Théâtre

« Le Journal d’une machine » Texte et mise en scène de Matsuo Suzuki Jeudi 25 vendredi 26 avril 2013 à 20h, samedi 27 avril à 17h Pièce en japonais surtitrée en français

« C’est décidé. Je vais être ta machine. » Révélé dans les années 90, Matsuo Suzuki est aujourd’hui une icône de la culture japonaise. Humour noir, inventivité de l’écriture, mises en scène trash et amour pour les exclus de la société caractérisent ses pièces. La MCJP présente pour la première fois hors du Japon cet artiste majeur avec une œuvre phare, Le journal d’une machine. Une description décapante de relations perverses par un génie du théâtre nippon. Maison de la culture du Japon à Paris Tarif 20 € / Réduit 16 € 101 bis, quai Branly 75015 Paris Réservation 01 44 37 95 95 www.mcjp.fr Métro : Bir-Hakeim (ligne 6) / Champ de Mars (RER C) Relation presse : Aya Soejima 01 44 37 95 22 a.soejima@mcjp.asso.fr

Le projet Satirique, souvent grotesque, Le Journal d’une machine dépeint la complexité des liens d’amour et de haine qui unissent quatre personnages : un directeur d’usine castré, sa femme qu’il bat régulièrement, son frère enchaîné pour un viol, une fétichiste des machines. C’est un microcosme familial au bord du chaos que nous montre Matsuo Suzuki, tournant en dérision la violence et les discriminations propres à la société japonaise. Matsuo Suzuki crée en 1988 la compagnie de théâtre Otona Keikaku dont il écrit et met en scène la plupart des pièces. Son univers extravagant devient vite extrêmement populaire auprès de la jeune génération. Il reçoit les prestigieux prix Kunio Kishida en 1997 et Golden Arrow Theater Award en 2001. Aujourd’hui, il est également romancier (nominé à deux reprises au prix Akutagawa), essayiste, réalisateur de films… Le journal d’une machine, pièce créée en 1996, a marqué l’histoire du théâtre japonais. Avant d’être présentée à la MCJP, elle est reprise en mars 2013 au Tokyo Metropolitan Theater dans une nouvelle mise en scène et une distribution remarquable, dont Anne Suzuki, actrice également réputée dans le cinéma. « J’ai voulu décrire une bataille nommée Amour. Un combat qui ne repose pas simplement sur la violence, mais où les personnages luttent physiquement et psychologiquement. Cette bataille qui se déroule dans une petite fabrique, s’intensifie sans que le monde extérieur le sache. Mais les étincelles de cette bataille finiront par se propager dans tout le quartier. Comme si du gaz qui se serait lentement accumulé dans une maison avait soudain explosé, créant non pas un bigbang mais un nouvel univers miniature. L’Univers repose sur l’équilibre entre des atomes invisibles. J’ai voulu décrire cet équilibre à travers l’être humain. Dans un milieu où l’équilibre est sur le fil du rasoir, l’arrivée d’un d’espoir provoque une sorte de division cellulaire qui donne naissance à quelque chose de nouveau. Je crois que l’histoire de l’humanité a connu ce phénomène de façon répétitive. »

Biographie de l’auteur, metteur en scène

- La honte de vouloir être aimé -

Matsuo Suzuki Matsuo Suzuki est l’un des plus importants auteurs de théâtre contemporain japonais qui ont émergé dans les années 1990. Metteur en scène respecté par le milieu artistique et comédien hors-norme, il écrit également des romans, des essais et des scénarios pour la télévision et le cinéma. Il est connu pour traiter un large éventail de registres, allant du drame historique à la comédie.

Né à Fukuoka (sud du Japon), diplômé en design de l’Université Kyûshû Sangyô, il se rend à Tôkyô pour travailler en tant qu’illustrateur. Très vite, il se détache du monde du salariat et préfère multiplier les petits boulots et se consacrer à la scène.

En 1988, il fonde la compagnie Otona Keikaku (Projet

d’adultes), et depuis, il écrit, dirige et produit toutes les pièces de cette troupe. Otona Keikaku se veut en rupture avec les goûts dominants dans les années 1980 au Japon, où l’on s’intéressait à un théâtre aux jeux stéréotypés rendant éloge à la jeunesse. N’ayant pas de souvenirs très mémorables ni de sa jeunesse, ni de son adolescence, Matsuo Suzuki préfère un théâtre qu’il veut « résolument pour adultes » et traite de façon grinçante de thèmes comme la pression de la communauté et les exclus de la société, ou de sujets tabous tels que la pédophilie, le sexe facile. N’ayant pas d’attirance pour les comédiens de formation, il forme sa compagnie avec des personnes sans expérience de la scène : « J’appréciais plus leur énergie de chiens errants que l’assurance des acteurs ayant suivi une formation théâtrale spécifique. J’ai donc créé cette compagnie avec le même esprit que des jeunes formant un groupe de rock. Leur façon de jouer, loin de la perfection théâtrale mais avec une force de décalage, avait été remarquée dans le milieu. Aujourd’hui, la plupart ont évolué et sont devenus des acteurs confirmés très demandés dans les grandes productions théâtrales et cinématographiques. Tant mieux pour eux. » (*) Il effectue un travail novateur, notamment sur l’égo des interprètes. Il rappelle à ses acteurs de ne pas oublier que c’est honteux de vouloir jouer en public. Il détruit volontairement les scènes émouvantes, positionne les acteurs dans des endroits non concevables en représentation, fait placer la voix des acteurs d’une façon non théâtrale, rajoute des tics dans les jeux... Ses pièces impressionnent d’abord par la légèreté du jeu et l’humour noir, et traitent de thèmes philosophiques au second degré. Ses textes jouent également sur la bizarrerie de la sonorité du japonais, les jeux de mots, les références culturelles grand public ou si pointues que seule une partie du public saisit. Avec ses pièces, il manifeste son désir de séduire le public mais aussi, dans le même temps, sa réticence à le séduire. « Mes pièces vont au-delà du divertissement, sans entrer dans le registre savant. J’ai toujours marché sur un chemin très étroit situé entre ces deux genres. Ce que je veux décrire dans mes pièces, c’est le chaos. Un chaos qui laisse au public le choix de sa propre interprétation. » (*) Matsuo Suzuki se fait remarquer pour son travail dans les années 1990. Depuis, il a reçu plusieurs commandes d’écriture et de mise en scène de théâtre, il multiplie les prix, et la reconnaissance du public et de la critique ne cesse de croître. Son écriture et son regard sur la société intéressent non seulement la presse, mais aussi les jeunes Japonais sensibles à la culture la plus récente. Il tient ainsi plusieurs rubriques dans des magazines et son journal personnel numérique (sous forme de newsletter hebdomadaire payante) est suivi par de nombreux lecteurs. Depuis décembre 2012, le quotidien Asahi crée le buzz en lui confiant la

fameuse rubrique du roman quotidien, illustrée par Sensha Yoshida, dessinateur marquant de l’histoire du manga absurde. Il obtient de nombreux prix prestigieux dont le fameux prix Kishida en 1997 pour Funky ! Uchû wa mieru tokoro made shika mienai (Funky : L’Espace est aussi loin que tes yeux peuvent voir), et le Golden Arrow Theater Award en 2001 (prix décerné par la Fédération des journalistes. Kitano Takeshi fut lauréat de la catégorie cinéma la même année) pour Kirei – Kamisama to machiawaseshita onna (Kirei – Rendez-vous d’une femme avec Dieu). Son premier long-métrage, Koi no Mon (Otaku in Love) a été invité au Festival de film de Venise (2004) et au Festival Tous Ecrans de Genève (2005). En 2005, son roman Quiet Room ni yôkoso (Bienvenue dans la chambre calme) est nominé pour le prix Akutagawa (équivalant du Goncourt en France). Il sera adapté au cinéma sous sa direction en 2007. Rôjin Tobaku (Le Pari sur les vieux) a été également nominé au prix Akutagawa en 2009. En 2008, il reçoit le prix du meilleur scenario du Japan Academy Prize pour le film Tokyo Tower - Mom and Me and Sometimes Dad, couronné également par le grand prix. « Dans le milieu du théâtre, il arrive que surgissent des talents inouïs qui n’appartiennent à aucune école ou lignée. Matsuo Suzuki est l’un d’eux. Cet auteur, metteur en scène et acteur est un ovni inclassable. Personne n’arrivera à imiter son univers théâtral qui associe de façon unique conte cruel et humour. »

Akihiko Senda, critique de théâtre, Dance Magazine Japan, 2001

(*) propos recueillis le 30 mars 2013 par Aya Soejima à Tôkyô

Interview de Matsuo Suzuki effectuée le 30 mars 2013 par Aya Soejima à Tôkyô Dans Le journal d’une machine, la présence des fenêtres du préfabriqué ponctue le rythme de la pièce. J’ai voulu montrer une violence interne qui reste ignorée à l’extérieur. Ces fenêtres symbolisent le fait qu’on ne peut pas savoir ce qui se passe à l’intérieur des familles. La vue de fenêtres éclairées dans la nuit me fait presque peur. Juste à côté d’un bonheur peut exister un univers sordide. Après un fait divers, on s’aperçoit à travers les témoignages du voisinage que le criminel avait un visage tout à fait normal. Akitoshi, le frère aîné, peut être une personne tout à fait convenable à l’extérieur. Vos pièces mettent souvent en scène des exclus de la société : personnes handicapées, chômeurs, etc. Les exclus de la société, comme par exemple les handicapés, existent et vivent normalement autour de nous, mais ils sont rarement les personnages d’une pièce de théâtre. Moi-même, quand j’étais adolescent, j’ai eu l’expérience d’être mis à l’écart dans ma classe. J’ai vécu dans la misère totale quand le Japon flamboyait dans la frénésie économique. A chacun son expérience. Pourquoi cette dose importante de violence dans chacune de vos pièces ? La violence n’a plus rien de choquant aujourd’hui avec tout ce que nous pouvons voir sur Internet, etc.

Pour moi, la violence n’est pas un effet de mise en scène, mais une évidence que l’homme porte en lui et qu’on ne peut pas ignorer. J’ai eu affaire à des compagnes violentes et je considère que la pulsion de violence fait partie de la nature de l’homme. Par ailleurs, j’ai vu le dernier film de Tarantino ; l’équilibre entre la violence et l’humour dans son univers me parle beaucoup. Vos pièces racontent souvent la pression que reçoivent ou se créent les gens, une envie de s’évader, de changer de milieu... Etiez-vous ainsi dans votre jeunesse ? J’ai grandi dans une petite ville du Kyushu. Je n’avais pas d’amis et je n’y trouvais rien qui me plaisait. L’envie d’évasion était bien là. Après m’être installé à Tôkyô, pendant longtemps je n’ai pas ressenti d’attachement à ma région natale. Mais bizarrement, aujourd’hui, je sens que je porte un sac qui vient de mon pays natal. J’ai envie d’écrire des pièces avec le patois de Kyushu, et, inconsciemment, j’accepte des propositions de travail qui viennent de là-bas pour des rémunérations dérisoires. Avec Le journal d’une machine, le public français va découvrir un univers très chargé et haut en couleurs, une façon de jouer assez extravagante. Vous n’avez pas peur que les amateurs de théâtre classent cette pièce dans un registre « proche du manga » ? Personnellement, je ne considère pas dégradant que l’on fasse le lien entre mon univers et le manga. Influencé par Reiji Matsumoto et Fujio Akatsuka, je voulais devenir auteur et dessinateur de manga depuis mon plus jeune âge. Au Japon, la communication se fait plus par le dessin que par l’écrit. Beaucoup d’illustrations sont utilisées dans les publicités, les manuels, sans que ça soit destiné particulièrement aux jeunes. Autrefois, j’enchainais des jobs d’illustrateur pour des magazines et manuels. Jusqu’à l’année précédant mes débuts dans le théâtre, je portais mes propositions de manga à des maisons d’édition comme la rédaction de ‘’Garo’’, le magazine culte de manga d’auteur. Je trouve que parfois l’homme se trouve dans des situations très proches du manga. On ne peut pas seulement le décrire d’une façon littéraire. Il y a eu une tragédie au Japon dont j’ai parlé dans une de mes pièces. Une jeune mariée décide de jouer un tour à son mari avec des amis. Ils creusent un trou sur la plage puis le camouflent pour surprendre le mari. Le jeune couple tombe au fond du trou mais, tout autour, le sable s’effondre et les enterre vivants. Les amis ont appelé les secours mais il était trop tard. Une tragédie proche du manga, si j’ose dire. Votre texte est très difficile à traduire car il se base beaucoup sur la sonorité du japonais, des tournures de phrase spécifiques, le changement soudain de niveau de langage entre deux personnages dans certaines scènes, les expressions typiquement masculines employées par les femmes, les références à la culture japonaise, etc. Oui, je l’admets et considère inévitable que mon texte sera plus lisse dans le surtitrage français. Le surtitrage doit rester simple pour laisser le regard du public sur le plateau. Concernant les références à la culture japonaise, certaines seront transposées dans la culture occidentale. J’ai prévu également de présenter au début de la pièce quelques éléments que le public français ne connait pas. On s’attend à ce que la dernière réplique d’une pièce qui monte en crescendo comme Le Journal d’une machine soit très importante. Mais vous terminez avec une phrase qui est évidente pour le public. Pourquoi ? C’est vrai que cette réplique n’ajoute aucune information supplémentaire à la pièce. Mais elle est pour moi comme un point final. J’aimais l’idée de finir une pièce de théâtre avec ce genre de phrase, comme si l’on terminait avec « Fantastique ! »

Note de lecture de la pièce Le Journal d’une machine (Machine nikki) Création en 1996 à Tôkyô Nouvelle mise en scène présentée en mars 2013 à Tôkyô 1 acte, 6 scènes 4 personnages : 2 hommes, 2 femmes

Durée 2h10

Un petit monde clos, inquiétant et extravagant, au bord de l’explosion. Matsuo Suzuki commence la pièce en dressant le portrait d’une famille à jamais détruite.

Puis il montre, avec humour et cruauté, comment l’arrivée d’une personne extérieure peut pousser cette famille dans le gouffre…

- C’est décidé. - Hein ? Quoi ? - Je vais être ta machine.

Le journal d’une machine se déroule principalement dans un préfabriqué, non loin d’une usine dirigée par Akitoshi. C’est dans cette bicoque à la saleté répugnante que vit emprisonné son jeune frère, Michio. Ce préfabriqué où règne une chaleur étouffante est le cadre d’un huis-clos à l’ambiance électrique. Une immersion dans l’univers de Matsuo Suzuki aux allures de cauchemar.

- C’est à ton contact que je deviens de plus en plus banal. Et dire qu’autrefois on m’appelait le Iggy Pop du quartier d’Ota.

Michio, un surdoué en électronique, a violé la jeune Sachiko. Akitoshi, homme violent et maniaque, l’a alors enfermé dans le préfabriqué où il vit depuis enchaîné, et a épousé Sachiko. Cette dernière est une femme peu cultivée et naïve qui travaille pour son mari à l’usine. Elle ne considère pas Michio comme un violeur et lui témoigne même une certaine sympathie, le préférant presque à son mari qui la frappe régulièrement. Son caractère docile vient du fait qu’elle subissait nombre de brimades lorsqu’elle était collégienne.

- C’est vrai que je t’ai sauvée du suicide. Ça faisait partie de mon boulot de prof. Mais que je te sauve ou non, ma paie restait la même. C’est ça, être fonctionnaire.

Keiko, une femme masculine et sèche (qui n’est autre qu’une ancienne professeure de collège de Sachiko), vient travailler à mi-temps à l’usine. C’est une personne rationnelle qui parle en chiffres et qui voit clair dans l’attitude trash et le manque total de valeurs du jeune Michio. Leur relation devient très vite sexuelle. Un jour, Keiko annonce à Michio qu’elle veut devenir sa machine. - Tu sais, c’est dur d’évaluer la valeur d’un mec.

Mais ta non-valeur, elle est évidente. Avec l’arrivée de cette femme semblant sortie tout droit d’un roman de science-fiction, les relations entre les quatre personnages dégénèrent. Accompagnés de rires hystériques, ils se dirigent inéluctablement vers une catastrophe. La pièce est émaillée d’éléments saugrenus. Le frère aîné possède un 6e doigt qu’il frotte quand il est nerveux. Tous les matins, Sachiko nourrie une créature aquatique qui vit dans un étang près de l’usine. On apprendra que cet animal a mangé un testicule d’Akitoshi. Ces éléments volontairement extravagants permettent à l’auteur de dégager, sous un registre satirique, la complexité des relations entre les personnages.

- Vas-y cogne ! Quand une machine ne réagit pas, tu tapes dessus, non ? Cogne ! Tes coups sont aussi bidon que ceux d’un téléfilm.

La pièce mêle constamment le tragique et l’humour. Elle joue avec les références populaires, accentue le grotesque et la vulgarité des situations et rend les personnages presque surréels. Cependant, cette œuvre parvient à porter un regard critique et sans fard sur les problèmes de la société : rapports hommes-machines, hommes-femmes, bourreaux-victimes, travail-asservissement, représenté-représentation, etc.

- Maintenant je comprends la beauté de la lune.

Je ne suis pas quelqu’un de sensible à la beauté. La dernière fois que j’ai été enceinte, j’ai ressenti cette sensation. Comme aujourd’hui. Mais c’est éphémère.

La fin de cette pièce entraîne le public dans une catharsis théâtrale, lui faisant ressentir une étrange sensation de libération et de bonheur. http://www.performingarts.jp/E/play/0505/1.html (présentation de la pièce en anglais)

(Photos : Nobuhiko Hikiji)

Décryptage - L’enfer des relations familiales, les brimades à l’école, le refus de la différence d’autrui, le souci des apparences et de l’image qu’on souhaite donner de soi à la communauté… Matsuo Suzuki évoque dans Le journal d’une machine tous ces problèmes très présents dans la société japonaise. Il soulève certains travers de cette culture insulaire. - Le rôle de Sachiko (l’épouse) était interprété en 2001 par Mai Hôsho, une actrice qui était alors l’incarnation même de la beauté féminine. Ce fut un véritable choc pour le public de découvrir cette actrice interpréter le rôle d’une fille sans charme, vivant dans l’ombre et victime de la violence masculine. Matsuo Suzuki est maintenant réputé pour avoir révélé de nouvelles facettes d’actrices connues du grand public. Le rôle de Sachiko est aujourd’hui confié à Anne Suzuki, actrice de cinéma lauréate à l’âge de 14 ans aux Golden Arrow Awards (prix du jeune espoir, 2001) et des Japan Academy Prize en 2003. - Le journal d’une machine fut considéré comme une histoire de revanche des exclus de la société. Pourtant, ces personnages hésitent entre haine et admiration du « monde normal », ce qui renforce l’aspect tragique de la pièce. Usine, préfabriqué, enfermement, violence, mise sur écoute, perversion sexuelle, acte de terrorisme… Le critique de théâtre Tadashi Uchino voit dans cette pièce écrite en 1996 plusieurs points communs avec la secte Aum. En 1995, des adeptes de cette secte avaient fait un attentat meurtrier au gaz sarin dans le métro de Tôkyô. Uchino considère que l’acte final de cette pièce ne représente pas simplement l’envie de vengeance des exclus envers la société, mais aussi, paradoxalement, leur envie d’être admis dans cette société. Selon lui, les attentats de la secte Aum et du 11 septembre ne sont pas des actes antisociaux, mais l’expression perverse d’une envie de participer à la société.

Les comédiens vus par Matsuo Suzuki

Michio (le frère cadet) Yûsuke Shôji « C’est le seul comédien de cette pièce qui est membre de ma compagnie Otona Keikaku. Ce garçon au jeu inhabituel est tellement passionné qu’il émane de lui une folie inquiétante. Mais il est souvent juste considéré comme l’un des plus jeunes acteurs de ma compagnie (qui existe depuis 25 ans). J’ai voulu cette fois-ci lui confier le rôle principal pour le voir se transformer. »

Akitoshi (le frère aîné) Shûji Okui « Il interprète le rôle que je jouais autrefois. J’ai une confiance instinctive dans son jeu. Ce qu’il fait en général sur le plateau est très proche du choix que j’aurais fait moi-même. Cela ne signifie pas pourtant qu’il m’imite. Il est certain que son intérêt pour le corps, sa gestuelle, en tant qu’acteur est le même que le mien. Son rôle contient une frénésie maladive, et son premier monologue définit la couleur de la pièce. Je l’ai donc réécrit pour lui.»

Sachiko (femme d’Akitoshi) Anne Suzuki « C’est une actrice stable qui possède une grande force intérieure. Elle joue aujourd’hui autant au cinéma qu’au théâtre. Dans le milieu des célébrités, rares sont les actrices qui, comme elle, analysent parfaitement ma vision du monde tout en se donnant pleinement quand elles jouent. Ce point est essentiel quand j’entame une collaboration. »

Keiko (ancienne professeur de sport de Sachiko) Rie Minemura

« Elle est un des membres principaux de la Compagnie Nylon 100ºC, une compagnie très connue de ma génération qui propose un univers innovant au théâtre de l’absurde. Elle possède non simplement un jeu solide, mais aussi un sens aigu de l’humour. Je lui confie donc avec une confiance absolue ce rôle important. »