997

0 6 3 0 - 1 5 5 1 7 - 2

It is no accident that

Les Arts Florissants, founded in

1979 by the harpsichordist and

conductor William Christie,

have in their first twenty years

of existence become one of the

best-loved orchestral and vocal

ensembles in baroque music.

Their concert repertoire is

seemingly inexhaustible, including Marc-Antoine Charpenrier,

Campra, Moulime, Mondonville, Monteclair and Bouzignac,

and they have introduced much forgotten music to the public

Their most spectacular successes have been in stage productions,

from Purcell's Dido and Aeneas and Montevetdis // Balk delle

Ingrate, produced by Pierre Barrat for the Opera du Rhin in

1983, to the recent Hippolyte et Aride by Rameau performed at

the Palais Gamier in 1996. This last provided the occasion for

further collaboration with the exceptionally talented producer

Jean-Marie Villegier, who has been responsible for a number of

their greatest successes such as Lilly's Atys (1987), Le Malade

imaginaire by Moliere/Charpentier at the Theatre du Chatelet

in Paris (1990), La Fee Urgekby Duni and Favart (Salle Favart,

1991) and Medee by Charpentier (Caen, 1993). The Aix-en-

Provence festival provided the scene fot furthet triumphs such as

Purcell's The Fairy Queen, Les Indes galantes and Castor et Poüux

by Rameau, Mozart's Die Zauberflöte and Handel's Semele. Les

Arts Florissants, who have been resident artists in Caen, in the

Basse-Normandie region since 1990, are regularly invited by

the Brooklyn Academy of Music in New York, and have

greatly contributed to the dissemination of French music

throughout the world.

Although born in Buffalo William Chtistie has

been French since 1995. While in the USA he studied the

piano, organ and harpsichord, and met Ralph Kirkpatrick

who reinforced his love of French art, with the tesult that he

setded in Paris in 1971. Here he continued his harpsichord

studies with Kenneth Gilbert and David Fuller, and played

with the Five Centuries Ensemble whose repertoite

included the most contemporary works, before playing

organ and harpsichord in René Jacobs' Concerto Vocale.

It was in 1979 that his career really took wing, when he

founded Les Arts Florissants, an ensemble with whom he

was able to explore English, French and Italian music of the

17th and 18th centuties. Success followed in both concert

hall and opera house, and it is undoubtedly William

Chtistie who stage-managed the revival of French tragèdie

lyrique on stage. Together with the producers Jean-Marie

Villégier, Robert Carsen, Alfredo Arias, Pier Luigi Pizzi and

Jorge Lavelli, he is reponsible for some of the most

remarkable operatic productions of the last two decades of

this century, starting with Lilly's Atys which had audiences

enraptured at the Salle Favart in 1987.

William Christie is regularly invited to conduct

major orchestras, and has twice been guest conductor at

Glyndebourne for productions of Handel operas {Theodora,

1996, and Rodelinda, 1998). French music remains,

however, his preferred repertoire, and the revival of

composers such as Marc-Antoine Charpentiet, Rameau,

Couperin and Mondonville owes much to the American

who took over the early music class at the Pans

Conservatoite in 1982. He retained this post until 1995,

just two years after being awatded the Legion d'Honneur.

Depuis 1995, William Christie est français. Né à

Buffalo, il étudie le piano, l'orgue et le clavecin, et rencontre

Ralph Kirkpatrick qui le confirme dans son goût pour l'art

français. Installé à Paris en 1971, il poursuit ses études de

clavecin avec Kenneth Gilbert et David Fuller, fait partie du

Five Centuries Ensemble, dont le répertoire s'étend

jusqu'aux œuvres les plus contemporaines, puis tient l'orgue

et le clavecin dans le Concerto Vocale que dirige René

Jacobs. C'est en 1979 que sa carrière prend véritablement

son essor avec la fondation de l'ensemble Les Arts

Florissants, avec lequel il entend explorer le patrimoine

musical anglais, français et italien des XVII e et XVIII e

siècles. Au concert, mais également sur les scènes d'opéra, les

triomphes se succèdent. C'est sans conteste à William

Christie que l'on doit le grand retour, à l'opéra, de la tragédie

lyrique à la française. Avec les metteurs en scène Jean-Marie

Villégier, Robert Carsen, Alfredo Arias, Pier Luigi Pizzi,

Jorge Lavelli, il est à l'origine de productions lyriques qui

comptent parmi les plus remarquables des deux dernières

décennies, à commencer par cet Atys de Lully qui fit rêver les

spectateurs de la salle Favart en 1987. Régulièrement invité

par de grands orchestres, William Christie a été, par deux

fois, l'hôte du Festival de Glyndebourne pour des

productions d'opéras de Haendel {Theodora, 1996,

Rodelinda, 1998). Mais c'est la musique française qui

demeure l'un de ses répertoires de prédilection : Marc-

Antoine Charpentier, Rameau, Couperin, Mondonville :

leur redécouverte doit beaucoup à celui qui, en 1982, prit en

charge la classe de musique ancienne au Conservatoire

National de Musique de Paris, qu'il conserva jusqu'en 1995,

deux ans après avoir été décoré de la Légion d'honneur.

Ce n'est pas un hasard si Les

Arts Florissants, fondés en

1979 par le claveciniste et chef

d'orchestre William Christie,

sont devenus en tout juste

vingt ans l'un des ensembles

orchestraux et vocaux les plus

appréciés des amateurs de

musique baroque. Marc-

Antoine Charpentier, Campra,

Moulinié, Mondonville, Montéclair, Bouzignac...: au concert,

leur répertoire est inépuisable et on leur doit de nombreuses

redécouvertes. Mais c'est sans doute la scène lyrique qui leur a

offert leurs réussites les plus spectaculaires, depuis Didon et

Enée de Purcell et // Ballo délie Ingrate de Monteverdi, mis en

scène par Pierre Barrât à l'Opéra du Rhin en 1983, au récent

Hippolyte et Aride de Rameau au Palais Garnier (1996), qui

leur a permis de retrouver une fois encore Jean-Marie

Villégier, incomparable homme de théâtre auquel ils doivent

certains de leurs plus grands succès, Atys de Lully (salle Favart,

1997), Le Malade imaginaire de Molière/Charpentier

(Châtelet, 1990), La Fée Urgèleàt Duni et Favart (salle Favart,

1991), Médéede Charpentier (Caen, 1993). Le Festival d'Aix-

en-Provence leur a offert d'autres triomphes, avec The Fairy

Queen de Purcell, Les Indes galantes et Castor et Pollux de

Rameau, La Flûte enchantée de Mozart et Sémélé de

Haendel. Régulièrement invités par la Brooklyn Academy

of Music de New York, les Arts Florissants, en résidence à

Caen dans la région Basse-Normandie depuis 1990, ont

largement contribué au rayonnement de la musique

française dans le monde.

Der in Buflalo geborene William Christie ist seit 1995

französischer Staatsbürger. Er hat Klavier, Orgel und Cembalo studiert

Seine Begegnung mit Ralph förkpatrick fördert seine Vorliebe für die

französische Kunst 1971 läßt et sich in Paris nieder, wo er bdKermeth

Gilbert und David Füller sein Cembalospiel vervollkommnet Er tritt

dem Frve Centimes Ensemble bei, dessen Repertoire sich bis auf die

modernsten Werke erstreck, und wird Organist und Cembalrst in

dem Ensemble Concertjo Vocale, dessen musikalischer Leiter Rene

Jacobs ist. Seine eigentliche Karriere beginn mit der Gründung des

Ensembles Les Ans Florissants, das sich die Pflege des englischen,

französischen und italienischen musikalischen Erbes des 17. und 18.

Jahrhunderts zur Autgabe gemacht hat Im Konzertsaal, aber auch auf

der Opembühne reiht sich ein Triumph an den anderen. Es besteht

kein Zweifel daran, daß wir die Wedcraitdeckung der französischen

'Tragpdie lyrique' für die Opembühne William Christie zu verdanken

haben. Seine Neueinstudieningen von Opern in Zusammenarbeit

mit den Regisseuren Jean-Marie ViUegjer, Robert Carsen, Alfredo

Arias, Pier Luigi Pizzi, Jorge LavelH gehören zu den

bemerkenswerKSKn der letzten zwanzig Jahre, angefangen mit der

ALiffufirung der Oper Atyswn LuUy im Jahre 1987, die das Publikum

des Pariser Eavart-Saales zu Begekeorngsstürmen hinriß. William

Christie wird regelmäßig von den renommiertesten Otchestem

geladen; zweimal hat er bei den Glyndeboume-Festspielen mitgewirkt

wo er Opern von Händel, {Theodora, 1996, und Fodelinda, 1998)

einstudierte. Zu seinem bevorzugten Repertoire gehört indessen

weiterhin die französische Musik: Marc-Antoine Charpenrier,

Rameau, Couperin, Mondonville. Ihre Wiederentdeckung verdanken

sie nicht zuletzt dem Musil