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Samedi 15 et dimanche 16 octobre

Week-end Schubert/Korngold

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Week-end Schubert/Korngold

À presque un siècle d’intervalle, Vienne accueillit en son sein deux jeunes compositeurs particulièrement prometteurs. En 1808, c’est Franz Schubert, tout juste admis dans le chœur de la ville, qui arrive pour étudier au Konvikt, établissement renommé ; au début du XXe siècle, c’est Korngold qui devient, sur la recommandation de Mahler, l’élève d’Alexander von Zemlinsky. L’un comme l’autre ont dix ans environ – ils sont tous deux nés en 97 : 1797 pour Schubert, 1897 pour Korngold.

Ces apparentes similitudes cachent cependant deux parcours tout à fait différents. Schubert rencontra en effet durant sa vie un succès limité, faisant profiter de sa musique le cercle relativement restreint des happy few qui gravitaient autour de lui. À sa mort, en 1828, une très grande partie de son œuvre restait à éditer et à découvrir ; compositeurs (Schumann et Brahms, notamment) et musicologues se passèrent le flambeau tout au long du XIXe siècle, aboutissant finalement pour le centenaire de sa naissance à une première édition de l’œuvre complète. Les travaux d’Otto Erich Deutsch et les intégrales au disque (telle celle de Dietrich Fischer-Dieskau pour les lieder) continuèrent au XXe siècle de faire découvrir des contrées méconnues ou ignorées. Korngold, lui, connut les pleins feux du succès dès son plus jeune âge – il faut dire que, contrairement à Schubert le fils d’instituteur, il naquit plus ou moins dans le milieu de la musique classique : son père était un éminent critique, connu notamment pour sa prise de position des premières heures en faveur de Mahler. Lorsque l’enfant de dix ans joua à ce dernier une cantate de sa composition, le musicien fut suffisamment impressionné pour utiliser le terme de « génie ». Le successeur de Mahler à la tête de l’Opéra de Vienne, Felix Weingartner, était d’ailleurs du même avis, puisqu’il fit jouer en 1910 Der Schneemann, ballet que Korngold avait composé à l’âge de onze ans. Dès lors les triomphes se succédèrent ; et si, en regard d’un Schönberg par exemple, Korngold finit par faire figure de passéiste, il continua à obtenir la faveur du public par son activité de compositeur de musiques de films à Hollywood dès la fin des années 1930. Une période d’oubli, après sa mort en 1957, affecta ses œuvres ; il jouit depuis la fin des années 1990 d’un regain d’intérêt, même si sa popularité actuelle n’a bien sûr rien à voir avec celle, immense, de Schubert. Les Français ont ainsi attendu 2009 pour découvrir sur scène l’une de ses plus grandes partitions, l’opéra Die tote Stadt, créé en 1920.

Voici donc l’occasion d’entendre en concert des œuvres très rares, qui viennent répondre à des partitions dont nous sommes considérablement plus familiers, tels les quintettes ou le Trio op. 100 de Schubert. Par-delà toutes leurs différences, les deux compositeurs partageaient un semblable amour des petites formations : l’un comme l’autre n’ont jamais cessé d’y revenir, se constituant petit à petit un corpus non négligeable. Pour Schubert, ce sont entre autres deux grands trios, deux quintettes, un octuor et un grand nombre de quatuors à cordes, dont plusieurs chefs-d’œuvre. Pour Korngold, outre les pièces interprétées durant ce week-end, un trio, un sextuor, trois quatuors. Jamais la composition de pièces de grandes dimensions (symphonies pour Schubert, opéras, pièces symphoniques et musiques de films pour Korngold) ne les empêcha de creuser ce sillon aimé de la musique de chambre. Il fut au contraire pour chacun des deux compositeurs une réponse nécessaire au monde symphonique, un moyen de se retrouver soi-même dans des œuvres plus intimes : il y a là de quoi se réjouir.

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Sommaire

Samedi 15 octobre, 16H p. 5

Samedi 15 octobre, 20H p. 9 Dimanche 16 octobre, 16H p. 22

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Samedi 15 octobre – 16h

Franz SchubertMouvement de trio pour piano et cordes « Notturno » D. 897

erich KorngoldSonate pour violon et piano op. 6

entracte

Franz SchubertTrio pour piano et cordes n° 2 D. 929

Renaud Capuçon, violonGautier Capuçon, violoncelleJérôme Ducros, pianoFrank Braley, piano

Coproduction Céleste Productions - Les Grands Solistes, Salle Pleyel.

Fin du concert vers 17h50.

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Franz Schubert (1797-1828)Mouvement de trio pour piano et cordes en mi bémol majeur « Notturno » D. 897 op. 148

Composition : date incertaine.

Publication : 1845, Diabelli, Vienne.

Durée : environ 9 minutes.

En 1845 – plus de quinze ans après la mort de Schubert – parut chez Diabelli à Vienne une partition écrite pour piano, violon et violoncelle auquel l’éditeur attribua le numéro d’opus posthume 148 et le surnom quelque peu commercial de « nocturne ». Les conditions d’écriture de celle-ci restent inconnues : certains en font remonter la composition à 1825 ou 1826, à la suite d’un séjour à Gmunden avec le baryton Johann Michael Vogl ; d’autres considèrent qu’il aurait pu être écrit pour un concert en trio prévu en janvier 1827 et finalement donné en duo (pour lequel Schubert composa la Fantaisie pour piano et violon en do majeur). Une hypothèse plus plausible consiste peut-être à voir en cette pièce isolée une esquisse contemporaine du Trio op. 99, comme le suggèrent le jeu des tonalités(mi bémol et mi majeur), que l’on retrouve à l’identique dans l’Andante de ce dernier, et le profil du thème initial, proche du premier mouvement du Trio.

Deux éléments thématiques se partagent la vedette. Le premier, en mi bémol majeur, déroule un thème détendu de cordes en tierces sur les accords alanguis d’un piano qui se prend pour une harpe. Deux variations de couleur instrumentale mènent à l’éclat du mi majeur, sorte de ton napolitain par enharmonie ; les notes pointées donnent à ce passage tout son caractère. Chacune des deux parties se voit par la suite récapitulée dans des tonalités et dispositions différentes, avant la dernière reprise du thème initial, qui joue le rôle d’une très douce coda. Notons que les deux instruments à cordes sont traités de façon très fondue, sans indépendance aucune : une écriture bien peu familière du Schubert de la maturité.

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erich Wolfgang Korngold (1897-1957)Sonate pour violon et piano en ré majeur op. 6

Ben moderato, ma con passione

Scherzo. Allegro molto (con fuoco) – Trio. Moderato cantabile – Scherzo

Adagio. Mit tiefer Empfindung

Finale. Allegretto quasi andante (con grazia)

Composition : 1913.

Dédicace : à Artur Schnabel et Karl Flesch.

Création : le 21 octobre 1913, à Berlin, par les dédicataires de l’œuvre.

Publication : 1913, Schott, Mayence.


Contrairement aux pièces de Schubert jouées cet après-midi, la Sonate pour violon et piano de Korngold est une œuvre de jeunesse. Le compositeur, que l’on surnomme le « nouveau Mozart » (il partage d’ailleurs un prénom avec cet autre enfant prodige), n’a en effet que seize ans. Mais il a déjà attiré l’attention de tout ce que le monde musical, notamment viennois, compte de musiciens de premier plan et de distingués critiques. Il vient ainsi de donner le jour à la Sinfonietta op. 5, avec laquelle il éveille chez Richard Strauss, alors au faîte de sa gloire, un sentiment de profond respect mêlé d’étonnement. Voici l’aîné qui loue avec enthousiasme « une fermeté de style, un sens souverain de la forme, une expression toute personnelle et un discours harmonique » dont n’auraient pas à pâlir les plus grands compositeurs vivants. De ces qualités, la Sonate donne une nouvelle illustration ; son cadre instrumental réduit (par rapport à la Sinfonietta, écrite pour grand orchestre) ne signifie en rien qu’elle est une œuvre légère ou facile.

Pensée pour le grand pianiste Artur Schnabel – qui joua comme on le sait un rôle de premier plan dans la défense de la musique pour piano de Schubert, jusqu’alors quasiment ignorée –, cette Sonate aux amples proportions est nourrie de mélodies aux rythmiques complexes et de contrepoints touffus. Le mouvement initial en témoigne dès les premières minutes. Adoptant la dorénavant plus que traditionnelle forme sonate, il laisse s’épanouir un langage profondément expressionniste où les capacités techniques et musicales de chacun des instrumentistes sont exploitées à plein. Prêtez bien l’oreille au premier thème : son contour mélodique (élan vers l’aigu animé d’un rythme noire-croche-noire) nourrira de nombreux passages de la Sonate – à commencer par la fin de l’exposition de ce Ben moderato.

Les tendances à l’inquiétude dont faisait preuve le développement central se voient confirmées dans le Scherzo qui suit, avec son thème brusque (variation rythmique de la cellule thématique originelle présentée par le premier mouvement) et ses groupes fusées. L’on croirait parfois y entendre un Chostakovitch, avec ses sonorités d’eau-forte ; des passages incroyablement modernes (un misterioso en hémioles d’accords de piano) cohabitent avec une écriture beaucoup plus traditionnelle, notamment dans le trio, où l’on pourrait presque penser à Fauré cette fois.

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SAMEDI 15 OCTOBRE | 16H

L’Adagio suivant revient à une tonalité très élargie en retravaillant le matériau thématique du premier mouvement dans un contexte particulièrement chargé harmoniquement ; l’atmosphère s’adoucit progressivement.

Pour finir, l’Allegretto prend des airs plus simples ; essentiellement léger, il ne comporte qu’une zone de turbulences en son centre, avant une fugue aux contours nets. Les textures peu à peu étoffées débouchent finalement sur le thème principal, bientôt varié ; et l’œuvre s’achève dans le calme.

Franz SchubertTrio pour piano et cordes n° 2 en mi bémol majeur D. 929 op. 100

Allegro

Andante con moto

Scherzando

Allegro moderato

Composition : novembre 1827.

Création : au plus tard le 26 mars 1828.

Publication : automne 1828, Probst, Leipzig.


Schubert vint au trio de façon assez tardive : si l’on excepte le mouvement solitaire qui prit le nom de Sonatensatz D. 28, composé à l’été 1812, on ne trouve pas chez lui d’œuvre pour piano, violon et violoncelle avant les dernières années de sa vie – alors qu’il avait déjà derrière lui la quasi-totalité de ses symphonies et quatorze quatuors à cordes. Outre le « Notturno » précédemment évoqué, il n’écrivit que deux pièces pour cet effectif : le Trio en si bémol majeur op. 99 et le Trio en mi bémol majeur op. 100. Par ces deux œuvres conjointes, Schubert se plaçait dans la lignée de Mozart, qui composa le premier trio avec piano « moderne » en 1786, et de Beethoven, qui illustra le genre avec génie (Haydn étant resté tributaire de l’ancienne conception du trio, positionnant les cordes très en retrait, dans les quarante-cinq pièces qu’il consacra à l’effectif). Schumann plaçait d’ailleurs ce Trio op. 100 sur le même pied que ceux de Beethoven en si bémol et en ré ; il lui consacra un long article enthousiaste dans la Neue Zeitschrift für Musik en 1835.

On ne peut qu’adhérer à son point de vue en écoutant cette œuvre aussi inspirée qu’épanouie. Ainsi l’Allegro initial, en mi bémol majeur, fait preuve d’une inspiration jaillissante tant dans le contour de ses thèmes (le premier ouvert sur un puissant unisson et bien vite animé en petits éclats mélodiques passant d’un instrument à l’autre, le deuxième, en si mineur, fait de notes piquées dont Brigitte Massin souligne « l’inquiétude et l’angoisse » diffuses, le troisième issu du premier) que dans son écriture instrumentale, où l’on retrouve notamment le piano des grands recueils. Anachroniquement popularisé

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par Stanley Kubrick dans son Barry Lyndon, l’Andante con moto suivant est un diamant noir. Scansion funèbre du piano, en une marche immobile qui évoque la figure du Wanderer, ce voyageur qui n’est nulle part chez lui, centrale chez Schubert ; thème superbe de déploration contenue, d’abord fredonné par le violoncelle puis repris au piano ; équilibre de la forme, avec juste ce qu’il faut de passages plus lumineux ou impétueux pour souligner la déréliction profonde du morceau. Le Scherzo, avec son traditionnel trio enchâssé, cherche à corriger cette impression ; mais çà et là surgissent des inflexions plus sombres, tels des bancs de brouillard. Le finale résout in extremis les tensions dans une construction formelle très libre, qui intègre notamment le thème du mouvement lent sur un nouvel accompagnement pianistique. À l’écoute de ces majestueux quatre mouvements, l’on se prend à regretter que le prolifique Schubert, mort l’année suivante, n’ait pas eu le temps d’explorer plus avant le genre…

Angèle Leroy

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Samedi 15 octobre – 20h

erich KorngoldCinq Lieder op. 38Suite pour deux violons, violoncelle et piano main gauche op. 23

entracte

Franz SchubertLieder : Ganymed – Die Forelle – Gretchen am Spinnrade – An Silvia – ErlkönigQuintette pour piano et cordes « La Truite » D. 667

Renaud Capuçon, violonAlina Ibragimova, violonGérard Caussé, altoGautier Capuçon, violoncelleFrank Braley, pianoJérôme Ducros, pianoAlois Posch, contrebasseAngelika Kirchschlager, mezzo-soprano


Fin du concert vers 22h.

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erich Wolfgang Korngold (1897-1957)Fünf Lieder [Cinq Lieder] op. 38

Glückwunsch [Vœux de bonheur]

Der Kranke [Le malade]

Alt-spanisch [Ancienne chanson espagnole]

Old Englisch [Ancienne chanson anglaise]

My Mistress’ Eyes [Les yeux de ma maîtresse]

Composition : 1948.

Création : le 19 février 1950, à Vienne, par Rosette Anday au chant et le compositeur au piano.


Composés aux États-Unis et créés à Vienne, les Fünf Lieder op. 38 constituent à bien des égards un symbole du double parcours de compositeur de Korngold. Ils sont en effet dépositaires de la conception germanique du lied, où Korngold est un héritier lointain de Schubert et après lui de Schumann, Brahms ou Mahler ; les deux premiers lieder du recueil recourent d’ailleurs à des poètes que n’avaient pas dédaignés les prédécesseurs du compositeur : Der Kranke est d’Eichendorff, Glückwunsch de Richard Dehmel, un écrivain aimé de Strauss, Reger ou Webern. Pour autant, ces cinq morceaux intègrent également l’expérience américaine. Tous – sauf le dernier, d’après Shakespeare – sont en effet issus de musiques de films composées pour Hollywood dans les années précédentes : Juarez et The Private Lives of Elizabeth and Essex, qui datent tous deux de 1939, inspirent Der Kranke et Old Englisch (sur un texte anonyme) ; Alt-spanisch emprunte, via le film The Sea Hawk (1940), son matériau à un lied inédit de 1911, Das Mädchen ; Glückwunsch reprend le motif principal du film Devotion (1943).

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Suite pour deux violons, violoncelle et piano main gauche op. 23

Prélude et fugue

Valse

Groteske

Lied

Rondo-finale

Composition : 1930. Création : le 21 octobre 1930, à Vienne, par Paul Wittgenstein et les membres du Quatuor Rosé.

Publication : 1930, Schott, Mayence. Durée : environ 37 minutes.

En 1923, Korngold s’était vu passer commande d’un Concerto pour la main gauche par Paul Wittgenstein. Ce dernier avait en effet perdu son bras droit durant la Première Guerre mondiale ; désireux de poursuivre sa carrière, il sollicita plusieurs compositeurs afin de se constituer un répertoire. Ravel, avec son plus que fameux Concerto, mais aussi Britten, Hindemith, Prokofiev ou Strauss se prêtèrent au jeu. Korngold, qui malgré ses vingt-six ans comptait parmi les personnalités musicales de tout premier plan en terres germaniques, fut l’un des premiers que le pianiste approcha ; et ce dernier fut tellement enthousiasmé de l’œuvre produite (ce qui n’était pas toujours le cas) qu’il lui demanda quelques années plus tard une œuvre de musique de chambre. Ce sera la Suite pour deux violons, violoncelle et piano main gauche, aussi séduisante qu’inhabituelle.

C’est au pianiste seul que revient l’honneur d’ouvrir cette Suite moderne, collection de pièces de caractère qui ne dédaigne pas de tirer sa révérence aux préludes et fugues baroques. D’allure improvisée, son Prélude se développe par variation et expansion, à la manière d’une cadence de concerto ; il en a d’ailleurs également l’allure fière. Une courte intervention des cordes mène à la Fugue, dont le thème, très chromatique et hérissé de dissonances, est donné par le violoncelle dans l’extrême grave de sa tessiture. La fin du mouvement rapproche les deux éléments : prélude au piano, thème de la fugue en réponse aux cordes. La Valse viennoise suivante est toute d’hésitation, et ses sonorités blanches sont bien plus acides qu’enveloppantes ; de temps en temps, quelques touches caressantes viennent rendre ce souvenir plus mélancolique encore : on y entend l’écho d’un autre temps, définitivement révolu. Le Groteske est une sorte de danse paysanne brusque à la Bartók, répétitive, parfois presque bégayante avec ses mouvements perpétuels à différentes vitesses superposées ; bourdon de quintes à vide au piano, pizzicati de cordes dans une nuance fortissimo ou attaques avec le bois de l’archet pour plus de rapidité, harmoniques naturels sont quelques-uns des procédés qui attirent l’oreille au fil de la partition. Le Trio qui forme le centre de ce mouvement convoque quant à lui un langage profondément postromantique, au lyrisme presque déchirant. Le Lied du quatrième mouvement réutilise – comme chez Schubert dans son Quintette « La Truite », – le thème d’une pièce pour chant et piano composée à la même époque et publiée dans les Drei Lieder op. 22. Sa sensualité caressante et crépusculaire débouche bientôt sur un rondo joyeux dont le thème, noté semplice, est donné par le violoncelle. Au fil des différentes transformations, et en passant par une reprise du thème du Groteske, l’enthousiasme va crescendo jusqu’à l’accelerando final.

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Franz Schubert (1797-1828)Ganymed [Ganymède] D. 544Composition : mars 1817.

Die Forelle [La Truite] D. 550Composition : fin 1816-juillet 1817.

Gretchen am Spinnrade [Marguerite au rouet] D. 118Composition : 1814.

An Silvia [À Sylvia] D. 891Composition : juillet 1826.

Erlkönig [Le Roi des aulnes] D. 328Composition : 1818.


Il est d’usage de considérer – en toute logique – les lieder comme faisant partie de la musique vocale ; mais ils ont aussi beaucoup à voir avec la musique de chambre. Chez Schubert, ils s’épanouissent dans le même cadre intime et amical ; à l’opposé des pièces pour orchestre, ils signent la réunion de deux (ou quelques) musiciens, investis dans une relation directe, sans le truchement d’un quelconque chef. Petits par leur durée et leurs proportions, ils sont souvent bien grands par leur inspiration : les cinq pièces interprétées ce soir devraient suffire à en donner la preuve. L’apparente simplicité d’An Silvia (elle aussi sur un texte de Shakespeare) ou de Die Forelle répond à la tension de Gretchen am Spinnrade, chef-d’œuvre de prime jeunesse (Schubert n’a que dix-sept ans), et de la mortelle chevauchée d’Erlkönig. Ganymed, quant à lui, oscille entre la douceur et le ravissement, dans une construction par paliers d’une très belle efficacité.

Quintette pour piano et cordes en la majeur « La Truite » D. 667 op. 114

Allegro vivace

Andante

Scherzo. Presto

Thème et variations. Andantino

Finale. Allegro giusto

Composition : 1819.

Pas de création publique du vivant du compositeur. Création privée probable fin 1819.

Publication : 1829, Czerny, Vienne.


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La composition du Quintette « La Truite » est commencée lors d’un séjour estival dans la petite ville autrichienne de Steyr, où Schubert fit la connaissance de Sylvester Paumgartner, riche propriétaire minier et distingué violoncelliste. Celui-ci, enthousiasmé par les talents de compositeur de Schubert – qu’il avait entendu accompagner le célèbre baryton Johann Vogl dans ses propres lieder – lui commanda une œuvre de musique de chambre ; le lied Die Forelle, qu’affectionnait particulièrement l’instrumentiste, y trouva sa place comme thème des variations du quatrième mouvement, ce qui valut au quintette son surnom « La Truite ». Le rôle de Paumgartner dans la genèse de cette œuvre explique aussi sans doute le choix d’un effectif tout à fait particulier : Schubert ne joint pas en effet au pianiste les ressources d’un quatuor à cordes traditionnel (une formationà cinq dont nous sommes familiers mais qui se développera surtout à partir de l’exemple schumannien), mais d’un ensemble composé d’un violon, un alto, un violoncelle et une contrebasse. Ce faisant, il déplace le centre de gravité de son quatuor, ce qui lui permet de libérer le violoncelle de son rôle de basse harmonique : la contrebasse assumant désormais cette charge, voici notre violoncelliste libre de chanter comme il l’entend.

Œuvre lumineuse, le Quintette partage avec le lied qui nourrit son quatrième mouvement un visage souriant ; et il choisit de transformer la tonalité de ré bémol de celui-ci en une tonalité « à dièses » : ré majeur. Le premier mouvement, quant à lui, utilise (conformément à la tradition) le ton voisin de la majeur, « tonalité claire du bonheur et de la bonne humeur » (Brigitte Massin) : le geste phatique des cinq instrumentistes sur lequel s’ouvre le Quintette l’affirme sans ambages. Un temps d’allure suspendue, le premier thème s’enhardit bientôt sur un moteur de croches puis de triolets ; le second thème, qui rappelle la contemporaine Sonate pour piano en la majeur, est donné par un piano sautillant sur basses d’Alberti et confirme l’alacrité ambiante. Le développement nuancera cette atmosphère avec des présentations mélodiques plus mystérieuses et une gestion du temps plus étale, une caractéristique profondément schubertienne. Fondu, le second mouvement organise son discours en deux pans symétriques, dessinant un cheminement tonal assez particulier : fa majeur, fa dièse mineur, sol majeur, puis la bémol majeur, la mineur et enfin fa majeur à nouveau. Centre des cinq mouvements de la partition, le Scherzo est une danse énergique faite de notes rapides, d’accents sur le temps fort, de jeux de questions-réponses. Un Andantino vient répondre à l’Andante qui précédait ce morceau vif et léger : c’est le fameux thème et variations sur le lied composé en 1817. Il évite l’assombrissement qui correspondait à la troisième strophe du poème dans la version originale ; au contraire, tous les instruments tour à tour rivalisent de fraîcheur et de bonhomie, le violoncelle (à tout seigneur tout honneur) se voyant réserver la mélodie de la dernière variation. Le Finale complète la symétrie architecturale en revenant à un tempo soutenu et au caractère de la danse ; ses allures parfois paysannes, un peu rudes, ne l’empêchent pas de charmer l’auditeur.

Angèle Leroy

1414

erich Korngold

Cinq Lieder op. 38

1. Glückwunsch

Ich wünsche dir Glück.

Ich bring’ dir die Sonne in meinem Blick.

Ich fühle dein Herz in meiner Brust;

Es wünscht dir mehr als eitel Lust.

Es fühlt und wünscht: die Sonne scheint,

Auch wenn dein Blick zu brechen meint.

Es wünscht dir Blicke so sehnsuchtslos,

Als trügest du die Welt im Schoß.

Es wünscht dir Blicke so voll Begehren,

Als sei die Erde neu zu gebären.

Es wünscht dir Blicke voll der Kraft,

Die aus Winter sich Frühling schafft.

Und täglich leuchte durch dein Haus

Aller Liebe Blumenstrauß!

Richard Dehmel

2. Der Kranke

Soll ich dich denn nun verlassen,

Erde, heit’res Vaterhaus?

Herzlich Lieben, mutig Hassen,

Ist denn alles, alles aus?

Vor dem Fenster durch die Linden

Spielt es wie ein linder Gruß.

Lüfte, wollt ihr mir verkünden,

Daß ich bald hinunter muß?

Liebe ferne blaue Hügel,

Stiller Fluß im Talesgrün,

Ach, wie oft wünscht ich mir Flügel,

Über euch hinweg zu zieh’n!

Da sich jetzt die Flügel dehnen,

Schaur’ ich in mich selbst zurück

Und ein unbeschreiblich Sehnen

Zieht mich zu der Welt zurück.

Josef Karl Benedikt von Eichendorff

Félicitations

Je vous souhaite du bonheur.

Je vous apporte le soleil dans mon regard.

Je sens votre cœur battre dans ma poitrine ;

Il vous souhaite plus que le simple plaisir.

Il ressent et espère : que le soleil brille,

Même quand vos yeux pensent à se fermer dans la mort.

Il souhaite que vos yeux soient libres de toute nostalgie,

Comme si vous transportiez le monde en votre sein.

Il souhaite que vos yeux soient pleins de désir,

Comme si la terre était sur le point de naître à nouveau.

Il souhaite que vos yeux soient pleins de la force

Qui crée le printemps à partir de l’hiver.

Et puisse votre maison être éclairée chaque jour

Par le rayonnement du bouquet de l’amour !

Le Malade

Dois-je te quitter maintenant,

Terre, heureuse maison familiale ?

L’amour par le cœur, la haine par l’esprit,

Est-ce que tout cela est fini ?

Par la fenêtre, à travers les tilleuls,

Résonne comme un doux salut.

Airs, voulez-vous m’annoncer

Que je dois bientôt descendre ?

Chères lointaines collines bleues,

Calme rivière dans le vert de la vallée,

Ô, si souvent j’ai souhaité avoir des ailes

Pour voler au-dessus de vous !

Maintenant que les ailes s’étendent

Je tremble en me retournant sur moi-même

Et un désir indescriptible

Me ramène à la terre.

Pour le confort des artistes et du public, merci de manipuler ce document avec précaution et d’attendre la fin de la pièce avant de tourner la page.


Ancien Espagnol

Une jeune fille se tient à sa fenêtre,

Le regard errant au loin.

Avec des joues pâles et le cœur lourd,

Elle chante son bonheur disparu :

« Mon amour ne revient pas ! »

Le soir tombe doucement,

Une étoile aspire à la nuit.

Et dans le vent s’élève doucement

La timide musique des rêves.

Comme un écho résonne le chant :

« Mon amour ne revient pas ! »

Ancien Anglais

Écoutez, vous autres galants ! Je vais taquiner vos oreilles

En chantant Lord Essex dans la bataille de Cadix !

Comment il a saboté ces Espagnols et provoqué leur fiel,

Pour la gloire de l’Angleterre et d’Elizabeth, notre reine !

Nous avons encerclé le port, mes garçons, les canons

hurlent,

La mer est pleine de cadavres et l’Espagne n’est plus !

Ils flottaient sur la mer, les garçons, les gras comme

les maigres,

Pour la gloire de l’Angleterre et d’Elizabeth, notre reine !

3. Alt-Spanisch

Steht ein Mädchen an dem Fenster,

In die Ferne schweift ihr Blick.

Blaß die Wangen, schwer ihr Herze,

Singt sie von entschwundnem Glück:

„Mein Lieb kehrt nicht zurück!“

Der Abend dämmert sacht,

Ein Stern ersehnt die Nacht.

Und im Winde klinget leise

Eine bange Traummusik.

Wie ein Echo tönt die Weise:

„Mein Lieb kehrt nicht zurück!“

Howard Koch

4. Old English

Now hark, all you gallants! Your ears I would tease

With a song of Lord Essex in the fight at Cadiz!

How he scuppered them Spaniards and hacked out

their spleen,

For the glory of England and Elizabeth, our queen!

We’ve rounded the port, boys, the cannons they roar,

The sea’s full of corpses and Spain is no more!

They bobbed on the tide, boys, the fat and the lean,

For the glory of England and Elizabeth, our queen!

Anonyme

1616

Les Yeux de ma maîtresse

Les yeux de ma maîtresse n’ont rien de l’éclat du soleil.

Le corail est beaucoup plus rouge que le rouge de ses lèvres ;

Si la neige est blanche, certes sa gorge est brune.

S’il faut pour cheveux des fils d’or, des fils noirs poussent

sur sa tête.

J’ai vu des roses de Damas, rouges et blanches,

Mais je n’ai pas vu sur ses joues de roses pareilles :

Et certains parfums ont plus de charme que l’haleine

Qui s’exhale de ma maîtresse.

J’aime à l’entendre parler, et pourtant je sais bien

Que la musique est beaucoup plus harmonieuse.

J’accorde que je n’ai jamais vu marcher une déesse :

Ma maîtresse, en se promenant, reste pied à terre.

Et cependant, par le ciel ! Je trouve ma bien-aimée

aussi gracieuse

Que toutes les donzelles calomniées par une fausse

comparaison.

5. My Mistress’ Eyes

My mistress’ eyes are nothing like the sun;

Coral is far more red, than her lips red;

If snow be white, why then her breasts are dun;

If hairs be wires, black wires grow on her head.

I have seen roses damask’d, red and white,

But no such roses see I in her cheeks;

And in some perfumes is there more delight

Than in the breath that from my mistress reeks.

I love to hear her speak, yet well I know

That music hath a far more pleasing sound;

I grant I never saw a goddess go, –

My mistress, when she walks, treads on the ground:

And yet, by heaven, I think my love as rare

As any she belied with false compare.

William Shakespeare



Ganymède

Comme dans la lumière matinale

Tu resplendis autour de moi,

Bien-aimé printemps !

Avec quelle précieuse félicité, mille fois,

À mon cœur se presse

La chaleur éternelle des sentiments sacrés

Et de l’infinie beauté !

Comme je voudrais te serrer

Dans ces bras!

Ah, en ton sein

Je m’étends et me languis,

Et tes fleurs, ton herbe,

Se pressent sur mon cœur.

Tu apaises l’incandescente

Soif de ma poitrine,

Douce brise matinale !

Le chant pur du rossignol m’appelle

Affectueusement de la vallée brumeuse.

Je viens, je viens!

Mais où ? Où donc ?

En haut, en haut je voudrais tant !

Les nuages planent

En bas, les nuages

S’inclinent vers mon ardent amour.

Vers moi ! Vers moi !

Dans ton giron,

Plus haut !

Enlaçant, enlacé !

Plus haut en ton sein,

Père, universel amour !

Franz SchubertLieder

Ganymed

Wie im Morgenglanze

Du rings mich anglühst,

Frühling, Geliebter!

Mit tausendfacher Liebeswonne

Sich an mein Herze drängt

Deiner ewigen Wärme Heilig Gefühl,

Unendliche Schöne!

Daß ich dich fassen möcht’

In diesen Arm!

Ach, an deinem Busen

Lieg’ ich, und schmachte,

Und deine Blumen, dein Gras

Drängen sich an mein Herz.

Du kühlst den brennenden

Durst meines Busens,

Lieblicher Morgenwind!

Ruft drein die Nachtigall

Liebend nach mir aus dem Nebeltal.

Ich komm’, ich komme!

Ach, wohin, wohin?

Hinauf! strebt’s hinauf.

Es schweben die Wolken

Abwärts, die Wolken

Neigen sich der sehnenden Liebe.

Mir! Mir!

In eurem Schosse

Aufwärts!

Umfangend umfangen!

Aufwärts an deinen Busen,

Alliebender Vater!

Johann Wolfgang von Goethe

1818

La Truite

Dans l’eau claire d’un ruisseau,

Capricieuse et enjouée,

Une truite en toute hâte

Comme une flèche filait.

Je me trouvais sur la rive

Et me plaisais à contempler

La baignade du poisson

Dans l’eau claire du ruisseau.

Un pêcheur avec sa ligne

Se tenait au bord de l’eau.

Avec sang-froid il regardait

Le poisson virevolter.

Tant que l’eau pure, me dis-je,

Ne sera pas troublée,

Il ne pourra avec sa ligne

Capturer ce petit poisson.

Mais le voleur finit par trouver

Le temps long. Il se met, perfide,

À troubler la surface de l’eau.

Et, avant que je ne m’en aperçoive,

Le bout de sa ligne tressaille.

La truite bondit, elle se débat,

Et mon sang s’échauffe

À la vue du poisson pris au piège.

Die Forelle

In einem Bächlein helle,

Da schoß in froher Eil

Die launische Forelle

Vorüber wie ein Pfeil.

Ich stand an dem Gestade

Und sah in süßer Ruh

Des muntern Fischleins Bade

Im klaren Bächlein zu.

Ein Fischer mit der Rute

Wohl an dem Ufer stand,

Und sah’s mit kaltem Blute,

Wie sich das Fischlein wand.

So lang dem Wasser Helle,

So dacht ich, nicht gebricht,

So fängt er die Forelle

Mit seiner Angel nicht.

Doch endlich ward dem Diebe

Die Zeit zu lang. Er macht

Das Bächlein tückisch trübe,

Und eh ich es gedacht,

So zuckte seine Rute,

Das Fischlein zappelt dran,

Und ich mit regem Blute

Sah die Betrogene an.

Christian Friedrich Daniel Schubart



Marguerite au rouet

Ma paix s’en est allée,

Mon cœur est lourd,

Jamais ne la retrouverai,

Ô non jamais !

Où il n’est pas,

Là est ma tombe,

Le monde entier

M’est étranger.

Ma pauvre tête

N’a plus de raison,

Mon pauvre esprit

Est en charpie.

C’est lui, et lui seul,

Que mes yeux cherchent,

C’est pour lui, et lui seul,

Qu’il me faut sortir.

Son port altier,

Sa belle allure,

Le sourire de ses lèvres,

Le pouvoir de ses yeux,

Le flot magique

De ses paroles,

La pression de ses mains,

Ah, ses baisers !

Mon sein se gonfle

À sa pensée,

Que ne puis-je l’enlacer,

Le retenir,

Et l’embrasser

Tout à ma guise,

Dussé-je mourir

De ses baisers !

Gretchen Am Spinnrade

Meine Ruh’ ist hin,

Mein Herz ist schwer,

Ich finde sie nimmer

Und nimmermehr.

Wo ich ihn nicht hab

Ist mir das Grab,

Die ganze Welt

Ist mir vergällt.

Mein armer Kopf

Ist mir verrückt,

Mein armer Sinn

Ist mir zerstückt.

Nach ihm nur schau ich

Zum Fenster hinaus,

Nach ihm nur geh ich

Aus dem Haus.

Sein hoher Gang,

Sein’ edle Gestalt,

Seine Mundes Lächeln,

Seiner Augen Gewalt,

Und seiner Rede

Zauberfluß,

Sein Händedruck,

Und ach, sein Kuß!

Mein Busen drängt sich

Nach ihm hin.

Ach dürft ich fassen

Und halten ihn,

Und küssen ihn,

So wie ich wollt,

An seinen Küssen

Vergehen sollt!


2020

À Silvia

Qui est cette Silvia, dites-moi,

Que la nature entière vante ?

Je la vois s’approcher, belle et tendre ;

Signe de la faveur céleste,

Tout et tous lui sont assujettis.

Est-elle aussi bonne que belle ?

Charmants sont ses doux traits d’enfant :

Amour vers ses beaux yeux se hâte,

Trouve remède à son aveuglement

Et s’attarde en un doux repos.

Que nos chants rendent donc honneur

À Silvia, à la gracieuse Silvia ;

Elle surpasse en attrait

Tout ce que peut offrir cette terre :

Couronnons-la de mélodieux accents !

Le Roi des Aulnes

Qui donc chevauche si tard dans la nuit et le vent ?

C’est le père qui chevauche, avec lui son enfant.

Il porte le garçon au creux de ses bras.

Il le tient fermement, il le tient bien au chaud.

« Mon fils, pourquoi caches-tu ton visage anxieux ? »

« Père, ne vois-tu pas le Roi des Aulnes, là-bas,

Le Roi des Aulnes avec sa couronne et sa traîne ? »

« Mon fils, mon fils, ce n’est qu’un banc de brume. »

Viens, cher enfant, viens avec moi !

Je connais mille jeux agréables,

Mille fleurs colorées t’attendent sur la rive,

Ma mère a mille habits, tous cousus de fil d’or.

An Silvia

Was ist Silvia, saget an,

Daß sie die weite Flur preist?

Schön und zart seh’ ich sie nah’n,

Auf Himmelsgunst und Spur weist,

Daß ihr alles untertan.

Ist sie schön und gut dazu?

Reiz labt wie milde Kindheit;

Ihrem Aug’ eilt Amor zu,

Dort heilt er seine Blindheit,

Und verweilt in süßer Ruh’.

Darum Silvia, tön’, o Sang,

Der holden Silvia Ehren;

Jeden Reiz besiegt sie lang,

Den Erde kann gewähren:

Kränze ihr und Saitenklang!

William Shakespeare

Traduction en allemand de Eduard von Bauernfeld

Erlkönig

Wer reitet so spät durch Nacht und Wind?

Es ist der Vater mit seinem Kind;

Er hat den Knaben wohl in dem Arm,

Er faßt ihn sicher, er hält ihn warm.

„Mein Sohn, was birgst du so bang dein Gesicht?“

„Siehst, Vater, du den Erlkönig nicht?

Den Erlenkönig mit Kron und Schweif?“

„Mein Sohn, es ist ein Nebelstreif.“

Du liebes Kind, komm, geh mit mir!

Gar schöne Spiele spiel ich mit dir;

Manch bunte Blumen sind an dem Strand,

Meine Mutter hat manch gülden Gewand.



« Père, Père, n’entends-tu pas,

Ce que le Roi des Aulnes à voix basse me promet ? »

« Calme-toi, mon enfant, calme-toi,

Ce n’est que le vent qui souffle dans les feuilles. »

Veux-tu, charmant garçon, veux-tu me suivre chez moi ?

Mes filles comme un roi te recevront,

Mes filles mèneront la ronde de la nuit

Et danseront, et chanteront et te berceront.

« Père, Père, ne vois-tu pas

Les filles du Roi des Aulnes en ce sinistre lieu ? »

« Mon fils, mon fils, je le vois bien,

Ce ne sont que les saules et leur reflet grisâtre. »

Je t’aime, ta noble figure me plaît

Et si tu ne consens, j’userai de la force.

« Père, Père, voilà qu’il saisit mon bras,

Le Roi des Aulnes me fait violence. »

Le père est pris d’effroi, il force son cheval,

Et dans ses bras il tient l’enfant tout gémissant,

Avec peine il parvient jusques à son domaine

Et l’enfant dans ses bras, l’enfant est mort.

„Mein Vater, mein Vater, und hörest du nicht,

Was Erlenkönig mir leise verspricht?“

„Sei ruhig, bleibe ruhig, mein Kind:

In dürren Blättern säuselt der Wind.“

Willst, feiner Knabe, du mit mir gehn?

Meine Töchter sollen dich warten schön;

Meine Töchter führen den nächtlichen Reihn

Und wiegen und tanzen und singen dich ein.

„Mein Vater, mein Vater, und siehst du nicht dort

Erlkönigs Töchter am düstern Ort?“

„Mein Sohn, mein Sohn, ich seh es genau:

Es scheinen die alten Weiden so grau.“

Ich liebe dich, mich reizt deine schöne Gestalt;

Und bist du nicht willig, so brauch ich Gewalt.

„Mein Vater, mein Vater, jetzt faßt er mich an!

Erlkönig hat mir ein Leids getan!“

Dem Vater grauset’s, er reitet geschwind,

Er hält in Armen das ächzende Kind,

Erreicht den Hof mit Müh’ und Not:

In seinen Armen das Kind war tot.


22

dimanche 16 octobre – 16h

erich KorngoldQuintette pour deux violons, alto, violoncelle et piano op. 15

entracte

Franz SchubertQuintette pour deux violons, alto et deux violoncelles D. 956

Renaud Capuçon, violonAki Saulière, violonBéatrice Muthelet, altoGautier Capuçon, violoncelleAlina Ibragimova, violonGérard Caussé, altoYan Levionnois, violoncelleFrank Braley, piano


Fin du concert vers 17h30.

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DIMANCHE 16 OCTOBRE | 16H

erich Wolfgang Korngold (1897-1957)Quintette pour deux violons, alto, violoncelle et piano en mi majeur op. 15

Mäßiges Zeitmaß, mit schwungvoll blühendem Ausdruck

Adagio. Mit größter Ruhe, stets äußerst gebunden und ausdrucksvoll

Finale. Gemesse, beinahe pathetisch

Composition : 1921.

Dédicace : « Bildhauer Gustinus Ambrosi gewidmet ».

Création : le 16 février 1923, à Hambourg, par le Quatuor Bandler et le compositeur au piano.

Publication : 1924, Schott, Mayence.


La composition du Quintette avec piano suit d’assez près la création en décembre 1920 du grand succès de Korngold sur les planches, son opéra Die tote Stadt [La Ville morte]. L’œuvre de musique de chambre partage avec ce dernier un certain nombre de traits stylistiques ; son atmosphère passionnée trouve parfaitement sa place dans ce véhicule romantique qu’est le quintette avec piano, un effectif auquel Schumann ou Brahms donnèrent ses lettres de noblesse. Il compense sa relative brièveté (plus de trente minutes tout de même, mais seulement trois mouvements) par un discours d’une grande richesse thématique et rythmique, exigeant des instrumentistes – et particulièrement du pianiste, dont la partie est volontiers virtuose – une technique solide.

Le premier mouvement s’ouvre sur un trait typiquement korngoldien, une figure d’arpège ascendant pleine d’ardeur ; c’est elle qui forme le premier thème de cette forme sonate en mi majeur. Jessica Duchen en loue les « rythmes aériens et dansants ainsi que la richesse des textures ». Il est vrai que la « pâte » sonore est aussi variée que typée, grâce aux effets de tessiture, aux glissandos et trilles (écoutez le passage noté « fantastisch, geheimnisvoll » où le piano joue des triples trilles sur accords de quartes…), aux modes de jeu des cordes (harmoniques notamment) : un son parfois quasi orchestral qui témoigne de l’habileté profonde du compositeur. Les variations qui forment l’Adagio suivant sont l’occasion de nuancer plus encore le trait, de l’apparente simplicité du thème à la quiétude finale en passant par des couleurs fantomatiques (variation 5 avec glissandos et accords très aigus du piano, harmoniques et jeu sur la touche des cordes) ou des vêtures proprement magiques. Le thème, assez suspensif, provient du lied Mond so gehst du wieder auf, composé en 1920 et publié dans le cycle Lieder des Abschieds. Après l’accord final de ré majeur avec quarte et sixte ajoutées, l’on revient en mi majeur pour le Finale, mais avec un petit détour du côté d’un do dièse mineur noté pathetisch. Utilisant une logique de dérivation thématique, ce mouvement enthousiasmant prend souvent des airs tziganes, ne dédaigne pas l’emphase (le terme est noté sur la partition) et se plaît à une écriture particulièrement virtuose.

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Franz Schubert (1797-1828)Quintette pour deux violons, alto et deux violoncelles en ut majeur D. 956 op. 163

Allegro ma non troppo

Adagio

Scherzo. Presto

Allegretto

Composition : achevée en septembre 1828.

Pas de création du vivant du compositeur. Création probable en 1850 au Musikverein de Vienne.

Publication : 1853, Spina, Vienne.


La formation choisie par Schubert (deux violons, un alto et deux violoncelles) pour ce quintette est assez rare, et rien ne permet de savoir s’il fut influencé par quelque autre partition ; peut-être a-t-il eu connaissance de certains quintettes d’Onslow, qui jouit à l’époque (et pour quelques décennies encore) d’une grande popularité dans les pays germaniques ? Brahms, lui, se souviendra de cette écriture, où deux parties graves équilibrent les deux violons, dans la première version que ce qui deviendra le Quintette avec piano op. 34. Ici, la présence du second violoncelle (un instrument que Schubert affectionne, comme le montrent ses deux Trios D. 899 et D. 929) confère à l’œuvre un côté orchestral en élargissant les tessitures ; elle permet notamment de conserver des basses solides lors des passages mélodiques du premier violoncelle (c’était déjà le cas avec l’utilisation de la contrebasse dans le Quintette « La Truite » neuf ans plus tôt), mais elle participe également, par ses effets sonores, au lyrisme et au romantisme profonds de l’œuvre.

Le premier mouvement, en ut majeur, commence comme à la dérobée, étoffant peu à peu ses textures jusqu’à donner enfin le thème (aux deux violoncelles) accompagné de figures très mobiles de croches et de triolets. Les violoncelles conservent la prééminence mélodique pour le second thème qui, dans une ambiguïté toute romantique, ne cesse d’hésiter entre mi bémol et sol majeur ; l’accompagnement s’y fait d’une grande délicatesse (motifs staccato en légers rebonds et pizzicati). L’exposition s’achève avec l’arrivée surprenante d’un motif de marche, présenté de façon homorythmique par les cinq instruments, qui forme le matériau principal du développement, qu’il soit traité de façon lyrique ou dramatique. L’Adagio qui suit est d’une beauté et d’une poésie extraordinaires. Un thème élégiaque chanté en trio (deuxième violon, alto, premier violoncelle) se voit légèrement contrepointé à la fois dans le grave (pizzicati du second violoncelle) et dans l’aigu (figures pointées du premier violon). L’atmosphère recueillie est violemment assombrie par l’épisode central, empli de tremblements, d’hémioles et de figures rythmiques haletantes. C’est dans le solide Scherzo que l’aspect orchestral de l’écriture de Schubert se fait le plus sentir ; les doubles cordes aux sonorités de cuivres, l’énergie conquérante, les tournures affirmatives veulent en faire un chant triomphal, mais le trio en ré bémol aux accents de requiem rend plus qu’explicite le côté tragique

25

DIMANCHE 16 OCTOBRE | 16H

que les dissonances et les répétitions laissaient deviner. L’esprit populaire irrigue également le premier thème du finale, aux rythmes obstinés hérissés d’accents (anacrouse du premier violon, contretemps de l’accompagnement) ; il est opposé à deux passages plus lyriques, l’un aux couleurs de violon et violoncelle, l’autre à nouveau aux deux violoncelles, hésitant entre majeur et mineur. La coda, fondée sur le premier thème entonné fortississimo, s’emballe, d’abord più allegro puis più presto, et l’œuvre se clôt sur un unisson général : do appoggiaturé par ré bémol.

Angèle Leroy

26

renaud capuçon

Né à Chambéry en 1976, Renaud

Capuçon est admis à 14 ans au

Conservatoire de Paris (CNSMDP)

et suit l’enseignement de Gérard Poulet

et Veda Reynolds. Il travaille ensuite

avec Thomas Brandis à Berlin, puis

auprès d’Isaac Stern. En 1992, il obtient

un premier prix de musique de chambre

et, en 1993, un premier prix de violon au

Conservatoire de Paris ; en 1995,

il obtient un prix de l’Académie des

Arts de Berlin. De 1998 à 2000, Claudio

Abbado le choisit comme Konzertmeister

de l’Orchestre des Jeunes Gustav

Mahler, ce qui lui permet de parfaire son

éducation musicale avec Pierre Boulez,

Seiji Ozawa, Daniel Barenboïm et Franz

Welser-Moest. Élu « Rising Star 2000 »

et « nouveau talent de l’année » aux

Victoires de la Musique 2000, Renaud

Capuçon est depuis régulièrement le

soliste de prestigieuses formations

comme les Berliner Philharmoniker, les

orchestres symphoniques de Berlin,

Hambourg, Montréal, Jérusalem,

Birmingham et Bordeaux, les orchestres

nationaux de Lille, Lyon et du Capitole

de Toulouse, l’Orchestre Philharmonique

de Radio France, l’Orchestre National de

France, l’Orchestre de Paris, l’Ensemble

Orchestral de Paris, l’Orchestre

Royal de Copenhague, l’Orchestre

Philharmonique de la Scala de Milan

et de l’Accademia di Santa Cecilia de

Rome ou l’Orchestre Symphonique de

Boston, sous la direction de Christoph

von Dohnányi, Myung-Whun Chung,

Charles Dutoit, Christian Arming,

Semyon Bychkov, Christoph Eschenbach,

Kurt Masur, Iván Fischer, Hans Graf,

Daniel Harding, Bernard Haitink, Gunther

Herbig, Armin Jordan, Philippe Jordan,

Emmanuel Krivine, Marc Minkowski,

John Nelson et Wolfgang Sawallisch.

Renaud Capuçon est notamment

invité dans les festivals de Saint-Denis,

Berlin, Jérusalem, Verbier, Lugano,

Aix-en-Provence et de Strasbourg. On

peut l’entendre régulièrement dans le

cadre de la série des Grands Solistes,

au Théâtre des Champs-Élysées et à la

Salle Pleyel (intégrale de la musique

de chambre de Brahms pendant deux

saisons consécutives). Il s’est également

produit au Festival de Saint-Denis

avec Gautier Capuçon et Frank Braley,

dans un programme original mêlant le

Quintette pour clarinette (Paul Meyer)

de Mozart, et la Symphonie n° 7 de

Bruckner transcrite pour un ensemble

de chambre. Parallèlement à sa

carrière de soliste, Renaud Capuçon

continue à se produire en tant que

chambriste avec des partenaires comme

Martha Argerich, Daniel Barenboim,

Hélène Grimaud, Maria João Pires,

Nicholas Angelich, Frank Braley, Yefim

Bronfman, Myung-Whun Chung, Stephen

Kovacevich, Jean-Yves Thibaudet, Katia

et Marielle Labèque, Vadim Repin, Paul

Meyer, Truls Mork, Gautier Capuçon

et Yuri Bashmet. En janvier 2011, il

a interprété l’intégrale des sonates

pour violon et piano de Beethoven

au Théâtre des Champs-Élysées aux

côtés de Frank Braley, dans la série des

Grands Solistes. On a également pu

l’entendre au Festival de Saint-Denis

en juin dernier dans un programme

consacré à Fauré aux côtés de son frère

Gautier, de Gérard Caussé et de Michel

Dalberto. En 1995, il crée son propre

festival à Chambéry. Sa discographie

comprend le Quintette de Schumann

avec Maria João Pires chez Deutsche

Grammophon, puis chez Virgin Classics,

dont il est artiste exclusif, un disque

Berlioz/Saint-Saëns/Milhaud/Ravel avec

la Deutsche Kammerphilharmonie de

Brême dirigée par Daniel Harding, des

œuvres de chambre de Ravel avec son

frère Gautier et Frank Braley au piano,

L’Arbre des Songes de Dutilleux avec

l’Orchestre Philharmonique de Radio

France dirigé par Myung-Whun Chung,

La Truite de Schubert, les concertos de

Mendelssohn et de Schumann avec le

Mahler Chamber Orchestra et Daniel

Harding, les sonates, trios et quatuors

de Brahms avec Nicholas Angelich et

son frère Gautier au violoncelle ainsi

qu’un album, Inventions pour violon et

violoncelle, paru en novembre 2006. Le

Double Concerto de Brahms avec Gautier

Capuçon et l’Orchestre des Jeunes

Gustav Mahler dirigé par Myung-Whun

Chung est sorti en 2007. Sont également

parus un disque de concertos de Mozart

avec l’Orchestre de Chambre d’Écosse,

Louis Langrée et l’altiste Antoine

Tamestit, ainsi qu’un enregistrement de

concertos pour violon de Korngold. Son

dernier disque, l’intégrale des sonates

pour violon et piano de Beethoven avec

Frank Braley, est paru début 2011 chez

Virgin Classics. Renaud Capuçon joue sur

le Guarneri del Gesù « Panette » (1737)

qui a appartenu à Isaac Stern.

alina ibragimova

Née en Russie en 1985, Alina Ibragimova

a étudié à l’Académie Gnessine de

Moscou et à l’École Yehudi Menuhin en

Angleterre, ainsi qu’au Royal College of

Music de Londres. Elle a compté parmi

ses professeurs Natasha Boyarsky,

Gordan Nikolitch et Christian Tetzlaff.

Interprète du Baroque comme de la

musique d’aujourd’hui, jouant à la

fois sur des instruments modernes et

anciens, Alina Ibragimova s’est produite

27

BIOGRAPHIES

avec le London Symphony Orchestra,

l’Orchestre Symphonique de la BBC, le

Konzerthausorchester Berlin, l’Orchestre

Symphonique de la Radio de Stuttgart et

le Philharmonia Orchestra, ainsi qu’avec

les chefs Sir Charles Mackerras, Sir John

Eliot Gardiner, Sir Mark Elder, Richard

Hickox, Walter Weller, Carlo Rizzi, Osmo

Vänskä, Yannick Nézet-Séguin, Edward

Gardner et Gianandrea Noseda. En tant

que soliste, elle a joué aux côtés de la

Kremerata Baltica à Paris, Salzbourg et

Verbier, et a effectué une tournée avec

l’ensemble Britten Sinfonia et l’Orchestre

de Chambre d’Australie. En récital, on

a pu l’entendre au Wigmore Hall (où

elle a récemment interprété, avec son

partenaire habituel Cédric Tiberghien,

l’intégrale des sonates pour violon et

piano de Beethoven), au Concertgebouw

d’Amsterdam, au Mozarteum de

Salzbourg, au Musikverein de Vienne,

au Palais des Beaux-Arts de Bruxelles et

aux festivals de Salzbourg, de Verbier,

de la Mitteldeutsche Rundfunk (MDR),

de la Ville de Londres, de Lockenhaus,

de Manchester et d’Aldeburgh.

Parmi ses prochains engagements,

mentionnons ses débuts à Carnegie

Hall et un concert avec l’Orchestra of

the Age of Enlightenment dirigé par

Vladimir Jurowski. Alina Ibragimova

enregistre pour Hyperion Records,

chez qui elle a sorti de nombreux

disques, dont les Sonates et partitas de

Bach, des concertos de Hartmann et

Roslavets, ainsi qu’un disque consacré à

Szymanowski avec Cédric Tiberghien. Elle

a été membre du « BBC New Generation

Artists Scheme ». Elle s’est vue remettre

le Prix Borletti-Buitoni et a remporté un

Classical BRIT. Elle joue sur un violon

Pietro Guarneri de Venise (1738) fourni

aimablement par Georg von Opel.

aki Saulière

Aki Saulière a débuté ses études en

France avec Marie-Claude Theuveny, puis

à la Guildhall School of Music and Drama

de Londres, avec David Takeno, où elle

a obtenu son diplôme avec mention.

Elle a également effectué un cycle de

perfectionnement au Mozarteum de

Salzbourg et deux ans à l’Académie

Karajan de la Philharmonie de Berlin.

Elle a complété sa formation musicale

avec Yuko Mori et György Kurtág. Elle

s’est produite dans des formations telles

que le London Symphony Orchestra,

la Camerata de Salzbourg, les Berliner

Philharmoniker… Elle est fondatrice de

l’Ensemble de Kyoto et de l’Ensemble

de Chambre de Nagaokakyo. Membre du

Quatuor Capuçon et de Musique Oblique,

elle est la première violoniste française

à intégrer le Chamber Orchestra of

Europe, avec lequel elle tourne trois mois

par an sous la baguette de chefs tels que

Claudio Abbado, Nikolaus Harnoncourt,

Frans Brüggen… Depuis son retour en

France en 1998, elle est régulièrement

invitée par Renaud Capuçon dans des

festivals tels que Deauville, Bel Air,

Tautavel… Par ailleurs, elle se produit

régulièrement au Japon en musique de

chambre. Elle est assistante de Yuko

Mori au Chicago College of Music. Elle

est également directrice artistique de La

Loingtaine, un espace de création situé

près de Fontainebleau, où elle organise

des concerts et des masterclasses tout

au long de l’année.

Gérard caussé

Gérard Caussé est salué dans le monde

entier comme l’un des grands virtuoses

de son instrument et, depuis William

Primrose, il est l’un des rares qui ont su

rendre à l’alto sa liberté d’instrument

soliste à part entière. Il obtient la

reconnaissance internationale au milieu

des années 1970 comme membre

de l’Ensemble intercontemporain.

Il joue en soliste avec la plupart des

grands orchestres internationaux,

dans un répertoire très large allant du

Baroque jusqu’à Bruch, Berlioz, Bartók,

Stravinski, Britten, Walton et Martinu,

en passant par Mozart, selon lui le

premier à avoir compris le rôle d’arbitre

de l’alto. Il se consacre également au

développement du répertoire de son

instrument et plus de 20 concertos lui

ont été dédiés, dont ceux de Philippe

Hersant, Michaël Levinas, Pascal Dusapin

et Hugues Dufourt. Récemment, il a

créé en Europe Dritter Doppelgesang,

double concerto pour alto et clarinette

de Wolfgang Rihm (avec Michel Portal

et l’Orchestre National de France). De

2002 à 2004, il est directeur artistique

de l’Orchestre de Chambre National

de Toulouse, avec lequel il se produit

comme soliste et comme chef. Il a joué

avec l’Orchestre National de France,

l’Orchestre de la Suisse Romande,

l’Orchestre National de Lille, l’Orchestre

Philharmonique de Montpellier,

l’Orchestre Philharmonique du

Luxembourg, l’Orchestre Symphonique

de São Paulo et l’Orchestre du Capitole

de Toulouse. Répondant à l’invitation de

Maria João Pires, au sein de la Fondation

Caja Duero, il s’engage en créant et

dirigeant la Camerata de la Fondation

Caja Duero, composée de jeunes

musiciens à Salamanque. Ce travail

se veut être une approche expérimentale

de tous les répertoires. Gérard Caussé

joue et enregistre régulièrement avec

Gidon Kremer, Maxim Vengerov, Franz

Peter Zimmerman, Renaud Capuçon,

Augustin Dumay, Maria João Pires,

28

François-René Duchâble, Frank Braley,

Nicholas Angelich, Jean-Philippe Collard,

Michel Portal, Paul Meyer, Emmanuel

Pahud, Gautier Capuçon. Sa discographie

compte plus de 35 disques pour des

labels comme EMI, Erato, Philips,

Teldec, Virgin Classics, Harmonia

Mundi et Deutsche Grammophon.

Ses derniers enregistrements comportent

le Quintette « La Truite » de Schubert

pour Virgin Classics, un disque d’œuvres

de Hindemith et Levinas pour Aeon,

un disque consacré aux œuvres de

Bloch avec l’Orchestre de la Suisse

Romande, ainsi qu’un enregistrement

du Cyprès blanc, concerto de Hugues

Dufourt qu’il a créé en 2004 au festival

Musica de Strasbourg, avec l’Orchestre

Philharmonique de Luxembourg

(Timpani). Gérard Caussé est titulaire

d’une classe d’alto au Conservatoire

de Paris (CNSMDP). Il est directeur

du festival de musique Florilegio

(Salamanque). Il joue un alto

Gasparo da Salo (1560).

béatrice muthelet

Béatrice Muthelet a commencé la

musique en étudiant le violon au

Conservatoire de Versailles. Ce n’est

qu’à l’âge de 19 ans, après avoir passé

quelque temps à travailler avec Haïm

Taub en Israël, qu’elle a décidé de se

consacrer à l’alto. Une bourse lui a alors

permis d’aller parfaire sa formation

à New York, où elle est devenue

l’unique altiste de la classe de Pinchas

Zukerman à la Manhattan School of

Music. De retour en Europe, elle est

entrée à l’Académie Karajan des Berliner

Philharmoniker, dont elle a fait partie

jusqu’en 1999. Elle est actuellement

premier alto du Mahler Chamber

Orchestra et l’on peut régulièrement

l’entendre en tant que premier alto invité

avec des orchestres comme la Deutsche

Kammerphilharmonie ou l’Orchestre

du Gewandhaus de Leipzig. Elle fait en

outre partie des membres fondateurs

de l’Orchestre du Festival de Lucerne,

créé par Claudio Abbado. En tant que

musicienne de chambre, Béatrice

Muthelet est fréquemment à l’affiche de

festivals aussi prestigieux que le Festival

d’Aix-en-Provence, le Festival de Bel-Air,

le Festival de Saint-Denis, le Verbier

Festival, le Festival de Berlin, le Festival

de Heimbach, le Festival de Lucerne, le

Festival d’Édimbourg, la Schubertiade

de Schwarzenberg, le Festival de Delft

ou le Festival de Pise. Ses principaux

partenaires se nomment Lars Vogt,

Hélène Grimaud, Bruno Canino, Sarah

Chang, Joshua Bell, Viktoria Mullova,

Isabelle van Keulen, Kolja Blacher, Gérard

Caussé, Wolfram Christ, Emmanuel

Pahud, Paul Meyer, Steven Isserlis,

Clemens Hagen et Alois Posch. Avec le

quatuor à cordes qu’elle a créé en 2001

avec Renaud Capuçon, Gautier Capuçon

et Aki Saulière, Béatrice Muthelet a

notamment enregistré le Quintette pour

clarinette de Brahms chez EMI, aux côtés

du clarinettiste Paul Meyer, ainsi que

Le Carnaval des animaux et le Septuor

de Saint-Saëns pour Virgin Classics. Elle

a également participé à l’enregistrement

du Quintette à cordes en sol de Mozart

et de la Symphonie de chambre op. 9

de Schönberg avec Christian Tetzlaff

et Boris Pergamenchikov (EMI). Depuis

2007, le quatuor s’est produit à la Salle

Pleyel (dans le cadre de la série des

Grands Solistes en octobre 2009), à

la Schubertiade de Schwarzenberg,

au Musikverein de Vienne et au

Concertgebouw d’Amsterdam.

Gautier capuçon

« Nouveau talent de l’année » aux

Victoires de la musique 2001, Gautier

Capuçon a obtenu en 2000 un prix de

violoncelle au Conservatoire de Paris

(CNSMDP) dans la classe de Philippe

Müller, ainsi qu’un prix de musique

de chambre. Il a également suivi des

masterclasses à Vienne avec Heinrich

Schiff et a remporté de nombreuses

distinctions : premier prix de l’Académie

Internationale de Musique Ravel,

deuxième prix au Concours International

de Violoncelle de Christchurch en

Nouvelle-Zélande et premier grand

prix du Concours International André-

Navarra. Parallèlement, Gautier

Capuçon a parfait son expérience au

sein de l’Orchestre des Jeunes de

la Communauté Européenne avec

Bernard Haitink, puis de l’Orchestre

des Jeunes Gustav Mahler avec Kent

Nagano, Daniele Gatti, Pierre Boulez,

Seiji Ozawa et Claudio Abbado. Depuis,

il s’est produit en tant que soliste avec

l’Orchestre de Paris, l’Orchestre National

de France (sous la direction de Tugan

Sokhiev), l’Orchestre Philharmonique

de Radio France, l’Ensemble Orchestral

de Paris, les orchestres de chambre

de Vienne et de Zurich, l’Orchestre

de la Radio Bavaroise, l’Orchestre

Philharmonique de Munich (Paavo Järvi),

l’Orchestre des Jeunes Gustav Mahler,

le Deutsches Symphonie-Orchester

Berlin, l’Orchestre Symphonique de

Malmö, l’Orchestre de l’Accademia di

Santa Cecilia de Rome et le Chamber

Orchestra of Europe (Myung-Whun

Chung), l’Academy of St Martin-in-

the-Fields, l’Orchestre de Chambre

d’Écosse, les orchestres de la BBC

d’Écosse et du Pays-de-Galles ainsi

que les orchestres symphoniques de

29

BIOGRAPHIES

Houston, Detroit et Philadelphie (Charles

Dutoit). Il est régulièrement invité par

de nombreux festivals : Saint-Denis, La

Roque-d’Anthéron, Bergen, Jérusalem,

Mostly Mozart de Londres, Édimbourg,

Berlin, Rheingau, Schwarzenberg,

Lockenhaus, Brescia, Spolète, Stresa, les

Canaries, Saint-Sébastien, Tokyo, Davos,

Gstaad, Verbier, Lucerne et Lugano.

Passionné de musique de chambre, il

a pour partenaires son frère Renaud,

Nicholas Angelich, Martha Argerich,

Gabriela Montero, Daniel Barenboim,

Yuri Bashmet, Frank Braley, Gérard

Caussé, Sarah Chang, Myung-Whun

Chung, Michel Dalberto, Hélène Grimaud,

Stephen Kovacevich, Katia et Marielle

Labèque, Viktoria Mullova, Paul Meyer,

Mikhail Pletnev, Vadim Repin, Antoine

Tamestit, Jean-Yves Thibaudet, Maxim

Vengerov, Lilya Zilberstein, Nikolaj

Znaider ou encore le Quatuor Ysaÿe. En

2010/2011, il se produit notamment en

récital au Théâtre des Champs-Élysées

dans la série des Grands Solistes aux

côtés du pianiste Jean-Yves Thibaudet,

et on peut l’entendre au Festival de

Saint-Denis avec Renaud Capuçon,

Gérard Caussé et Michel Dalberto dans

un programme consacré à Fauré. Sa

discographie comprend les trios de

Haydn et Mendelssohn avec Martha

Argerich et Renaud Capuçon, le

Trio n° 2 de Chostakovitch avec Martha

Argerich et Maxim Vengerov. D’autres

enregistrements sont parus chez Virgin

Classics : la musique de chambre de

Ravel, des duos avec son frère, les

concertos de Haydn avec le Mahler

Chamber Orchestra et Daniel Harding

(« Diapason d’Or » et « Choc » du Monde

de la musique), la musique de chambre

de Saint-Saëns, dont le Carnaval des

animaux, La Truite de Schubert, les trios

et quatuors de Brahms avec Renaud

Capuçon et Nicholas Angelich (« Preis

der Deutschen Schallplattenkritik »,

« Diapason d’Or » et « Choc » du

Monde de la musique), ainsi que les

trios de Schubert avec Frank Braley

et Renaud Capuçon. Il a également

enregistré un récital avec la pianiste

Gabriela Montero (Mendelssohn/

Prokofiev/Rachmaninov), programmé

dans la série des Grands Solistes en

2009. Ses dernières parutions : des

concertos pour violoncelle de Dvorák et

Herbert avec l’Orchestre de la Radio de

Francfort dirigé par Paavo Järvi et un

disque Tchaïkovski/Prokofiev enregistré

aux côtés de l’Orchestre du Théâtre

Mariinsky de Saint-Pétersbourg sous

la direction de Valery Gergiev. Gautier

Capuçon est lauréat de la Fondation

d’entreprise Natexis Banques Populaires,

d’une bourse Lavoisier du ministère des

Affaires étrangères et du Borletti-Buitoni

Trust. Il joue un Matteo Goffriler de 1701

et un violoncelle de Joseph Contreras de

1746 prêté par la BSI.

Yan Levionnois

Né en 1990, Yan Levionnois a débuté le

violoncelle avec son père, violoncelle

solo de l’Orchestre Philharmonique de

Radio France, puis a étudié avec Xavier

Richard et Marc Coppey. Il a été reçu en

2006 dans la classe de Philippe Muller

au Conservatoire de Paris (CNSMDP),

où il a obtenu un premier prix en 2009.

Il a bénéficié des conseils de Natalia

Shakovskaïa, Natalia Gutman, Gary

Hoffman, Jean-Guihen Queyras. Premier

grand prix du Concours International

André-Navarra 2008, premier grand

prix du Concours Rostropovitch de

Londres 2009, deuxième grand prix

et prix d’interprétation du Concours

International de Musique Française Note

et Bien, lauréat de la Fondation Raynaud-

Zurfluh, il a remporté le Prix Palazetto

Bru Zane et le Prix de la « personnalité

la plus remarquable » au Concours

Rostropovitch de Paris en 2009. Yan

Levionnois s’est produit en soliste dans

les concertos de Haydn, Schumann,

Dvorák, Lalo, Elgar, Chostakovitch

(n° 1 et 2), Tchaïkovski (Variations

Rococo) et Saint-Saëns (Concerto n° 1),

avec notamment l’Orchestre National

du Capitole de Toulouse, l’Orchestre de

Bordeaux, le Prague Symphony Chamber

Orchestra, l’ensemble Les Dissonances,

ainsi qu’avec l’ensemble de violoncelles

de l’Orchestre de Paris. Il se produit

également dans Messagesquisse de

Pierre Boulez et en récital au Wigmore

Hall de Londres. Il a participé aux

festivals de Bel-Air, Auvers-sur-Oise,

Cordes sur Ciel, Deauville, La Roque-

d’Anthéron, aux Rencontres Musicales de

Santander, au Festival Pablo Casals de

Prades et aux Folles Journées de Nantes.

En musique de chambre, il a joué avec

Augustin Dumay, Svetlin Roussev, Gérard

Caussé, Frank Braley, David Guerrier,

Zakhar Bron, Nelson Goerner, le Quatuor

Ebène, Renaud Capuçon, Nicholas

Angelich. En 2010/2011, il a été l’invité

de l’Orchestre de Bretagne (Haydn), de

l’Orchestre de Toulouse (Dutilleux), du

Cape Town Symphony et du London

Philharmonic Orchestra ainsi que de

différents festivals. Il a été sélectionné

pour participer au programme « Déclic »

de CulturesFrance, et s’est produit dans

ce cadre en Amérique Centrale. Il joue un

violoncelle de Patrick Robin de 2005.

alois Posch

Alois Posch est l’un des plus grands

contrebassistes d’orchestre européens.

30

Ayant commencé à étudier le violon et

le piano à l’âge de dix ans, c’est à quinze

ans qu’il découvre que la contrebasse

est l’instrument qui lui convient le

mieux. Il entre alors à l’École Supérieure

de Musique et d’Art dramatique de

Graz, où il étudie l’instrument auprès

de Johannes Auersperg. Après avoir

remporté de nombreux prix et gagné

de multiples concours pour jeunes

musiciens, il est engagé en 1977 à

l’Orchestre Philharmonique de Vienne,

à l’âge de dix-huit ans. Soliste de

l’Orchestre Philharmonique et de

l’Opéra de Vienne, il y dirige également

la section des basses. Depuis 1993,

il enseigne à l’École Supérieure de

Musique et d’Art dramatique de Vienne

et est professeur invité du Mozarteum

de Salzbourg. Il se produit également

fréquemment en tant que soliste et

en musique de chambre, notamment

dans le cadre de projets menés par

le violoniste letton Gidon Kremer – il

participe ainsi régulièrement au Festival

de Lockenhaus, dirigé par ce dernier.

Il a joué et enregistré pour les labels

Decca, EMI, Deutsche Gramophon, Sony

et Philips. Parmi les enregistrements

qu’il a réalisés avec Gidon Kremer,

mentionnons une version pour formation

de chambre d’œuvres d’Astor Piazzolla.

Jérôme ducros

Né en 1974, Jérôme Ducros étudie

le piano avec Françoise Thinat au

Conservatoire d’Orléans, puis avec

Gérard Frémy et Cyril Huvé au

Conservatoire de Paris (CNSMDP),

où il obtient un premier prix de piano

en 1993. Il poursuit ses études en

troisième cycle auprès de Gérard

Frémy, et travaille également avec Leon

Fleisher, György Sebök, Davitt Moroney…

À Villarceaux, il suit les masterclasses de

Christian Zacharias. En 1994, il obtient

le deuxième prix et le prix spécial pour

la meilleure interprétation de la pièce

imposée (Incises, de Pierre Boulez, créée

lors de l’épreuve finale) au 1er Concours

International de Piano Umberto Micheli,

organisé par Maurizio Pollini, qui siège

au jury présidé par Luciano Berio. Dès

lors, les concerts se succèdent : au

Festival de Montpellier, à l’Orangerie

de Sceaux, à La Roque-d’Anthéron,

au Festival de Pâques de Deauville, au

Théâtre du Châtelet, au Théâtre des

Champs-Élysées, à la Salle Pleyel, à

Radio France, au Théâtre du Capitole,

au Concertgebouw d’Amsterdam, ainsi

qu’à Londres, Genève, Rome, Berlin,

New York, Tokyo… On a pu l’entendre

en soliste aux côtés d’orchestres

tels que l’Orchestre Philharmonique

de Johannesburg, La Chambre

Philharmonique, l’Orchestre National

de Lyon, l’Orchestre de Chambre de

Lausanne, l’Orchestre National de

Lille, l’Ensemble Orchestral de Paris,

l’Orchestre Français des Jeunes

ou l’Orchestre Philharmonique de

Rotterdam, avec des chefs tels que Alain

Altinoglu, Paul Meyer, James Judd,

Emmanuel Krivine, Marc Minkowski,

Christopher Hogwood… Très attaché

à la musique de chambre, il joue aux

côtés d’Augustin Dumay, Michel Portal,

Michel Dalberto, Nicholas Angelich,

Frank Braley, Paul Meyer, Gérard Caussé,

Tabea Zimmermann, Jean-Guihen

Queyras, Henri Demarquette, Renaud et

Gautier Capuçon, le Quintette Moraguès,

le Quatuor Parisii ou Jérôme Pernoo,

avec qui il forme un duo depuis 1995.

Il s’est produit avec la soprano Dawn

Upshaw à Londres, New York, Salzbourg

et au Théâtre des Champs-Élysées, où

leur concert a été enregistré par Erato.

Depuis 2007, il entame une collaboration

privilégiée avec Philippe Jaroussky.

Des concerts de mélodies françaises

sont prévus avec lui à travers le monde

sur les prochaines saisons. Sur France

Musique, il est régulièrement invité

aux émissions L’Atelier du musicien

(Jean-Pierre Derrien) et La règle du

« je » (Martine Kaufmann). Parmi les

œuvres qu’il donne souvent en récital,

la transcription pour deux mains

de la Fantaisie D. 940 pour piano à

quatre mains de Schubert a reçu un

accueil enthousiaste du public et de

la critique. Elle figure d’ailleurs sur

un disque consacré aux fantaisies de

Schubert (Ligia Digital) qui a obtenu

le Diapason d’or de l’année 2001.

La partition de cette transcription est

parue en septembre 2004 aux éditions

Billaudot. Après avoir été créé à Minsk,

le Trio pour deux violoncelles et piano

qu’il a composé en 2006 a été repris

au festival Les Vacances de Monsieur

Haydn de Jérôme Pernoo en 2006 et

aux Rencontres artistiques de Bel-Air

de Renaud Capuçon en 2007. Il est

édité chez Billaudot dans la collection

de Gautier Capuçon. Trois disques sont

parus en 2008 : l’œuvre pour piano et

orchestre de Fauré avec l’Orchestre

de Bretagne dirigé par Moshe Atzmon

(Quartz), un récital avec Renaud

Capuçon (Virgin Classics) et l’œuvre de

Beethoven pour piano et violoncelle

avec Jérôme Pernoo. Jérôme Ducros

vient de sortir un disque consacré

aux mélodies françaises avec Philippe

Jaroussky, Renaud et Gautier Capuçon,

et Emmanuel Pahud (Virgin Classics).

31

BIOGRAPHIES

Frank braley

Frank Braley a étudié au Conservatoire

de Paris (CNSMDP), où a suivi les cours

de Pascal Devoyon, Christian Ivaldi et

Jacques Rouvier avant d’y obtenir des

premiers prix de Piano et de musique

de chambre. En 1991, il a remporté le

premier grand prix et le prix du public du

Concours Reine Élisabeth de Belgique.

Régulièrement invité au Japon, aux

États-Unis, au Canada et dans toute

l’Europe, Frank Braley est partenaire

de formations telles que l’Orchestre de

Paris, l’Orchestre National de France,

l’Orchestre Philharmonique de Radio

France, l’Ensemble Orchestral de Paris,

les orchestres de Bordeaux, Lille,

Montpellier et Toulouse, l’Orchestre

National de Belgique, l’Orchestre

Philharmonique de Liège, l’Orchestre

du Gewandhaus de Leipzig, l’Orchestre

Philharmonique de Londres, l’Orchestre

de la BBC du Pays-de-Galles, l’Orchestre

Royal National d’Écosse, les orchestres

de la Suisse Romande et de la Suisse

Italienne, l’Orchestre de la Radio de

Berlin, l’Orchestre Philharmonique de

Rotterdam, l’Orchestre Symphonique

de Göteborg, l’Orchestre Royal

de Copenhague, les orchestres

symphoniques de Boston, Baltimore et

Seattle, l’Orchestre Philharmonique de

Los Angeles… Il a joué sous la baguette

de Jean-Claude Casadesus, Stéphane

Denève, Charles Dutoit, Armin Jordan,

Hans Graf, Gunther Herbig, Christopher

Hogwood, Eliahu Inbal, Marek Janowski,

Emmanuel Krivine, Louis Langrée,

Kurt Masur, Paul McCreesh, Sir Yehudi

Menuhin, John Nelson, Michel Plasson,

Yutaka Sado, Michael Schonwandt,

Antonio Pappano et Walter Weller.

Frank Braley a effectué des tournées

dans le monde entier : en Chine avec

l’Orchestre National de France, au

Japon et en Chine avec l’Orchestre

National du Capitole de Toulouse,

en Italie avec l’Orchestre Français

des Jeunes et l’Orchestra di Padova

e del Veneto. Il a joué au Festival de

Tanglewood (États-Unis) avec l’Orchestre

Symphonique de Boston dirigé par

Hans Graf et, en 2003, a participé à

l’inauguration de la nouvelle salle de

Carnegie Hall, le Zankel Hall, à New York,

avec l’Ensemble intercontemporain.

En récital, il a joué à Paris, Londres,

Amsterdam, Bruxelles, Hanovre, Ferrare,

et en duo avec Renaud Capuçon à

Amsterdam, Athènes, Birmingham,

Bruxelles, Rome, Florence, Trieste, New

York, Washington, Paris et Vienne. En

musique de chambre, il a également

eu pour partenaires Renaud et Gautier

Capuçon, Maria João Pires, Augustin

Dumay, Paul Meyer, Gérard Caussé,

Éric Le Sage, Emmanuel Pahud, Mischa

Maisky et Yuri Bashmet. En janvier 2011,

il a interprété l’intégrale des sonates

pour violon et piano de Beethoven

au Théâtre des Champs-Élysées aux

côtés de Renaud Capuçon, dans la

série des Grands Solistes – intégrale

qu’il a également enregistrée chez

Virgin Classics, toujours avec Renaud

Capuçon ; le disque est paru début

2011. Outre son activité régulière de

soliste, il se passionne pour des projets

originaux : il a notamment participé à

une intégrale des sonates pour piano

de Beethoven donnée en 2004 au

Festival de La Roque-d’Anthéron ainsi

que dans plusieurs villes françaises, à

Rome et au Brésil et, en 2005, à Bilbao,

Lisbonne et Tokyo. Sa discographie

comprend : chez Harmonia Mundi,

la Sonate D. 959 et les Klavierstücke

D. 946 de Schubert (« Diapason d’Or »),

l’œuvre pour piano de Richard Strauss,

des sonates de Beethoven (« Clair de

lune », « Appassionata » et op. 110), un

récital Gershwin et le Double Concerto

de Poulenc (Prix Caecilia en Belgique

et « Diapason d’Or ») ; il a participé à

l’enregistrement de l’intégrale Schumann

par Éric Le Sage ; chez Naïve : un DVD

Liszt/Debussy/Gershwin (« Choc » du

Monde de la musique) ; chez Virgin

Classics, il a enregistré la musique de

chambre de Ravel, Le Carnaval des

animaux de Saint-Saëns (« Choc » du

Monde de la musique et « Recording of

the Month » de Gramophone), La Truite

et les trios de Schubert avec Renaud

et Gautier Capuçon, et les Danses

hongroises de Brahms avec Nicholas

Angelich.

angelika Kirchschlager

Née à Salzbourg, Angelika Kirchschlager

a étudié le piano au Mozarteum. Après

avoir obtenu son diplôme du Musisches

Gymnasium de Salzbourg, elle a intégré

l’Académie de Musique de Vienne en

1984 où elle a étudié le chant avec le

professeur Gerhard Kahry et le baryton

viennois Walter Berry. Elle mène

depuis une carrière internationale,

partageant son temps entre les récitals

et l’opéra en Europe, en Amérique du

Nord et en Extrême-Orient. Elle est

reconnue comme l’une des plus grandes

interprètes de Richard Strauss et de

Mozart, et a montré les diverses facettes

de sa voix dans des opéras tels que

Pelléas et Mélisande, Le Choix de Sophie

de Nicholas Maw et Le Viol de Lucrèce

de Britten. Récitaliste saluée et grande

concertiste, son répertoire s’étend de

Bach, Berlioz, Brahms, Debussy, Dvorák,

Korngold, Mahler, Mendelssohn et Ravel

à Rossini, Schubert, Schumann, Weill et

Wolf. De nombreux chefs ont compté

dans sa carrière, parmi lesquels Riccardo

Muti, Seiji Ozawa, Claudio Abbado, Sir

Colin Davis, Kurt Masur, Kent Nagano,

Donald Runnicles et Sir Simon Rattle.

Elle est régulièrement invitée à La Scala

de Milan, au Metropolitan Opera de

New York, à l’Opéra de San Francisco,

au Covent Garden de Londres, à l’Opéra

Bastille, à la Staatsoper de Vienne, à

la Bayerische Staatsoper de Munich, à

la Deutsche Oper de Berlin, à la Salle

Pleyel et à la Cité de la musique, à la

Philharmonie de Berlin, au Festival de

Salzbourg, au Carnegie Hall et à l’Avery

Fisher Hall de New York, au Boston

Symphony Hall ainsi qu’au Wigmore

Hall et au Barbican Centre de Londres.

La saison dernière, elle a donné des

concerts de gala à la Volksoper de

Vienne, des récitals, accompagnée par

Julius Drake et Malcolm Martineau,

au Wigmore Hall de Londres, où elle

a également interprété le Spanisches

Liederbuch de Wolf aux côtés de Ian

Bostridge, ainsi qu’un concert avec le

Quatuor Belcea. Elle a chanté Les Sept

Péchés capitaux de Weill au Theater an

der Wien avec l’Orchestre Symphonique

de la Radio de Berlin, a effectué une

tournée avec un programme de lieder

de Schubert aux côtés de l’Orchestre

de Chambre de Bâle (Bâle, Paris, Aix-

en-Provence, Hong Kong et Vienne) et a

donné des récitals avec Helmut Deutsch

à Tokyo, à La Scala de Milan et au

Musée d’Orsay à Paris. En concert, elle a

également chanté à Leeds, Manchester,

Gand, avec l’Academy of St. Martin

in the Fields à Bonn, Luxembourg,

Cagliari, Gênes, Sankt Pölten, à la

Schubertiade de Schwarzenberg, à la

Frauenkirche de Dresde, ainsi qu’avec

l’Orchestre Symphonique de Bamberg à

Bad Kissingen et au Festival de Verbier.

Fin 2010, elle est retournée à l’opéra

pour chanter le rôle d’Orlofsky dans

La Chauve-souris de Johann Strauss

à Vienne. Début 2011, elle a fait ses

débuts dans le rôle-titre du Viol de

Lucrèce au Theater an der Wien. En

2011/2012, elle interprète notamment

le rôle de Jenny Hill dans Grandeur et

Décadence de la ville de Mahagonny

de Weill à la Staatsoper de Vienne.

Angelika Kirchschlager a enregistré de

nombreux disques (des lieder d’Hugo

Wolf, un récital d’extraits d’opérettes

avec Simon Keenlyside, des airs de

Haendel, Les Noces de Figaro sous la

direction de René Jacobs ainsi que son

premier disque, très remarqué, de lieder

d’Alma et Gustav Mahler et de Korngold)

et DVD (Giulio Cesare de Haendel au

Festival de Glyndebourne, Le Chevalier

à la rose au Festival de Salzbourg et

Le Choix de Sophie au Covent Garden

de Londres). Elle a remporté plusieurs

prix, dont le prix ECHO Klassik 2010 du

« meilleur enregistrement de mélodies »

pour son album Robert Schumann:

Lieder accompagné par Helmut Deutsch.

Angelika Kirchschlager enseigne au

Mozarteum de Salzbourg et, depuis 2011,

à l’Université de Graz.Im

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Salle Pleyel

Président : Laurent Bayle

Notes de programme

Éditeur : Hugues de Saint Simon

Rédacteur en chef : Pascal Huynh

Rédactrice : Gaëlle Plasseraud

Graphiste : Ariane Fermont

Stagiaires : Christophe Candoni,

Carolina Guevara de la Reza.

Les partenaires média de la Salle Pleyel

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jeudi 10 mai | 20H

joshua Bell | jeremy denkFranz Schubert Sonatina en la mineurCésar Franck Sonateedvard Grieg Sonate n° 2

Production Céleste Productions - Les Grands Solistes.

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Samedi 11 Février, 20H

dimanCHe 12 Février, 16H

Lugano à Paris martha argerich et ses invitésmartha argerich | Lilya Zilberstein | mischa maisky

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Samedi 15 et dimanche 16 octobre | Samedi 15 et dimanche ...

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