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Voici entre vos mains le premier numéro de 2010: Nous vous avons préparé plusieurs tutoriels en espérant que chacun puisse y trouver l'exercice le plus approprié.

Pour débuter cette édition, nous vous proposons de changer un personnage en aquarium. Vous pourrez le faire grâce à l'outil Défor-mation. Pour ceux qui n'ont pas assez de pratique, Benjamin Dala-cour expliquera comment procéder pas à pas pour aboutir au but.

Vous trouverez aussi quelques photomontages. Vous pourrez appréhender comment créer un arrière-plan en vous servant de dif-férentes images. Dans son Passionate Color, Wendy Lipovsek vous montrera, étape par étape, le processus de création de son visuel, de la retouche de photo originale jusqu'à l'ajout de Filtre photo. Vous pourrez aussi utiliser les textures pour révéler les émotions de l'ima-ge de base. Madeleine Juda, dans le tutoriel Lost in these feelings, vous présentera ensuite comment obtenir une ambiance à votre idée avec une simple image.

The Dark Side of the Quil, article préparé par Thimothé Mathelin, vous expliquera les origines du terme Dark Art et son infl uence sur les créations de l'auteur en vous présentant ses travaux.

Dans les numéros précédents, nous vous avions présenté les tu-toriaux et articles sur la communication visuelle : création de logo, carte de visite etc. Ici, l'auteur, Leparachute, s'appuiera sur l'exem-ple concret. Logo – exemple de projet. Cet article présentera une réfl exion autour de la réalisation d'un logo ayant des contraintes particulières. Vous pourrez par la suite vous exercer à faire ce logo vous-même.

Bonne lecture et découverte à tous,Justyna Książek

Chers lecteurs,

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news

news 10

dossier

AquariumDelacour Benjamin 16

Passionate ColorsWendy Lipovsek 22

I’m okay !Cédric Baudouin 26

pratique

Lost in these feelingsMadeleine Juda 30

Portrait antiqueJulia Dresch 36

CendrillonDavid Delin 42

focus

The Dark Side of the QuillTimothée Mathelin 52

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sommaire

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fiche technique

Logos – exemple de projet ILeparachute 62

Logos – exemple de projet IILeparachute 64

BeautifullyCéline Lippmann 68

Colorisation de Bande Dessinée professionnelleFactusse 72

galerie

Galerie de Stéphane Rey-Gorrez 80

dans chaque numéro abonnement 66

sites recommandés 79

et après 82

sommaire

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sur le DVD

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I'm okay ! Cédric BadouinvidéoPour cette création, vous allez utiliser des méthodes non destructi-ves comme les masques de fusion par exemple. N’hésitez pas à sui-vre cet exemple avec vos propres images et ressources graphiques, un peu d’imagination, Photoshop et c’est parti !

BeautifullyCéline Lippmannvidéo et fi chiers sourcesL'imaginaire peut transmettre une multitude d'émotions, même à travers un portrait à l'origine plutôt banal.Vous trouverez dans ce tutoriel les principales étapes qui vous permettront de développer différents outils de Photoshop afi n de rendre une photo plus colo-rée, et ainsi lui donner une ambiance fantastique.

Portrait antiqueJulia Dreschvidéo et fi chiers sourcesDans ce tutoriel je vous montrerai comment créer une image avec un aspect vieilli. Le modèle dans sa robe baroque et avec un violon va à merveille avec la forêt automnale. Nous allons compléter ce por-trait antique avec la couleur sépia et avec un cadre rond.

Logos – exemple de projet IILeparachutevidéoComme vous devez commencer à en avoir l'habitude, après la théo-rie, place à la pratique. Nous allons étudier les étapes nécessaires à la réalisation de ce logo, avant de pouvoir l'exploiter sur les diffé-rents supports.

Passionate Colors Wendy Lipovsek – fi chiers sources

DVD

Vidéos et fi chiers sources

La rédaction utilise Camtasia 6

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sur le DVD

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DVD

Photos libres de droitshttp://www.turbophoto.com

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sur le DVD

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DVD

Ces séquences présentées par video2brain (http://www.video2brain.com/) vous donnent un concentré explosif de techniques professionnelles sur Photoshop CS4 pour apprendre à retoucher effi cacement un portrait !

Retoucher un portrait sous Photoshop CS4Affi ner la silhouetteNous allons affi ner la taille du mannequin en utilisant le fi ltre de déformation Contraction. Ce sera également l'occasion de gonfl er un peu son tour de poitrine !

Sculpter les formesÀ l'aide du fi ltre Fluidité vous allez déformer et corriger localement les formes du modèle en utilisant notamment des masques et l'outil Décalage à gauche.

Supprimer les mèches rebellesÀ l'aide de l'outil Plume vous allez créer un tracé vectoriel entourant les zones à supprimer autour de la chevelure.

Outils Correcteur et Correcteur de tons directsVous vous apercevrez à quel point il est facile dans Photoshop de gommer les petits détails indésirables de la peau en quelques clics !

Outil PièceL'outil Pièce est un des outils les plus intéressants de part son fonc-tionnement mais aussi de part son effi cacité dans les zones délicates à corriger.

Lisser l'arrière-planAfi n d'obtenir un fond bien lissé sans aucune granulosité, utilisez un objet dynamique pour y appliquer le fi ltre Médiane de manière réversible et non-destructive.

Repoudrer le modèleVoici une succession de fonctions et de commandes d'expert qui vous permet d'obtenir une peau lissée tout en conservant des détails dans le grain et la texture de la peau.

Repoudrer uniquement la peauÀ l’aide d’un masque de fusion, nous allons modifi er uniquement sur la peau sans affecter les vêtements ou les cheveux.

Cours multimédia

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sur le DVD

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sur le DVDs’il est absent, merci de contacter votre marchand de journaux

Les fi lms-tutoriels et les fi chiers sources utiles pour faire les exercices décrits dans la revue.

* Version pour Windows et Mac OS X

NOTE : Les photos mises sur le DVD ne peuvent être utilisées que pour obtenir les effets décrits dans les tutoriels. Toute autre utilisation est strictement interdite.

En cas de problèmes avec votre DVD, écrivez à l’adresse : cd@psdmag.org

S’il vous est impossible de lire le DVD, et ce dernier n’est pas endommagé mécaniquement, essayez de le lire au moins dans 2 lecteurs.

DVD

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news

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Festival de Bande Dessinée d'AngoulêmeLa plus grande manifestation de Bande Dessinée européenne se tiendra

du 28 au 31 janvier 2010 dans la ville d'Angoulême. Cette 37ème édition

réunira auteurs, professionnels et amateurs, sous la présidence cette

année du Grand Prix 2009, Blutch.

Deux expositions thématiques seront mises en place: l’une consac-

rée aux dessinateurs d’humour

(Daumier, Sempé, Gus Bofa et Saul Steinberg, promet l’avant-pro-

gramme), l’autre à la jeune bande dessinée russe, qui devrait accueillir

des performances de dessins en direct. Par ailleurs, une ambitieuse

exposition intitulée 100 pour 100 confrontera une planche de la

collection du Musée de la bande dessinée avec sa relecture/hommage/

commentaire d’un auteur contemporain. On y verra notamment George

Herriman face à Jean-Christophe Menu, Hugo Pratt face à Jose Muñoz ou

Hergé face à Goossens.

Côté jeunesse, deux séries à succès seront honorées: Les Tuniques

bleues et Léonard. Les fans de manga se délecteront quant à eux d’une

expo One Piece. Enfi n, le public angoumoisin découvrira l’expérience

Match de catch à Vielsam, travail collectif d’auteurs de BD profession-

nels avec des artistes handicapés mentaux, initié par l’éditeur Frémok.

Au chapitre des spectacles, un des événements sera certainement

la soirée Cinémonstre: Enki Bilal, seul en scène, improvisera avec ses

crayons et pinceaux sur des images extraites de Cinémonstre, une

compression vidéo de ses trois fi lms (Bunker Palace Hotel, Tykho Moon,

Immortel ad vitam).

On sait aussi que c’est Zep qui scénarisera les concerts de dessins,

qui réunissent plusieurs dessinateurs chargés de raconter une histoire,

en même temps qu’un groupe joue sur scène (à ne pas confondre avec

les concerts dessinés, ces grandes soirées avec un ou deux dessina-

teurs et une pointure de la chanson).

IMAGINA 2010IMAGINA "Le Rendez-vous Européen de la Simulation et de la Visualisation 3D" est

l’événement majeur des solutions d’aide à la conception et d’aide à la décision

utilisant la visualisation et la simulation.

Fort du succès de l’édition 2009, IMAGINA présentera en 2010 un contenu

encore plus pertinent, ouvert à tous les professionnels de la 3D des secteurs de

l’Architecture, Urbanisme, Aménagement du Territoire, Industrie et Media & Enter-

tainment.

Pour plus d'informations :

http://www.imagina.inc

Enfi n, pour les Rencontres internationales, un plateau varié

d’auteurs est annoncé même si le programme est susceptible de

changements de dernière minute. Côté États-Unis, Art Spiegelman

et Françoise Mouly, mais aussi Ivan Brunetti, Joe Sacco et Dash

Shaw seront présents. Et, sous réserves, un des anciens Grand Prix:

Robert Crumb. On attend également l’Espagnol Jordi Benet, l’Italien

Gipi, les Français Floch’ et Rivière et le Japonais Hayashi Seiichi.

Enki Bilal participera aussi aux rencontres.

Toutes les informations sur http://www.bdangouleme.com

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news

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INTERGRAPHIC 2010Lieu de rencontre entre les divers acteurs de la chaine graphique :

technologie, conception, impression et matériaux, le salon

Intergraphic ouvrira ses portes du 12 au 14 janvier 2010

au Palais des Congrès de Paris.

Cette 30ème édition réunira 250 sociétés et pendant ces 2

jours se succèderont débats et conférences sur des thèmes tels

que : la police en PAO, un logotype pour quoi faire ?, optimisation

du flux de production...

INTERGRAPHIC 2010

12-14 janvier 2010 – Paris - Palais des Congrès

http://www.intergraphic.biz

Reflex numérique Nikon D3sLe nouveau appareil photo Nikon D3s vous permettra d'obtenir les

photos de bonne qualité en bas lumière. Il offre également, grâce

à sa fonction d'enregistrement de clip vidéo, de possibilités de

création multimédia.

Robert Cristina, responsable des produits pour professionnels

chez Nikon Europe, a dit : Le Nikon D3s redéfinit les règles de prises

de vue dans des conditions de très faible éclairage et permet aux

photographes de s'adapter à la lumière ambiante. Des professi-

onnels du monde entier ont contribué à améliorer ce qu'il y a de

meilleur.

Le capteur d'image de Nikon D3s de 12,1 millions de

pixels permet de prendre de photos et de filmer dans les coditi-

ons de faible luminosité en gardant en même temps la netteté

et le détail. Cela n'était pas possible auparavant. En plus,

l'appareil offre trois niveaux de sensibilité ISO supplémentaire.

Tous ces atouts sont bien important surtout pour les photogra-

phes de presse et sportifs.

Le mode D-Movie permet d'enregistrer des clips vidéo en haute

définition (HD) et en stéréo (microphone stéréo compatible requis).

H4D-60 de HasselbladLe nouveau appareil est doté d'un capteur d'image de 60 Mpixel

avec la nouvelle technologie True Focusavec APL (Absolute Position

Lock). Cette série H4D est basée sur la plateforme H3D et elle est aussi

livré avec la nouvelle version du logiciel de traitement d’images

Phocus 2.0. Déstiné pour les photographes professionnels,

le nouveau processeur Absolute Position k (APL) utilise la

technologie moderne du capteur de taux de lacet pour

mesurer la vitesse angulaire d’une manière innovante,

enregistre avec précision le mouvement de l’appareil

et utilise ensuite ces mesures pour calculer la distance

exacte nécessaire pour la mise au point correcte.

Le logiciel interne du H4D continue ensuite

à perfectionner la mise au point en utilisant le système

de recherche automatique des données équipant tous

les objectifs HC/HCD. Cette technologie fait atteindre

à l’AF un niveau tout à fait inédit, permettant au photogra-

phe de se concentrer sur sa composition, de fixer toute

Il est équipé de fonctions de retouche d'images et d'enregistrement

d'une image sélectionnée et prend en charge l'AF en mode Pied.

Pour plus d'information :

http://www.europe-nikon.com/

son attention sur sa créativité pendant que la fonction True

Focus se charge de faire une autre mise au point, plus

mécanique celle-là.

Pour plus d'information :

http://www.hasselblad.fr

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news

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XPC1910 – tablette graphique pour les professionnelsP-Active vous propose la tablette graphique LCD. L'écran de 19 pouces

et avec la résolution 1024×1280 (SXGA) est de 16,2 millions

de couleurs. Le XP reconnaît 1024 niveaux de sensibilité et simule

le stylo, pinceau, marqueur, crayon. Un stand arrière permet d'ajuster

l'écran entre 15° sur 85° ou de pencher pour l'usage confortable.

La XPC1910A vous offre la possibilité de dessiner directement

sur l'écran. Elle fonctionne avec plusieurs logiciels graphiques

tel que Corel Painter 11, Adobe Photoshop, Adobe Illustrator,

AutoCad, Maya, Zbrush et autres logiciels 3D.

Le systèmes de la tablette est compatible avec Apple MAC/OS

et Windows 7, Vista XP, 2000, 98.

Pour plus d'informations :

http://www.p-active.com.tw

Magic Mouse d'Apple

C'est la première souris Multi-Touch. Cette technologie permet de re-

connaître les gestes. Maintenant, en touchant la partie supérieure de la

souris, vous pourrez faire un défilement horizontal, vertical et diagonal.

La souris facilitera le travail sur Mac, ainsi vous pourrez : visualiser votre

timeline dans iMovie, parcourir de longues pages web dans Safari ou

faire défiler plus rapidement vos images dans iPhoto.

Magic Mouse possède un bouton, elle est donc facile à l'utiliser.

Cependant les personnes souhaitant utiliser la souris à deux boutons,

la société Apple a donné cette possibilité. Il suffit de changer sa configu-

ration dans les Préférences Système.

Un autre atout de cette souris est le pointage laser qui est plus

sensible aux surfaces de contact que la technologie optique tradition-

nelle. De cette façon, Magic Mouse est beaucoup plus précise et peut

fonctionner sur les différentes surfaces sans tapis.

Plus d'informations :

http://www.apple.com/fr/

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aquarium

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AquariumPour cette illustration le but était de réaliser un personnage en verre pour pouvoir le remplir comme un aquarium. Il faut donc une photo nette et un modèle qui soit une véritable statue.Je voulais obtenir une image poétique, exprimant ce que l'on peut avoir en soi.

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dossier

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Masque de fusionPour que tous ces morceaux se fondent entre eux, il faut réaliser un masque de fusion par morceau. Ainsi vous arriverez à joindre

une droite avec une courbe puis une autre droite pour faire le coude en 3 parties par exemple. Si toute la forme ne correspond pas au contour, effacez ce qui ne correspond pas avec le masque de fusion et repren-nez un nouveau morceau de verre pour continuer le contour.

SculptezIl faut parfois revenir sur des morceaux déjà fait pour suivre au plus près les contours. Reprennez l'outil Déformation et sculptez

les contours pour rester le plus réaliste possible. N'oubliez pas de ran-ger vos calques dans des groupes pour vous y retrouver ensuite.

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BaseÀ vous de trouver une photo d'un personnage nu ou légèrement vétu car il faut pouvoir utiliser les courbes du corps et non des ha-

bits. J'ai ici choisi une femme avec les yeux fermés dans une position inspirant le calme, et la sérénité. Prémière étape à ne pas négliger, c'est le détourage du personnage, pour mon cliché j'ai pû tout détou-rer facilement à la plume et j'ai enregistré mon tracé afin de pouvoir l'utiliser plus tard.

Créer du verrePour pouvoir recréer ce personnage en verre le mieux est de trou-ver des images libres de droits de verre, de bouteilles, d'ampoules,

d'aquariums... Si vous en trouvez sur fond blanc cela vous économi-sera du temps en détourage. Créez un nouveau calque blanc et collez sur un autre au-dessus votre modèle détouré, réduisez l'opacité de votre calque tout en gardant les contours visibles. Cela nous servira de trame pour placer le verre par dessus.

C'est parti !J'ai trouvé cette image d'ampoule sur fond blanc ou j'ai pu récu-pérer une belle courbe qui servira à tracer les contours du corps.

À vous de trouver un morceau exploitable sur les photos de verre que vous avez choisi.

DéformationIl faut maintenant utiliser ce morceau de verre et le transformer avec l'outil Déformation : Transformation>Déformation. Pour ce

faire adaptez la taille du morceau à la taille de la partie choisie, et pas-sez en Déformation pour adapter la courbe du verre à celle du modèle. Il ne faut pas vouloir en faire trop avec un seul morceau.

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aquarium

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Sculptez encoreIl faut faire de même pour les petites parties en utilisant encore plus de morceaux et en les réduisants pour coller aux doigts et oreil-les du modèle.

VisageUtilisez le pinceau noir et une sélection pour créer les cils et les paupières.

Finitions corpsDésactivez le calque du modèle pour voir si votre contour est bienfini, afin de pouvoir corriger les erreurs d'assemblage et de fusion

de calques. Vous pouvez voir que pour les parties internes du corps (sous le bras, le cou et l'épaule), j'ai travaillé de la même façon mais avec des calques qui ont une opacité réduite par rapport aux con-tours.

EauRécupérez la sélection du tracé de votre personnage et peignez sur un nouveau calque avec une couleur bleue transparente pour

simuler l'effet d'aquarium. Avec un pinceau fin blanc réalisez le pour-tour de la surface de l'eau, ne peignez pas trop près du verre car il faut simuler l'épaisseur du verre. Vous pouvez aussi assombrir par endroit la surface de l'eau pour simuler un léger mouvement de vague.

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Gouttes d'eauPour réaliser la condensation dans l'aquarium, utilisez une photo libre de droits de gouttes sur une fenêtre ou prenez votre appareil

photo et vaporisez de l'eau sur une vitre. Passez les calques des gout-tes d'eau en lumière crue à 75%.

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Ajouter de la végétationPour cela, il vous foudra un maximum d'images de fleurs et de vé-gétaux pour remplir l'aquarium. Créez un groupe sous les groupes

de verre et d'eau afin de simuler la transparence car les fleurs seront dans le verre et les pieds dans l'eau. Si les contours en verre cachent en partie vos fleurs, créez un masque de fusion sur le groupe corres-pondant et peignez l'intérieur pour laisser apparaître les fleurs.

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Reflets et FinalReprennez vos photos d'ampoules et de verres et observez les reflets pour en récupérer afin de les placer sur votre personnage,

vous pouvez aussi les tracer vous même en réalisant une sélection et en peignant dedans avec un gros pinceau blanc. Il ne vous reste plus qu'a donner la touche finale en créant différents calques de ré-glages au-dessus de tous les autres calques. J'ai ajouté un calque de réglages des courbes, de la saturation, un filtre photo bleu ... Voilà ! c'est fini !

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à propos de l’auteur

Delacour BenjaminInfographiste depuis plus de 10 ans, je travaille maintenant en tant que Freelance. Passionné par le design, la photo mais surtout par la retouche de photos, je réalise régulièrement pour diffé-rentes société des retouches complexes de leurs

produits. Je prends le temps depuis peu de réaliser des travaux personnels ce qui me permet de découvrir encore et encore Photoshop.

Remplissez votre aquariumContinuez à placer vos fleurs pour remplir votre aquarium en pensant à varier les formes et les couleurs. Faites déborder les

fleurs légérement et avec l'outil Déformation. Déformez-les pour faire comme si elles étaient plaquées contre le verre.

FondJ'ai essayé de réaliser un fond simple, mais texturé pour que l'on puisse simuler la transparence du verre. Pour cela, trouvez une

texture et placez-la sur un calque sous les végétaux. Vous pouvez aussi rajouter un léger dégradé pour attirer l'attention sur le centre de l'image.

Lumières et ombresÀ vous de rajouter des ombres légéres sur votre modèle avec un gros pinceau et une opacité réduite. Sur un autre calque vous

pouvez cette fois avec du blanc rajouter de la lumière.

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Ombres végétationSélectionnez un calque de fleurs et rajoutez un effet Ombre portée. Réalisez un clique droit sur les effets de calque que l'on

vient de faire pour les copier, puis sélectionnez tous les calques de fleurs pour faire un nouveau clique droit afin de pouvoir coller les effets à tous les calques en une seule fois. Vous n'aurez plus qu'à modifier si besoin tel ou tel calque. J'ai aussi rajouté deux poissons rouges, pour accentuer le côté d'aquarium de l'illustration.

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Passionate ColorsDans ce tutoriel je souhaite vous montrer que l’on n’a pas besoin d’une grande banque d’images pour arriver à un beau résultat. Je vous montrerai aussi comment faire un superbe arrière-plan sans grande diffi culté. L’imagination n’a pas de limites, commençons donc notre création.

avancé | 45 min Photoshop CS 3

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passionate colors

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Charger le modèleOuvrez un nouveau fichier d’une largeur de 2393 px, d’une hauteur de 1500 px et d’une résolution de 300 dpi. Ouvrez main-

tenant le fichier nommé Girl.psd et placez-le au milieu de l’image. Vous trouverez l’original ici : Janejayne.deviantart.com. Nommez ce calque Girl.

L’outil DégradéÀ l’aide de l’outil Dégradé faites un dégradé de trois couleurs : en haut #fbfcf8, au milieu #58a18d et en bas #232e37. Ce sera

notre l’arrière-plan.

Filtre BruitTravaillez maintenant le calque Girl avec l’outil Bruit. Allez dans le menu Filtre>Bruit>Réduire le bruit. Sélectionnez l’Intensité 7, Gar-

de les détails 9%, Réduis les bruits de couleurs 9%, Détails du flou 63%. La peau sera ainsi plus floue et en même temps tous les détails ne disparaîtront pas.

Passe-hautDupliquez le calque Girl. Appliquez dans ce calque le filtre Passe-haut. Pour cela allez dans Filtre>Autres filtres>Passe-haut. Dans

la fenêtre de dialogue entrez un rayon de 73 px. Changez le mode de fusion en Lumière tamisée.

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L’arrière-planTravaillez encore un peu l’arrière-plan. À l’aide de l’outil Dégradé créez un dégradé du bas : #0f2639 vers le haut : # ffffff. Dé-

placez le dégradé vers le haut pour obtenir une ombre sur le mur. Nommez ce calque Line et changez le mode de fusion en Lumière tamisée.

Le solPour créez le sol dupliquez le calque Line et allez dans Edition>Transformation>Vertical. Faites un dégradé fin pour l'utiliser en

bas en tant que sol. Mettez-le si près du mur d’ombres en haut qu’on ne puisse voir aucune fente.

TextureOuvrez le fichier Texture1.jpeg et tirez Texture à l’aide de l’outil Transformation [T] de sorte qu’elle soit aussi grande que le cal-

que Line. Mettez le mode de fusion en Lumière crue et l’opacité à 70%. Pour créer le sol répétez l’étape 6. Cette fois-ci dupliquez le calque Texture. Ainsi le sol a la même texture que le mur.

L’ombrePour créer l’ombre sur le mur dupliquez le calque Girl et nom-mez-le Shadow. Mettez la couleur de l’arrière-plan en noir. Appuyez

sur les touches : [Ctrl] + [Maj] et [Suppr]. Atténuez l’ombre grâce à l’outil Filtre>Atténuation>Flou gaussien d’un rayon de 10 px. Dépla-cez l’ombre légèrement à gauche et agrandissez-la un peu. Changez le mode de fusion en Produit d’une opacité de 50%.

CheveuxPour que les cheveux paraissent plus naturels appliquez l’outil Doigt. Utilisez les pinceaux naturels, réglez l’intensité à 98%

et travaillez les cheveux. J’essaie toujours de varier l’intensité et la taille des pinceaux. Ainsi les cheveux ne sont pas partout pareils et ont l’air plus naturel.

Retouche de la peauTravaillez la peau avec les outils Densité + et Densité - [O]. Éclai-rcissez légèrement les zones plus claires et obscurcissez les

zones d’ombre.

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L’ombreCréez un nouveau calque [Ctrl] + [Maj] + [N] sous le calque Sha-dow. Réglez la taille du pinceau à 35 px et peignez les ombres là où

la fille touche le sol. Mettez le mode de fusion en Superposition. Pour atténuer l’ombre allez dans Filtre>Atténuation>Flou directionnel. Dans la fenêtre de dialogue réglez l’angle à 0% et la distance à 120 px.

Les ailesOuvrez le fichier psd.Datei Magicwings.psd. Mettez le calque avec les ailes sous le calque Shadow. Agrandissez les ailes avec l’outil

Transformation en les ajustant à la taille de la fille. Changez la couleur dans Image>Réglage>Teinte/Saturation et réglez la teinte à -25.

Ajouter une couleurEn ce qui concerne la couleur, les ailes ne vont toujours pas avec le reste de l’image. Prenez donc la couleur #2d9986. Peignez les ailes

grossièrement avec un grand pinceau doux (70 px). Mettez le mode de fusion en Superposition. Mettez quelques touches supplémentai-res avec le Doigt et la Gomme.

Aplatir l’imagePour faciliter le travail avec le Tampon de duplication, aplatissezl’image [Ctrl] + [E]. Chargez maintenant le pinceau Stainszenot-

heking.abr. Vous pouvez le charger sur : http://zenotheking.deviantart.com/art/DIRTY-IS-BETTER-V2-62045634. En utilisant le pinceau donnez libre cours à votre imagination.

Texture II et les finitionsAjoutez à l’image une texture. Pour cela ouvrez le fichier : Tex-ture2.jpeg. Répartissez la texture sur l’arrière-plan et mettez le

mode de fusion en Lumière tamisée. Aplatissez l’image encore unefois. Faites un petit ajustement dans Image>Réglages (CS4 : Correc-tion)>Tons foncés/Tons clairs et encore une fois dans Image>Rég-lage (CS4 : Correction)>(et maintenant) Filtre photo. Sélectionnez ici le filtre orange d’une densité de 25%. L’image abstraite, pleine de couleurs et d'imagination est terminée !

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à propos de l’auteur

Wendy LipovsekElle est imprimeur offset. Depuis cinq ans elle tra-vaille avec Photoshop et est toujours concentrée sur ce domaine. Elle travaille surtout les photomon-tages.Son portfolio: http://cocacolagirlie.deviantart.com

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I’m okay !

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Le portraitCréez un document A3 avec une résolution de 300 dpi. Ouvrez l’image du modèle (1135758-org.jpg) et désaturez-la : Image>

Réglages>Désaturation. Une fois en noir et blanc, ajoutez du con-traste à l’image : Luminosité 10, Contraste 20. Ajoutez un masque de fusion. Cliquez sur l’icône carré avec un cercle à l’intérieur située juste en dessous des calques et utilisez le pinceau avec une forme arrondi flou pour détourer l’image. Utilisez de préférence une ta-blette graphique pour un détourage fin. (Ressource : image 1135758 disponible sur http://www.crestock.com/image/1135758-brunette-fashion-model.aspx).

Les 3 visagesLe modèle ainsi détouré, dupliquez le calque modèle une premiè-re fois. Rétrécissez le visage à 70% ([Ctrl] + [T]), n’oubliez pas de

cliquer sur le chaînon pour garder les proportions et faites une sy-métrie horizontale. Même chose avec le second visage, dupliquez-le et rétrécissez-le à 40%. Placez les visages les uns en dessous des autres. Pour garder une homogénéité, retouchez les cheveux ou les morceaux qui dépassent grâce au pinceau forme et aux masques de fusion présents sur les 3 calques.

L’ossatureOuvrez l’élément vectoriel (arbre.ai) et placez-le en bas de la compo-sition. Ensuite sélectionnez les trois calques modèle et faites [Ctrl] +

[Alt] + [Maj] + [E] pour obtenir un calque réunissant les trois visages. Veillez à n’avoir que les trois calques modèle visibles pour que cela fonc-tionne. Sélectionnez le calque aux trois visages et faites Filtre>Déformation>Dispersion. Réglez comme sur l’image. Pour utiliser la Dispersion, passez l’image 4792658.jpg en négatif dans Photoshop et enregistrez-la au format psd. Passez ce calque en mode Incrustation. (Ressource : ar-bre disponible sur http://www.gomediazine.com/freebies/ – image pour la dispersion disponible sur http://fr.fotolia.com/id/4792658).

Chevelure fleurieOuvrez l’image orchidées.jpg et détourez-la rapidement avec l’outil Gomme magique (laissez appuyé sur la gomme si vous ne

la voyez pas). Dupliquez plusieurs fois cette image pour composer la couronne d’orchidées. Retouchez-les de façon harmonieuse toujours à l’aide du pinceau et des masques de fusion que vous aurez inséré sur chacun de vos calques orchidées. Une fois réalisé, sélectionnez vos calques et fusionnez-les, [Ctrl] + [E]. (Ressource : orchidées disponible sur http://www.sxc.hu/photo/973983).

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I’m okay !Pour cette création, vous allez utiliser des méthodes non destructives comme les masques de fusion par exemple. N’hésitez pas à suivre cet exemple avec vos propres images et ressources graphiques, un peu d’imagination, Photoshop et c’est parti !

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dossier

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Chevelure fleurie suiteCréez un calque de réglage Luminosité/Contraste en cliquant sur l’icône en forme de rond moitié blanc et moitié noir situé sous les

calques. Réglez ce calque de réglage comme sur l’image. Ensuite créez des ronds en prenant une couleur rose #FFABFF que vous répartissez sous les orchidées. Enfin, utilisez la forme (drip spray) avec le pinceau pour agrémenter la couronne.(Ressource : brush 30_Drippy_Sprays.abr disponible sur http://www.webdesignerdepot.com/).

DécorationCréez un calque ronds sous les calques visages et ajoutez-lui un masque de fusion : Calque>Masque de fusion>Tout faire ap-

paraître. Créez des ronds de toutes tailles à l’aide du pinceau forme arrondi net de manière harmonieuse. Pour créer les trous dans les ronds, cliquez sur le masque de fusion du calque ronds et faites des ronds dans les ronds.

DragonInsérez le dragon.ai que vous ouvrez directement dans Photoshop. Dans la fenêtre de dialogue qui s’ouvre alors, changez la résolution

pour 300 dpi et faites Ok. Après avoir effectué une symétrie horizon-tale : [Ctrl] + [T], clic droit et choisissez Symétrie axe horizontal. Pla-cez le calque dragon sous le calque orchidées. (Ressource : dragon dis-ponible sur http://www.gomediazine.com/freebies/free-vector-pack-9-sampler/).

Dragon suitePour incruster la forme du dragon dans le visage supérieur, faites [Ctrl] + clic dans le calque dragon puis créez un masque de fusion

dans le calque 3 visages. Sélectionnez le masque de fusion en cliquant dedans et déplacez le dragon en pointillés jusqu’au visage. Une fois sur le visage, faites : [Alt] + [Suppr] pour insérer le dragon dans le visage.

Préparation des visagesSélectionnez tous les calques visibles sauf le calque Arrière-plan. Retirez l’œil de ce dernier. Puis faites : [Ctrl] + [Maj] + [Alt] + [E]

pour fusionner tous les calques en un seul. Nommez-le Découpe. Réu-nissez tous les autres calques dans un dossier. Resélectionnez-les puis faites [Ctrl] + [G] et renommez le dossier. Retirez l’œil sur celui-ci pour le rendre invisible.

Séparation des visagesSélectionnez l’outil Lasso polygonal et faites une découpe en fai-sant une séparation entre le visage supérieur et les deux autres

visages. Faites [Ctrl] + [X] pour couper votre image et faites [Ctrl] + [V] pour récupérer le calque du visage supérieur coupé. Replacez le calque Découpe 2 de façon à voir le trait de séparation. Recentrer les deux calques Découpe si nécessaire.

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Préparation du fondInsérez le fichier points.ai sous les calques Découpe. Faites une rotation à 70 % avec [Ctrl] + [T]. En insérant un masque de fusion

sur le calque points , vous pouvez estomper les points en les retra-vaillant comme sur l’image. (Ressource : dragon disponible sur http://www.gomediazine.com/freebies/free-vector-pack-9-sampler/).

Fond (suite)Insérez le fichier papier.jpg sur l’intégralité du format A3. Selon votre image vous pouvez ajouter un calque de réglage Teinte/

Saturation et Luminosité/Contraste pour faire ressortir les visages. Suivez les exemples en images. (Ressource : papier disponible sur http://bashcorpo.deviantart.com/art/Grungy-paper-texture-v-5-22966998).

Touches coloréesAjoutez un peu de couleur pour rehausser la composition. Au-des-sus des calques Découpe, créez trois calques de remplissage :

Calque>Nouveau calque de remplissage>Dégradé. Faites Ok. Un de couleur verte #DEFE39, un deuxième de couleur orange #FFAA3C, et un troisième de couleur bleu #25CEF2. Placez le vert en bas, le bleu au centre et l’orange en haut comme sur l’image. Placez les trois calques en mode de fusion Densité linéaire + et baissez l’opacité (40% pour le vert ; 62% pour l’orange et 24% pour le bleu).

Peignez les calques de remplissageAjoutez un masque de fusion à chacun des calques de couleur. Puis peignez dans chaque masque de fusion les parties de visage.

Utilisez la couleur noire pour effacer et la couleur blanche pour retrou-ver la matière intacte.

Eléments décoratifs faits à la mainOuvrez Illustrator si vous l’avez, et créer des éléments graphiques à l’aide de la plume libre. De préférence en noir et blanc. Si vous ne

l’avez pas, vous pouvez les créer dans Photoshop également avec la plu-me libre. Incrustez ces éléments dans la création et regroupez-les dans un dossier. Passez tous les éléments en mode Incrustation à 75% ou 50% selon le rendu.Pour les dernières touches, vous êtes libre d’insérer ou de créer une typographie de votre choix et l’intégrer dans l’image. Insérez également des traits qui suivent la séparation des visages et des cercles répartis de part et d’autre de l’image pour créer une dynamique.

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à propos de l’auteur

zinkai a.k.a Cédric BaudouinGraphiste autodidacte et passionné du monde graphique, il tire ses influences de la culture ska-teboard des années 80 et des images de mode. Il aime pouvoir expérimenter plusieurs styles et

effets dans ses compositions. Il a fait des études de communication avant de se spécialiser dans le graphisme. Il fait régulièrement des créations en live au Dune café à Paris : www.vectorloungedune.com Site web : http://zinkai.free.fr

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lost in these feelings

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Détourage du modèle et le nouvel arrière-planPréparez tout d’abord la photo avec le modèle en supprimant l’ar-

rière-plan à l’aide de la Gomme ou du Lasso. Placez le modèle sur l’ar-rière-plan qui a été mis dans une position correspondant à la pose de la femme grâce à l’outil Recadrage. Ensuite tournez l’image à gauche en utilisant Image>Rotation de l’image>90°.

Ajuster les couleurs de l’arrière-planAvec le Dégradé appliquez la couleur #2e4256 dans un nouveau cal-que qui sera placé au-dessus du calque avec l’arrière-plan et au-

dessous du calque avec le modèle. La couleur dans le dégradé doit être plus vive allant de gauche à droite. Grâce au mode de fusion Superpo-sition, l’arrière-plan a l’air plus foncé sous le calque avec le dégradé et se distingue par le ton dominant du photomontage.

Ajuster les couleurs du modèle IPour supprimer les teintes chaudes du calque avec le modèle qui ne sont pas adaptées à l’arrière-plan, procédez comme suit : Image>

Réglages>Teinte/Saturation avec les valeurs 0, -55 et 0 et Image>Réglage>Luminosité/Contraste avec les valeurs +9, -24.

Ajuster les couleurs du modèle IIAvec le Doigt (petit pinceau rond et doux), intensité 10-12%, sup-primez la tache sur la poitrine et atténuez les traits du visage et du

corps. Dans un nouveau calque appliquez les reflets de lumière sur le corps avec un pinceau doux (couleur : blanc).

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Lost in these feelings

Lost in these feelings doit illustrer différents sentiments de manièresurréelle mais en même temps harmonieuse. C’est un mélange de symboles et d’accentuations de couleurs. (Sur le DVD de ce cahier vous trouverez des informations très utiles sur les banques d’images).

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Ajuster les couleurs du modèle IIIColorez légèrement le modèle en bleu avec Image>Réglages>Ba-lance des couleurs (-27, 0, +22). Avec Densité +/Densité - [O] (les

deux : pinceau rond et doux, Intensité 5-10%) ajoutez plus d'ombre et de lumière au modèle pour accentuer le contraste entre les parties claires et foncées.

Ajuster les couleurs du modèle IVCréez un nouveau calque sous le calque avec le modèle et peignez une ombre noire avec un pinceau doux. Utilisez une opacité de

62% et 70% pour créer des ombres floues.

Les premiers effetsÀ l’aide des liquid brushes, peignez en rouge un nouveau calque créé au-dessus du modèle (mode de fusion Produit, Opacité 78%).

Peignez ensuite en noir un nouveau calque sous le modèle avec la même pointe de pinceau (mode de fusion Superposition, Opacité 57%). Le maquillage des yeux consiste en une case en bleu et en rose au-dessus et au-dessous de l’œil peint au pinceau (pointes standards, mode de fusion Superposition, Opacité 57%).

Le papillon IDétourez le papillon et collez-le dans un nouveau calque au-dessusdu modèle. Entrez les réglages suivants : mage>Réglages>Balance

des couleurs (introduisez les paramètres suivants : -48, +18, +77 ; Niveaux : Rouge 0, 222 ; Vert 0,248 ; Bleu 52, 255 ; Teinte/Saturation en mode Colorer : 204, 42, -8.

Le papillon IIÀ la fin, teintez le papillon en bleu avec Luminosité/Contraste (+32, +28). La partie rose du papillon est créée en dupliquant le premier

calque et en le modifiant avec la balance des couleurs (+100, -64, -54).

Le papillon IIIGommez la partie gauche du papillon (pour que la partie bleue transparaisse). Opacité des deux calques : 89%. À la fin, appliquez

un effet de calque (Ombre extérieure : 100% noir, Distance 4 px ; Taille 24 px ; 180°, mode de fusion Produit). Intensifiez la lumière et l’ombre à l’aide de Densité +/Densité -.

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Texture ITournez la première texture (texture B7 sur http://sirius-sdz.deviantart.com) à l’aide de l’outil Recadrage pour que la partie

bleue foncée soit à droite. Supprimez complètement la partie gauche avec la Gomme [E] (grand pinceau doux) jusqu’à ce que la texture se trouve à droite et un peu au-dessus du modèle (le visage et le haut du corps sont complètement recadrés). Mode de fusion : Produit, Opacité 89%.

Texture IICollez une autre texture (http://kuschelirmel-stock.deviantart.com) dans un nouveau calque et ajustez-la à l’image à l’aide de l’outil Re-

cadrage. Recadrez le visage et une partie du haut du corps avec la Gomme (pointe douce). Mode de fusion : Produit, Opacité 89%. Dans deux nouveaux calques peignez en blanc le bord inférieur gauche avecles pointes de pinceau scattered rectangles (http://kuschelirmel-stock.deviantart.com/art/Scattered-Rectangles-Brush-Set-96709812). Mettez ces calques en mode Superposition et en Opacité 80%.

Effets de lumière sur le bordPour augmenter l’obscurité à droite, dupliquez le calque avec la première texture (texture B7), mettez-le au-dessus de la deuxiè-

me texture et dupliquez-le aussi. Le premier calque est en mode Lumière tamisée, Opacité 100% ; l’autre est aussi en mode Lumière tamisée mais d’une opacité de 33%.

Effets de couleur ICréez trois nouveaux calques. Dans le premier calque, appliquez une couleur rouge foncée avec un petit pinceau doux (Intensité

50%, 70%) sur la partie droite du modèle. Mettez le calque en mode Couleur, Opacité 20%.

Effets de couleur IIDans le calque suivant peignez les zones claires avec la couleur #b7d3eb sur la partie gauche du modèle (le même pinceau). Mo-

de de fusion : Couleur, Opacité 14%. Dans le calque au-dessus, peignez de nouveau en blanc pour accentuer les effets de lumière sur la peau. Mettez ce calque en Lumière tamisée, Opacité 100%.

Effets de lumière IÀ l'aide de l’outil Pot de peinture, remplissez un nouveau calque de couleur #808080. Passez en mode de fusion Superposition. Jus-

qu’à présent le calque n’a aucun effet sur l’image. Dans ce calque ap-pliquez le blanc et le noir avec un pinceau doux et une faible opacité.

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Effets de lumière IILe blanc est appliqué sur le bord supérieur gauche du modèle et le noir sur le bord droit et sur les jambes. L’opacité de ce cal-

que s’élève à 27%. Dans un nouveau calque appliquez un peu de cou-leur blanche en haut à gauche. Passez en mode de fusion Lumière tamisée, Opacité 50%.

Effets de lumière finals IFusionnez à présent tous les calques [Ctrl] + [E]. Dupliquez le cal-que et gommez la zone au centre/à gauche (pointe douce).

L'opacité du calque s’élève à 55%. Avec Image>Correction (CS3 : Ré-glages)>Correction sélective, mettez en rouge les tons noirs et les tons moyens (pour cela déplacez le curseur cyan vers la gauche).

Effets de lumière finals IIFusionnez les calques encore une fois. Réglez les valeurs dans Image>Luminosité/Contraste à +14/+14. Créez un nouveau cal-

que avec Calque>Nouveau calque de réglage>Correction sélective et entrez les valeurs suivantes : Couleur blanche : -1, -2, +6, -20. Pour rendre les couleurs plus chaudes, créez un filtre en orange d’une opacité de 24% dans Calque>Nouveau calque de réglage>Filtre couleur.

Effet final IÀ la fin, fusionnez tous les calques. Dupliquez le calque ainsi créé et gommez tout hors du bord droit (modèle, jambes, sol). À l'aide

de Balance de couleurs, teintez tout dans un ton légèrement bleuté et fusionnez le tout. Dupliquez le calque.

Effet final IIDans Filtre>Déformation>Correction de l’objectif réglez le curseurde déformation sur +1,00. Le calque sans la déformation se situe

au-dessous du nouveau calque. Fusionnez les deux calques. Enfin apportez à l’image un peu plus de netteté avec le filtre Netteté.

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à propos de l’auteur

Madeleine JudaElle a 21 ans et elle a étudié la conception multi-média. Sa passion est la photographie et depuis presque 2 ans, elle travaille le photomontage en se servant de tablette. Maintenant elle se concentre plus à la macro photographie.

Portfolio : http://madeleineart.viewbook.com

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portrait antique

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La forêtOuvrez tout d‘abord l’image de l’arrière-plan (sur shudder-stock.deviantart.com). Dans le menu Filtre convertissez l’image en

filtres dynamiques. Appliquez le flou gaussien d’un rayon de 2 px et cliquez sur Ok. Grâce aux filtres dynamiques nous avons obtenu un masque. Dans ce masque appliquez un dégradé linéaire du blanc au noir (du haut en bas). L’arrière-plan gagnera en profondeur si le sol de la forêt reste net.

Lumière du soleil ICréez plus de lumière du soleil dans un nouveau calque [Ctrl] + [Maj] + [Alt] + [N]. Utilisez pour cela le lasso [L] et faites une étroi-

te sélection en forme d’un triangle avec un angle vers le haut dans la moitié supérieure de l’image.

Lumière du soleil IIComme couleur de l’avant-plan sélectionnez la teinte #FAFAF0 avec laquelle vous remplissez la sélection à l’aide de [Alt] + [Suppr].

Appuyez sur [Ctrl] + [D] pour désactiver la sélection. Choisissez Filtre>Atténuation>Flou gaussien pour atténuer la sélection de 100 px. Réglez ensuite l’opacité du calque à 75% pour rendre l’effet encore plus flou.

Préparation du modèle IOuvrez maintenant le fichier avec le modèle (sur DebauchedSeductress.deviantart.com). Pour détourer le modèle, créez un

masque de fusion, utilisez un petit pinceau noir d’une dureté de 85% et supprimez tout autour du modèle.

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Portrait antique

Dans ce tutoriel je vous montrerai comment créer une image avec un aspect vieilli. Le modèle dans sa robe baroque et avec un violon va à merveille avec la forêt automnale. Nous allons compléter ce portrait antique avec la couleur sépia et avec un cadre rond.

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Préparation du modèle IIDupliquez ce calque et appliquez le masque en cliquant avec le bouton droit. À l’aide de l’outil Pièce supprimez les ombres et les

tâches indésirables sur la peau et sur les vêtements. Avec la com-mande Filtre>Fluidités amincissez le modèle et réduisez son dos.

Agrandissement du modèle IPour agrandir le modèle dupliquez le calque [Ctrl] + [J]. Avec le rectangle de sélection sélectionnez le haut du corps jusqu’à la

taille et appuyez la touche [Supprimer]. La sélection reste active. Allez dans le calque complet du modèle et appuyez sur [Ctrl] + [J] pour placer le haut du corps dans un autre calque.

Agrandissement du modèle IIAvec l’outil Déplacement et en maintenant la touche [Maj] appuyée déplacez le haut du corps légèrement vers le haut. Sé-

lectionnez une bande étroite de la taille et déplacez-la dans un nou-veau calque [Ctrl] + [J]. Avec [Ctrl] + [T] tirez la bande vers le haut jusqu’à ce que la zone entre le haut et le bas du corps soit fermée. Sélectionnez les trois calques avec la touche [Ctrl] et fusionnez-les avec [Ctrl] + [E] dans un calque unique.

Placer le modèle IMettez le calque avec le modèle dans le fichier du projet et pla-cez-le au milieu de l’image. Pour créer la première ombre dupli-

quez le calque avec le modèle et placez-le derrière le modèle. Sélec-tionnez l’intérieur du modèle et remplissez-le de noir. Déplacez-le de trois pixels vers le bas et appliquez un flou gaussien de trois pixels.

Placer le modèle IIEffacez tout ce qui n’est pas au-dessous de la robe avec la Gom-me [E]. Pour créer la deuxième ombre, dupliquez également le

calque, placez-le sous le modèle et remplissez-le de noir. Cette fois-ci utilisez le flou gaussien de 15 px et appuyez sur les touches [Ctrl] + [T]. Dans le menu Contexte choisissez Vertical, déplacez l’ombre sous le modèle et inclinez-le un peu à gauche. Réglez l’opacité du calque à 60%.

Ajuster le modèle IDans un nouveau calque peignez les contours du modèle avec un pinceau doux jaune clair. Ce calque doit se trouver au-dessus

du calque avec le modèle car vous allez appliquer le calque clipping en cliquant entre les deux calques et en maintenant la touche [Alt] appuyée. Changez le mode en Incrustation.

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portrait antique

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Ajuster le modèle IIChangez la température de la couleur sur la photo du modèle avec le filtre photo : pour cela sélectionnez le filtre chaud (85) avec

une densité de 25% et créez de nouveau un masque clipping. Créez un calque de réglage pour le violon pour régler la teinte et la satura-tion (Teinte -7, Saturation -25).

Ajuster le modèle IIIAvec [Ctrl] + [I] invertissez le masque de fusion et peignez avec un pinceau blanc sur le violon pour qu'il soit seul à être concerné

par le changement des couleurs. Foncez la robe en bas avec un pinceau noir dans un nouveau calque pour qu’elle donne une impres-sion plus réaliste.

Cheveux ICette étape est plus facile avec une tablette graphique mais on peut aussi travailler avec une souris. Dans un nouveau cal-

que commencez à travailler les cheveux foncés. À l’aide de la Pipette sélectionnez une valeur foncée pour les cheveux.

Cheveux IIPrenez le pinceau [F5] et réglez-le comme suit : Diamètre 5 px, Dureté 85%, dynamique de forme activée. Peignez sur les cheveux

et ajoutez quelques mèches. Répétez l’opération dans trois calques différents avec trois teintes de plus en plus claires.

Feuilles IAvec F5 changez les valeurs du pinceau. En haut à droite vous trouvez une petite flèche indiquant le bas ; le point Charger le

pinceau se trouve dans le menu. Cherchez le fichier .abr et cliquez sur Ok. Faites quelques réglages supplémentaires.

Feuilles IIActivez la dynamique de forme et la diffusion et mettez la taille de variation sur 50%, la taille de l’angle sur 100%, la taille de la ron-

deur sur 20% et la diffusion de deux axes sur 1000%. Diminuez la taille du pinceau et sélectionnez la couleur de l’avant-plan suivante : #512E1B. Ensuite peignez quelques feuilles dans un nouveau cal-que. Dans Filtre>Atténuation>Flou directionnel réglez l’angle à -35% et la distance à 2 px.

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Netteté et couleurOccupez-vous maintenant des détails. Avec [Ctrl] + [Maj] + [Alt] + [E] fusionnez tous les calques en un seul. Dans Filtre>Autres

filtres>Passe-haut sélectionnez un rayon de 3 px. Changez le mode de fusion du calque en Lumière tamisée. Créez les calques de réglage suivants : Balance des couleurs (Tons moyens : +8 -12 -5), Filtre photo (sépia d’une intensité de 50%), Luminosité/Contraste (Contraste -8), Teinte/Saturation (Saturation -10).

TexturesLa première texture vient de SheisprettyStock.deviantart.com. Mettez-la au-dessus de l’image, changez le mode de fusion en

Lumière tamisée avec une opacité de 65%. Répétez l’opération avec la deuxième texture qui vient de aleeka-stock.deviantart.com.

Textures IICréez un masque de fusion supplémentaire. Prenez l’ellipse de sélection et le Contour progressif de 100 px et créez une sélec-

tion autour de l’image. Remplissez-la en noir (Edition>Remplissage).

CadrePour créer le cadre utilisez tout d’abord le Rectangle, changez ensuite en Ellipse. Sélectionnez dans les options Soustraire de

la zone de tracé (-). L’ellipse sera retirée du rectangle et il ne restera que le cadre. Faites particulièrement attention à la symétrie. Dans la palette du calque [F7] cliquez deux fois sur le symbole de la forme et changez la couleur en #040202.

LigneCréez un nouveau calque et faites une sélection autour du cadre avec l’outil l’Ellipse de sélection (Attention : le contour progres-

sif doit être réglé sur 0 px !). Dans le menu Sélection>Modifier la sélection>Bord élargissez la sélection de 3 px. Remplissez la sélection de la couleur #AA7A4A ; mettez la couleur de l’avant-plan sur cette va-leur et appuyez sur [Alt] + [Suppr]. Le portrait antique est prêt !

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à propos de l’auteur

Julia DreschElle s'intéresse au design et à la photographie. Depuis avril 2007, elle travaille beaucoup avec Photoshop. Elle est passionnée par la création de photomontages.Son portfolio : http://juliadresch.viewbook.com

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cendrillon

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CommençonsLa première chose à trouver est le modèle. Vous trouverez celui utilisé pour ce tutoriel sur le site Fotolia, il s’agit de l’image n°13-

395920 mais vous pouvez utiliser une autre image. Pour les autres photos, vous les trouverez sur le site stock_xchng (celles-ci ne sont pas payantes). Il s’agit des photos : n°527-176 (attache chaine), n°1073029 (chaine), n°1171355 (grenouille), n° 1221697 (fleurs).

DétourageCommençons par détourer notre modèle à l’aide de l’outil Plume [P]. Créez un nouveau calque sous le calque de notre modèle et

remplissez-le de blanc et nommez-le fond.

DupliquerDupliquez le calque de notre modèle, et placez-le en-dessous de celui-ci. Faites Edition>Transformation>Symétrie verticale.

Déplacez ce calque juste en-dessous du pied du modèle.

Masque de fusionCréez un masque de fusion Calque>Masque de fusion>Tout faire apparaître et avec l’outil Dégradé [G], faites un dégradé linéaire

allant du noir vers le transparent. Baissez l’opacité du calque à 75%.

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CendrillonQui n’a jamais lu ou vu Cendrillon de Walt Disney, un classique que j’ai eu envie d’interpréter à ma façon. Une sorte de cendrillon du ghetto. Ici nous allons créer un visuel en combinant plusieurs photos, en utilisant les masques de fusion et les calques de réglages pour aboutir à une belle composition.

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Dégradé radialSur un nouveau calque, choisissez la couleur #a39568 et appli-quez un dégradé radial inversé de la couleur vers le transparent,

en partant du coin en haut à gauche vers le centre de l’image. Bais-sez l’opacité à 70%.

MotifDouble cliquez sur notre calque de dégradé et sélectionnez Incrustation de motif, choisissez le motif de votre choix et pas-

sez le en mode superposition. De nombreux sites proposent des mo-tifs intéressants à inclure sur nos créations, alors cherchez, trouvez et faites vous plaisir.

Réglages des niveauxRevenez sur le calque du modèle et effectuez quelques ajuste- ments. Faites [Ctrl] + [L] (ou allez dans Image>Réglages>Ni-

veaux), et entrez les réglages suivants : 8 ; 0,91 ; 244.

Balance des couleursFaites [Ctrl] + [B] (ou allez dans Image>Réglages>Balance des couleurs), et entrez les réglages suivants : Tons moyens +13 ; t0 ;

15/Tons foncés 0 ; 0 ; -16/Tons clairs+10 ; 0 ; 0.

L’attache chaineOuvrez l’image attache chaine et détourez seulement la partie qui nous intéresse. Faites [Ctrl] + [T] (ou Edition>Transformation

manuelle) et réduisez sa taille de 30%. Placez celle-ci au niveau du ventre de notre modèle.

Réglages des niveauxEffectuez quelques ajustements. Faites [Ctrl] + [L] (ou allez dans Image>Réglages>Niveaux), et entrez les réglages suivants : 12 ;

1,00 ; 255.

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pratique

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OmbreNous devons donner l’illusion que cette attache fait partie du corps de notre modèle. Créez un nouveau calque sous le calque de notre

modèle. Maintenez la touche [Ctrl] enfoncée, cliquez sur le calque de notre modèle et remplissez-le de la couleur noir.

Flou gaussienAppliquez à ce calque un flou gaussien (Filtres>Atténuations>Flou gaussien) de 8 et passez-le en mode Produit et baissez l’opacité

à 80%.

ChaineOuvrez l’image chaines. À l’aide de l’outil Gomme effacez celle du haut. Faites [Ctrl] + [T] (ou Edition>Transformation manuelle) et

réduisez sa taille de telle sorte qu’elle corresponde à notre attache.

Réglages des niveauxEffectuez quelques ajustements. Faites [Ctrl] + [L] (ou allez dans Image>Réglages>Niveaux), et entrez les réglages suivants :

12 ; 0,90 ; 240.

FusionnerPassez sur le calque de l’attache chaine, faites un clic droit de la souris et fusionnez avec le calque inférieur (ou faites Calque>

Fusionner avec le calque inférieur).

DupliquerDupliquez le calque et appliquez à ce calque un flou gaussien (Filtres>Atténuations>Flou gaussien) de 7.

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cendrillon

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Masque de fusionAppliquez-lui un masque de fusion (Calque>Masque de fusion> Tout faire apparaître) et avec une brosse douce, ronde, de cou-

leur noir et avec une opacité à 50% masquez la partie haute pour ne laisser apparaître floutée que la partie basse de notre chaîne pour donner l’illusion d’une profondeur de champ.

SphèreSur un nouveau calque et à l’aide de l’outil Ellipse [M], créez une sphère et remplissez-la de la couleur suivante #e6e2d5 en faisant

[Alt] + [Suppr] (ou Edition>Remplir).

Style de calqueDouble-cliquez sur notre calque de sphère, cliquez sur Ombre in- terne et entrez les réglages suivants : Opacité 81%, Distance 71 px,

Maigri 0 px, Taille 180 px, Couleur #c6bda2.

DupliquerFaites un clic droit sur le calque et choisissez Convertir en objet dynamique (ou Calque>Objet dynamique>Convertir en objet dy-

namique). Dupliquez ce calque, et réduisez sa taille en faisant [Ctrl] + [T] (ou Edition>Transformation manuelle) de 40%. Appliquez un flou gaussien (Filtre>Atténuation>Flou gaussien) de 6 et déplacez-le en bas à droite de notre image.

GrenouilleOuvrez l’image grenouille, à l’aide de l’outil Plume, détourez-la de façon précise. Copiez et collez-la dans le document. Faites [Ctrl] +

[T] (Edition>Transformation manuelle) et réduisez sa taille de façon à ce que la grenouille donne l’impression d’être posée sur notre première sphère.

CourbeEffectuez quelques ajustements. Faites [Ctrl] + [M] (ou allez dans Image>Réglages>Courbes), et entrez les réglages suivants :

Sortie 132, Entrée 110.

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FleursOuvrez l’image fleurs, à l’aide de l’outil Plume, détourez-la de façon précise. Copiez et collez-la dans le document. Dupliquez ce calque

quatre fois ou plus si vous le souhaitez. Prenez un premier calque de fleur, faites [Ctrl] + [T] et réduisez sa taille d’environ 50%. Placez-le près du visage du modèle. Faites de même avec une seconde fleur que vous placerez près du genou de notre modèle.

Flou gaussienMaintenant répétez l’étape précédente avec les deux dernières fleurs, mais réduisez leur taille de 80% et 70%. Appliquez un flou

gaussien (Filtre>Atténuation>Flou gaussien) de 15 et placez-les comme sur l’image ci-dessus.

Poussière d'étoileAffichez le panneau des formes [F5], choisissez un pinceau sou-ple à bout rond de couleur blanche de 41 de diamètre et créez

un nouveau calque. Cliquez sur la Dynamique des formes, réglez la variation de la taille à 80% et dans Diffusion, mettez 600% et le nom-bre 1. Réglez le pas de votre pinceau à 90%. Disposez-les ici et là sur notre image.

SplashCréez un nouveau calque. À l’aide de l’outil Pipette [I], prenez des échantillons de couleurs sur notre modèle et à l’aide d’un pin-

ceau en forme de splash, placez-en ici et là sur notre modèle.

Mélangeur des couchesVoilà notre visuel quasi terminé, il nous reste à appliquer encore un réglage. Faites Calque>Nouveau calque de réglage>Mélangeur

de couches et entrez les réglages suivants : 108 ; 3 ; -18 ; 5.

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à propos de l’auteur

28162 aka David DelinIl est un graphiste-artiste freelance, vivant à Nan- tes. Ses illustrations sont le résultat d'une culture urbainecombinée à la modernité et l'élégance. Avec un graphisme unique et en constante évolution avec un trait étudié et tendance influencé par le

monde qui l'entoure.

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de vos collections d'images que vous avez conservées au fi l des an-nées tout en préservant vos précieux originaux.

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Figure 1. Voilà, l'éffi cacité de SilverFast iSRD® & HDRi : 1) Image inchangé 2) Canal infrarouge 3) Marker 4) Résultat

Figure 2. Chronométrage SilverFast Archive Suite

Figure 3. Représentation graphique du fl ux de production avec SilverFast Archive Suite HDRi

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interview

Interview de François Belenguer

Pouvez-vous nous présenter Objectif 3D ? Quelle est son histoire ?Basée à Montpellier, Objectif 3D est un centre de formation profes-sionnelle et une école spécialisée en image de synthèse 3D.

Pour tout vous dire, quand nous avons commencé il y a 10 ans nous possédions essentiellement ... convictions ! Même si nous avions peu de moyens, il était pour nous évident que de grandes la-cunes existaient dans l’offre d’enseignement en image de synthèse. C’est pourquoi nous avons mis en place notre propre méthode. Aujourd’hui, même si elle a évolué avec le temps, elle fonctionne toujours. Et nous avons même observé des copies naître çà et là dans d’autres établissements, ce qui nous rassure pour les jeunes souhaitant évoluer dans les métiers de la 3D.

Quelle est sa spécificité ? Comment s'articulent les cours durant les études ?Elle est basée sur une double compétence : pédagogique d’abord, avec une équipe permanente expérimentée (la plupart sont là depuis le début) qui assure un programme stable ; compétence profession-nelle ensuite, avec des intervenants qui permettent son évolution au plus proche de la réalité des métiers de la 3D.

Sinon, concrètement, la formation est basée essentiellement sur la pratique. D’abord les étudiants effectuent une série d’exerci-ces permettant d’appréhender les grands principes fondamentaux puis deux types de projets : projet personnel pour développer leurs sens artistique et projet commun pour maîtriser les techniques de production en équipe. Évidemment, ils sont alors amenés à appré-hender les problématiques humaines et matérielles liées, qui sont incontournables dans le métier.

En plus, nous impliquons les étudiants dans le milieu professionnel en leur organisant des rencontres. Avec des anciens élèves bien sûr, mais aussi avec des professionnels de la 3D, du cinéma, de la publicité...

Nous les faisons aussi participer à divers événements et salons et, à partir de cette année, nous leur proposons des workshops pro-fessionnels en faisant intervenir du monde entier des spécialistes de domaines pointus dans la 3D.

Quelles sont les modalités d'inscription dans votre école ?Le critère numéro 1, c’est la motivation ! Ces métiers ont beau faire rêver, ils sont difficiles et le principal moteur ne peut être que la passion. Nous recrutons donc avant tout grâce à un entretien de motivation qui nous permet d’évaluer détermination, parcours et projet professionnel de chacun.

Ensuite, selon les sections, les attentes sont différentes : nous avons mis en place une prépa spécifique qui permet d’acquérir tou-tes les connaissances indispensables pour accéder au cursus 3D dans de bonnes conditions.

François Belenguer directeur pédagogique d’Objectif 3D

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interview de François Belenguer

3D. Il a ainsi apporté aux programmes de formation de nouvelles techniques et méthodes qui vont enrichir encore plus les compé-tences des élèves.

Quant à nos projets, nous souhaitons développer des partena-riats encore plus étroits avec les studios de production en région et à l’étranger avec lesquels nous travaillons déjà et en créer de nouveaux. Ce lien avec les entreprises qui recrutent nous permet, en plus de maintenir nos programmes à jour, de vraiment faire coïncider la passion des étudiants avec les attentes du milieu, meilleur moyen de favoriser de réelles embauches dans le secteur de leurs rêves.

110 bis av du Pont Juvénal34000 MontpellierTél. : 04.67.15.01.66Fax : 04.67.99.42.20mail@objectif3d.comwww.objectif3d.com

Pour entrer en prépa, nous ne demandons que le niveau bac pour permettre à tout le monde montrant suffi samment de motiva-tion de faire ses preuves.

Pour entrer directement en 1re année 3D, il faut réussir un exa-men, basé essentiellement sur celui qui valide la prépa. Il porte sur le dessin, le storyboard, la PAO mais aussi sur la 3D. Pour le réussir le parcours du candidat devra contenir des études artistiques (de type MANAA) mais aussi des connaissances techniques et infor-matiques.

Vers quels secteurs pourront ensuite s'orienter vos étudiants ?En fi n de cursus, nos étudiants sont immédiatement opérationnels pour être embauchés dans une boîte de production. Ils possèdent les compétences indispensables pour commencer mais aussi les qualités humaines nécessaires à leur évolution.

Le secteur le plus prisé, tant pour l’excitation technique qu’artis-tique qu’il procure, reste le cinéma, en image de synthèse et effets pour le live action ou en fi lm d’animation. Tout de suite derrière suit le jeu vidéo, raison pour laquelle nous avons mis en place à partir de cette année une spécialisation aux techniques propres à ce domaine.

Mais il existe beaucoup d’autres secteurs qui utilisent l’image de synthèse comme la série TV, la publicité, l’architecture ou encore, même si ça parait moins évident, la recherche scientifi que, l’archéo-logie ou la simulation militaire.

Quels sont les objectifs et les nouveautés de votre école pour 2010 ?L’objectif ? Que tous nos étudiants puissent vivre de leur passion.

Comme nouveauté, nous accueillons cette année en tant que membre actif de l’équipe pédagogique, Olivier Pinol. Ancien élève de la première section 3D d’Objectif 3D en 1999, il a acquis, grâce à son travail sur Shrek 3, Shrek the halls (Dreamworks) ou encore Avatar (Weta Digital), une grande quantité de connaissances et savoir-faire de qualité qu’il veut aujourd’hui transmettre aux étudiants d’Objectif

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The Dark Side of the Quill

Le mot Dark est un terme anglais qui signifie sombre. Il est aujourd’hui régulièrement utilisé pour définir des courants littéraires, cinématographiques, artistiques et musicaux. Ce mot semble s’opposer à l’autre entité du monde qui est le Bien. Timothée Mathelin, artiste-graphiste est passionné par les univers sombres. Dans ce dossier, il expliquera les subtilités de ce mot et en quoi les ambiances obscures le passionnent. Il parlera beaucoup de l’image filmique auxquels ses travaux font souvent références. À chaque présentation de ses œuvres, il expliquera ses influences et son processus de travail avec le logiciel Adobe Photoshop.

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the dark side of the quill

en perdition a en effet quelque chose de très esthétique. L’ambiance qui en ressort est très forte et synonyme de puissance. Si néfaste soit elle, cette imagerie montre à quel point l’homme peut aller loin dans ses ac-tes. J’ai en tête cette image du documentaire de Yann Arthus Bertrand, HOME, où l’on y voit des paysages de gisements de pétrole au Canada, débordant de tous côtés, envahissant et détruisant les alentours. Le so-leil se reflétant sur cette immensité visqueuse, filmée en vue aérienne panoramique, rend le spectacle magnifique. Le réalisateur en vient même à dire que ce que l’on voit est une énorme déviance du système productif mondial, qu’il est une catastrophe écologique et que paradoxa-lement, il est un spectacle merveilleux pour les yeux. Nous ne sommes pas dans une fiction anticipative, mais dans une réalité actuelle. La Science Fiction nous parle donc des réalités à venir.

Le dark a quelque chose d’extrêmement esthétique. Il reflète un monde en perdition, là où l’homme a échoué mais là où la beauté persiste. Pour ma part, je vois également dans les univers sombres et plus particulièrement ceux développés dans la SF, un amour évident pour le monde d’aujourd’hui, une reconnaissance pour la nature et sa bonté, et une lucidité certaine de l’espèce humaine. Les auteurs de Science Fiction sont conscients de la fragilité du monde et de la chance que nous avons de bénéficier encore de certains de nos droits. Cette planète, si merveilleuse soit-elle, nous la con-naissons déjà et les créateurs de SF ne cherchent pas à l’illustrer. Ce qu’ils préfèrent, c’est mettre en scène ces mondes futurs, si esthétiques et si technologiques... mais totalement invivables. L’An-ticipation est l’art de savoir représenter notre futur avec un degré de réalisme incroyable tout en ayant une imagination débordante.

Voici une présentation de certains de mes travaux personnels. Je décrirai quel a été le point de départ de mes idées, je parlerai aussi de toutes les influences (souvent SF donc) qui m’ont aidé à penser et concevoir ces images car il y a beaucoup d’échos culturels qui sont perceptibles sur mon travail. Evidemment, pour rester fidèle aux concepts de .PSD Magazine, je décrirai comment je travaille avec Photoshop et quels outils j’ai utilisés.

The Refugee/La JetéeThe Refugee (Figure 1) met en scène un personnage ayant traversé de terribles évènements. Son faciès porte les cicatrices d’une traver-sée de guerres. Il est balafré sur tout le long du visage. Son regard semble ailleurs. Il pense à sa région, sa famille, sa femme qu’il a dû quitter, emmené de force par des soldats. Cet homme est un réfugié d’un camp d’expérimentations du sud de la Tchétchénie. Il a subi de nombreuses transformations sur son corps, le rendant plus robuste mais le faisant également souffrir. Ses rétines ont été transformées et solidifiées. L’homme peut voir la nuit et garder les yeux ouverts sans cligner des yeux pendant plusieurs heures. Sa structure épi-dermique a été modifiée. Des branchements de cuivres parcourent la totalité de son crâne modifiant la réactivité des terminaisons ner-veuses. Certaines parties de son visage sont à vif mais l’homme dit ne pas souffrir à ce sujet. La région la plus modifiée de son visage touche l’oreille. Elle est composée à 80% d’éléments non-organiques. La surchauffe du système entraîne une excitation des neurones et un regain des défenses immunitaires...

Ce visuel est fortement inspiré du court métrage de Chris Marker, intitulé La Jetée, réalisé en 1962 et qui inspira plus tard Terry Giliam pour l’Armée des 12 Singes. La Jetée est une sorte de roman-photo, totalement ovni dans le paysage audiovisuel et qui a été reconnue comme l’une des meilleures œuvres du cinéma SF français. Ce film a fasciné bon nombre de personnes de par la du-reté, la puissance mais aussi la beauté de l’histoire et des images. Il raconte le récit d’un homme marqué par une image d'enfance : une scène qui eut lieu sur la grande jetée d'Orly, quelques années avant le début de la Troisième Guerre Mondiale. Il comprendra plus tard la signification de cette scène lorsqu’il effectuera à plusieurs reprises des voyages temporels qui lui permettront de revivre un amour perdu et de revoir un temps de paix ...

Beaucoup de scènes de ce film se passent dans les égouts de Paris que les survivants ont investi et transformé en laboratoire d’expériences. Cette image que j’ai créée se rapproche quelque peu de l’ambiance que l’on retrouve dans ces souterrains de Paris.

Etats des LieuxLes univers sombres ont toujours été présents dans l’imaginaire de l’Homme. Les récits religieux, les mythologies, les courants artistiques à travers le temps ont constamment mis en scène l’am-bivalence et la dualité du monde. Le Bien étant le chemin à traverser pour accéder aux béatitudes divines, le Mal, les dangers sur nos routes qu’il faut savoir éviter.

Ces imaginaires, notamment ceux des univers sombres s’ins-piraient principalement des dangers de tous types et des phéno-mènes naturels. Le côté hasardeux et incompréhensible de ces évènements s’expliquait par l’intervention d’une force divine. Enfin, les rêves et les cauchemars des humains confirmaient l’idée de cette dualité des forces et la présence d’esprits malintentionnés.

Ces croyances ont été très fortes pendant de nombreuses an-nées, de par notamment le pouvoir et l’influence de la religion sur la société. Mais le XXe siècle a clairement perturbé ce fonctionnement. Le XXe siècle représente le post-industriel, le modernisme et la tech-nologie. Il est l’avènement de la science, de la recherche et donc du dépassement de l’homme sur les dieux. L’Homme devient le maître de cette planète, il renie peu à peu l’existence des divinités et se crée alors d’autres formes d’imaginaires collectifs.

Au fur et à mesure que les religions perdaient de leurs influen-ces sur les populations, d’autres fantasmes et d’autres phobies naissaient : la peur de l’envahisseur venu d’une autre planète, la peur de la machine, la peur des nouvelles découvertes et donc la peur aussi de soi-même. Bâtissant de nouveaux systèmes écono-miques, révolutionnant les moyens de transport, d’information et de communication, tout en développant de folles techniques de com-bat, l’Homme a transformé son imaginaire autour de ces nouveaux aspects l’entourant désormais. Un genre littéraire s’est d’ailleurs considérablement développé à partir de cette transformation : la Science Fiction. Ce genre existait auparavant mais l’ère moderne post-industrielle fut l’apogée de ce courant visionnaire et souvent dépréciatif de l’état du monde.

Il est généralement difficile de définir l’univers dark car ses origines sont larges et il possède de nombreuses variantes dans les courants artistiques. Abordons en premier lieu l’univers SF qui est sans doute celui qui me marque le plus.

SF/AnticipationLa Science Fiction est un genre narratif structuré par des hypothèses sur ce que pourrait être le futur et les univers inconnus (planètes éloignées, mondes parallèles, etc.), en partant des connaissances actuelles (scientifiques, technologiques, ethnologiques, etc.).

Ce genre se distingue donc du fantastique, qui lui inclut une dimen-sion inexplicable, et de la fantasy, qui parle de mondes magiques.

La SF et l’anticipation sont des genres qui me plaisent énormé-ment. Je suis un enfant de la génération technologique. J’ai grandi avec la télévision et les japanimations, j’ai vu trop jeune et trop de fois, des films comme Blade Runner, Brazil ou encore Akira. Je suis né dans une époque où la machine a commencé à prendre une place prédomi-nante dans nos vies. Une époque où ces outils sont devenus une as-piration à l’exode ou un symbole de notre asservissement. Le monde de ma génération a très vite été accaparé par les machines. Ordina-teurs, consoles, nouvelles télévisions, nouvelles radios, téléphones, électroménager, domotique... Notre quotidien est constamment lié à l’outil électronique, se développant au plus près de nous et dans tous nos instants de vie. Se posent alors les questions d’éthique au même titre que l’esthétique. Quel merveilleux monde où la machine, création de l’homme, est totalement au service de la condition humaine. Mais cette perfection, cet absolutisme a quelque chose d’effrayant. Il est le reflet d’une aseptisation du monde, d’un contrôle omniprésent mais également d’une perte de repères et de valeurs, condamnant l’Homme dans un conditionnement qu’il aura lui-même créé.

Les imageries produites dans les univers de Science Fiction sont parfois très abouties et elles marquent ainsi les esprits. Je me suis forgé une culture autour de cette thématique et j’ai appréhendé l’outil informatique comme moyen de création et d’extériorisation de mes pensées, c’est donc naturellement que j’en suis venu moi aussi à repré-senter ces univers qui me trottaient dans la tête. La noirceur d’un monde

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Je suis parti d’une photo de moi sur un fond de crépis. Je lui ai appliqué beaucoup de retouches avec les niveaux et les teintes colorimétriques. J’ai ensuite emprunté les rétines des yeux de mon chat pour les appliquer sur les miennes, accentuant le côté bionique du personnage. J’ai passé ce calque en mode éclaircir pour les faire ressortir un maximum. Pour tout ce qui concerne les cicatrices et les tissus de la peau, j’ai pris des photos de muscles sur le web. Je les ai insérées avec le tampon de duplication, le doigt, la gomme... J’ai ensuite appliqué une teinte cuivrée sur les filaments blancs, per-mettant de mettre en avant l’aspect robotique.

The Sixteenth Seeker/MatrixThe Sixteenth Seeker (Figure 2) s’inspire d’une scène de Matrix où Néo est retenu par les agents Smith et se fait insérer un mouchard dans le ventre. Matrix est évidemment une grande source d’inspi-ration pour moi. C’est un récit de Science-fiction qui développe très bien l’idée de l’asservissement par la machine et la force de l’intelli-gence artificielle. Il propose également des concepts audacieux sur nos consciences erronées et la réalité des mondes. Les thémati-ques de la surveillance et du contrôle y sont très bien exprimées, en faisant notamment des références aux récits d’Orwell et de Gibson.

La scène du mouchard est impressionnante dans le film. Néo est séquestré, son corps ne lui répond plus et il se voit recevoir un étrange insecte électronique lui transperçant le nombril et venant se loger dans son ventre. J’ai voulu redessiner cette étrange créa-ture. Le mouchard est un symbole fort de la surveillance. Celui dans Matrix est visuellement très intéressant, notamment de par sa tête qui ressemble à une diode. J’ai donc pris une ampoule, et j’ai cons-truit tout autour, avec des formes de pinceaux, des tracés au crayon de papier, des taches d’encre... le tout reformant de manière un peu abstraite ce robot. Je voulais lui donner un côté fossilisé, comme si cet objet de haute technologie était déjà devenu obsolète depuis des centaines d’années, posant ainsi la question de l’époque dans laquelle se passe cette scène. Egalement, pour amener un aspect noble, j’ai quelque peu calligraphié cette image. La partie supérieure reprend l’idée d’un tracé au pinceau, le format ressemble se rappro-che à celui d’une peinture japonaise... Ceci amène de la grandeur

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Figure 1. The Refugee

à l’objet, magnifie la technique et se fond dans ce déterminisme technologique. Les seules teintes de couleurs sont des gerbes de sang... indiquant le côté cruel de ce produit, seizième de son espèce et ascendant d’une longue lignée...

The Visitor/Le cinéma d’épouvanteThe Visitor (Figure 3) est un visuel clairement inspiré des films d’horreur. Je n’ai pas encore vraiment parlé des films d’épouvante qui ont une place particulière dans l’imaginaire collectif et qui ont bien sûr une influence certaine sur mon travail. J’avoue préférer le genre SF de par la profonde dimension économique et sociale qu’il intègre, mais l’horreur est aussi intéressant puisqu’il possède sou-vent de multiples messages et car il convoque parfois des univers fantastiques ou encore gothiques, donc très marqués visuellement.

C’est un genre qui a toujours bien fonctionné auprès des pu-blics car il est associé au divertissement. Les salles de cinéma aux Etats-Unis ne manquaient pas d’ambiance lors des projections de films d’horreur. Les gens criaient, riaient, se levaient... Mais au-delà de l’aspect ludique, le cinéma d’horreur fait ressortir en nous nos peurs profondes et intimes. Le grouillant, tout ce qui se rapporte aux insectes et aux choses informes sont souvent mises en avant dans les scènes. Filmés en gros plan, ils interpellent l’esprit du spectateur puisqu’ils montrent l’infiniment petit en extrêmement grand. Ces mi-crocosmes que nous ne connaissons pas nous sont dévoilés sur un écran géant... L’effet de peur est garanti, et l’homme, on le sait, aime découvrir ses peurs. Le cinéma d’épouvante est également un très bon moyen pour faire émettre des reflexions puisqu’il est souvent métaphorique. Il prend ainsi parfois un rôle de critique sociale, par exemple lorsque les zombies de Romero deviennent un outil pour critiquer le racisme et la société de consommation aux Etats Unis.

Les plus grands films d’horreur m’ayant marqué sont sans doute L'Exorciste, Shining, Hellraiser, Tetsuo, la série des Alien, Ring, ou plus récemment des films comme 28 Jours plus tard, Silent Hill et [REC].

Figure 2. The Sixteenth Seeker

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J’ai ici représenté une scène typique d’un fi lm d’horreur, celle du moment où le meurtrier va passer à l’action. Dans sa construc-tion, elle fait penser à l’affi che de l’Exorciste, avec la lumière, la silhouette et le réverbère. Mais l’homme est ici un assassin s’apprê-tant à se venger de l’humanité en ce soir de pleine lune. Pour créer cette image, j’ai pris une photo de maison moitié résidentielle, moitié manoir, le genre de maison idéale pour le crime... J’ai assombri l’image et placé des textures sur les murs pour accentuer la vétusté de la maison. J’ai ensuite rajouté des éléments typiques de scènes d’horreur : arbres, branches, oiseaux, ciel tourmenté, lune, brume et évidemment le meurtrier. C’est une création qui n’a pas été très dure à réaliser mais que j’aime beaucoup, notamment de par sa construction et ses références ...

David/l’horreur du quotidienVoici David (Figure 4) ; une image dont le processus de création a été assez long. J’ai d’abord demandé à un ami de se prendre en photo, de faire plusieurs portraits de lui avec des attitudes différen-tes. Je voulais lui montrer qu’il était très simple de pouvoir déformer quelqu’un, de lui donner une tout autre apparence et même une autre représentation de sa personnalité.

Cette image est le résultat de 4 photos différentes, montées au niveau de la bouche, des deux yeux et des cheveux. J’ai par la suite déformé les parties du visage recomposé (surtout un œil et la bouche). J’ai dupliqué les calques, rajouté des modes de fusion, accentué les contrastes afi n de donner un aspect gras à la peau et aux cheveux. J’ai enfi n appliqué un papier peint de fond, mis un petit badge sur le col du personnage et placé l’image dans un cadre po-laroïd. Et le tour était joué. Voici David, jeune adulte du nord de l’An-gleterre, authentique supporter de son club de foot, ici pris en photo dans le salon familial par son grand frère. David ne va plus à l’école depuis quelques années. Il préfère passer son temps avec ses amis à tagger des maisons abandonnées, humilier les Pakistanais du village et prendre quelques ecstasy quand il s’ennuie l’après midi. Triste constat d’une réalité affl igeante, refl et d’une pauvreté sociale, fi nancière et intellectuelle, engrangée par un système inégal. Met-tre en scène l’horreur de l’ordinaire est souvent ce que je trouve de plus fort, de plus troublant et de plus dérangeant. Lorsque Darren Aronofsky montre le quotidien de l’addiction dans Requiem for

a Dream ou la démesure de la pratique des mathématiques dans Pi, il montre l’horreur d’un quotidien, pourtant réel. C’est dans cette vo-cation à la fois psychologique et sociologique que s’installe ce genre d’images. Elles sont le refl et de ce que la société ne veut pas voir. Les drogués, les fous, les homosexuels, les racistes, les handicapés, les meurtriers... Tout cet ensemble de personnes qui ne conviennent pas à un moulage conforme. Certains auteurs en font même leur principal créneau mais dans des approches différentes : Gus Van Sant, Gaspard Noé, Larry Clark ...

Parfois, le fantastique vient investir ce quotidien déjà glauque au possible. À ce moment, l’horreur est à son paroxysme. La réalité se fond aux rêves et aux cauchemars, l’inconscient et le subcons-cient se manifestent, l’instinct se dévoile dans un surréalisme grandissant. David Lynch est un maître dans ce domaine. Ses récits mettent souvent en scène le quotidien morne et sans issue des pro-tagonistes qui cherchent vainement une porte de sortie dans le rêve. La mort et la folie viennent alors les envahir. Eraserhead, Mulholland Drive, Lost Highway ... des fi lms où le rêve et le réel se confondent, là où la folie trouve des explications ...

Dans le monde de l’art vidéo, Chris Cunningham est également très talentueux pour mettre en scène des quotidiens effroyables qui rappelleraient des cauchemars ou des traumatismes d’enfance. Son court métrage Rubber Johnny nous montre l'existence solitaire d'un mutant de 16 ans, résultat d’un abus de consanguinité. Il est enfermé par ses parents honteux dans un sous-sol plongé dans l'obscurité. Ces derniers le nourrissent occasionnellement et lui crient de ne pas faire de bruit. La seule compagnie de Johnny est un chien aussi difforme que lui... C’est encore une fois l’horreur du quotidien, à la limite du fantastique qui est illustré. Elle nous touche, nous interroge, nous révulse, nous fascine ...

Black Bird Empire : Electronic soulBlack Bird Empire (Figure 5) met en scène un oiseau noir dans un décor technologique aussi sophistiqué qu’épuré. L’oiseau semble

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Figure 3. The Visitor

Figure 4. David

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rattaché à la structure qui compose l’image, il en est le produit. Cette structure est complexe, elle mélange des aspects technologiques avec tout le câblage, mais également du bionique avec ces formes souples, aériennes et fourmillantes. Une sorte de mélange entre le vivant et la machine. L’univers est sobre, les éléments sont en lévi-tation, comme si l’air y était absent.

J’ai pris une image d’un corbeau, que j’ai détouré, j’ai agrandi ses ailes, son buste, je lui ai donné une allure élégante et épique. J’ai ensuite utilisé des formes 3D libres de droits, trouvées sur des sites de communautés graphiques. J’ai dupliqué, déformé, coupé, grossi toutes ces formes et j’ai essayé de créer un ensemble avec celles-ci... une sorte d’architecture. J’ai également pris des photos de câbles que j’ai insérés sur le fond pour mélanger les types de tech-nologies. J’ai ensuite rajouter des fl ux, comme si la machine produi-sait une essence, un liquide qui la rapprocherait d’une entité vivante. L’apogée de cette forme est l’oiseau, encore rattaché à la structure. Il est le résultat du mélange organique et robotique.

Ce visuel s’inspire clairement des univers de la musique électroni-que. L’electro est le genre par exception de l’anti-humain. C’est une mu-sique composée exclusivement par le biais de l’ordinateur. Il possède un côté extrêmement froid et souvent sombre. Electro serait un terme trop large mais des sous-genres comme l’IDM, l’electronica, la drum‘n’ bass, ou encore l’ambient représentent parfaitement cette ambiance.Epurée, sèche, technologique, mélancolique, aérienne... Les adjectifs ne manquent pas pour décrire ce pur produit de la machine. Originai-res de villes post-industrielles comme Sheffi eld, Manchester ou Detroit, les compositeurs de ces musiques ont évolué dans un climat où la ma-chine les a fait souffrir. L’industrie, le travail à la chaîne, la mécanique, et l’usine en brique... Un univers sombre donc, où le labeur fait rage. À partir de ces inspirations, les compositeurs recyclent la technologie et utilisent la machine pour rêver et s’extraire de la réalité. Cette mu-sique est le résultat de la réappropriation de la machine industrielle par l’Homme. Il s’inscrit dans un romantisme technologique avec une grande fascination pour l’automate. Des artistes IDM comme Autechre, Funckarma, Access to Arasaka, Hecq, Alva Noto, Beefcake, Proem, Ryoji Ikeda (...) s’inscrivent parfaitement dans cette optique où l’humain s’efface et où la machine est totalement sublimée. D’autres styles d’electro se rattachent à cette ambiance déshumanisée : le dark ambient ou même l'illbient (contraction du mot illness) sont des styles qui utilisent des bruits dissonants et sombres, des samples dérangeants pour créer une musique chaotique et caverneuse, là où l’homme ne peut survivre.

Dans des styles plus violents, on pourra y retrouver des sous-genres de drum ‘n’ bass comme le darkstep ou le techstep, qui se

caractérisent par une rythmique rapide et soutenue, instaurant une ambiance sombre et frénétique. Certains éléments acoustiques sont tirés ou inspirés de la bande son, musique ou bruitage de fi lms d’hor-reur et de Science Fiction. Les sons industriels et la basse lourde se distordant jusqu’à aller vers des sonorités acid créent une sensation sombre et opaque... On peut y référencer des groupes comme The Panacea, Evol Intent, Noisia, Spor, Audio, ou encore Black Sun Empire dont le nom renvoie à ma création...

La musique électronique est donc une infl uence très importante dans mon travail. Elle m’insuffl e ses aspects éthérés, étouffés, an-goissants ou à l’inverse, complètement libres, fous et incontrôlables...

Sith / La dualité du justicierSith (Figure 6) est une réappropriation d’un personnage de Star Wars. J’ai abîmé l’image originale, en rajoutant de la brume au travers des calques d’effets et de forme. J’ai déstructuré certaines parties du corps du personnage, j’ai rajouté un halo et des effets de lumières autour du sabre. J’ai beaucoup utilisé le doigt sur les calques de couleurs pour amener une ambiance caverneuse voire sous-marine. Enfi n, J’ai rajouté du grain pour vieillir l’image et je l’ai encadrée... Cela apporte à nouveau de l’intemporalité.

Ce qui m’intéressait dans cette image que j’ai transformée, c’était d’amener l’aspect puissant, héroïque et valeureux auprès d’un personnage inquiétant. On retrouve ce genre de trait de carac-tère dans des mangas, notamment Berserk ou encore Akira, là où Tetsuo excelle dans le charisme et la hargne ; ou également dans des fi lms comme Blade Runner avec le Replicant, Roy Batty. Ce qui est intéressant avec ces personnages, c’est l’ambivalence dans la-quelle ils se trouvent : partagés entre la haine, la justice, la vengean-ce, la raison et leurs démons internes. Une des représentations les plus abouties de ces traits de caractère revient selon moi à Batman, dans le fi lm The Dark Knight, un fi lm esthétiquement et scénaristi-quement sombre. Le titre exprime d’ailleurs très bien le climat dans lequel repose l’histoire. Face à un Batman en pleine remise en ques-tion sur son rôle dans la ville, sa présence et son désir de justice ; le Joker intervient en tant que meilleur ennemi qu’il n’arrivera jamais à tuer. Batman agit mais il est froid, impartial, torturé et hargneux. Il est celui qui doit rendre justice mais qui ne recevra jamais les éloges. Il est celui sur qui on lâchera les chiens, quand d’autres rece-vront les fl eurs. Avec une amertume et un profond dégout de soi, le justicier remplit son rôle comme sa destiné le prévoyait.

Pour en revenir aux mangas cités précédemment, on observe un comportement similaire à Batman dans le fi lm Ghost In The Shell, de Mamoru Oshii avec le personnage de Kusanagi : une femme

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Figure 5. Black Bird Empire

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Reconstruction d’un mondeDans Ghost in the Shell, les hommes sont dépassés par leur propre exigence d'efficacité : la planète est devenue réseau, l'acteur s'est fait numérique. On assiste à l'édification d'un nouveau monde sur les ruines de l'ancien : les deux cohabitent encore, mais le darwinisme étant ce qu'il est, l'un devra bientôt s'effacer devant l'autre. Voici And When The Leaves Fall, The Land looks more Human (Figure 7).

Ce visuel représente le souffle d’une ère en mutation. Autant que les saisons qui défilent, les mondes évoluent et se succèdent. Cette image représente la fin d’une ère où l’homme et le robot se sont côtoyés. L’architecture est un mélange de bâtiments, de murs, de formes robotiques... Mais cette époque s’est achevée. Une guerre est survenue, les survivants sont partis, la nature a réinvesti l’endroit. Un jour, un homme revient sur les lieux. Un vent souffle sur cette prairie. Cet homme recréera une ville qui fera des millions d’habitants et perpétuera de nouveau un processus de cohabitation entre l’homme et la machine.

Le titre And When The Leaves Fall, The Land Looks More Human (Figure 7) intime le fait que lorsque la nature reprend ses droits, que les saisons passent, et que les feuilles tombent et recomposent le sol, l’endroit semble plus habitable. L’humain peut à nouveau re-

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Figure 7. And When The Leaves Fall, The Land looks more Human

Figure 6. Sith

cyborg dotée d’une conscience et appartenant à une unité d'élite de la police japonaise. Elle est en permanence questionnée sur le di-lemme de sa vie : quelle est la place de l’homme, quelle est la place du robot, et que suis-je dans tout cela ?

Kusanagi possède une âme, mais elle est un cyborg, avec un corps synthétique et un rôle préétabli dans la société. Bruce Wayne est également Batman. Il est humain mais il est aussi un héros, né-cessaire à Gotham City. Cet aspect le déshumanise au possible. Sa voix par exemple, devient métallique lorsqu’il est costumé. De par leurs fonctions, ils sont tous les deux souvent appelés à prendre rapidement de difficiles décisions, ce qui fait qu'ils apparaissent comme durs et presque inhumains. Et pourtant ils arrivent à ob-tenir des autres une loyauté et une confiance. De la beauté de leur corps se dégagent en même temps de la froideur et de la distance. Alfred est stupéfait lorsqu’il découvre les blessures sur le corps de Bruce Wayne. Lui, s’en détache totalement. Quant à Kusanagi, elle en arrive même à s’automutiler puisque le corps n’a plus d’impor-tance à ses yeux.

Les deux se posent des questions sur leurs rôles et leurs âmes. Ils se méprisent mais font cohabiter leurs deux aspects. C’est un constat très sombre sur leur propre condition. Là où Kusanagi va plus loin, c’est qu’elle remet en cause son existence même et non pas que son rôle. Elle en vient à se demander si la conscience déter-mine l'appellation de vie. Qu'est ce qui est intrinsèque à l'humanité, au-delà de la conscience d'exister ? Une problématique déjà sou-levée par Philip K. Dick dans Les androïdes rêvent-ils de moutons électriques ? puis par Ridley Scott dans Blade Runner...

C’est donc cette thématique de la dualité qui m’intéressait et que je voulais faire ressortir dans cette création. J’aime l’idée d’un acteur justicier qui se doit de remplir son rôle mais qui est profon-dément tourmenté par une hargne, le rendant versatile, lunatique et donc humain...

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Les univers sombres amènent parfois aussi la notion du cha-os. Le chaos est la fin d’une époque et il est synonyme de mort, d’extinction et d’arrêt. Mais il est également le synonyme d’une renaissance. Le chaos, c’est aussi la possibilité d’un nouveau départ lorsque la vie était impossible auparavant. Certains voient le chaos comme la fin, d’autres le voient comme une renaissance comme celle du Phoenix. C’est d’ailleurs souvent sur cette théorie que les bons et les mauvais s’affrontent dans les films de Science Fiction...

Mourning Morning Mourning Morning (Figure 8) est une composition inspirée de la notion du chaos. L’état d’une ville après explosion. La civilisation s’est détruite. Mais la lumière est là. Le matin s’est levé, la vie peut continuer mais le processus doit recommencer car l’homme avait mal agit. Qui contrôlera le monde ? Les fourmis, les rats, les hommes survivants ?... Cette image est fortement inspirée d’Akira, de Katsuhiro Otomo, un manga de 13 volumes édité dans les années 80 et adapté au cinéma en 1988. Les Japonais ont le traumatisme d’Hiroshima et de Nagasaki ancré au plus profond d’eux même... Beaucoup de manga ou d’œuvres de Science Fiction

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construire les éléments de base d’une société et ne pas se perdre à nouveau dans les futilités d’un monde qui se détruit.

Pour créer cette image, j’ai d’abord pris une prairie vierge que j’avais photographiée en Ecosse. J’ai ensuite rajouté des éléments photographiques d’immeubles et d’une médiathèque qui se situent près de ma maison. Je les ai incrustés dans le décor. J’y ai rajouté des éléments robotiques... Des mécanismes, des bras robotisés, des moteurs, que j’ai fais prendre forme dans l’architecture déjà existante. J’ai ensuite fusionné les calques et retouché les cou-leurs principales pour incruster tous les éléments dans le décor. Grâce au tampon de duplication et une forme de pinceau adaptée, j’ai recouvert d’herbe et de verdure, les bords et certaines parties de l’architecture. J’ai fait refléter le ciel dans les vitres du bâtiment pour intégrer d’avantage celui-ci. J’ai ensuite rajouté des éléments signifiant le retour de la nature (brume, fleurs, animaux, nuages, oiseaux...) et au premier plan : un homme, en costume... L’inves-tisseur. La lumière et les couleurs dans cette image sont étranges. Elles baignent les décors et le personnage : irréelles, comme celles qui inondent les rêves ; elles donnent un cachet évanescent à tout ce qu'elles touchent... J’ai passé beaucoup de temps à retoucher les contrastes et les teintes pour y apporter cette ambiance.

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à propos de l’auteur

Timothée Mathelin aka shift.Graphiste freelance, il vient d’être diplômé d’un Mas-ter 2 Information Communication Conception et Ré-daction de Contenu Multimédia. Passionné par les thématiques du futur, amateur de photographie et spécialiste en photomanipulation. Il a déjà tra-

vaillé pour des clients comme les Editions Soleil, Sciences et Vie Dé-couvertes, l’Ecole des Beaux-Arts de Nantes, le Journal Europa...Site : http://www.futurorg.com

japonaises ont comme scénarios de départ des explosions nuclé-aires (Godzilla, Astro Boy...), Akira en fait partie. L'univers d'Akira est une métaphore du monde en reconstruction au lendemain de la Seconde Guerre mondiale. Le personnage d'Akira est la personni-fication achevée de la bombe atomique lâchée au-dessus d'Hiro-shima. Le manga est traversé par le thème de la destruction de To-kyo qui a lieu une première fois au tout début de l'histoire en guise de prologue, et qui a lieu une seconde fois au milieu de l'histoire après le réveil d'Akira, provoquant un profond bouleversement du récit.

Akira est sans doute l’œuvre littéraire et cinématographique qui m’a le plus marqué dans ma vie, par cette ambiance de guérilla ur-baine dans un Néo-Tokyo anarchiste sous des traits rétro futuristes. Cette œuvre m’a toujours poursuivi. J’ai depuis une grande fascina-tion pour les univers en destruction ou en reconstruction. C’est une œuvre où l’aspect psychologique est très fort : la manipulation, la vengeance et la perte de repères sont très présentes et cette jeu-nesse en pleine désillusion représentée par Kaneda et sa bande, en est la première victime. C’est une histoire passionnante mettant en valeur le tracé génial du mangaka et je le conseille à toute personne, amatrice ou non de Science-Fiction. Mourning Morning est donc un travail en hommage à l’œuvre d’Otomo.

J’ai tenté de faire un aperçu global des univers sombres, ou en tout cas de ceux qui me marquent profondément et qui ont eu une influence sur mon travail de graphiste. J’ai essayé d’expliquer en quoi les univers sombres ne sont pas simplement des créations névrosées de personnes qui veulent du mal à la planète, mais qu’ils reflètent bien de profondes réflexions sur l’état du monde. Il faut savoir qu’aujourd’hui, les auteurs en Science Fiction ne sont plus des êtres reclus, ils sont d’ailleurs souvent sollicités pour travailler

en collaboration avec des chercheurs aux solutions de demain. Leur créativité est mise au profit de la science et des découvertes.

Pour illustrer et décrire mes travaux dans cet article, je me suis beaucoup servi d’œuvres cinématographiques car le cinéma et l’image en général ont beaucoup d’impact sur mon travail. Je vais donc citer quelques artistes issus du milieu de la peinture, des arts graphiques, de la photographie ou du livre. Les omettre serait une erreur puisqu’ils ont influencé le cinéma dont j’ai fait référence ou en sont les fiers héritiers.

Les travaux de H.P Lovecraft sont à lire, tout comme ceux d’Aldous Huxley, Phillip K. Dick, Maurice Dantec, ou encore William Gibson et H.G. Wells. Allez découvrir également les merveilleux uni-vers de J.S Rossback, Aleksi Briclot, Barontieri, Roberto Ferri, Marc Da Cunha Lopes, Ricardo Salamanca, Nickmeister, Anthony Kurtz, Diane Arbus et n’hésitez pas non plus à revisiter les œuvres baroques comme celles du Caravage, Gentileschi, Michel-Ange ou le surréa-lisme de Dali et Magritte.

Science sans fiction n'est que ruine de l'âme. Daniel de Roulet

Figure 8. Mourning Morning

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fiche technique

Dans le numéro 04/2008, nous avons évoqué l'identité visuelle et plus précisément le logo. Au travers de cet article, nous allons présenter la réflexion autour de la réalisation d'un logo avec des contraintes particulières.

Logos – exemple de projet I

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logos – exemple de projet I

à l'origine. L'idée est de faire la même chose pour notre projet. Nous avons plusieurs notions à placer :

• L'événement : Journée• Le lieu, l'organisateur : Enib• L'objectif : Rencontre• Les protagonistes : Etudiants, Entreprises

On passe les premières lettres de chaque mot dans un mixeur, et nous obtenons le nom de notre événement : Jeree – Journée Eni-bienne de Rencontre Etudiants Entreprises. Avec une prononciation à l'anglaise qui donne plus de force, nous obtenons un nom signi-fiant et mémorisable. Etape validée.

Contraintes pour le logoÀ partir de Jeree, il va falloir réaliser un logo. Plusieurs contraintes sont à prendre en compte. La première est de permettre l'assimi-lation à l'Enib et l'Anienib, organisateurs de l'événement. Mais ce logo, pouvant être utilisé seul, sera souvent accompagné des logos de ces organisateurs (Figure 1). La solution consistant à utiliser la vague et écrire le texte Jeree dessous est donc à proscrire. Nous ne pouvons pas nous permettre d'avoir trois logos quasiment identi-ques sur un même document.

Explications du résultat finalAprès plusieurs tests, vous trouverez sur la Figure 2 le logo adopté. Deux éléments rappellent l'appartenance à l'Enib : les couleurs qui sont les mêmes, et la vague intégrée dans la sphère. Expliquons désormais les éléments.

La sphère jaune orangé représente le réseau des anciens étu-diants, présents à l'international. Vous remarquerez l'absence de 3D. La première raison est tout simplement le choix d'avoir un logo en aplat. La seconde est la volonté que cette sphère puisse également être perçue comme un point. Le point de rencontre des participants à la journée. Le lieu (et l'organisateur) l'Enib, est symbolisé par la vague bleue posée sur ce point de rencontre.

Vous remarquerez la présence de trois traits blancs. Ils mar-quent la diversité du parcours de chacun, à partir d'un point com-mun, la formation enibienne. Nous dénombrons trois traits, comme le nombre de filières proposées dans l'école jusqu'à présent.

Vient ensuite le texte. Nous souhaitons souligner à nouveau le lien entre les personnes présentes et l'idée de rencontre. Pour cette raison, les lettres sont liées entre elles. La police de base utilisée est le classieux et lisible Gill Sans. Nous ajoutons la baseline journée enibienne de rencontres étudiants entreprises à côté de la jambe du j. Le logo se retrouve ainsi dans des proportions idéales pour une parfaite lisibilité dans la plupart des situations.

Rendez-vous maintenant dans la deuxième partie de l'article pour découvrir de quelle manière nous pouvons dessiner efficace-ment ce logo avec Adobe Illustrator.

Présentation rapide du projetCommençons par citer l'article publié dans le magazine pour rappeler les fonctions d'un logo : Le logo possède un rôle de représentation, d'identification et d'appartenance. Il est destiné à mettre en avant les valeurs de l'entreprise qu'il représente, résumer sa philosophie, ses objectifs. Son identification doit être aisée devant la concurren-ce qui peut être rencontrée. Nous devons également pouvoir facile-ment reconnaître son appartenance à un groupe, une personne....

Vous comprenez donc aisément qu'avant de dessiner le logo, nous devons comprendre le projet et ce qu'il va représenter. En une seule phrase, nous pouvons le résumer comme suit : Le 28 janvier 2009, l'Enib, école d'ingénieurs, souhaite mettre en place une jour-née de rencontre entre les étudiants et les entreprises au sein de ses locaux.

Un nomLe projet validé et le budget débloqué, la première étape consiste à trouver un nom à cette journée. La solution adoptée pour le trouver est classique, mais néanmoins efficace : le brainstorming. Le prin-cipe de ce remue-ménage consiste à inscrire sur une feuille toutes les idées qui viennent, qu'elles soient sensées ou non à première vue. Le brainstorming est effectué en deux temps. Tout d'abord de manière individuelle, chacun sur sa feuille. Ensuite, de manière col-lective où les idées inscrites sont échangées. Ainsi les propositions des autres peuvent en faire émerger de nouvelles. Les discussions sont parfois longues et amènent des désaccords mais il s'agit de quelque chose de très important, le début de la concrétisation du projet. Un nom n'explique pas à lui seul la réussite d'un produit ou d'un événement, mais c'est lui qu'on retient, c'est lui qui sera chargé de résumer les notions et idées mises en œuvre, en dehors de tout élément graphique qui pourra mettre en valeur ce nom.

L'enjeu du nom choisi est bien compris par certaines entrepri-ses qui choisissent de faire appel à des agences spécialisées dans le naming. La plus célèbre en France est Nomen. Elle est notamment à l'origine du nom Vélib' pour la Maire de Paris, contraction de vélo et liberté, de la marque Logan, ou encore Dolce Vita (Gaz de France). Dernier exemple, toujours œuvre de Nomen, le Pôle Emploi, qui re-présente la fusion de l'ANPE et de l'Assedic. Un nom qui peut avoir un coût conséquent, 135.000€ pour le dernier exemple cité.

Vous l'aurez compris, c'est un élément à ne pas prendre à la légère. Le plus grand débat pour notre projet a été de savoir si nous allions utiliser un acronyme. L'avis n'est pas objectif, mais nous vous conseillons dans la mesure du possible d'éviter les acronymes. Il y en a beaucoup (trop) dans l'environnement dans lequel nous vivons et il est donc d'autant plus difficile d'en retenir de nouveaux. Ajoutons à cela que, suivant le contexte, des acronymes similaires peuvent avoir des significations différentes, et on ne s'en sort plus.

Il est possible de ruser et de trouver un acronyme qui se compor-te comme un nom. Dans la vie courante, nous utilisons OVNI (Objet Volant Non Identifié) et SIDA (Syndrome de l'ImmunoDéficience Ac-quise) comme des noms communs alors qu'ils sont des acronymes

à propos de l’auteur

LeparachutePassionné par l'infographie, il s'intéresse particu-lièrement à la communication visuelle. Il s'inspire en observant le monde qui l'entoure.Site : http://leparachutedesign.frContact : leparachute@free.fr

Figure 1. Logos des organisateurs

Figure 2. Logo final Jeree

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fiche technique

Texte IDans la suite Adobe, c'est le logiciel Illustrator qui est le plus adapté pour créer un logo. Bien que Photoshop permette de travailler en

vectoriel, nous préférerons le premier cité. À l'aide de l'outil Texte, écri-vez le mot jeree en Gill Sans. Les réglages tels que l'écartement des lettres (-10 ici) ne sont pas primordiaux puisque nous allons décom-poser les lettres en tracés séparés dès la prochaine étape.

Texte IIPour effectuer cette séparation, optez pour le raccourci [Ctrl] + [Maj] + [O] ou le menu Texte>Vectoriser. Vous obtenez cinq tra-

cés placés dans un groupe. Nous sortons les lettres de ce groupe et renommons les calques.

Texte IIIUn petit oubli que nous pouvons corriger dès à présent, la couleur du texte. Nous reprenons les codes couleurs du logo de l'Enib, le

bleu étant : C 100 ; M 90 ; J 10 ; N 0. Déplacez ensuite la lettre j vers le bas de manière à ce que la partie supérieure du jambage s'aligne avec la traverse du e. La fenêtre Pathfinder va permettre de séparer les deux morceaux du j. Ainsi, nous descendons le point pour qu'il ne dépasse plus la hauteur occupée par les autres lettres. Rapprochez finalement les deux dernières lettres du r.

Texte IVCette lettre r ne nous convient pas. En fait, nous souhaitons avoir un logo avec une graisse uniforme sur l'ensemble des lettres.

Nous supprimons le r pour en dessiner un nouveau avec l'outil Plume. Vous remarquer que la première liaison est effectuée avec le e situé devant. Les prochaines étapes vont consister à lier l'ensemble des lettres harmonieusement.

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Logos – exemple de projet IIComme vous devez commencer à en avoir l'habitude, après la théorie, place à la pratique. Nous allons étudier les étapes nécessaires à la réalisation de ce logo, avant de pouvoir l'exploiter sur les différents supports.

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logos – exemple de projet II

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Texte VToujours avec la plume, nous modifions la terminaison du premier e pour l'intégrer à la partie inférieure du r. Les dernières liaisons

vont être mises en place sur les traverses des lettres. À noter que nous augmentons légèrement la graisse de la traverse des lettres e qui n'était pas identique au reste du corps de la lettre. La partie typo-graphique du logo est quasiment finalisée. N'oubliez pas d'enregistrer votre travail.

Texte VILa baseline doit ensuite être ajoutée: journée énibienne de re-ncontre étudiants entreprises. Nous avons un blanc de taille par-

faite pour le placer. La typographie choisie est le Gill Sans, dans un souci d'homogénéité. Mais cette fois nous ne chercherons pas à mo-difier l'apparence des lettres. Le texte, logiquement plus petit, doit avoir une lisibilité maximale, il n'est pas question de cherche à lier les lettres à nouveau par exemple. Cela alourdirait de manière désa-streuse le logo. Un gris a été préféré au noir.

Sphère IIl faut maintenant dessiner la sphère. Pour avoir une idée de sa taille, faites en sorte que la partie supérieure ne dépasse pas la

hauteur occupée par les lettres. La partie inférieure doit coïncider avec le point gauche de la terminaison du j. Enfin, il reste à position-ner horizontalement cette sphère. Le blanc entre celle-ci et le j doit être de 1,5 fois l'épaisseur de la lettre.

Sphère IILe contour de la vague bleue est repris sur le logo original de l'Enib. Ce même tracé, déformé, va nous servir à faire les traits blancs.

Il reste cependant un détail à régler. En observant l'aperçu ci-dessus, un fond autre que le blanc met en évidence des traits non désirables. En réalité, nous souhaitons que la partie blanche soit transparente. L'idée est donc de sélectionner l'ensemble des tracés blancs et la sphère, puis de sélectionner Division dans la fenêtre de Pathfinder.

Résultat finalVous obtenez plusieurs tracés dans un groupe. Regardez à quoi ils correspondent et supprimez les tracés indésirables. Voilà, vo-

tre logo est fin prêt. Renommez éventuellement les derniers tracés dans un souci d'organisation, et le travail est terminé.

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à propos de l’auteur

LeparachutePassionné par l'infographie, il s'intéresse particu-lièrement à la communication visuelle. Il s'inspire en observant le monde qui l'entoure.Site : http://leparachutedesign.frContact : leparachute@free.fr

logos – exemple de projet II

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pratique

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Retouche des couleursPour commencer, ouvrez le fichier Beautifully et double cliquez sur le calque pour le renommer modèle. Nous allons ensuite

changer les différentes teintes de l'image. Pour cela, faites Image>Réglage>Correction sélective et appliquez -100% , +85%, +85% et +90%pour les Cyans, -90%, -90%, +85% et +85% pour les Bleus (cela va atté-nuer le bleu dans les tons gris) ainsi que +77%, -9%, +25% et +52% pour les Rouges et -48%, +21%, +21% et +8% pour les Jaunes (pour jaunir un peu l'image). Modèle : Beautifully-Chaotic Photographe : Bat-Lugosi

Luminosité et contrastesAccentuez les contrastes et baissez la luminosité de l'image en utilisant Calque de remplissage ou de Image>Réglages>Lumi-

nosité/Contraste, appliquez -30 pour la Luminosité et +15 pour les Contrastes.

Ajouter du flouCopiez/collez tous les calques visibles sans les applatir ([Ctrl] + [Alt] + [Maj] + [E]), renommez le nouveau calque modèle dyna-

mique.Transformez ce calque en Objet dynamique en faisant un clic droit dessus puis appliquez le filtre Flou de surface en entrant les valeurs suivantes : 15 px pour le Rayon et 8 pour le Seuil. Si à tout moment le flou ne vous convient pas, vous pouvez le changer grâce au Filtre dynamique.

Révélation de certains élémentsAjoutez un Masque de fusion (Calque>Masque de fusion>Tout faire apparaître) au calque modèle dynamique puis masquez

minutieusement les éléments qui ne doivent pas être flous avec un pinceau noir à bord doux : la bouche, les yeux, les vêtements et les feuilles. Jouez avec l'opacité et le diamètre du pinceau pour un meilleur rendu. baissez l'opacité du calque à 80%.

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BeautifullyL'imaginaire peut transmettre une multitude d'émotions, même à travers un portrait à l'origine plutôt banal.Vous trouverez dans ce tutoriel les principales étapes qui vous permettront de développer différents outils de Photoshop afin de rendre une photo plus colorée, et ainsi lui donner une ambiance fantastique.

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fiche technique

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Un peu d'orangeNous allons donner un ton plus orangé à l'image, pour cela, ajou-tez un filtre photo en faisant Calque de remplissage ou de Image>

Réglages>Filtre photo. Sélectionnez Couleur du filtre réchauffant et mettez la Densité à 50%.

Nouvelle ambianceSi tous les réglages des calques vous plaisent, à nouveau copiez/collez les calques visibles ([Ctrl] + [Alt] + [Maj] + [E]) et renom-

mez le nouveau calque modèle violet. Ajoutez un Calque de remplis-sage ou de Image>Réglage>Balance des couleurs et réglez les Tons Moyens sur +28, -35, +46, les Tons Foncés sur +12, -23, +2 et les Tons Clairs sur -4, +4 et -13. Cela va donner une teinte violette à l'image.

MasquerAvec le masque de fusion de Balance des couleurs, faites comme dans l'étape 4, masquez le violet sur la peau, les yeux, les cheveux

et le bijou autour du cou avec un pinceau noir à bord doux. N'oubliez pas de varier l'opacité et le diamètre du pinceau pour un meilleur résultat.

Récupération de la sélectionFaites clic droit sur le Masque de fusion de Balance des cou-leurs et sélectionnez Ajouter le Masque de fusion à la sélection.

Copiez/collez à partir du calque modèle violet et renommez le nou-veau calque sélection. Sélectionnez le calque modèle violet et ap-pliquez un Calque de remplissage ou de Image>Réglages>Corre-ction sélective en entrant les valeurs suivantes : Rouges -12%, +75%, +11%, +12% et Jaunes : -49%, +51%, +40% et +3%. Cela vous permet de régler la couleur de la peau sans changer celle des vêtements.

Densité + et Densité - ISur le calque Modèle violet, utilisez l'outil Densité + pour assom-brir les cheveux, certaines parties du visage et du corps. Vous

pouvez varier les ombres en changeant les différentes gammes et l'exposition de l'outil. Faites de même avec l'outil Densité -. Puisque ces techniques permettent de foncer ou d'éclaircir certaines parties de l'image, cela peut révéler des défauts que l'on a pas vu (pixelisa-tion, tâches, etc.). Supprimez-les avec l'outil Tampon de duplication ou l'outil Correcteur.

Densité + et Densité - IIUtilisez le même procédé que pour l'étape 9. Eclairez bien le milieu du chapeau, faites ressortir le gloss sur les lèvres et accentuez les

paupières. Vous pouvez aussi éclaircir ou assombrir certaines feuilles pour donner plus de contraste à l'image.

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YeuxActivez le Mode Masque (voir image) et masquez les yeux du mo-dèle en peignant dessus. Revenez en Mode Normal pour que les

yeux soient sélectionnés et faites Sélection>Modifier>Contour pro-gressif de 5 px. Intervertissez la sélection ([Maj] + [Ctrl] + [I]) puis copiez/collez à partir du calque modèle violet. Renommez le calque yeux et appliquez Image>Réglages>Luminosité/contraste. Sélection-nez +50 pour la Luminosité et +60 pour les Contraste.

Bague et glossEffectuez la même technique que l'étape 11, renommez le nouveau calque bague et placez-le au dessus du calque sélection. Faites

Image>Réglages>Teinte/Saturation, cochez Redefinir, et appliquez les valeurs telles que 35, 72, 0. Passer ensuite le calque en mode Densité couleur -. Créez un nouveau calque et renommez-le lèvres. Utilisez en-suite un pinceau blanc à bord doux et faites des traits avec différentes opacités et diamètres. Une fois que le rendu du gloss vous plait, pas-sez le calque en mode Incrustation pour que le calque s'intègre bien à la lèvre du modèle.

Carte à jouer ITéléchargez l'image qui se trouve sur le site : http://jaaaiiro.deviantart.com/art/Ace-of-Spades-Card-109907007. Détourez la carte avec

l'outil Plume, allez dans la fenêtre des tracés puis récupérez le tracé comme sélection. Faites glisser la sélection sur votre espace de travail et renommez-la carte. Allez dans Edition>Transformation manuelle pour tourner la carte dans le sens du chapeau puis utilisez Torsion pour chan-ger sa perspective. Validez puis cette fois-ci faites une Déformation pour que la carte prenne une forme courbée comme le chapeau. Si la transformation ne vous convient toujours pas, n'hésitez pas à refaireces manipuations autant de fois que vous le voulez.

Carte à jouer IIMasquez le calque carte et avec l'outil Plume tracez le rebord du cha-peau, là où la carte dépasse. Récupérez le tracé en sélection puis

supprimez cette partie de la carte. Récupérez la sélection du calque carte en faisant [Ctrl] + clic dessus et avec l'outil Tampon de duplication, recolorez les rebords de la carte avec une couleur unie. (jouez avec l'opa-cité et le diamètre du pinceau).

Ombre de la carteUtilisez l'outil Densité + en ton foncé pour faire ressortir les symbo-les de la carte. Par le même principe que les étapes 9 et 10, utilisez

les outil Densité - et Densité + pour rajouter des ombres et des lumières à la carte. Faites Image>Réglage>Teinte/Saturation sur le calque carte, cochez Redefinir, et appliquez les valeurs telles que +318, +40, -6. Pour finir, vous pouvez améliorer l'ombre de la carte pour que le calque puisse bien s'intégrer à l'image. Rajoutez une ombre sous la carte en utilisant l'outil Densité + sur le calque sélection.

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à propos de l’auteur

Céline LippmannJeune diplomée d'un bac professionnel option com-munication graphique, cela fait maintenant 7 ans qu'elle travaille avec Photoshop en autodidacte. Elle aimerait actuellement poursuivre ses études en effectuant une formation en multimédia.

Site : http://maliciarosenoire.deviantart.comContact : cline.lippmann@hotmail.fr

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colorisation de Bande Dessinée professionnelle

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Premiers essaisJe colorise une case complète (utilisez la méthode du tutoriel) que j’envois par mail au dessinateur, pour avoir son avis sur ma

méthode de colorisation. J’attends son feu vert avant d’aller plus loin. Communiquer avec l’auteur dès le départ est très important, en tant que coloriste votre but est de coller à la vision du dessinateur, tout en proposant quelque chose de neuf et original.

Préparation des calquesNommer ses calques principaux dès le départ est primordial. Soyez logique; plus un objet sera au 1er plan, plus son calque sera haut

sur la pile. Voici ma liste de calques de départ, de bas en haut : Fond ca-ses, Textures de fond, Peau, Cheveux, Vêtements, Bâtiments, Poissons, Textures, Ombres, Lumières, Réserves de blanc. Le calque du dessinest en mode produit sur le dessus de la pile et verrouillé, peignez sur les calques inférieurs uniquement. Vous ajouterez d’autres calques par la suite.

Premières couleursAvec l’outil rectangle de sélection, je sélectionne chaque case une à une, sur le calque fond cases. Puis avec l’outil Dégradé je crée

des fonds qui évoquent les matières ou ambiances de chaque case; bleu pour l’eau, bleu/gris pour les scènes d’intérieur, et deux dégradés différents pour le ciel, pour évoquer le changement de couleur étrange qui s’opère. Les dégradés permettent de déterminer la direction de la lumière, observez le dessin et placez-les judicieusement.

Aplats des personnages principauxLe temps est venu de bloquer les couleurs des personnages princi-paux. Avec un pinceau dur sans variation de l’opacité, j’applique les

aplats en faisant bien attention à placer les éléments sur les bons cal-ques. En général, je peins la peau d’un personnage sur chaque case, puis son pantalon sur chaque case etc. Je répète la manoeuvre pour chaque élément; j’évite ainsi d’oublier certains détails.

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Colorisation de Bande Dessinée professionnelleVoici une méthode de colorisation de BD que vous pourrez appliquer à n’importe quel dessin ou illustration. Le but de cette démonstration est de vous familiariser avec les grandes étapes de la mise en couleurs sous Photoshop. L’auteur de cette page est Jean-Paul Aussel, créateur de la série Holomoon, (http://holomoon.over-blog.com). Merci à lui de m’avoir confié la colorisation de cette superbe planche!

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fiche technique

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Autres personnagesEn utilisant la même méthode, je peins les autres personnages, sans variation d’opacité : le but est uniquement de déterminer les

couleurs principales rapidement. Je choisis des couleurs de peau dif-férentes pour chaque personnage. Les personnages de la premièrecase sont très petits, mais je prends quand même le temps de dé-tailler leurs vêtements, en utilisant des marrons comme couleurs de base et du violet et bleu pour rompre la monotonie.

Les bâtimentsJe peins tous les bâtiments de la page avec un marron relative-ment neutre, toujours en aplats sans variation d’opacité. Pour la

vue d’ensemble du village, zoomez et essayez de ne pas déborder. Trouvez un bon compromis entre la précision et la rapidité; peignez le plus vite possible tout en prenant le temps de gommer les débor-dements.

Affiner les bâtimentsJ’affine la définition des bâtiments sur l’ensemble de la page avec deux couleurs supplémentaires, directement sur le même

calque. Je choisis donc un marron plus foncé et un autre plus clair, et j’essaye de faire ressortir les détails avec ces deux couleurs uni-quement. Il est primordial d’éviter de démultiplier les couleurs, afin de garder une bonne cohérence d’ensemble.

Réserves de blanc : les bullesSi vous ne l’avez pas fait au départ, créez un calque réserve de blanc juste en dessous du calque dessin/trait. Il s’agit ici de

remplir les bulles avec du blanc et de constituer une sorte de cache; vous pourrez peindre sur les autres calques sans salir les bulles. Pei-gnez simplement en blanc sans variation d’opacité sur ce calque.

Réserves de blanc : la page.Quand vous peignez, vous débordez parfois des cases. Nous allons faire un autre cache pour garder la page parfaitement blanche.

Avec l’outil Rectangle de sélection, sélectionnez chaque contour de case (maintenez la touche [Maj] enfoncée pour faire une sélection multiple). Faites ensuite [Ctrl/Cmd] + [Maj] + [I] pour intervertir la sélection. À présent faites [Maj] + [F5] et sélectionnez la couleur blan-che comme remplissage. Les gouttières sont maintenant protégées.

Complément de décors.J’ajoute un calque complément de décors juste au dessus du calque fond de cases. Je sélectionne les zones où la mer doit

apparaître avec l’outil rectangle de sélection et je crée un fond bleu. Il s’agit simplement de compléter l’étape 3 en y ajoutant les aplats del’océan.

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colorisation de Bande Dessinée professionnelle

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Indiquer la lumière sur l’eauToujours sur le calque complément décors, je sélectionne la zone bleu de l’eau avec la baguette magique et j’y applique un dégradé

du bleu clair au bleu sombre en suivant le sens de la lumière déter-miné à l’étape 3. La scène est un peu plus convaincante après cette retouche.

Les poissonsAvec des couleurs proches mais toutes différentes, je peins les poissons en aplat sans variation d’opacité. J’essaye, comme tou-

jours, d’établir une lecture agréable des couleurs, afin d’éviter d’alour-dir mon image. En d’autres termes je répartie les couleurs et j’évite les accumulations désagréables. Ceci est valable pour chaque élé-ment de la page.

Ombres 1Les ombres sont peintes avec différents pinceaux (doux pour le visage féminin, dur et carré pour les vêtements etc.) sur un calque

en mode normal à 50% d’opacité. Chaque ombre a une couleur dif-férente. Pour déterminer la couleur d’une ombre, j’échantillonnes (avec l’outil pipette) la couleur de l’objet, puis je modifie légèrement cette teinte, soit en l’assombrissant (couleurs foncées) soit en la rendant plus froide ou chaude (couleurs plus claires). Faites quel-ques essais pour voir ce qui fonctionne.

Ombres 2Il est également important de placer les ombres de façon logique par rapport aux sources lumineuses déterminées à l’étape 3. Une

erreur assez commune est de placer les ombres sans rapport logi-que entre elles; c’est à éviter! Voyez sur cette capture : les person-nages sont dans la même pièce, mais comme ils ne sont pas placés de la même façon par rapport à la source lumineuse, les ombres ne sont pas placées exactement de la même façon sur les deux cases. Analysez attentivement vos éclairages.

Peindre les lumièresQui dit ombre dit lumière. Sur un autre calque en mode Normal à 100% d’opacité, je peins en blanc les lumières les plus fortes.

Les formes de pinceaux varient également selon la matière (voir étape 13). L’opacité est contrôlée par pression du stylet. J’exagère sur l’application du blanc; les ombres et lumières permettent de donner du volume aux formes (crânes, cuisses, etc.). Le résultat est trop prononcé, mais je vais l’atténuer à l’étape suivante...

Atténuer les lumièresPour atténuer les lumières localement, je crée un masque de fu-sion. Cliquez sur l’icône du masque de fusion en bas à droite de la

palette calque, sélectionnez le masque dans la palette de calques, puis avec un pinceau rond et doux, peignez en noir pour cacher les parties voulues. Peignez en blanc pour faire réapparaître les parties trop effacées. Ma capture vous montre le résultat avant et après l’application du masque.

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Ici commence l’affinageSur le calque Texture, je peins en marron et noir des variations sur les bâtiments. J’utilise un pinceau texturé quelconque (servez-

vous de votre stock, et si vous n’en avez pas, cherchez des formes gratuites sur Adobe Exchange par exemple). J’étale grossièrement puis gomme ce qui dépasse. Cette étape est un détail mais permet de rehausser l’attractivité des aplats qui sont un peu tristes.

Variations de peauJe vais à présent rougir certaines zones de peau sur les personna-ges, pour apporter un peu de relief. Sur le calque peau, verrouillez

les pixels transparents (icône en échiquier). Puis créez un nouveau calque juste au-dessus et faites Calque>Créer un masque d’écrêtage. Vous pouvez peindre sur ce calque sans craindre de déborder au delà des couleurs présentes sur le calque peau. Utilisez un pinceau rond et doux, avec du rouge vif, pour rougir les visages et membres des personnages.

Peindre les nuages 1/2Je crée un nouveau calque nuages au-dessus du calque fond cases. J’utilise un pinceau texturé type nuages (faites des recher-

ches sur internet ou contactez-moi). Pour avoir le bon rendu je vais dans le panneau formes (Fenêtre>Formes) et je coche dynamique de forme, diffusion et autres variations. Expérimentez avec différents réglages de ces paramètres pour trouver le bon rendu par rapport à votre forme. Je peins en gris et blanc.

Peindre les nuages (2/2)Pour rendre mes nuages moins salissants, je crée un masque de fusion (voir étape 16). Puis avec un pinceau doux et rond je peins

en noir sur le masque et efface donc certaines parties des nuages. Je reviens sur le calque nuages, puis je recommence l’étape 19, avec un gris légèrement plus foncé. Petit à petit le résultat s’affine et gagne en crédibilité.

Rendu des vaguesPour que mon océan aie l’air mon plat, et pour mieux coller au dessin, je vais peindre des vagues blanches, du ressac. Je vais sur

le calque textures, et sélectionne le blanc comme couleur de premier plan. Je règle le pinceau à peu près comme pour les nuages, mais avec une forme plus dure, plus carrée, qui n’évoquera pas de la brume mais des éclaboussures d’eau. Il suffit ensuite de peindre en suivant le dessin (les vagues sont dessinées).

Luminosité de l’océanPour que l’image gagne en profondeur, je choisis d’accentuer en-core les dégradés de lumière dans l’eau. Je crée un calque au-des-

sus du calque complément décors et je le nomme luminosité eau. Je le règle en mode incrustation à 50% d’opacité. Ensuite, je sélectionne chaque zone d’eau, et applique un dégradé linéaire du blanc au bleu, en suivant le sens de la lumière de l’ensemble de la case.

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Luminosité du cielMême principe qu’à l’étape précédente, mais dans le ciel, ici en-core il s’agit d’accentuer la profondeur en suggérant la perspective

atmosphérique. Créez un calque luminosité ciel et placez-le au dessus du calque nuages. Puis appliquez un dégradé comme à l’étape 22, mais du blanc au transparent. Réglez celui-ci sur incrustation à 75% d’opacité.

Ambiance intérieure (1/2)La scène d’intimité entre les deux personnages principaux se dé-roule en intérieur, et je vais renforcer cette impression en créant

un calque ambiance intérieure juste en-dessous du calque réserve de blanc. Dans ces cases, je crée un dégradé radial du rouge sombre au orange sombre, et je place le calque en mode lumière tamisée à 60%. Cette opération agit comme un filtre, donnant une impression d’éclai-rage d’intérieur faible, type bougie.

Ambiance intérieure (2/2)À présent j’applique un second filtre pour améliorer encore l’effet de l’étape 24. Sur un nouveau calque nommé assombrir, placé

juste au-dessus du précédent, je crée un dégradé radial du gris au noir. Je règle ce calque en mode incrustation à 60% d’opacité. Ceci a pour effet d’assombrir les couleurs. N’hésitez pas à expérimenter ce genre de bidouillage lorsque vous recherchez un effet particulier sans mé-thode précise.

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Petite correctionJ’ai envoyé le jpg au dessinateur pour d’éventuelles corrections. Il est satisfait du travail mais me fait remarquer un oubli : je n’ai

pas colorisé les lettres dessinées. J’ouvre à nouveau le PSD, retouche l’image, en peignant sur le calque réserves de blanc. Je vous conseille vivement de garder tous vos fichiers éditables multicalques, ce genres de corrections sont courantes, parfois juste avant l’impression.

Notes complémentaires.Cette méthode est discutable sur certains points, mais c’est ainsi que j’ai choisi de procéder après avoir observé d’autres façons de

faire. À vous de trouver votre propre style... Si vous avez des questions ou remarques concernant le tutoriel, le dessin et le scénario BD, ainsi que les formes de pinceau et ouvrages spécialisés, n’hésitez pas à me contacter.

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à propos de l’auteur

FactusseÉtudiant de 21 ans en fin de formation à Tours. Il alterne entre des postes de maquettiste dans l’imprimerie, la réalisation en freelance de po-chettes CD, publicités, affiches, webdesigns et la création de tutoriels pour les magazines Advanced

Creation et .PSD. Il est également scénariste, dessinateur et colo-riste de BD. Site : www.myspace.com/factusseContact : grobbmineur@hotmail.com

Effet lampeL’éclairage des scènes d’intérieur n’a pas de source lumineuse, je décide d’en placer une entre les deux personnages, le dessinateur

a dessiné une sorte de bûcher, je pense que cela peut suggérer une sorte de lampe d’intérieur. Sur un premier calque en mode incrustation à 100%, je peins des reflets jaunes un peu partout autour de cette source lumineuse (sur les persos et dans la pièce). Puis sur un autre calque, je fais un gros point blanc avec un pinceau doux et rond pour renforcer l’effet lumineux.

Lumières supplémentairesSur un calque lumières supplémentaires, au-dessus du calque trait, je vais altérer légèrement le dessin. Évitez de faire ce genre

de choses sans l’accord du dessinateur, le côté effets spéciaux ne plaît pas à tout le monde. Avec un pinceau doux, je peins un gros point blanc sur l’image puis je fais [Cmd]/[Ctrl] + [T] et place la lumière à l’endroit voulu. Pour chaque lumière, créez un nouveau calque dont vous ajustezl’opacité et que vous pouvez ensuite fusionner avec le calque lumières supplémentaires.

Corrections et enregistrementLe travail est presque terminé. Maintenant, laissez le fichier de côté un moment puis vérifiez les éventuelles erreurs, faites les correc-

tions nécessaires. Une fois satisfait du résultat, enregistrez votre fichier PSD. Ce fichier est à garder précieusement pour corrections. Aplatissez l’image et ré-enregistrez immédiatement en Jepg sous un autre nom. Vous pouvez mettre la qualité à 7 ou 8 sur 10, ce qui sera suffisant pour un bon aperçu, et pratique pour envoyer le fichier par mail.

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GALERIE

Né en 1973 à Bourg St Maurice, Stépha-ne Rey-Gorrez est passionné par l’image et les nouvelles technologies.

Il a commencé sa carrière comme graphiste indépendant et retoucheur d’image et s’est toujours intéressé aux diverses possibilités résultant d’une mixité entre photographie et illustration. Nourrit d’imaginaire et de fantastique, cette démarche personnelle confère à ses panoramas une ambiance sur-réaliste qui par le biais de couleurs, de contrastes, de textures, donnent aux différentes villes et paysages photogra-phiés, une connotation particulière aux accents oniriques.

Photographe – Graphiste – Retoucheur Photowww.steph-rey.com

Paris – Rue des Saules

Alsace – Village de Kaysersberg

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Alpes française – Vallée de la Haute Tarentaise – Chalet isolé sur le Mont Vosgel

Bordeaux – Place de la Bourse

Paris – Les Gargouilles de Notre Dame

Zurich – La Cathédrale Grosse Munster

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Le magazine .psd est publié par Software Press Sp. z o.o. SK

Président de Software Press Sp. z o.o. SKPaweł MarciniakDirectrice de la publicationEwa Łozowicka

Imprimerie, photogravure Artdruk www.artdruk.comul. Napoleona 4, 05-230 Kobyłkatel. +48 604 979 357Imprimé en Pologne/Printed in Poland

Abonnement : 39 EUR2 ans (12 numéros) : 76 EURabo_ fr@software.com.pl Dépôt légal : à parutionISSN : 1733-2745Tirage : 10 000

Distribution : MLPParc d’activités de Chesnes, 55 bd de la Noirée - BP 59 F - 38291 SAINT-QUENTIN-FALLAVIER CEDEX

(c) 2010 Software-Wydawnictwo,tous droits réservés

Rédactrice en chefJustyna Książekjustyna.szawaryn@psdmag.orgCollaborateursFranck GustawRaymond SutterStéphanie PietruszkaJonathan MaroisBenoît Recarte, Haond Patrick

DTPGraphics&Design Marcin Ziółkowskiwww.gdstudio.plPréparation DVDAndrzej KucaJustyna SzawarynBenjamin Rojo-NavarroPhoto de couverture Benjamin Delacour

BétatestsRiconiak, Jonathan Marois, Stéphanie Pietruszka, Mathieu Seiler, Eric Vandendeede, Aurelie Moussin, Franck Bordier, Stéphane Sandrini

Les personnes intéressées par la coopération sont priées de nous contacter : fr@psdmag.org

Fabrication Andrzej Kucaandrzej.kuca@software.com.pl

DiffusionIlona Lepieszkailona.lepieszka@software.com.pl

Publicitépublicite@software.com.pl

Software Press Sp. z o.o. SKul. Bokserska 1, 02-682 Varsovie, Polognetél. +33 170 610 717, fax +48 22 244-24-59http://www.psdmag.org/fr

La rédaction a fait tout son possible pour s’assurer que les logiciels sont à jour, pourtant, elle décline toute responsabilité pour leur utilisation. Elle ne fournit pas de support technique lié à l’installation et à l’utilisation des logiciels enregistrés sur les DVD. Tous les logos et marques déposées sont la propriété de leurs propriétaires respectifs.

Les CD joints au magazine ont été testés avec AntiVirenKit de la société G Data Software Sp. z o.o.

La rédaction utilise Camtasia 6

et a

près Voici la fi n de ce numéro !

Nous espérons que les tutoriels présentés dans ce numéro vous ont plu. Nous attendons vos remarques sur le contenu de notre magazine et sur les sujets que vous voudriez lire dans les prochaines éditions.

Dans le prochain numéro outre les nouveau tutoriels et articles, vous appréhenderez entre autres comment changer de la perspective de votre photo, comment transformer votre photo en illustration.

Si vous êtes intéressé par le graphisme et vous voulez faire connaître vos travaux à un largepublic, n'hésitez pas et contactez-nous à l'adresse fr@psdmag.org en présentant vos créations.

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