L’HISTOIRE DES ARTS A LA

RENAISSANCE

Le Printemps (Primavera) à la Galerie des Offices de Florence Artiste Sandro Botticelli,1482,Dimensions (H × L) 203 cm × 314 cm

Présentation générale Période de renouveau artistique, littéraire et scientifique, la

Renaissance débute au XIVe siècle en Italie du Nord. Véritable

révolution de la pensée et de tous les champs artistiques, ce

mouvement diffuse rapidement ses modèles dans toute

l’Europe, où il domine jusqu’à la fin du XVIe siècle.

La Renaissance artistique succède à l’esthétique médiévale,

dont il remet en cause les codes et les canons. Cette nouvelle

forme de culture se caractérise en premier lieu par le regard

porté sur l’Antiquité.

Importance de l’individualisation du peintre : Apparition de « l’artiste »

On assiste au développement du marché de l’Art dès le

XIVème avec un élargissement social de la demande et

l’apparition de grands réseaux commerciaux et bancaires.

On passe commande à l’Artiste et on attend qu’il fasse la

preuve de sa technicité en réalisant l’œuvre

préalablement décrite.

L’apparition de la gravure permet aux peintres de faire

connaître leurs œuvres plus facilement et l’activité

artistique devient lucrative.

On note le développement des ateliers qui assurent la

formation et la commercialisation ainsi que celui du

Mécénat. Ceux-ci se spécialisent pour une optimisation

des savoir-faire, de grandes rivalités émergent et  des

« dynasties »  se constituent. Laurent le Magnifique, Benozzo Gozzoli, 1459/1461,

Palazzo Medici Riccardi à Florence, détail de la chapelle des Mages

Les peintres deviennent des courtisans et leur sort est souvent lié à la générosité du

Prince protecteur, c’est la genèse de l’artiste moderne associée à l’affirmation des

Cours comme Botticelli associé aux Médicis.

On reconnaît leur statut de créateur, la singularité de leur activité, la dignité de leur

statut et une véritable Histoire de l’Art fait son apparition.

Les artistes sont regroupés en corporations fondées sur une hiérarchie entre maîtres

et compagnons qui avaient pour but de maintenir des équilibres entre les différents

ateliers et de veiller à la qualité de la production.

Les diverses collections constituées, pontificales, cardinales, princières, s’ouvrent

pour partie et plus ou moins largement au public et en tout cas aux artistes qui

venaient ainsi s’y former, dans une attitude qui est en un sens déjà celle du

« musée ».

LE RENOUVELLEMENT DE L’IMAGE

1. La religion

On note tout d’abord l’affirmation de

la présence du Christ et de

l’Eucharistie avec comme finalité

de rendre plus présent le divin

mais aussi d’instruire les ignorants

aux préceptes de la foi et

d’émouvoir par les souffrances des

martyrs.

Au retable se substitue le tableau, et

l’image de la dévotion est de plus

en plus présente. 

Le jugement dernier, Michel-Ange, 1537-1541, Fresque,

1370 x 1220 cm, Chapelle Sixtine, Vatican

2. Parallèlement, l’iconographie profane se développe également

Les techniques :

La peinture à fresque est un moyen de décoration très répandu et la peinture à huile qui

vient des Flamands se répand, elle favorise les retouches et donne de l’éclat aux

couleurs.

L’utilisation des lois de la perspective s’affirme, elle ordonne le tableau

géométriquement en fonction d’un point de fuite et donne l’impression de profondeur.

Au XVIème siècle, on utilise de plus en plus le support de la toile qui permettait de

rendre le travail plus transportable

Plusieurs grands thèmes se dégagent :

L’imitation de la Nature :

construction de l’illusion

pour l’imitation de la Nature

mais aussi place est faite à la

fantaisie et à l’imagination .

Développement du paysage

qui vient des Flamands

souvent sous la forme d’une

mise en scène champêtre et

bucolique où la vie se

déroule paisiblement.

Joachim PATINIR ou PATENIER , Saint Jérôme dans le désert, Vers 1515

Huile sur panneau, H. : 0,78 m. ; L. : 1,37 m, musée du Louvre

L’inspiration de l’Antiquité :

Sous la forme de copies d’œuvres

existantes ou de reconstruction

consciente de l’œuvre antique

disparue.

Artistes et amateurs prennent des

leçons de beauté devant les

monuments romains redécouverts, les

statues gréco-romaines collectionnées

par les nouveaux mécènes, mais aussi

à la source des textes latins et grecs.

Des fouilles de sites antiques sont

ouvertes partout, et en particulier à

Rome.

L’École d’Athènes, de Raphaël, fresque, 440x770 cm, 1509,

Stanza delle Signatura, Palais pontifical, cité du Vatican, Rome)

L’inspiration rhétorique et néo-platonicienne :

C’est la volonté de faire de la

peinture un équivalent de la

poésie, elle instruit plus qu’elle

ne divertit ; il faut raconter une

histoire, trouver une unité. Le

langage symbolique devient de

plus en plus complexe et l’œuvre

est parfois une énigme à

déchiffrer comme le

« Printemps »  de Boticceli. Le Printemps (Primavera) à la Galerie des Offices de Florence, Sandro Botticelli,1482, Détail

La représentation de la nudité se multiplie :

Il a une valeur morale et

allégorique = représentation de

l’homme et de la femme tels

qu’ils ont été créés par Dieu.

Mais aussi le « nu » est porteur

d’une charge érotique évidente

qui est largement associée au

regard que l’on porte sur la

femme et au rapport entre les

sexes.

Vénus d’Urbino, Titien, 1538, Huile sur toile,

119 × 165 cm Galerie des Offices, Florence

    Le développement du Portrait :

Il correspond aux attentes du

commanditaires et exalte souvent

la magnificience  du Prince dans la

mise en scène du pouvoir. Il a pour

objectif de rendre présent une

absence, servir d’exemple, faire

connaître. Il est souvent un

compromis entre l’idéalisation et le

réalismeLa Joconde, Leonard De Vinci, Vers 1503 - 1506

H. : 0,77 m. ; L. : 0,53 m, musée du Louvre

Conclusion• Redécouverte de l’idéal humaniste, politique, philosophique et artistique de

l’Antiquité, mouvement de rupture avec le gothique, la pensée médiévale et

l’assujettissement à Dieu, la Renaissance installe de nombreux fondements de la

pensée moderne et de l’histoire de l’art.

• L’artiste de la Renaissance est un artiste complet, souvent peintre et orfèvre,

sculpteur et architecte, théoricien et poète, comme l’étaient Léonard de Vinci ou

Michel-Ange. L’artiste devient un savant, qui utilise les traités, connaît les règles

de la perspective et s’attache à la connaissance du corps humain. Son statut social

évolue au cours du XVe siècle, au fur et à mesure que la dimension intellectuelle de

l’œuvre créée est reconnue.

Bibliographie :

• P. Brioist, La Renaissance 1470-1570, Edition Atlande, Coll. Clefs

concours, Histoire Moderne, 2003

• P. Burke, La Renaissance européenne, Edition du Seuil, coll. Points

Histoire, juin 2000

• G. Chaix, La Renaissance des années 1470 aux années 1560, Editions

CNED-Sedes, 2002

• G. Legrand, L’art de la Renaissance, Larousse éditions, coll.

Connaître – Comprendre, 2002

Sitographie : http://www.rmn.fr/francais/decouvrir-l-histoire-de-l-art/par-periode/La-Renaissance