Réf. : 2009-D-579-fr-4 Orig. : EN

Ecoles européennes Bureau du Secrétaire général Unité de Développement Pédagogique

Programme d’Education artistique – Années 1 à 71 (cycle secondaire) APPROUVÉ PAR LE COMITÉ PÉDAGOGIQUE MIXTE DES 10 ET 11 OCTOBRE 2013 À BRUXELLES

Amendement au point 5.1. (p. 13) concernant les épreuves du Baccalauréat (S7) – Entrée en vigueur immédiate le 12 octobre 2013

1 Approuvé par le Comité pédagogique mixte par la procédure écrite 2009/34 en date du 13 novembre 2009

Table des matières

1. Objectifs.................................................................................................................. 3 1.1. Objectifs généraux........................................................................................ 3 1.2. Objectifs spécifiques en éducation artistique................................................ 3 1.3. Objectifs généraux par cycle ........................................................................ 4

1.3.1. Cycle d’observation................................................................................ 4 1.3.2. A la fin de la 5e secondaire .................................................................... 5 1.3.3. A la fin de la 7e secondaire .................................................................... 5

2. Contenus en éducation artistique ........................................................................... 6

2.1. Contenus de l’éducation artistique en 1ère, 2e et 3e secondaire .................... 6 2.2. Contenus de l’éducation artistique en 4e et 5e secondaire............................ 7 2.3. Contenus de l’éducation artistique en 6e et 7e secondaire............................ 7

2.3.1. L’éducation artistique en tant qu’option à 4 périodes ............................. 7 2.3.2. Contenus de l’éducation artistique en tant qu’option à 4 périodes ......... 7 2.3.3. L’éducation artistique en tant qu’option à 2 périodes ............................. 8 2.3.4. L’histoire de l’art en tant qu’option à 2 périodes..................................... 8

3. Méthodes et approches pédagogiques................................................................... 9 4. Evaluation des résultats en termes d’apprentissage ............................................ 11

4.1. Fonctions et principes (communs à toutes les matières)............................ 11 4.2. Principes spécifiques à la discipline ........................................................... 11

5. L’épreuve d’éducation artistique au Baccalauréat ................................................ 13

5.1. Nature de l’épreuve .................................................................................... 13 5.2. Durée et organisation de l’épreuve pratique............................................... 14 5.3. Evaluation................................................................................................... 14

Annexe 1 – Eléments artistiques .............................................................................. 16 Annexe 2 – Modes d’application............................................................................... 17 Annexe 3 – Comprendre l’art, le design et l’architecture .......................................... 18 Annexe 4 – Aménagement des locaux ..................................................................... 20 Annexe 5 – Propositions de thèmes d’étude en histoire de l’art ............................... 21 Annexe 6 – Ouvrages suggérés pour enseigner l’éducation artistique..................... 22 Annexe 7 – TIC et nouvelles technologies................................................................ 25 Annexe 8 – Extrait du document « Baccalauréat des Ecoles européennes » (Ref. : 96-D-3610) ........................................................................................................ 26

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1. Objectifs

1.1. Objectifs généraux

Le cycle secondaire des Ecoles européennes poursuit une double mission : assurer une formation de base grâce à l’enseignement d’un certain nombre de matières, encourager le développement personnel des élèves dans un contexte social et culturel élargi. La formation de base implique l’acquisition, pour chaque matière considérée, de savoirs et d’outils de compréhension de concepts et de savoir-faire. Les élèves doivent apprendre à décrire, interpréter, juger et appliquer leurs savoirs.

L’épanouissement personnel des élèves s’opère dans toute une série de contextes d’ordre spirituel, moral, social et culturel. Il implique de la part des élèves une prise de conscience en matière de conduite personnelle et de comportement social, une compréhension de l’environnement dans lequel ils vivent et travaillent et la construction de leur identité propre en tant qu’individus. En pratique, ces trois missions sont indissociables au sein de l’école.

Ces trois missions s’appuient sur la prise en compte insistante des réalités de l’Europe, c'est-à-dire essentiellement sur la richesse de ses diverses cultures.

Cette prise en compte et l’expérience d’une existence vraiment européenne menée en commun dans les Ecoles devraient conduire les élèves à manifester dans leur comportement un profond respect pour les traditions qui caractérisent chaque nation européenne, tout en leur permettant d’acquérir et de préserver une identité propre.

1.2. Objectifs spécifiques en éducation artistique

En tant que discipline des Ecoles européennes, l’éducation artistique porte sur les arts plastiques. Ceux-ci incluent les processus complexes que sont la perception, la réflexion, la création et l’interprétation.

En arts plastiques, la perception et l’interprétation du monde qui nous entoure ont toujours fait l’objet d’un processus de création artistique. C’est ce processus, de même que les œuvres qui en résultent, qui constituent les sujets principaux de l’éducation artistique en tant que discipline.

L’image nous aide à définir notre identité et nous procure un plaisir esthétique. Elle nous permet d’exprimer nos sentiments et nos réflexions et de les transmettre à autrui. C’est à travers elle que nous percevons la réalité, que nous l’interprétons et même que nous la créons puisqu’en tant que création, elle revêt une réalité propre.

Avec l’émergence des médias modernes, l’image a encore gagné en importance. Omniprésente et immédiatement disponible, elle est susceptible de modeler largement notre compréhension du monde. Par conséquent, il est nécessaire non seulement de saisir de manière critique les implications de l’influence médiatique mais aussi de formaliser cette prise de conscience en situation pédagogique.

En tant que discipline, l’éducation artistique contribue à ce que les élèves savent de l’environnement international visuellement riche qui caractérise les Ecoles européennes en les exposant à un échantillon du vaste réservoir d’imagerie artistique du monde entier qui a contribué à notre développement plastique. Le travail artistique pratique et théorique fondé sur la communication et la tolérance appuie une éducation visant à former des êtres libres, actifs et sociables.

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L’éducation artistique élargit nos connaissances et notre compréhension du monde qui nous entoure en donnant forme à ses grandes caractéristiques internes et externes. A travers une démarche d’exploration et d’organisation, l’art stimule notre imagination et notre aptitude à représenter des expériences vécues, des sentiments, des idées et des opinions. Cette perception et cette interprétation nous permettent de produire des images et des objets personnels.

L’éducation artistique favorise l’acquisition de savoir-faire. A travers notre participation aux démarches nécessaires pour surmonter les obstacles à la création d’images et de formes, nous faisons l’expérience de la manipulation d’une série de matériaux, d’outils et de techniques.

Grâce à l’exploitation de méthodes de plus en plus complexes centrées sur des activités, projets et processus, l’éducation artistique renforce les diverses compétences disciplinaires, méthodologiques, personnelles et sociales de l’élève.

L’éducation artistique développe la réflexion créative et l’approche indirecte dans tous les domaines que l’élève choisit d’aborder et cette compétence pénètre toutes les disciplines enseignées à l’école.

L’éducation artistique nous aide à acquérir des savoirs relatifs à la fonction et à la signification de l’art dans la société, participant ainsi à nous révéler l’impact des influences et différences historiques, culturelles et sociales sur le contenu, la signification et la forme des images. Nous apprenons comment traduire données objectives, normes, valeurs et sentiments en images. En exploitant des exemples issus de l’histoire de l’art, les élèves découvrent l’art en tant que langage basé sur des socles culturels, sociaux, politiques et individuels.

En tant que discipline, l’éducation artistique contribue à ce que les élèves savent de l’environnement international visuellement riche qui caractérise les Ecoles européennes en les exposant à un échantillon du vaste réservoir d’imagerie artistique du monde entier qui a contribué à notre développement plastique.

Les leçons devraient relier entre eux tous les contenus et compétences. Ceux-ci ne doivent pas être enseignés séparément.

1.3. Objectifs généraux par cycle

1.3.1. Cycle d’observation

À la fin de la 2e secondaire : - L’élève possède des bases solides fondées sur l’initiation aux éléments artistiques et

méthodes d’application et sait organiser et structurer son travail (Annexes 1 & 2) ; - L’élève est sensibilisé aux mouvements artistiques et capable d’en rapprocher ses

travaux pratiques.

À la fin de la 3e secondaire : - L’élève a acquis des aptitudes et une confiance méthodologique et technique suffisante

pour exploiter les éléments artistiques (Annexes 1 & 2) pour réaliser des travaux plus personnels ;

- L’élève a appris comment intégrer ses connaissances sur les mouvements artistiques dans la réalisation de ses propres travaux pratiques ;

- L’élève comprend que l’art peut être une forme d’expression éloquente des idées lui donnant l’occasion d’approfondir son travail et d’acquérir de la confiance en soi.

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1.3.2. A la fin de la 5e secondaire

- L’élève est capable d’exploiter correctement les éléments artistiques et méthodes d’application, de manière personnelle, en recourant à son expressivité et/ou selon une démarche expérimentale (Annexes 1 & 2) ;

- Dans son travail, l’élève est capable d’associer les savoirs acquis par le travail pratique et théorique ;

- L’élève est capable de résoudre seul des problèmes plus complexes et plus abstraits et de faire preuve d’une autonomie croissante dans son travail ;

- L’élève est capable de réflexion sur son propre travail et sur celui des autres grâce aux techniques d’analyse formelle qu’il a apprises.

1.3.3. A la fin de la 7e secondaire

Histoire de l’art - L’élève connaît les contextes sociaux, artistico-culturels, historiques et politiques dans

lesquels se sont produits les innovations et les changements (Annexe 5) ; - L’élève connaît les caractéristiques les plus importantes de l’art dans le monde, avec un

éclairage particulier sur les 19e, 20e et 21e siècles ; - L’élève est capable d’analyser et d’interpréter des objets d’art dans leur contexte

(Annexe 3).

Travaux pratiques - L’élève exploite tout le répertoire des éléments artistiques et ses connaissances des

matériaux, outils et techniques ; - L’élève exploite le potentiel du dessin, de la peinture, du graphisme, des techniques

d’impression, de la sculpture – soustractive et additive, construction, modelage, mise en place, photographie, vidéo et informatique, collage, frottage et autres techniques artisanales – afin de renforcer le potentiel créatif de son travail ;

- L’élève sait travailler selon un cahier des charges préétabli ; - L’élève travaille avec indépendance et motivation personnelle ; - La préparation de l’élève et son processus de travail sont clairement visibles.

Réflexion - L’élève analyse une œuvre d’art de diverses manières en utilisant le vocabulaire idoine

(Annexe 3) ; - L’élève sait que l’art peut remplir diverses fonctions (esthétisme, communication,

fonctionnalisme, symbolisme et critique) ; - L’élève analyse et explique ses propres œuvres et celles des autres et en discute ; - L’élève intègre à son travail les nouveaux savoirs acquis par l’évaluation critique de ses

œuvres.

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2. Contenus en éducation artistique

Les contenus en éducation artistique découlent des objectifs des trois cycles programmatiques : 1e-3e, 4e-5e et 6e-7e. L’enseignant programme le contenu de ses leçons par référence au Chapitre 3 – Méthodologie, et aux Annexes 1 & 2.

2.1. Contenus de l’éducation artistique en 1ère, 2e et 3e secondaire

En 1ère, 2e et 3e année, le cours doit aborder les thèmes suivants en exploitant les éléments artistiques énumérés :

a) Dessin : - Utilisation du point, de la ligne, de la hachure et de l’ombrage pour obtenir différentes

tonalités ; - Textures, motifs, effets décoratifs ; - Structures (formes, etc.) ; - Illustration ; - Techniques de perspective ; - Exploitation de divers outils (pastels, fusain, encre, crayons, etc.).

b) Peinture : - Connaissance théorique et maîtrise pratique de la théorie des couleurs ; - Utilisation d’outils de base ; - Mélange et application des couleurs (ombre, teinte, ton, nuance) de façon transparente et

opaque et création de surfaces planes ou texturées à l’aide de peinture.

c) Impression : - Utilisation de stencils et de techniques d’impression et de gravure en relief pour imprimer

et reproduire des formes.

d) Collage : - Utilisation de matériaux préfabriqués ou artisanaux.

e) Médias divers : - Initiation à la technique de quelques supports modernes tels que l’appareil photo et la

caméra vidéo, l’infographie, le traitement d’images, l’animation, la représentation, la mise en place, les jeux de lumière.

f) Travail en trois dimensions : - Exploitation des méthodes :

- additive : modelage (solide et en creux) ; - soustractive : gravure (matériaux malléables : plâtre, polystyrène, etc.) ; - constructive : montage : formes tridimensionnelles simples (papier, fil de fer, profilés

en bois, marionnettes, accessoires de théâtre).

g) Design : - Réalisation d’œuvres fonctionnelles (par exemple : emballages, lettrage, publicité,

affiches, caricatures, cartes de vœux, mode et textiles, produits) et connaissance du langage du design.

h) Architecture : - Dessin et/ou construction de structures (à l’échelle) à vocation pratique et/ou esthétique.

i) Histoire de l’art : - Initiation aux artistes et mouvements, toujours en lien avec des travaux pratiques.

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2.2. Contenus de l’éducation artistique en 4e et 5e secondaire

En 4e et 5e, les travaux doivent exploiter les médias repris ci-dessus tout en gagnant en sophistication afin de se concentrer sur les domaines d’intérêt particulier pour les élèves de cette tranche d’âge, c'est-à-dire par exemple : - l’univers personnel ; - illusion et réalité ; - figuration/abstraction ; - communication ; - forme/fonction.

Les contenus peuvent aussi s’inspirer de ceux de 6e et 7e, dont certains peuvent même, le cas échéant, être exploités en 4e et 5e.

2.3. Contenus de l’éducation artistique en 6e et 7e secondaire

Trois cours à option sont possibles qui peuvent être choisis seuls ou combinés : - option à 4 périodes ; - option à 2 périodes ; - histoire de l’art à 2 périodes.

Il est très souhaitable que les élèves qui choisissent ces options aient suivi l’éducation artistique en 4e et 5e. Dans le cas contraire, l’admission est laissée à la discrétion de l’enseignant d’éducation artistique.

2.3.1. L’éducation artistique en tant qu’option à 4 périodes

En tant qu’option à 4 périodes en 6e et 7e, l’éducation artistique offre aux élèves une opportunité précieuse de développer leur potentiel créatif individuel par la recherche et l’investigation.

L’élève peut opter pour une épreuve pratique de cinq heures au Baccalauréat. Il y a deux épreuves pratiques de 180 minutes par an en 6e et une épreuve de 300 minutes à la fin du premier semestre (pré-Bac) en 7e. L’épreuve de 7e doit adopter le même format que l’épreuve du Bac.

En 6e et 7e, les travaux sont thématiques. En 7e, un thème annuel obligatoire est choisi par les experts d’éducation artistique. Ce thème est choisi parmi les propositions soumises par les enseignants d’éducation artistique de 6e et 7e secondaire de toutes les Ecoles européennes.

Le programme doit faire la part belle aux travaux pratiques, selon un rapport suggéré de un pour la théorie à trois pour la pratique. La théorie devrait être donnée, non en tant que discipline séparée, mais en appui des travaux artistiques pratiques. Les épreuves sont exclusivement pratiques, la théorie faisant l’objet d’une évaluation continue par l’enseignant durant l’année.

2.3.2. Contenus de l’éducation artistique en tant qu’option à 4 périodes

Les modes d’application et les éléments artistiques déjà vus en 4e et 5e sont réputés acquis.

En 6e, l’enseignant choisit les thèmes en concertation avec les élèves. On peut envisager des thèmes tels que : l’homme et la nature, l’art et la science, l’espace, l’art du voyage, âge et décadence, identité personnelle.

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Un aperçu de l’art aux 19e, 20e et 21e siècles doit être donné en 6e et 7e en faisant référence, le cas échéant, aux périodes et styles artistiques antérieurs (Annexe 5 – Propositions de thèmes d’étude en histoire de l’art).

On peut envisager d’aborder les différents mouvements artistiques à l’aune de divers fils rouges. La visite d’expositions peut également être programmée.

La 7e se concentre davantage sur les exigences spécifiques du thème du Baccalauréat. Les élèves doivent être sensibilisés à l’actualité du monde de l’art et du design contemporains (y compris l’évolution des domaines des supports mixtes, de la photographie, de la vidéo et de l’infographie d’art).

2.3.3. L’éducation artistique en tant qu’option à 2 périodes

L’option à deux périodes offre aux élèves une opportunité précieuse de développer leur potentiel créatif individuel par la recherche et l’investigation.

Son contenu peut être lié au programme de l’option à 4 périodes mais élèves et enseignants devraient se concerter sur le choix des projets.

Elle offre également à l’enseignant la possibilité d’exploiter des démarches alternatives telles que l’infographie d’art et/ou de se concentrer sur d’autres domaines de création artistique (par exemple le design appliqué).

L’évaluation est continue, sans examen fixé. Le choix de la méthode d’évaluation est laissé à la discrétion de l’enseignant.

2.3.4. L’histoire de l’art en tant qu’option à 2 périodes

Ce cours devrait être accessible à tous les élèves, y compris ceux qui suivent l’éducation artistique en tant qu’option à 4 ou 2 périodes. L’association est même souhaitable afin que les socles de savoirs théoriques et pratiques se soutiennent réciproquement. La matière peut-être liée au contenu (théorique) de l’option à 4 périodes ou plus vaste. Les enseignants doivent se concerter afin d’éviter les redites.

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3. Méthodes et approches pédagogiques

L’enseignement aux Ecoles européennes se distingue par des origines, des approches, des spécialisations et des méthodologies différentes.

Au cycle d’observation (1ère-3e), les élèves sont initiés aux éléments artistiques et modes d’application selon une approche structurée (voir les Annexes 2 et 3) et guidés dans la réalisation d’œuvres d’art souvent préconçues par l’enseignant. Ils acquièrent ainsi la dextérité et le savoir-faire nécessaires à l’utilisation de divers équipements, techniques et matériaux.

A partir de la 4e et de la 5e, on part du principe que les élèves maîtrisent ces savoir-faire et peuvent désormais jouir d’une plus grande liberté pour expérimenter, découvrir et développer leurs propres solutions sous la supervision moins prescriptive de l’enseignant. Ils doivent apprendre à documenter et à présenter ce processus de développement dans le cadre de leurs travaux. Cette approche favorise l’acquisition par les élèves d’une autonomie personnelle et leur permet d’atteindre le haut niveau d’exigence imposé par le Baccalauréat. La finalité, les objectifs et les critères de chaque projet doivent être clairs dès le départ. Divers exemples plastiques issus de différents médias sont présentés afin d’éveiller les élèves à la possibilité de recourir à d’autres techniques et de leur offrir de nouvelles sources d’inspiration. L’intégration de la théorie et de la pratique est indispensable.

Dès la 1ère année secondaire, les élèves devraient être incités à avoir leur propre carnet à croquis. En 6e et 7e, celui-ci (au format A4) devient un cahier d’exercices obligatoire.

Le cahier d’exercices a pour objet d’encourager la recherche et la découverte personnelles. Il sert de portefeuille rendant compte de l’intérêt de l’élève pour divers domaines et témoignant de ses recherches en lien avec les travaux réalisés en classe. Le portefeuille contient des informations visuelles et écrites, intègre les croquis, photos et expériences de l’élève sur divers médias et, par-dessus tout, illustre sa démarche créatrice.

Le portefeuille est censé rendre compte de l’épanouissement artistique personnel de l’élève et il s’agit par conséquent de plus qu’un simple cahier à croquis. Il devrait également contenir de la documentation sur les musées et galeries visités ainsi que, en 7e, des supports auxiliaires (coupures, photos, copies, etc.) relatifs au thème annuel. Tous les commentaires écrits sont censés utiliser le vocabulaire spécifique de la critique d’art. Le plagiat est à éviter et les sources doivent toujours être citées.

Le portefeuille ne doit pas être corrigé. Tout « faux départ » ou première idée doit être conservé dans l’ordre chronologique afin de permettre à l’examinateur d’évaluer les progrès individuels de l’élève durant le cours.

Il est conseillé d’introduire le portefeuille dès la 1ère secondaire. Celui-ci devient obligatoire en 6e et 7e.

Le format A4 est recommandé pour le portefeuille. Il doit être relié ou à spirale, à couverture rigide et contenir des pages blanches.

Les travaux réalisés en classe sont thématiques. Les thèmes peuvent être choisis parmi les cinq grands domaines que sont la figure humaine, l’environnement, la nature morte, l’abstraction et le rêve.

Les modes d’application sont présentés en annexe. Tous les modes d’application peuvent avoir les fonctions suivantes : communicative/expressive, pratique/fonctionnelle, esthétique, symbolique ou critique.

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L’enseignement en équipe est porteur de valeur ajoutée pour les écoles lorsque les enseignants proposent à tous les élèves, dans des domaines d’intérêt spécifique, des ateliers spécialisés donnés par celui qui possède la plus grande expérience et la connaissance la plus approfondie d’un thème donné.

Les galeries, bibliothèques et musées locaux offrent de merveilleuses occasions d’enquêter sur les thèmes choisis et de les exploiter.

Afin d’enseigner le programme et de permettre aux élèves de travailler avec efficacité et créativité et, surtout, en toute sécurité, la taille des groupes doit être limitée à 20-25 élèves en fonction de celle du local.

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4. Evaluation des résultats en termes d’apprentissage

4.1. Fonctions et principes (communs à toutes les matières)

L’évaluation est un processus à la fois formatif et sommatif. L’évaluation formative est un processus d’évaluation continue des résultats en termes d’apprentissage. Son objet est de fournir des informations sur les acquis des élèves. Tant auprès des élèves que des parents et de l’école, elle joue un rôle considérable en matière d’orientation et de suivi des élèves. L’évaluation des résultats en termes d’apprentissage ne doit pas nécessairement impliquer l’attribution d’une note chiffrée rendant compte des performances et ne doit pas revêtir le caractère d’une sanction mais doit évaluer les performances. Pour les professeurs, l’évaluation des résultats en termes d’apprentissage permet de faire le point sur les objectifs, les méthodes et les résultats de leur enseignement.

L’évaluation sommative dresse un état précis et chiffré des savoirs et des savoir-faire acquis par l’élève à un moment donné.

Il conviendra dans tous les cas d’observer les principes généraux suivants d’évaluation des résultats en termes d’apprentissage : - Les performances doivent être évaluées par rapport aux objectifs tels que définis dans les

programmes. Elles correspondent aux savoirs et aux savoir-faire qui s’y trouvent mentionnés ;

- L’évaluation porte sur ce qui a été étudié en classe ; - Tous les types de travaux accomplis par l’élève en classe sont susceptibles d’une

évaluation – contributions orales et écrites, compositions écrites, travaux pratiques ; - Les élèves doivent savoir les efforts qu’il convient de fournir et les critères qu’il convient

de respecter pour atteindre tel ou tel niveau ; - Les élèves devraient pouvoir comparer leurs performances avec celles d’autres élèves,

dans la même section ou dans d’autres sections. Ce qui implique une coordination entre les professeurs de la même section ou de sections différentes.

4.2. Principes spécifiques à la discipline

Il est important que les élèves comprennent leur propre apprentissage. Ils doivent apprendre à comprendre les critères d’autoévaluation. Il faut également enseigner aux élèves à consigner leurs travaux dans un portefeuille à développer. L’évaluation des élèves mesure leur niveau de connaissance, de compétence et d’aptitude dans la réalisation de tous les travaux et démarches entreprises. L’évaluation des élèves porte sur la qualité de leur préparation, de leurs études de recherche et d’appui et de la relation entre ces études et le résultat final.

En 1ère, 2e et 3e, l’évaluation des élèves porte sur leur niveau de maîtrise technique et d’exploitation créative et imaginative des éléments artistiques et modes d’applications ainsi que sur l’intégration de leur connaissance des mouvements artistiques dans leurs travaux pratiques et sur leur aptitude à organiser leur travail.

En 4e et 5e, l’évaluation des élèves porte sur : - leur aptitude à exploiter les éléments artistiques et modes d’application de manière

appropriée, voire expérimentale ; - leur aptitude à présenter leurs œuvres de manière personnelle et expressive ; - l’application des savoirs théoriques dans les travaux pratiques ; - leur aptitude à résoudre des problèmes plus complexes et abstraits ;

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- leur aptitude à réfléchir sur leurs propres œuvres et celles des autres en exploitant les méthodes d’analyse formelle.

Les examens sont semestriels et durent chacun une double période. Ils fournissent la note B officielle. Ces épreuves doivent concerner et mesurer les niveaux de compétence atteints dans les domaines de savoir, de savoir-faire et d’aptitude relatifs aux contenus abordés durant le semestre écoulé.

En 6e, l’évaluation des élèves porte sur la qualité de leurs études préparatoires (y compris leurs recherches) et sur l’œuvre finale issue de chaque projet thématique ou conceptuel.

L’évaluation se compose de trois parties : - préparation de l’œuvre (40 %) ; - réalisation de l’œuvre finale (50%) ; et - commentaire final ou éventuellement présentation en classe (10%).

Les portefeuilles remplissent désormais une fonction fondamentale : les élèves y rendent compte de la préparation de leurs projets, y présentent leurs croquis préparatoires et y consignent les résultats de leurs recherches. Leurs savoirs personnels en histoire de l’art y sont également renseignés. L’enseignant note ce portefeuille et l’intègre dans son évaluation finale de l’élève (ladite note représente au moins 20 % de la note A).

L’enseignant évalue le savoir théorique des élèves selon une méthode laissée à sa discrétion. Les élèves doivent apprendre comment analyser une œuvre d’art et être capables de présenter leurs propres œuvres de manière appropriée.

Les élèves de 6e présentent une épreuve pratique par semestre. Celle-ci dure 4 périodes – y compris les pauses. Une période préparatoire à l’examen d’une semaine peut être prévue. Les élèves doivent être mis au courant des exigences et directives du Baccalauréat dès la 6e. La note de cette épreuve constitue la note B.

Outre les œuvres réalisées dans le cadre de projets, l’évaluation des élèves porte sur : - leur développement personnel au regard de leur propre épanouissement artistique et de

celui des autres ; - leur apport imaginatif personnel, c'est-à-dire leur aptitude à manipuler les concepts pour

aboutir à une solution créative ; - leur choix et leur exploitation expressive des modes d’application et des éléments

artistiques ; - leur compréhension de l’application appropriée des savoirs, savoir-faire et aptitudes à

travers tout le processus ; - leur aptitude à critiquer leurs propres œuvres et celles des autres ;

En 7e, tous les projets s’inspirent du thème annuel choisi. L’évaluation des élèves porte sur la qualité de leurs études préparatoires (y compris leurs recherches) et sur le produit final de chaque projet thématique ou conceptuel. L’évaluation se compose de trois parties : - préparation de l’œuvre (40 %) ; - réalisation de l’œuvre finale (50%) ; et - commentaire écrit final (10%).

En 7e, l’évaluation des élèves respecte les exigences du Baccalauréat européen (Document 97-D-82, pp. 1, 2) et du thème annuel choisi pour la 7e.

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5. L’épreuve d’éducation artistique au Baccalauréat

L’épreuve est pratique. L’épreuve se compose de deux parties : préparation et épreuve finale.

5.1. Nature de l’épreuve

L’épreuve peut avoir pour point de départ un texte (essai ou fiction) et/ou des images et/ou objets visuels destinés à stimuler le travail de création personnel du candidat. Elle renverra explicitement au thème annuel.

L’élève disposera d’une période de préparation supervisée d’une semaine (quatre périodes normales) avant la date de l’épreuve proprement dite. L’élève prend connaissance du thème de l’épreuve durant la première de ces quatre périodes normales de cours. Il met à profit cette période préparatoire pour réfléchir au thème de l’épreuve et développer ses idées. Durant cette période, l’élève est censé se documenter de son côté, par exemple à travers des dessins, photographies, en bibliothèque, au musée ou sur internet. Il lui est interdit d’amener cette documentation préparatoire en classe. L’élève doit présenter une sélection d’études tirées des recherches menées durant les quatre périodes normales préparatoires. Ces études peuvent entre autres prendre la forme de références plastiques, de croquis, etc. Le temps de préparation à l’école est supervisé par l’enseignant d’éducation artistique. Tout document ou support utilisé doit être revêtu du cachet officiel de l’école et conservé dans le local d’éducation artistique.

L’épreuve finale se déroule sur cinq heures (300 minutes). L’élève dispose de ce temps pour réaliser intégralement son œuvre finale en 2D, 3D ou multimédia.

Cette œuvre finale est réalisée le jour de l’épreuve. Tout document ou matériel utilisé durant l’épreuve est remis ce jour-là.

L’élève a accès à ses travaux préparatoires durant l’épreuve finale. Ces études, de même que l’œuvre terminée et le commentaire écrit qui l’accompagne sont remis ensemble au terme de l’épreuve. Les travaux préparatoires doivent être soumis sur un montage de maximum trois feuilles de 50 x 70 cm ou équivalent. La manipulation numérique d’images est autorisée pour autant que l’école dispose des installations nécessaires mais ne peut être réalisée que durant le temps passé en classe. Ce travail est enregistré sur une clé-mémoire fournie par l’enseignant et exclusivement destinée à cet usage. Les clés-mémoire restent toujours en la possession de l’enseignant qui supervise l’épreuve. Cette règle s’applique aussi bien aux photographies qu’aux séquences filmées. Le résultat final doit être imprimé sur papier comme n’importe quel autre travail.

L’élève peut travailler sur n’importe quel support ou combinaison de supports. Toutefois, toutes les œuvres doivent être sèches et fixées avant leur envoi au centre de correction.

La taille des œuvres finales en 2D ne peut dépasser 50 x 70 cm (y compris le support) ni être inférieure à un A3. Les œuvres en 3D sont également acceptées pour autant que leur taille ne dépasse pas 50 x 50 x 70 cm. L’œuvre originale en 3D est notée par l’enseignant et conservée à l’école. De 6 à 8 clichés de bonne qualité au format A4 de l’œuvre en 3D seront pris sous divers angles, y compris afin d’en saisir les détails ; l’un des clichés devrait donner une idée de la taille de l’œuvre. L’arrière plan devrait être neutre. Ces clichés devraient être montés sur

supports A2 et envoyés au correcteur extérieur. Cette responsabilité incombe à l’enseignant d’éducation artistique.

Critères d’évaluation :

- Concevoir une réponse réfléchie à l’épreuve imposée grâce à des croquis et des dessins préparatoires débouchant sur une conclusion cohérente ;

- Choix et utilisation compétente de techniques et matériaux appropriés ; - Composition et agencement des couleurs et autres éléments conceptuels pour réaliser

l’intention artistique ; - Réflexion sur la conception et la réalisation de l’œuvre sous la forme d’un commentaire

écrit.

Le texte ou commentaire accompagnant le travail pratique devrait en faciliter la compréhension et aider à le replacer dans son contexte. Il apporte des renseignements précieux sur les intentions du candidat, ses processus de réflexion, ses réactions et sentiments personnels, sa capacité de réflexion conceptuelle et de décision. Il indique également comment l’œuvre aurait été susceptible d’évoluer avec plus de temps à disposition.

5.2. Durée et organisation de l’épreuve pratique

1. Quatre périodes sont accordées pour le travail préparatoire dans le cadre de l’horaire scolaire et sous la surveillance de l’enseignant d’éducation artistique.

2. Cinq heures (300 minutes) sont accordées pour l’épreuve finale. 3. La préparation et l’épreuve finale ont lieu dans les locaux d’éducation artistique. 4. Un matériel adapté est mis à disposition. 5. La taille maximale des œuvres en deux dimensions est fixée à 50 x 70 cm. 6. Les œuvres en trois dimensions sont censées être documentées à l’aide d’un appareil-

photo. Des clichés de l’œuvre doivent être pris après l’épreuve. 7. Un enseignant d’éducation artistique devrait participer à la surveillance de l’épreuve

finale afin qu’une aide spécialisée soit disponible en cas de difficulté d’approvisionnement en matériel, outils et équipement.

5.3. Evaluation

L’évaluation porte sur trois domaines principaux : - préparation de l’œuvre (40 %) ; - réalisation de l’œuvre finale (50%) ; et - commentaire écrit final (10%).

Le travail préparatoire doit illustrer la profondeur des recherches menées, l’éventail des idées étudiées ainsi que le choix et l’exploration d’une ou plusieurs voies possibles débouchant sur la réalisation d’une œuvre finale. Les commentaires écrits sont à encourager.

L’évaluation de l’œuvre finale porte sur le caractère original et sophistiqué de la composition, sur la maîtrise technique du support choisi et l’adéquation de l’œuvre au thème. L’organisation et la présentation doivent être prises en compte.

Le commentaire écrit final devra révéler une réflexion critique sur la réalisation de l’œuvre finale. Il éclairera comment l’élève a compris le thème annuel à travers le sujet de l’épreuve. Il devrait idéalement faire référence à l’œuvre d’artistes liés au thème annuel.

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Travail préparatoire 0 - 2 Aucune trace de préparation 3 – 4 Quelques éléments de préparation et peu de recherches 5 - 6 Quelques recherches, quelques idées initiales mais un développement

limité et un niveau de maîtrise technique basique 7 - 8 Recherches approfondies, large éventail d’idées, bons choix et

exploration d’une ou plusieurs voies possibles débouchant sur la réalisation de l’œuvre finale, bon niveau de maîtrise technique

9 - 10 Excellence dans l’étendue et la profondeur des recherches, croquis de grande qualité montrant l’émergence d’un style personnel, capacité à expérimenter et grande originalité de la composition

Œuvre finale 0 - 2 Œuvre finale absente ou très incomplète 3 – 4 Incomplète, peu originale, sujet mal ou incomplètement compris, défaut

de maîtrise technique 5 - 6 Quelques signes de composition, médiocre maîtrise technique du support

choisi et défaut de compréhension du sujet, manque d’organisation et de présentation

7 - 8 Composition originale et adaptée, interprétation personnelle du sujet, bonne maîtrise technique du support choisi, soin dans l’organisation et la présentation

9 - 10 Composition très originale et sophistiquée, excellente maîtrise technique du support choisi, interprétation très créative du sujet, bonne présentation complète

Commentaire final 0 - 2 Commentaire final absent ou hors-sujet 3 – 4 Manque de réflexion sur l’œuvre finale. Compte rendu sur la démarche

purement descriptif, hors de propos ou banal 5 - 6 Quelques réflexions sur l’œuvre finale et compréhension basique du

thème annuel à travers le sujet de l’épreuve. Compréhension limitée de l’œuvre d’autres artistes

7 - 8 Réflexion critique sur l’œuvre finale analysant la démarche et le support choisis et traduisant une certaine compréhension des artistes liés au thème annuel

9 - 10 Réflexion et appréciation éminemment personnelles de l’œuvre finale montrant une excellente compréhension du thème annuel à travers le sujet de l’épreuve. Liens pertinents avec l’œuvre des artistes liés au thème annuel

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Annexe 1 – Eléments artistiques

POINT : Taille, répétition, concentration/dispersion

LIGNE : - qualité de la ligne : épaisse, fine - caractère de la ligne : griffonnée-brisée

ondulée-droite - hachures croisées, parallèles - esquisse, contour

FORME : - organique/géométrique - symétrique/asymétrique - ouverte/fermée - positive/négative - silhouette/contour

MOTIF : - répétition - régulier/irrégulier - figuratif/abstrait - géométrique/libre - naturel/humain (artificiel)

COMPOSITION : - statique/dynamique - équilibrée - harmonieuse/discordante - en chevauchement - éléments découpés - éléments dispersés/groupés - proportion divine

COULEUR : - mélange (y compris ombre, teinte, ton et nuance) - harmonie (familles) - contraste : chaudes/froides complémentaires claires/foncées quantité/qualité

TEXTURE : - surface : rugueuse/lisse

ESPACE : Création de l’illusion du volume en deux dimensions - échelle, chevauchement, etc. - projection parallèle, isométrique - systèmes de perspective : centrale, à deux/trois points de fuite - perspective aérienne/atmosphérique - effet des couleurs chaudes/froides

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Annexe 2 – Modes d’application

DESSIN : Possibilités : Dessin à partir de l’observation (d’objets naturels et artificiels) Dessin de mémoire ou d’imagination Exercices utilisant : - l’animation - le graffiti - le lettrage

PEINTURE : Possibilités : - gouache, aquarelle, acrylique, huile, détrempe - peinture murale, fresque - illumination - action painting, dripping - body painting

IMPRESSION : Possibilités : - table (stencils/sérigraphie) - impression en relief (pomme de terre/lino/bois) - gravure en creux (à l’outil, à l’eau forte, lithographie) - monotype

COLLAGE/DECOLLAGE

TRAVAIL EN 3D : Possibilités : - additif (modelage, moulage) - soustractif (gravure) - constructif - montage - assemblage (objets trouvés, éléments préfabriqués) - installation - land art - maquettes architecturales

DESIGN : Possibilités : - graphique - de produit - intérieur - de mode - scénographique

MEDIA DIVERS : Possibilités : - photographie - film/vidéo - infographie et autres applications

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Annexe 3 – Comprendre l’art, le design et l’architecture

1. Informations générales – Que voyez-vous ? Notez le nom de l’artiste, le titre de l’œuvre, les matériaux et techniques utilisés, la taille et le format de l’œuvre, sa date de réalisation et sa localisation actuelle (musée). Où et comment est-elle exposée ? Que voyez-vous ? Comment l’œuvre est-elle disposée ? Où et comment est-elle exposée ? A quoi ressemble-t-elle ? S’agit-il d’une représentation figurative ou abstraite de quelque chose ?

Décrivez vos sentiments à l’égard de cette œuvre d’art afin d’en donner une explication plus personnelle et de préparer la dernière partie de votre texte (avis et conclusion). Cette œuvre vous interpelle-t-elle d’une manière quelconque ? Saisit-elle une humeur ou un sentiment / une émotion que vous avez déjà ressenti(e) ? Véhicule-t-elle des sentiments concernant la vie/nature ? pouvez-vous imaginer l’état d’esprit de l’artiste pendant qu’il réalisait cette œuvre ? L’œuvre est-elle bruyante, silencieuse, apaisante, perturbante, heureuse, malheureuse, reposante, choquante ?

2. Analyse – Comment l’œuvre est-elle réalisée ? Pour visualiser ses pensées, idées et/ou sentiments, l’artiste a recours à plusieurs éléments artistiques et principes de design. Utiliser ce langage visuel vous aidera à mettre en lumière une éventuelle signification. Faites des croquis pour appuyer votre analyse.

Ligne La toile / le papier portent-ils la trace d’ébauches ? Comment qualifieriez-vous les lignes utilisées (droites, courbes, anguleuses, fluides, etc.) ? Quelles en sont les orientations principales (horizontale, verticale, diagonale) ?

Couleurs Les couleurs sont-elles pures ou mélangées ? Y a-t-il une couleur dominante ? l’œuvre est-elle monochrome ou polychrome ? Les couleurs appartiennent-elles à certaines familles ou sont-elles contrastées (complémentaires, claires/foncées, chaudes/froides, qualitatives/quantitatives, simultanées) ? Sont-elles appliquées de manière expressionniste ou impressionniste ?

Formes Les formes sont-elles organiques ou géométriques, ouvertes ou fermées ? Existe-il une forme principale ou l’œuvre se compose-t-elle de combinaisons de formes interconnectées (rythme, contraste, symétrie, etc.) ? Qu’en est-il du recours à des formes positives/négatives ?

Composition Y a-t-il un ou plusieurs points focaux ? L’artiste a-t-il eu recours à une composition centrale ou à un schéma compositionnel précis (triangle, cercle, carré, ligne, etc.) ? A-t-il créé une composition horizontale, verticale, diagonale ? Le résultat est-il dynamique/statique ou symétrique/asymétrique ?

Ombres et lumières Quelle est la source de lumière utilisée (naturelle, artificielle ou surnaturelle [religieuse ou surréaliste]) ? De quelle direction provient-elle : du dessus, du dessous, de la gauche, de la droite ? L’artiste utilise-t-il le contrejour, la lumière projetée ou la silhouette ? Quelle est l’intensité de la lumière (tamisée, diffuse, directe, etc.) et sa couleur ? Comment les jeux d’ombre et de lumière sont-ils exploités (ombres portées, projetées) ?

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Espace L’artiste utilise-t-il le contraste de taille (avec la division traditionnelle en trois plans : avant, moyen et arrière) pour créer l’espace ? Y a-t-il des recouvrements ou des découpages d’éléments ? Le point de vue de la scène est-il significatif (vue d’ensemble ou contre-plongée) ? L’artiste a-t-il recours à plusieurs points de vue ? Les couleurs servent-elles à créer un sentiment d’espace ? Si oui, décrivez comment ? La perspective est-elle utilisée ? Comment l’objet/bâtiment s’inscrit-il dans son environnement ?

3. Avis et interprétation – Quelle est la signification de l’œuvre ? C’est la partie du texte où l’on dépasse la description pour avancer une conclusion sur une éventuelle signification et une propre opinion argumentée concernant l’œuvre. Toute affirmation la concernant doit s’inspirer de l’analyse ci-dessus.

Selon vous, quelle est l’intention de l’artiste ? Le thème est-il subjectif, fortuit ou est-il porteur d’un contenu social, religieux, moral ou politique, que ce soit pour l’artiste ou pour son commanditaire ? Le sujet est-il imaginaire ou directement observé ? Est-il traité avec réalisme ou délibérément exagéré/déformé ? Si oui, pourquoi ? La surface du sujet est-elle profonde ou cachée – non immédiatement apparente ? Les signifiés sont-ils suggérés par le recours à des symboles, des analogies, des métaphores ? Que savez-vous du contexte social, culturel, artistico-historique et politique de l’œuvre ? Quelles connaissances sont susceptibles de vous aider à acquérir une compréhension plus complète de l’œuvre ? Quel a été l’impact de l’œuvre en son temps ? Est-il toujours d’actualité ?

4. Architecture et design fonctionnel Les critères ci-dessus peuvent être utilisés pour analyser des œuvres architecturales ou des objets réalisés dans un dessein précis. Toutefois, d’autres éléments doivent être examinés dans ce cas, tels que la destination, la structure intérieure et extérieure, le décor de surface, l’impact social et environnemental et la valeur pratique, esthétique et symbolique.

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Annexe 4 – Aménagement des locaux

Les dispositions ci-dessous concernant les locaux d’éducation artistique sont considérées comme essentielles à la réalisation complète du programme.

1. Tous les locaux d’éducation artistique doivent être spécialement conçus pour cet usage et dotés des équipements et matériels nécessaires à l’enseignement du programme. Il est essentiel de disposer d’un espace de rangement sûr.

2. Un budget annuel devrait être alloué au département pour l’achat de fournitures, de matériel, d’ouvrages, de matériel audiovisuel et de logiciels informatiques.

3. La taille des groupes ne devrait pas dépasser 25 élèves en 1ère, 2e et 3e et 20 élèves en 4e, 5e, 6e et 7e.

4. L’exploitation de nouveaux médias, impliquant l’utilisation de logiciels, implique de doter les salles d’éducation artistique des ordinateurs, imprimantes et scanners permettant aux élèves de réaliser ce type de travaux.

5. Il est jugé essentiel de prévoir des doubles périodes.

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Annexe 5 – Propositions de thèmes d’étude en histoire de l’art

1. Les conceptions du monde antique – de l’Egypte à Rome

2. Découvrir le monde – Les mutations de la fin du 15e siècle (du Moyen-âge à la Renaissance)

3. Vanitas & Carpe Diem – Les défis du 17e siècle (Baroque)

4. Les conséquences du progrès – du 19e au 20e siècle (Les début de l’art abstrait / l’impressionnisme, l’art nouveau, l’expressionnisme, le cubisme, etc.)

5. Qu’est ce que la réalité ? – Questionnements sur la première moitié du 20e siècle (Surréalisme, Neue Sachlichkeit, Bauhaus, etc.)

6. A la recherche de nouveaux horizons – L’après Seconde Guerre mondiale (Expressionnisme abstrait, Pop Art, etc.)

7. Pluralisme – Fin du 20e et début du 21e siècle (nouveaux médias, pluralisme et expositions internationales)

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Annexe 6 – Ouvrages suggérés pour enseigner l’éducation artistique

Livres et éditeurs Les ouvrages suivants sont recommandés pour l’enseignement de l’option à 4 périodes dans le secondaire supérieur. Ces ouvrages sont particulièrement appropriés pour les Ecoles européennes puisqu’ils sont édités en plusieurs langues.

1. Art of the 20th Century, Taschen Verlag

2. Approaching art and design – A guide for students, TAYLOR, Rod, Longman UK, ISBN 0- 582 -004284, 1990

3. Learning to look at paintings, ACTON, Mary, Routledge London, ISBN 0- 415- 14890- 1 (pbk) 0 -415 -14889 -8 (hbk) 1997

4. Themes and projects in art and design, PALMER, Frederick, Longman UK, ISBN 0- 582 -35591- 5, 1988

5. What is art ?, DAVIDSON, Rosemary, Oxford University Press, ISBN 0-19-910454-9, 1993

6. Art: the definitive visual guide, GRAHAM-DIXON, Andrew, Dorling Kindersley, ISBN 9781405322430, 2008 (price £30)

7. The gallery companion, LODWICK, Marcus, Thames&Hudson, ISBN 0-500-28358-3, 2002

8. The Usborne introduction to art, Usborne/National Gallery London, DICKENS,Rosie & GRIFFITH,Mari, ISBN 0746047150, 2004, (price£14.99).

9. Epochen der Kunst, Otto Kammelohr, Band 1 - 4, Oldenbourg Verlag

10. Grundkurs Kunst, Michael Klant / Josef Walch, Schroedel Verlag

11. Bildende Kunst; Sehen – Verstehen - Gestalten, Michael Klant / Josef Walch, Schroedel Verlag

12. Praxis Kunst, Schroedel Verlag

13. Kunst entdecken, Dietrich Gruenewald, Band 1 - 4, Cornelsen Verlag

14. Encyclopédie de l’Art, La pochothèque = Livre de poche

15. Chronologie de l’histoire de l’Art, Dominique Chapon, Ed Larousse, 1997

16. Petite Encyclopédie des Peintres de A à Z, Stefano Zuffi, Ed Solar, 2004

17. 25 Tableaux Modernes Expliqués, « Les œuvres, les artistes », Claude Amey, Ed Marabout, 1994

18. Le Grand Dictionnaire de l’Art, Barbara Kappelmayr, Ed. France Loisirs, 1995

19. La Sculpture de l’Antiquité au XX Siècle (en deux tomes), Ed. Taschen

20. Tout comprendre à la peinture, Alexandre Sturgis et Hollis Clayson, Ed Octopus, 2003

21. Les Arts Premiers, « Afrique Noire, Australie et Océanie, Amérique du Nord », Gabriel Mandel,Ed. Solar, 2002

22. Dictionnaire Culturel de l’Expressionnisme, Sébastien Clerbois et Catherine Verleysen, Ed Hazan, 2002

23. L’Art Magique, « Une histoire de l’Art », André Breton, Ed Phebus, 1991

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24. Europa, « L’idée et l’Identité Européennes, de l’Antiquité Grecque au XX Siècle », Yuste, Fonds Mercator, Ed Fondation Académie Européenne

25. Histoire de l’Art, « Europe-Afrique – Asie-Océanie-Amérique », Albert Chatelet et Bernard Philippe Groslier, Ed. Larousse, collection In Extenso

26. Le Regard du Peintre, « La composition picturale », Sarah Kent, Ed Passion des Arts

27. Le Voyage dans l’Imaginaire, Raymond Christinger, Ed. Mont-Blanc

28. Esthétique des Proportions dans la Nature et dans les Arts, Matila C.Ghyka, Ed. du Rocher, 1987

29. Structures, Luc Joly, Ed. Sidrine Genève, 1990

30. Le Dictionnaire des Symboles, Jean Chevalier et Alain Gheerbrant, Ed Robert Lafont / Jupiter, 1982

Sites internet

Les sites internet suivants sont quelques exemples de sites exploitables pour l’enseignement de l’éducation artistique aux Ecoles européennes. D’autres sites artistiques rédigés dans d’autres langues officielles peuvent être ajoutés à la liste ci-dessous à la discrétion de l’enseignant.

www.nationalgallery.org.uk www.tate.org.uk/modern/ – propose des services de recherche et des catalogues www.vam.ac.uk (Victoria and Albert Museum, London) www.louvre.fr – propose une bonne base de données et 18 DVD, baptisés « palettes »,

qui explorent la peinture dans l’histoire de l’art en anglais, français, allemand, italien et espagnol

www.culture.gouv.fr/documentation/museo www.museodelprado.es www.museothyssen.org www.artcyclopedia.com/museums-in-germany.html www.kunstunterricht.de www.we-make-money-not-art.com (zeitgenössische Entwicklungen) www.beniculturali.it – informations et conseils concernant les institutions culturelles,

expositions et musées nationaux www.polomuseale.firenze.it – site officiel des musées nationaux florentins www.museiincomuneroma.it – site officiel des musées de la ville de Rome www.galleriaborghese.it – site officiel des galeries Borghese, Barberini, Corsini et Spada www.archeoroma.beniculturali.it – informations concernant les sites archéologiques

romains www.artive.beniculturali.it – site officiel des musées nationaux vénitiens www.museiciviciveneziani.it – site officiel des musées de la ville de Venise sba-na.campaniabeniculturali.it – musées, sites archéologiques et manifestations à

Naples, Pompéi et Caserte.

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DVD/cédéroms Reproductions

1. DVD Take one picture (« Prendre une œuvre », 2008), primaire et 1ère-3e secondaire ;

2. Renaissance Faces (« Visages de la Renaissance ») ; 3. Catalogue complet illustré sur cédérom, 2001 ; 4. Kunst für Kenner (« L’Art pour les Connaisseurs »), cédéroms abordables reprenant

les œuvres de différentes périodes ; 5. 1000 Gemälde, die jeder haben muss (« Mille tableaux que chacun doit posséder »),

Wissen Kompakt. Berlin ; 6. 50 Jahre Meisterwerke der Kunst (« Cinquante ans de chefs-d’œuvre artistiques »).

Villingen : Neckar Verlag, 2003.

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Annexe 7 – TIC et nouvelles technologies

Il convient d’accorder une attention particulière aux nouvelles technologies permettant de manipuler images et texte de manière artistique et compétente à l’aide de logiciels spécifiques, sous forme, par exemple, d’enregistrements, de transformations, de productions, de reproductions et de communication.

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Annexe 8 – Extrait du document « Baccalauréat des Ecoles européennes » (Ref. : 96-D-3610)

1.0 Principes et objectifs

Les objectifs du Baccalauréat européen en éducation artistique (mais qui sont d’application générale à tous les domaines de cours) peuvent être résumés comme suit : - aptitude à penser et à exprimer des idées de façon autonome, - aptitude à analyser et traiter les informations/savoirs acquis, - aptitude à appliquer les savoirs acquis dans des situations nouvelles.

Dans ce contexte, quatre domaines de compétence peuvent être identifiés :

1. Restitution des connaissances 2. Exploitation des connaissances 3. Résolution de problèmes, implication 4. Critique (poser un jugement de valeur informé) et sensibilité artistiques.

Si tous les domaines de compétence devraient être pris en compte dans le cadre des procédures de formulation des questions et d’évaluation, une application trop rigoureuse des critères doit être évitée étant donné leurs recoupements inévitables, voire nécessaires.

1. Reproduction des connaissances

- matériel factuel : dates, règles, définitions, détails biographiques, etc. ; - définitions/descriptions de processus techniques ; - acquisition du vocabulaire artistique/esthétique ; - compréhension des concepts artistiques/esthétiques ; - identification et compréhension de l’iconographie pertinente ; - perception contextuelle – le sujet perçu dans une perspective sociale plus large :

politique, sociale, littéraire, philosophique, psychologique etc., de même que spécifique à l’histoire de l’art.

2. Application des connaissances

- aptitude à sélectionner, traiter et présenter de manière cohérente les savoirs acquis pertinents ;

- aptitude à décrire et à analyser les images et objets plastiques en utilisant le vocabulaire approprié et/ou les techniques d’analyse critique ;

- aptitude à appliquer les compétences techniques.

3. Résolution de problèmes

- capacité de réflexion selon une approche indirecte, - aptitude à analyser et traiter (perception, réflexion, sélection, préparation, organisation,

synthèse, extrapolation, réalisation) des données complexes, visuelles ou autres, dans le but de tirer une conclusion indépendante, appropriée et créative, écrite et/ou artistique, en 2 ou 3 dimensions.

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4. Aptitude critique (arriver à un jugement de valeur informé) et sensibilité artistique

- créativité, - autocritique, - initiative : aptitude à générer des idées, initier et organiser le travail de façon autonome, - sensibilité aux idées nouvelles, - compétences personnelles : curiosité, imagination, indépendance, scepticisme,

persévérance et autodiscipline, - intelligence visuelle : aptitude à identifier les problèmes et perception des relations

spatiales.