L'approche didactique et pédagogique dans la danse · VERS LA COMPÉTENCE ARTISTIQUE Les...
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Formation AEFE
Stage Liban, 11/12/13 Février 2014
L'approche didactique et pédagogique dans
la danse
Formateur : Laurent DASTUGUE
VERS LA COMPÉTENCE ARTISTIQUE
Les spectacles contemporains associent des formes variées
d’expression artistique (danse, cirque, théâtre, chant, musique, etc.) pour
mieux servir le propos de l’auteur. Nous allons aujourd’hui nous centrer sur
la danse.
La création d’une œuvre artistique et donc d’une chorégraphie en
danse est guidée par la volonté de présenter, communiquer une intention,
une vision du monde à un spectateur, de sortir du réel, le détourner pour
construire un monde imaginaire. Quel que soit le support, l’artiste entre
dans un processus qui alterne des phases d’exploration, de composition, de
répétition et de présentation. Ce processus de création et son
aboutissement à un projet personnel définissent ce que nous entendons par
« compétence artistique ».
La démarche
Pour entrer dans le processus de création et produire une œuvre
répondant à la logique interne des activités artistiques, il s’agit pour l’élève
de créer et maintenir le lien entre l’œuvre et le spectateur par une mise en
scène cohérente, une véritable interprétation et la capacité à se mettre en
risque. La danse, figurant dans les programmes d’EPS, est appréhendée
comme un outil au service de la création. En suivant le chemin de l’artiste,
l’élève explore un répertoire élargi et développe son domaine de
compétence privilégié. Sa motivation s’en trouve renforcée.
LE PROCESSUS DE CREATION
Le processus de création, tel que nous l’avons formalisé, organise les
différentes étapes d’apprentissage de la démarche d’enseignement. Il
propose un cadre incontournable où alternent les phases d’exploration,
d’écriture, de recherches d’idées nouvelles, de répétition et de
présentation des choix. Il met en jeu, à chaque séance, les rôles issus des
composantes de la logique interne : COMPOSITEUR (chorégraphe/metteur
en scène), ACTEUR (danseur : acteur et interprète) et LECTEUR
(spectateur).
La compétence artistique c’est aussi pour l’élève viser une autonomie
dans la conduite de ce processus pour aboutir à son œuvre. Donc, il faut se
rappeler la règle suivante : plus il y a de contraintes, plus la création
est facilitée.
Dans la présentation des situations, nous avons associé une couleur à
chacune des phases décrites.
Démarche de création en activités physiques artistiques en s’inspirant des
travaux de Guilforld :
Divergence Convergence
Alain Beaudot dans son livre « La créativité à l’école » expose les
travaux de Guilford (1961) et de son équipe qui mettent en évidence deux
modes de pensée : convergente et divergente.
Quand la pensée convergente « caractérise l’écolier modèle », la pensée
divergente « réside dans la capacité à produire des formes nouvelles »,
c’est la faculté créatrice, l’imagination, la fantaisie.
La place de la technique
Au contraire d’un enseignement technique identique à tous, balisé par
des grilles de niveau à atteindre, l’enseignant part du point fort de chaque
élève, le guide, l’aide à créer et à maîtriser des formes dansées,
acrobatiques en cohérence avec son projet artistique. Il est donc
fondamental d’être attentif pour individualiser les remédiations au niveau
de la motricité pour faire progresser et réussir chaque élève.
Les textes officiels
Après étude des compétences attendues au collège ( B.O. spécial n°6 du
28 août 2008) et plus en détails des connaissances, capacités et attitudes
de l’activité « Danse », il en ressort quelques caractéristiques
fondamentales :
La démarche de création en 3 étapes: exploration – composition –
présentation
Les trois rôles qui y sont associés : Danseur – Chorégraphe –
Spectateur
Les codes des arts de la scène :
- Un propos (thème ou intention)
- Un espace scénique (délimité et orienté par rapport à
un public)
- Un jeu d’interprète (concentration et force de
conviction)
- Des relations entre les interprètes (unisson,
formations, échanges, contacts…)
- Une scénographie
Le statut du corps : poétique et expressif
Définition de l’activité Danse (travaux de Bénédicte Raquin UFR
STAPS de Créteil) L’accroissement des APSA (de 15 dans les années 60 à une centaine
aujourd’hui) nécessite pour l’enseignant d’opérer, à l’aide de critères, un
rassemblement par catégories autour de caractères communs ; ainsi nous
parlons :
- d’activités favorisant la relation à l’environnement
- d’activités favorisant les relations sociales entre les individus
- d’activités d’oppositions corporelles ou matérielles…
Dans ce concert, les activités favorisant l’activité créatrice se sont fait
une place à coté des activités plus traditionnelles sollicitant
prioritairement les ressources biomécaniques : ici la sollicitation
corporelle s’effectue sur un registre différent ; le corps devient le
matériel et l’objet d’une réflexion poétique, esthétique ce qui permet
d’obtenir une figuration, par le corps, des représentations imagées.
L’absence d’interdit réglementaire et de codes à respecter permet
d’accéder à une liberté et une autonomie qui sont sans commune mesure
avec les pratiques sportives.
Cette liberté et cette autonomie de l’artiste prennent un sens social au
travers de la relation ENONCIATION de l’œuvre (activité du travail sur la
forme : le corps en production de mouvement) /CONTEMPLATION de
celle.
La vocation de l’enseignement des activités artistiques est d’élever le
niveau de l’énonciation et d’affiner le pouvoir de contemplation.
Comment la Danse répond-t-elle à cette exigence ?
Cette définition proposée par DELGA, FLAMBARD, LE PELLEC… « Danse :
objet culturel, objet d’enseignement » AFRAPS 1989
« La Danse c’est l’organisation intentionnelle des mouvements du corps
dans l’espace et le temps, réclamant une utilisant optimale de l’énergie et
possédant une valeur propre et esthétique dans le but d’expression,
d’évocation et/ou de communication ; cette activité est visuellement
appréhendée. »
DIALECTIQUE :
EXPRESSION / IMPRESSION
Pour cela DANSER comme objet d’enseignement c’est :
« L’activité d’une ou de plusieurs personnes qui doivent gérer la dialectique
EXPRESSION/IMPRESSION dans une perspective de communication au
moyen d’une œuvre chorégraphique ayant une valeur esthétique et
émotionnelle » Pia PINEAU, thèse
Objectifs à atteindre dans le cadre scolaire Quelque soit la préférence pour l’une ou l’autre des approches (que nous détaillerons plus loin dans le document), il est important de faire vivre diverses
expériences à l’élève.
L’idée est de montrer que la danse est toujours un point de vue (sur le monde, sur les choix esthétiques, sur les styles, sur le rapport au corps…) et qu’il s’agira
de le communiquer aux spectateurs.
1) La danse face aux objectifs de l’EPS :
Le développement et la mobilisation des ressources individuelles favorisant l’enrichissement de la motricité: développer les habiletés
motrices revient à développer dans l’activité danse une motricité signifiante, trouver et expérimenter des formes de corps, des
techniques corporelles plaçant l’élève en situation d’activité motrice nouvelle.
La danse favorise la sollicitation de trois motricités :
o Motricité de sens (sémio cinèse)
o Motricité d’efficience ( topocinèse)
o Motricité de forme (morphocinèse)
L’accès au patrimoine de la culture physique et sportive :relatif à la connaissance des APSA implique le développement de
connaissances SUR la danse pour partager un domaine de culture (connaissances de l’histoire de la danse, des œuvres, des spécificités
des lieux de présentations.)
L’éducation à la santé et à la gestion de la vie physique et sociale: connaissance de soi et entretien en vue de sa vie physique d’adulte
appelle à :
o la gestion et à la distinction de son apparence, de sa propre image : l’aspect émotionnel de la personnalité s’affirme dans un
exercice de théâtralité du corps.
o être un spectateur averti et critique (qui a construit un discourt grâce à des analyseurs lui permettant d’expliciter ses goût)
Afin de répondre à ces objectifs, l’enseignant devra s’assurer que ces propositions :
- appartiennent à la culture des élèves (culture musicale, corporelle, picturale) afin que l’esthétique choisisse joue un rôle initiatique dans la
reconnaissance des jeunes entre eux
- permettent l’ouverture d’un horizon à travers la découverte de styles, de codes,de créations fonctionnant dans un nouveau cadre esthétique
- permettent la transformation de la motricité : les productions doivent être accompagnées d’intervention sur la composition afin de sortir du simple
plaisir du faire et d’évoluer vers une vraie intention de partager avec le plus grand nombre
- permettent l’affirmation d’une identité par la verbalisation (si peu courante notamment chez les adolescents) des émotions
2) Les contradictions à résoudre :
Comment donné à voir un corps IMAGINAIRE par les corps réel ?
C’est une caractéristique des activités de stylisation.
Comment exprimer ce que l’on ressent autrement que par le MOT ?
C’est une caractéristique des activités de symbolisation.
Comment vivre et s’émouvoir pour émouvoir ?
C’est une caractéristique des activités de présentation.
Les enjeux d’une éducation artistique
1) Les raisons générales :
Les raisons sociales :
La danse, tout comme la peinture, la sculpture en parle de formes, de volumes, d’espace vital, des trajectoires etc. Si l’on amène l’homme à prendre conscience :
- des effets d’harmonie que cet espace peut revêtir
- de la notion d’espace vitale ou subit selon les œuvres
On peut penser qu’il transfèrera sur son propre quotidien ces notions ; le BEAU, n’est donc plus seulement l’affaire des initiés qui se réfugient dans les musées
mais de tous et cela s’inscrit dans un projet collectif de sensibilisation à l’art.
La tâche de l’école par exemple est de donner à tous ce que certains ont la chance de découvrir : sensibiliser les enfants à la qualité du cadre de vie peut les
rendre plus vigilants à l’égard de leur environnement.
Les raisons techniques :
Toute œuvre est le produit d’une lutte entre l’imaginaire et la matière. La technique en danse (ce qui permet de construire, d’agencer…) est justement ce qui rend
possible le passage de l’imaginaire à la matière. L’éducation devra faire prendre conscience de ce passage du spontané à l’élaboré. La technique par son acquisition
ouvre les voies à la création, à l’invention ; En danse, c’est un travail spécifique du corps permettant :
- la concentration, la perception de son fonctionnement corporel
- la connaissance parfaite des coordinations
C’est donc un outil qui demande de la rigueur mais qui permet de mieux comprendre, lire les œuvres.
Les raisons esthétiques :
L’éducation artistique doit parvenir à montrer que finalement si une ouvre est belle, nous émeut ce n’est pas par ce qu’elle représente formellement : le sujet d’une
sculpture, le thème au cinéma, une peinture figurative…mais ce qui nous touche se situe souvent en arrière plan dans la composition générale : les rapports des
valeurs, les rythmes, les mise en scène….
2) les raisons éducatives :
Au regard des finalités de l’éducation, la DANSE privilégie :
- la SANTE : en tant que maintient d’un bien être par la prise en compte de l’imaginaire et des émotions
- DEVELOPPEMENT PERSONNEL et IDENTITE : avoir un projet de transformation de soi, choisir un rôle pour se construire dans le jeu du personnage
- CORPS : la créativité corporelle est une ressource pour communiquer
- CULTURE : la poésie du geste comme langage : expression d’une identité culturelle
Au regard des objectifs sociaux poursuivis par l’école :
- la danse incite les élèves à échanger leur point de vue afin de construire des compositions collectives dites « partagées »
- la danse incite à communiquer ses goûts en organisant un discours différent de la seule perception des sentiments…
L’élève explore sa capacité à être actif, disponible, engagé ; il doit jouer avec les normes et doit trouver des manières de jouer qu’il n’aurait pas expérimenté dans
d’autres APS où les rôles sont fixés.
ENJEUX DE FORMATION EN DANSE (rôle du chorégraphe, du sepctateur et du danseur)
Chorégraphe
(Celui qui choisit et organise)
Construire une
démarche : le
processus de création
Construire une culture
: les inducteurs, les
procédés de
composition, les
organisations de
l'espace, les
scénographies...
Construire une
autonomie du choix
Le danseur
(Celui qui fait) L’interprète
(Engagement émotionnel)
Le corps
sensible/messager
Adapter les formes en fonction
de l’émotion recherchée chez le
spectateur
Etre présent, en état de scène
Construire la rencontre entre la
forme et l'émotion, le
spectaculaire et l'intention
dans un même rôle.
Etre capable de construire ou
de réinterpréter des formes
par rapport au projet final.
Le virtuose
(Engagement moteur)
Le corps maîtrisé/sublimé
Construire et maitriser un
répertoire varié de formes à
partir de l'exploration du
mouvement, du geste quotidien,
personnel, culturel transformés
selon des composantes du
mouvement: espace, temps et
énergie
Le spectateur
(Celui qui lit/ regarde)
Regarder avec respect
et attention une
chorégraphie
Identifier les
composantes d'une
chorégraphie
Déterminer au-delà de
l'impression générale
un avis argumenté sur
tel ou tel élément,
composante de la
chorégraphie
Développer une culture
artistique
VERS LA CP3
Suite à une réflexion autour des différentes activités (dont la danse fait partie) qui visent à la réalisation d’une prestation à visée acrobatique ou
artistique, nous avons pu déterminer des PASSAGES OBLIGES pour chaque rôle permettant de devenir compétent dans cette CP3.
Quelque soit le niveau de l’élèves, ces PO seront nécessaires à construction de la compétence et guideront donc la démarche d’enseignement autant que le
processus de création.
Ces PO sont à actualiser à chaque niveau des programmes pour les actualiser en termes d’enjeux et de ressources sollicitées.
MOTIF D’AGIR : OSER se confronter à ses propres ressources et au regard des autres
Rôles PO1 PO2 PO3
Acteur
Construire un répertoire de
formes variées Enchaîner des formes Assumer un rôle
Produire ou reproduire des
formes.
Construire des formes seul ou
à plusieurs
Maîtriser des formes de
différentes natures (déplacement,
gestuelles, postures, acrobatie,
équilibre, etc...)
Assurer la
continuité d’un mouvement
(seul)
Enchaîner des
formes en interrelation
Enchaîner des
formes de natures
différentes
Se concentrer et rester concentrer
Jouer son rôle devant un public pendant
tout une prestation
S’engager dans son rôle
Compositeur
S’informer Choisir Organiser
Connaître et reconnaître le
cadre, le code, les formes
Connaître et reconnaître mon
niveau et celui de mes partenaires
Trier les
informations
Utiliser celles
pertinentes pour
sélectionner les éléments
corporels et
scénographiques (analyser,
comparer, hiérarchiser et
faire des liens)
Choisir à plusieurs
(s’exprimer dans le groupe,
accepter les décisions dans
le groupe)
Ordonner dans le temps
Orienter dans l’espace
Relier de façon cohérente (à soi, aux
partenaires, au projet, au cadre, au spectateur)
Distribuer les rôles
Anticiper les imprévus
Spectateur
S’informer Observer Rendre compte
Connaître le cadre, le code, les
formes
Connaître ce que je dois
observer
Connaître l’outil pour observer
Regarder
Se rendre
disponible
Repérer les formes
et la structure (lien
entre connaissances et
actions)
Dire
Justifier, expliquer, argumenter
Les Passages Obligés en danse
Rôles PO1 PO2 PO3
Danseur
Construire un répertoire de
formes variées Enchaîner des formes Assumer un rôle
- Construire des formes corporelles
inédites à partir d'inducteurs
(photos, verbes d'action)
- Construire des formes corporelles
originales à partir du détournement
d'inducteurs (module, verbes
d'action)
- Construire des formes corporelles
collectives et originales grâce au jeu
avec l'espace scénique et avec
l'espace corporel
- Réaliser des formes
corporelles sollicitant
différents appuis et des
coordinations originales
- Réaliser des formes
corporelles à partir d'un
jeu avec le poids du corps
- Réaliser des formes
corporelles collectives et
originales à partir des
différents procédés de
composition
- Réaliser des formes
corporelles en rapport
avec un argument
chorégraphique
- Produire des formes corporelles sollicitant
des coordinations complexes
Nuancer l'énergie et la vitesse d'exécution
pour appuyer l'interprétation et le propos
chorégraphique
Garder un engagement émotionnel convaincu
et engagé
Chorégraphe
S’informer Choisir Organiser
Connaître et reconnaître les
paramètres de l'espace scénique
et corporel
Connaître deux façons de
Réaliser des choix
au niveau de l'espace
scénique pour créer
un espace symbolique
Organiser les paramètres du mouvement
pour construire un parti pris
chorégraphique.
Construire un propos chorégraphique
composer :
début/développement/fin et
couplet/refrain
Réaliser des choix à partir
d'inducteurs.
Connaître et choisir
les différents
procédés de
composition et réaliser
des choix appuyant le
projet chorégraphique
Identifier les
éléments pertinents
en fonction d'un thème
cohérent et affirmé
Réaliser des choix au niveau de la
scénographie en rapport avec le projet
expressif.
Spectateur
S’informer Observer Rendre compte
Reconnaître les paramètres
de l'espace scénique et les
formes corporelles utilisées
Reconnaître les deux façons
de composer :
début/développement/fin et
couplet/refrain
Reconnaître les exigences de
composition
Regarder ses camarades avec
respect
Dépasser le « j'aime/ je
n'aime pas »
Reconnaître les
paramètres de
l'espace scénique
créant l'espace
symbolique
Reconnaître les
procédés de relations
utilisées dans la
chorégraphie
Argumenter sur
l'effet que l'on a
ressenti
Argumenter sur l'effet que l'on a
ressenti en rapport avec le parti pris
chorégraphique.
COMPETENCES ATTENDUES ET CAPACITES DE REFERENCE
NIVEAU 1
Le tableau ci-dessous propose pour chaque rôle l’enjeu de formation spécifique au niveau 1.
Activités DANSE
Compétences
Composer et présenter une chorégraphie collective structurée en enrichissant des
formes corporelles et des gestes simples, en jouant sur les composantes du
mouvement : l’espace, le temps et l’énergie. Maîtriser ses émotions et accepter le
regard des autres.
Observer avec attention et apprécier avec respect les prestations.
LE DANSEUR Construire des formes corporelles originales, simples et inédites
LE CHOREGRAPHE Intégrer et suivre une démarche de création guidée par l’enseignant.
Construire une prestation structurée...
SPECTATEUR Reconnaître les exigences de composition et observer ses camarades avec respect
1. Les connaissances indispensables pour le niveau 1
1. A Les actions corporelles possibles en danse
- Mobiliser les segments : flexion, extension, rotation, circumduction, translation
- Mobiliser le corps entier :
courir, marcher, ramper, glisser
sauter (variété des sauts suivant l'impulsion et la réception ; combinaison multiples avec les segments du corps)
tourner ( idem que saut)
chuter (régulation du processus tonique)
- Le jeu avec la gravité : recherche de l'équilibre et du déséquilibre
A partir de ces paramètres, le danseur crée des formes corporelles.
1. B. Les différentes composantes de l’espace scénique
L’espace scénique est le lieu dans lequel, se construit la danse, c’est l’aire disponible pour le danseur afin qu’il évolue seul ou à plusieurs :
ce peut être une scène dans un théâtre ou bien la rue, un mur d’escalade… quoiqu’il en soit cet espace délimite un champ d’action qui
permet de communiquer avec les spectateurs.
Directions (Devant, derrière, sur le côté, en diagonale)
Orientations / sens (De face, de dos, de profil, de biais)
Trajectoires (Directes ou indirectes)
Niveaux (Du tout en haut au tout en bas)
Plans (Frontal, vertical, horizontal)
Formations géométriques (cercle, carré, colonne, ligne, triangle…)
1. C Les différents procédés de composition
Les différentes propositions chorégraphiques sont régies par des « lois », des règles, définies au préalable qui permettent la mise
en perspective d’un discours
Les procédés, à l'aide du temps et de l'espace, aident le chorégraphe à préciser son intention: moyens , outils du langage
chorégraphique
L’Unisson Réaliser à plusieurs le même mouvement dans le même espace (dans toutes ses dimensions) et en même temps
La Répétition Elle sert à renforcer le propos, à le développer, elle est aussi indicateur de virtuosité
L’Arrêt sur image Lors de la réalisation d’une phrase, s’arrêter dans un mouvement. Cela peut créer un effet de décalage dans le temps
dans un groupe de danseurs ou un effet de rythme dans un solo
Le contraste Il consiste à opposer des extrêmes : vertical/horizontal, lent/rapide, continu/saccadé pour faire ressortir la dualité
La Transposition
Reproduction d’un même mouvement avec une autre partie du corps ou un autre segment du corps, dans un autre
espace, une autre énergie… ou réaliser SANS l’objet ce que j’ai écrit avec l’objet
Le Question /
Réponse
Alternance entre 2 danseurs ou groupes de danseurs. Chacun dansent une phrase, mais par séquences, et en
alternance. Un groupe danse, questionne, avec une phrase et l’autre groupe écoute, à l’arrêt. Puis le deuxième groupe
répond avec une autre phrase et le premier groupe s’arrête pour écouter, etc.…
La Cascade Réalisation d’un même mouvement, bref, en succession, dans un groupe. Cela produit l’effet des dominos qui tombent
en cascade.
Le canon Il permet d’introduire un décalage régulier dans le temps, dans une phrase gestuelle
Le lâcher-
rattraper Il se construit à partir d’un unisson. Il s’agit de quitter et reprendre le travail de l’unisson
Exemple 1 : à partir du module appris
SITUATION 1 : S’échauffer à partir d’un module jouant sur les différents paramètres de l’espace scénique :
Trajets, niveaux, orientations
OBJECTIF DESCRIPTION REMEDIATIONS ou EVOLUTIONS
Construire un répertoire de
formes originales
Inducteur : La reproduction d'un module jouant sur les orientations, les directions et les
niveaux : « le parachutiste hip-hoper »
Organisation : Les élèves sont en quinconce derrière l'enseignant
A. REPRODUIRE (l’enseignant guide) :
- reproduire le module présenté par l'enseignant
- le module comprend différentes orientations, directions, trajets et
niveaux
- pour un niveau 1, il est plus facile pour les élèves de retenir le module si
les gestes sont associés à une histoire
- les actions sont associés à des verbes d'action ce qui donne une
intention au mouvement et une plus grande précision dans les trajets
- donner les moteurs du mouvement
Critères de réalisation : Etre attentif à l’histoire racontée par l’enseignant et
précis dans les trajets moteurs
Critères de réussite : Reproduire le module, enchaîner les formes sans temps
d’arrêt
MATERIAUX CREES : Module
- Jouer sur des supports musicaux variés qui
induisent plus des rythmiques ou des ambiances
(commencer sur une pulsation lente au départ)
- Jouer sur la vitesse d’exécution (rapide /
moyen / lent)
- Varier les trajets (directs, indirects)
INTERVENTIONS :
- Feedback rétroactifs (voir les réponses des élèves et
préciser les directions, orientations et trajets)
-Proposer des trajets indirects (les élèves vont avoir
tendance à n'utiliser que des trajets en angle droit durant
leurs créations)
-Il est possible dans cette situation d'insister sur le moteur
du mouvement (la partie du corps qui est responsable du
mouvement) pour passer d'une posture à une autre
Comment adapter un module ?
Pour un niveau 1, les trajets et les formes doivent être
simples, précis et lisibles avec des formes marquantes (où
commence et se termine le mouvement)
Lorsque vous apprenez un module, il faut savoir faire des
temps d'arrêt pour que l’élève visualise la forme et compare
avec sa réponse.( possibilité de vous servir du miroir pour
comparer)
La situation ne marche pas :
Si les élèves n'adhérent pas, proposez leur de construire
leur propre module à partir de photos qu'ils vont devoir lier
entre elles.
SITUATION 2 : la déconstruction/ reconstruction du module
OBJECTIF DESCRIPTION REMEDIATIONS ou EVOLUTIONS
Explorer différentes actions pour enrichir le
répertoire gestuel pour ensuite les intégrer dans
une chorégraphie collective
ETAPE 1 : A deux, découvrir la déconstruction
/reconstruction d'un module
Inducteur : Le module
Organisation : Les élèves sont répartis par groupes de 2 chaque
groupe travaillant. Répartition libre dans l’espace scénique délimité
Explorer (travail par 2) :
L e travail de déconstruction/ reconstruction peut se réaliser de plusieurs
façons (au choix): les contraintes sont à amener progressivement durant le
cycle. Il est possible de travailler uniquement sur un seul type de
contraintes durant une leçon.
Les verbes d'actions (les intégrer à l'intérieur du module) :●
TOURNER AUTOUR / ECRASER / ETIRER ou ● GLISSER SUR /
SAUTER PAR DESSUS / REPOUSSER (d'autres actions sont
possibles)
Le travail de déformation : changer les orientations, les niveaux, les
directions, les trajets
Possibilité de repartir des mouvements du module mais dans un
ordre différent.
Leur présenter des images (6 maximum) , en sélectionner 3 qu'ils
doivent introduire dans le module.
Les gestes sportifs détournés
Durant le stage, vous avez répondu à la consigne suivante : créer à deux un
module comprenant 3 gestes sportifs, 1 geste du module appris
précédemment et 1 photo.
Composer : Sélectionner la formule la plus originale
L'enchaîner sans temps d’arrêt
Répéter : le duo
MATERIAUX CREES : 1 duo
Situation permettant de montrer aux élèves qu’à partir des mêmes consignes,
les solutions trouvées divergent.
Elève passif (timidité) : s’approcher, l’encourager en
l’aidant à verbaliser les différents possibles pour
chaque consigne
Elèves discutant : les séparer dans l’espace et leur
demander de montrer les solutions trouvées pour
prendre conscience rapidement du travail à fournir
Le travail peut se réaliser en individuel.
INTERVENTIONS :
1. EXPLORATION
Pour obtenir des réponses variées et originales, il est
possible d'intervenir sur les appuis, sur les moteurs du
mouvement et sur la vitesse d'exécution. On peut
également partir d'une attitude originale proposée par
l'enseignant
2. COMPOSITION
Identifier avec les élèves une logique de mouvement
pour trouver les meilleures combinaisons possibles
Proposer des éléments de liaison en identifiant le
moteur du mouvement
3. REPETITION
Lorsque les élèves se lassent de répéter, nous pouvons
jouer sur la musique (ils dansent à nouveau leurs
compositions), ils peuvent se montrer leurs réponses.
ETAPE 2 : Construire un quatuor
Inducteur : les modules créés par les élèves
Organisation : Par 4, 2 duos ensemble. (répartis dans l’espace de
façon équilibrée) Composer : Se montrer et s’apprendre mutuellement les duos (les
mettre bout à bout ou sélectionner le meilleur de chaque duo et assembles
les parties sélectionnées) Répéter : ce quatuor, faire sortir un élève du quatuor en tant que
spectateur pour vérifier si les danseurs sont bien à l’unisson
Présenter : à la classe
Critères de réussite : Réaliser le quatuor sans interruption à
l’unisson, commencer et terminer ensemble. MATERIAUX CREES : 1 quatuor
Elèves rapidement inactifs (se contentent de le faire 1
ou 2 fois !) : leur demander de montrer leur séquence et
être attentif aux indicateurs suivants :
- Trous de mémoire, nombreux arrêts
- Parlent entre eux
- Regard direct sur les autres danseurs
Mouvements étriqués
SITUATION 3 : Quatuor « revisité » à partir de contraintes liées à l’ESPACE
OBJECTIF DESCRIPTION REMEDIATIONS ou
EVOLUTIONS
Enrichir le
quatuor en
jouant sur
l’espace :
Place sur
scène,
volumes,
niveaux,
orientations,
trajets
Observer la
prestation d’un
groupe et
relancer la
création
ETAPE 1 : Quatuor « revisité »
Inducteur : le quatuor
Organisation : par groupe de 4
- Explorer Composer : Trouver des solutions pour adapter la composition initiale aux contraintes demandées.
Contraintes liées aux éléments suivants :
● les NIVEAUX : haut, moyen, bas
les ORIENTATIONS : devant-derrière, droite-gauche, sol-plafond, diagonale
les TRAJETS : tracer une ligne, un cercle, un zigzag (directs ou indirects)
les VOLUMES : danser grand ou petit ; ouvert/fermé, dans les différents plans
Les DIRECTIONS : devant , derrière, sur le côté , en diagonale
LES LIEUX : fond de scène, côté cour, côté jardin, avant de scène, dans un coin, au centre…
LES FORMES : ligne, triangle, cercle, carré, forme inventée, lettre de l’alphabet
Contrainte 1 : dans chaque chorégraphie, doivent apparaître une orientation de dos et de profil et 2 espaces occupés différents
Contrainte 2 : dans chaque chorégraphie, doivent apparaître 2 volumes différents et les 3 niveaux
Contrainte 3 : dans chaque chorégraphie, doivent apparaître 2 directions différentes et 2 trajets différents.
Contrainte 4 : dans chaque chorégraphie, doivent apparaître 2 formes géométriques différentes.
Répéter : ce quatuor
Présenter : à la classe
● Jouer sur le nombre de contraintes en
fonction du niveau des élèves et de leurs
motivations
INTERVENTIONS :
1 EXPLORATION/COMPOSITION
La contrainte fait que les élèves vont
déconstruire leurs compositions initiales. Il faut
les aider en n'hésitant pas à supprimer certains
gestes ou transformer dans leurs formes et leurs
trajets certains mouvements.
2 REPETITION
Durant cette phase, l'enseignant devra gommer
les gestes parasites, permettre aux élèves
d'identifier les orientations et un début /une fin
ETAPE 2 : Remédiation Chaque groupe a la responsabilité d’observer particulièrement un autre groupe à partir d’une fiche, afin
d’améliorer et d’enrichir la prestation du groupe.
Présenter à nouveau sa composition pour identifier l’évolution de la prestation après remédiation.
● Support musical choisi au hasard
● Faire passer les quatuors ayant les mêmes
contraintes à la suite pour identifier les
différents traitements et choix possibles.
ETAPE 2 : DUO
EXPLORER : EXPLORER LE MODULE A PARTIR DE
DIFFERENTS INDUCTEURS (photos, verbes d'action,
ordre des formes corporelles, gestes sportifs…)
COMPOSER : ● COMPOSER UNE NOUVELLE FORMULE
DU MODULE A 2.
● L'ENCHAINER SANS TEMPS D’ARRET, EN AJOUTANT
SI NECESSAIRE DES ELEMENTS DE LIAISON
REPETER : CE DUO
REALISER LE DUO SANS INTERRUPTION A
L’UNISSON, COMMENCER ET TERMINER ENSEMBLE
ETAPE 3 : QUATUOR
COMPOSER : ● SE MONTRER ET S’APPRENDRE
MUTUELLEMENT LES DUOS (ou une partie)
● CHOISIR UN ORDRE POUR METTRE BOUT A BOUT
LES DUOS.
REPETER : CE QUATUOR
FAIRE SORTIR UN ELEVE EN TANT QUE
SPECTATEUR POUR VERIFIER L’UNISSON
ETAPE 4: QUATUOR « revisité »
EXPLORER COMPOSER : TROUVER DES SOLUTIONS
POUR ADAPTER LA COMPOSITION AUX CONTRAINTES
LIEES A L’ESPACE
TRANSFORMER LA COMPOSITION INITIALE ET/OU
AJOUTER DES LIAISONS POUR QUE LES MOUVEMENTS
S’ENCHAINENT DE MANIERE LOGIQUE
REPETER : CE QUATUOR
Découvrir les différents procédés de composition
et intégrer les contraintes liées au temps
ETAPE 1 : A quatre, découvrir les relations possibles
entre danseurs
Inducteur : Le module et les vidéos
Organisation : à partir d’un module appris, les élèves vont
découvrir les relations possibles entre danseur. Un outil pédagogique
intéressant est de montrer les procédés de composition par la vidéo.
L’espace est réparti en 4 scènes. Chaque scène représente un
monde : le monde du « domino » (cascade), le monde du « je vous
lâche et je vous rattrape » (lâcher et rattrapé); le monde du
« battle » (questions/réponse) ; le monde du « je m’isole et je suis
différent » (Le contrepoint)
Explorer (ensemble du groupe) : Différentes façons d’explorer les procédés de composition existent.
- Vivre le procédé de composition avec l’enseignant comme
guide: ici « le lâcher-rattrapé », l’enseignant dirige la
réalisation d’un module (le parachutiste hip hoper). Le travail
va plus loin en qualité : déséquilibre, relais du mouvement,
rapidité d’exécution. Les étudiants doivent toujours être au
minimum 6 sur scène. Par contre, ils peuvent sortir et rentrer
sur scène quand ils veulent.( exemple vécu durant le stage)
- Vivre le procédé à partir de contraintes temporelles :
Créer un contrepoint à partir du module : 3 personnes dans la
chorégraphie doivent réaliser le module à une vitesse
déterminée tandis que celui qui est isolé doit le réaliser à une
vitesse très lente. Le but de la situation est de commencer et
finir ensemble : le groupe de 3 réalise le module 3 fois tandis
que celui qui est tout seul le réaliser une fois (Le même
principe est possible avec des mouvements différents).
Visualiser ensuite « le sacre du printemps de P.BAUSCH ou
« the Roots » de Kader Attou pour illustrer le contrepoint
- Visualiser le procédé et ensuite le vivre dans un
aménagement de la chorégraphie : Visualiser « la cascade » à
partir d’un extrait vidéo : « Falling Angels » de J.KYLIAN et
ensuite donner comme contrainte de retrouver 3 moments de
cascade dans la chorégraphie précédente (exemple vécu durant
le stage)
- « La répétition », « le crescendo » : idem que pour la cascade à
partir d’un extrait vidéo « Café Muller » de P.BAUSCH.
Composer : Expérimenter dans la chorégraphie précédente les
procédés de composition dans chacun des mondes
Répéter : la chorégraphie avec les procédés de composition
INTERVENTIONS :
1. La cascade : identifier le début et la fin du
mouvement pour réaliser sans temps d’arrêt ce procédé
et permettre un effet d’écho
2. Le lâcher / rattrapé : identifier pour celui qui va
réaliser le lâcher rattrapé le moment d’anticipation
pour rentrer dans le groupe
3. Le question/réponse : identifier la fin du mouvement
du groupe opposé pour renforcer l’effet de duel par une
réponse rapide
4. Le contrepoint : Accentuer l’effet d’isolation par le
placement sur scène et par le contraste entre les
groupes dans le temps
Les procédés de composition font appel à une notion
fondamentale en danse : l’écoute. Cette dernière est un
état de réceptivité permettant de prendre des
informations sur son corps, le corps de l’autre et
l’environnement. L’élève gère alors une contradiction :
être concentré sur sa propre réalisation et rester
réceptif aux mouvements des autres.
.
ETAPE 2 : Construire un quatuor
Inducteur : les modules et les créations des élèves
Organisation : Par 4, tirer au sort une contrainte
Composer : composer à partir des contraintes
Répéter : Montrer ce quatuor à un autre groupe
Présenter : à la classe
Critères de réussite : Réaliser le quatuor avec un début et une
fin identifiable, des choix au niveau de l’espace scénique et des procédés de
composition. MATERIAUX CREES : 1 quatuor
1
- 1 niveau bas
- 1 orientation de
dos
- 1 trajet courbe
- 1 orientation de
profil
- 1 contrepoint
1
- 1 niveau bas
- 1 orientation de
dos
- 1 trajet courbe
- 1 orientation de
profil
- 1 lâcher rattrapé
1
1 niveau bas
1 orientation de
dos
1 trajet courbe
1 orientation de
profil
2
- 1 niveau bas
- 1 orientation
diagonale
- 1 niveau haut
- 1 trajet lignes
brisées
- 1 Contrepoint
2
- 1 niveau bas
- 1 orientation
diagonale
- 1 niveau haut
- 1 trajet lignes
brisées
- 1
question/réponse
2
- 1 niveau
bas
- 1
orientation
diagonale
- 1 niveau
haut
- 1 trajet
lignes brisées - 1
Lâcher/Rattrapé
3
- 1 niveau bas
- 1 orientation de
profil
- 1 trajet en ligne
directe
- 1 orientation
diagonale
3
- 1 niveau bas
- 1 orientation de
profil
- 1 trajet en ligne
directe
- 1 orientation
diagonale
3
- 1
niveau
bas
- 1
orientati
on de
profil
- 1
trajet en
ligne
directe
- 1
orientati
on
diagonale
N1 N2
ORIENTATION
S
Restent
exclusivement
de face
Utilisent
plusieurs
orientations
NIVEAUX Exploitent 1 seul
niveau
Exploitent au
moins 2 niveaux
identifiables
TRAJETS Trajets mal
définis
Formes des
trajets visibles
PROCEDES Hésitant Réaliser avec
continuité et
surprennent le
spectateur
Donner 2 consignes au groupe
observé, pour lui permettre
d’exploiter l’ensemble des éléments
et d’enrichir la composition
1-
2-
Fiche Evaluation
NIVEAU 1 : chorégraphie de 1’30 environ de 4 élèves.
CAPACITES
REFERENCE
Niveau non acquis
En cours d’acquisition Acquis
CHOREGRAPHE
Sur 8 points
Niveau non acquis
0 à 3)
HORS DU CADRE
Cadre de composition non
respecté.
Pas de début, ou
développement ou fin
La gestuelle reste
stéréotypée.
Aucun procédé de composition
En cours d’acquisition
(3,5 à 6)
CADRE SCOLAIRE
Cadre respecté.
Installe un début et une fin
mais le développement est
séquencé, découpé.
Au moins un procédé de composition
bien réalisé
Acquis
(6,5 à 8)
PERTINENT
Cadre respecté et réel
développement, les liaisons
sont cohérentes.
Le traitement de l'espace est varié et
riche
2 procédés composition qui créent des
moments fors dans la chorégraphie
DANSEUR
Sur 10 points
Niveau non acquis
0 à 3)
NI CONCENTRE NI A
L’ECOUTE
Réalisation monocorde et
étriquée.
Danse seul et ne tient pas
compte de ses partenaires.
Nombreux gestes
parasites.
CONCENTRE SCOLAIRE
(3 à 7)
Effort de précision
gestuelle, quelques
accents.
L’amplitude est partielle.
Tient compte de ses
partenaires proches,
regard placé.
Acquis
(7,5 à 10)
VIT SA DANSE
Gestuelle précise et ample.
Joue sur les contrastes
simples.
A l’écoute de tous ses
partenaires
Regard animé.
SPECTATEUR
sur 2 points
Niveau non acquis
0 à 0,25)
IRRESPECTEUX
Bavarde, rit.
Aucune mise en relation
entre la prestation et les
critères.
. En cours d’acquisition
0,5 à 1)
RESPECTEUX ET PARTIEL
Se concentre .
Identifie certains critères
dans la prestation.
Acquis
1,5 à 2)
RESPECTEUX ET EXHAUSTIF
Concentré et attentif.
Met en relation tous les critères
avec la prestation
NIVEAU 2/3.
Activités DANSE
Compétences
Niveau 2
Composer et présenter une chorégraphie collective en choisissant des procédés de
composition et des formes corporelles variées et originales en relation avec le projet
expressif.
Apprécier les prestations de façon argumentée à partir de quelques indicateurs simples.
Niveau 3
Composer et présenter une chorégraphie collective à partir d’un thème d’étude proposé par
l’enseignant, en faisant évoluer la motricité usuelle par l’utilisation de paramètres du
mouvement (espace, temps, énergie), dans un espace scénique orienté.
Apprécier le degré de lisibilité du thème d’étude et l’interprétation des élèves danseurs
LE CHOREGRAPHE
Utiliser celles pertinentes pour
sélectionner les éléments corporels et
scénographiques (analyser, comparer,
hiérarchiser et faire des liens)
LE DANSEUR
Interprète
Registre émotionnel
Contraster son interprétation (attitude,
démarche, rythme) pour se différencier des
partenaires
Réinterpréter un élément, une forme vis-à-
vis du projet expressif
Virtuose
Registre moteur
Enrichir le répertoire moteur en cherchant
la variété et l’originalité
Entrer en relation avec ses partenaires par
différents points de contact, des jeux de
contrepoids et des porters.
- Coordonner ses actions avec celles des
autres à travers l’utilisation de procédés de
composition : unisson, arrêts sur image,
contrastes, transposition
LE SPECTATEUR Repérer les éléments constituant la
prestation pour argumenter son avis
Le processus de création Inducteurs Exploration Composition Répétition Présentation
Le reproduire Variés et élargis (photo,
thématique, texte)
Variée (intégration,
déformation,
illustration…)
Choisir parmi différents
possibles Guidée
Aller vers la présentation
seul en scène
NIVEAU 2
1. Les connaissances indispensables pour le niveau 2
1. A L’ESPACE CORPOREL est cette la bulle entourant directement le corps qui nous permet de construire et de conduire nos formes
corporelles ; cet espace proche devient un lieu de relation quand un autre danseur l’investi soit partiellement (être près d’autrui) soit
totalement
1. B LA RELATION est un système de communication entre danseurs qui leur permet d’échanger, d’améliorer ou du mieux conduire le
projet du chorégraphe : ces relations sont multiformes (être en relation dans l’espace – duo/duo par exemple- relation dans le temps-
réaliser une forme en cascade.) Nous choisirons aujourd’hui la relation proche.
Ces deux paramètres favorisent l’écoute, l’amélioration de la prise en compte des autres, la décentration et le développement des
prises d’informations kinesthésiques. Ainsi le projet mené devient plus partagé et les formes s’enrichissent.
L’idée étant de travailler autour d’un thème valorisant l’écoute et l’énergie (la fluidité)
2. L’ESPACE SYMBOLIQUE
Organisé par des lignes de FORCE
• Le cercle: symbolise l’union
• La diagonale exprime le devenir ou la passé (en fonction du sens)
• La perpendiculaire est un discours entier, symbolise l’affrontement
• La parallèle retranche le danseur du public, évoque l’indifférence
• Le zigzag inscrit l’incertitude, l’hésitation
• La spirale évoque l’angoisse….
3. LA SYMBOLIQUE DES PROCEDES DE COMPOSITION
- L’unisson: évoque l’union et la force du groupe
- Le canon: permet l’écho
- Le question/réponse: la dualité, la mise en évidence de la singularité, la réponse
- Le contre point: l’isolation, la mise en évidence d'un propos
- La répétition: accentue un propos, facilite la lecture du spectateur
- Le lâcher rattrapé: le détachement et le retour
3 exemples sont proposés
- A partir de l’exploration de verbes d’action
- A partir d’un module appris
- A partir de photos
EXEMPLE 1
SITUATION 1 : S’échauffer en entrant en relation avec ses partenaires
OBJECTIF DESCRIPTION REMEDIATIONS ou EVOLUTIONS
Entrer
progressivement
en relation avec
ses
partenaires : à
distance et par
le contact
Inducteur : consignes / RELATIONS à distance et en contact
Organisation : répartition dans tout l’espace disponible
EXPLORER (l’enseignant guide) :
Par 2, marcher sur la musique et répondre aux différentes consignes.
RELATION à DISTANCE : MARCHER
- Côte à côte
- L’un derrière l’autre
- Vers l’arrière
- A mi-hauteur
Changer régulièrement la personne devant
- Se déplacer au sol
- Jouer sur la vitesse (marcher vite/lentement)
- Jouer sur le regard (au ciel, derrière, changer d’épaule)
- « Faire pareil »
RELATION en CONTACT : MARCHER
- Quand la musique s’arrête, celui qui est derrière entre en contact avec celui qui est devant par un
contact simple
- Idem : s’appuyer sur celui qui est devant
- Lâcher de plus en plus de poids
- S’appuyer avec une partie du corps différente à chaque fois
- Celui qui reçoit doit aussi changer de position (donner le nombre de contact avec le sol 2/4/5/3)
Jouer sur des supports musicaux variés qui influencent le
type de contact et la qualité des points de contact.
Possibilité de changer de partenaire pour explorer
davantage les possibles OU de conserver le même
partenaire pour développer une plus grande confiance entre
les élèves
INTERVENTIONS :
Le contact peut se faire avec des parties du corps que les élèves
n'ont pas l'habitude d'utiliser
Nous devons apprendre à placer et à retenir ou lâcher le poids en
fonction de l'attitude du partenaire
Sortir de la structure par une partie du corps (moteur du
mouvement)
La situation ne marche pas :
Partir de 3 structures (2 partenaires en contacts) et les lier entre
elles
BILAN : A une même consigne, plusieurs réponses possibles l’important c’est l’engagement dans l’action Critères de réalisation : Etre attentif aux consignes et précis dans les réponses proposées
SITUATION 2 : Se rencontrer dans une bulle imaginaire
OBJECTIF DESCRIPTION REMEDIATIONS ou EVOLUTIONS
Investir l’espace
proche de son
partenaire en jouant
sur différents types
de contact
ETAPE 1 : Jouer sur la nature du contact
Inducteur : Consignes / nature des CONTACTS
Organisation : Par 2 en quinconce, en face à face, espacés d’environ 3 mètres (espace de la bulle).
. A est déjà dans la bulle
. B entre dans la bulle
Explorer (l’enseignant guide) : L’enseignant donne des consignes (cf. Fiche consignes) pour :
. Entrer dans la bulle
. Former la posture en contact
. Sortir de la bulle
ETAPE 2 : Jouer sur les poids du corps pour aller jusqu’aux contres-poids
et aux porters
Inducteur : Consignes
Organisation : Par 2 en quinconce, en face à face, espacés d’environ 3 mètres (espace de la bulle). . A est déjà dans la bulle ou non
. B entre dans la bulle
Explorer (l’enseignant guide) : L’enseignant donne des consignes (cf. fiche consignes) pour :
. Entrer dans la bulle
. Agir en contrepoids ou porter
. Sortir de la bulle
ETAPE 3 : Créer un duo sur le thème « rencontre dans une bulle
imaginaire »
Inducteur : l’exploration du duo
Organisation : Par 2
Explorer Composer : . Choisir 5 formules parmi celles proposées (cf. les 2 fiches consignes)
. Organiser, agencer les formules choisies
. Installer un jeu de question/réponse (procédé de composition) en changeant les rôles A/B
Répéter : ce duo
Présenter : à la classe, 2 duos ensemble
MATERIAUX CREES : 1 duo comprenant des jeux de relations en contact.
INTERVENTIONS :
Insister sur la partie du corps responsable de l'entrée et de la
sortie dans la bulle
Considérer le corps de l'autre comme un matériau sur lequel la
partenaire peut se poser, rebondir, lâcher, être porté...
Jouer sur les différents registres de relation pour créer une
communication entre danseurs
La situation ne marche pas :
Si le contact pose problème, privilégier des contacts spécifiques
(DOS/DOS, côté du corps contre dos...)
Prendre comme inducteur des photos privilégiant les contacts (voir
liste)
Mettre en scène l’entrée et la sortie de la bulle
ETAPE 1 : Nature des contacts
● A est dans la bulle (position neutre)
● B vient à la rencontre de A puis repart
COMMENT Y ALLER INTERACTION COMMENT REVENIR EN MARCHANT Le regarder par
dessus
EN RECULANT
EN S’ETIRANT Point de
contact
EN TOURNANT
EN COURANT S’imbriquer EN QUADRUPEDIE
EN RAMPANT Se cacher
tout près
EN CATIMINI
● Changer les rôles
● A propose différentes positions
EN TOURNANT Point
de contact
EN S’ETIRANT
PAR UNE PARTIE
DU CORPS
S’appuyer
AU SOL
EN QUADRUPEDIE
S’imbriquer EN MARCHANT
EN GLISSANT Le regarder par
dessous
EN RECULANT
ETAPE 2 : JEUX / POIDS DU
CORPS
● Changer les rôles
● A propose différentes positions
COMMENT Y ALLER INTERACTION COMMENT REVENIR EN PASSANT
AU SOL
Entrer en contact puis pousser
l’autre en dehors de la bulle
sans perdre le point de contact
EN
MARCHANT
EN S’ETIRANT
Se déverser puis A
accompagne B au sol
EN
ARRIERE, AU
SOL
EN
TOURNANT
Soulever A et le reposer
(tout ou une partie du corps)
EN
GLISSANT
● Changer les rôles
● A propose différentes positions
LIBRE Contre-poids
LIBRE
LIBRE
Porter A ou faire
glisser A en dehors
de la bulle
LIBRE
A ET B
EN COURANT
Se repousser
A ET B
EN COURANT
ETAPE 3 : CREER UN DUO
« Rencontre dans une bulle imaginaire »
Explorer Composer :
● CHOISIR 5 FORMULES PARMI CELLES PROPOSEES
(cf. les 2 fiches consignes)
● ORGANISER, AGENCER LES FORMULES CHOISIES
● INSTALLER UN JEU DE QUESTIONS/REPONSES EN
CHANGEANT LES ROLES A/B
● S’ENGAGER EN CONTINU
REPETER : CE DUO
ETAPE 4 : CREER UN QUATUOR
« Rencontre dans une bulle imaginaire »
Explorer Composer :
● SE MONTRER LES DUOS ET S’APPRENDRE UNE
PARTIE DE CES DUOS POUR COMMENCER
SEPAREMENT, CONTINUER A L’UNISSON ET
TERMINER ENSEMBLE.
● SELECTIONNER / TRIER / ORGANISER /
AGENCER LES DUOS POUR GARDER LES
PROPOSITIONS LES + PERTINENTES
REPETER : CE QUATUOR
ETAPE 5 : PROCEDES DE
COMPOSITION
Explorer Composer :
● Enrichir le duo en intégrant 3 procédés de composition :
- Arrêt(s) sur image
- Contraste (lent/rapide – continu/saccadé)
- Transposition (dans l’espace)
REPETER : CE QUATUOR
Présenter : à la classe
EXEMPLE 2
SITUATION 1 : S’échauffer en entrant en relation avec ses partenaires
Inducteur : La reproduction d'un module jouant sur les moteurs du mouvement et
l’enchaînement des actions Organisation : Les élèves sont en quinconce derrière l'enseignant
A. REPRODUIRE (l’enseignant guide) :
- reproduire le module présenté par l'enseignant
- le module comprend différents relais moteurs
- pour un niveau 1, il est plus facile pour les élèves de retenir le module si les gestes sont associés à
une histoire
- les actions sont associés à des verbes d'action ce qui donne une intention au mouvement et une
plus grande compréhension des coordinations
- insister sur les moteurs du mouvement
Critères de réalisation : Etre précis sur les relais moteurs et sur les coordinations logiques du corps (
moteur du mouvement)
MATERIAUX CREES : Module
- Jouer sur des supports musicaux variés qui
induisent plus des rythmiques ou des ambiances (commencer
sur une pulsation lente au départ)
- Jouer sur la vitesse d’exécution (rapide / moyen /
lent)
- Varier les trajets (directs, indirects)
INTERVENTIONS :
Comment adapter un module ?
Pour un niveau 2, les trajets, les formes et les coordinations
deviennent plus complexes. Nous jouons sur les mêmes paramètres
que le niveau 1(appuis et trajets) mais de manière plus difficile. Par
exemple, les appuis sont plus instables et les trajets plus tortueux.
La situation ne marche pas :
Si les élèves n'adhérent pas, proposez leur de construire leur propre
module à partir de photos qu'ils vont devoir lier entre elles.
OBJECTIF DESCRIPTION REMEDIATIONS ou EVOLUTIONS
Entrer progressivement en relation avec ses
partenaires : à distance et par le contact
Inducteur : le module
Organisation : élève seul au départ puis groupe de 2
REPRODUIRE (l’enseignant guide) :
Les élèves sont en quinconce derrière l'enseignant.
Ils reproduisent avec exactitude le module
Après cette phase d'échauffement et de reproduction, introduire
la consigne suivante : par 2, trouver 4 points de contacts différents
en réalisant le module à 2 (possibilité de trouver des éléments de
liaison pour faciliter les contacts) et donc de ne pas toujours
danser à l'unisson)
Pour faire évoluer la RELATION en CONTACT
Idem : s’appuyer sur celui qui est devant
Lâcher de plus en plus de poids
S’appuyer avec une partie du corps différente à
chaque fois
- Celui qui reçoit doit aussi changer de position (donner le nombre de
contact avec le sol 2/4/5/3)
- Jouer sur des supports musicaux
variés qui influencent le type de contact et la
qualité des points de contact.
- Possibilité de changer de partenaire
pour explorer davantage les possibles OU de
conserver le même partenaire pour développer
une plus grande confiance entre les élèves
INTERVENTIONS :
Le contact peut se faire avec des parties du corps que
les élèves n'ont pas l'habitude d'utiliser
Nous devons apprendre à placer et à retenir ou lâcher
le poids en fonction de l'attitude du partenaire
Sortir de la structure par une partie du corps (moteur
du mouvement)
La situation ne marche pas : idem que le niveau 1 ;
laisser la possibilité aux élèves de construire leur
module à partir de photos.
BILAN : A une même consigne, plusieurs réponses possibles l’important
c’est l’engagement dans l’action Critères de réalisation : Etre attentif aux consignes et précis
dans les réponses proposées
Investir l’espace proche de son partenaire en
jouant sur différents types de contact
ETAPE 1 : Jouer sur la nature du contact
Inducteur : Consignes / nature des CONTACTS
Organisation : Par 2
.
Explorer (l’enseignant guide) : L’enseignant donne des consignes
(cf. Fiche consignes) pour :
A partir du module, illustrer les consignes
contacts donnés par l'enseignant (possibilité de
trouver des éléments de liaison pour faciliter le
contact, l'unisson est obligatoirement cassé)
Si l'exercice est trop complexe, donner à un
des 2 partenaires, la consigne suivante: réaliser les
actions : passer dessous, dessus, s'enrouler, tourner
autour, passer dedans, se coller...) pendant que mon
partenaire danse
ETAPE 2 : Jouer sur les poids du corps pour aller
jusqu’aux contres-poids et aux porters
Inducteur : Consignes
Organisation : Par 2
Explorer (l’enseignant guide) : L’enseignant donne des consignes sur
les jeux et poids du corps (cf. Fiche)
.
ETAPE 3 : Créer un duo sur le thème «accroche/
décroche »
Inducteur : l’exploration du duo
Organisation : Par 2
Explorer Composer : - Choisir 6 formules parmi celles proposées (cf. les
2 fiches consignes)
- Organiser, agencer les formules choisies
- Installer un jeu de question/réponse (procédé de composition) en changeant les
rôles A/B
Répéter : ce duo
Présenter : à la classe, 2 duos ensemble
MATERIAUX CREES : 1 duo comprenant des jeux de relations en contact.
INTERVENTIONS :
Insister sur la partie du corps responsable de
l'entrée et de la sortie dans la bulle
Considérer le corps de l'autre comme un
matériau sur lequel la partenaire peut se poser,
rebondir, lâcher le poids, être porté...
Jouer sur les différents registres de relation
pour créer une communication entre danseurs
La situation ne marche pas :
Si le contact pose problème, privilégier des
contacts spécifiques (DOS/DOS, côté du corps
contre dos...)
Prendre comme inducteur des vidéos ou photos
privilégiant les contacts (voir liste)
EXEMPLE 3
SITUATION 1 : Entrer en contact à partir des photos
OBJECTIF DESCRIPTION REMEDIATIONS ou EVOLUTIONS
Investir l’espace
proche de son
partenaire en jouant
sur différents types
de contact
ETAPE 1 : Reproduire les photos
Inducteur : Les photos
Organisation : Sélectionner 4 photos parmi les 7 et les reproduire
ETAPE 2 : Lier les photos entre elles
Organisation : Lier les 3 photos entre elles en respectant l’ordre suivant :
Une entrée en trajet indirect :
Tourner autour
Photo 1
Liaison en passant dessous
Photo 2
Liaison en passant dessus
Photo 3
Liaison en passant dedans
Photo 4
S’enrouler
Sortie de scène idem que l’entrée.
Répéter : ce duo
Présenter : à la classe, 2 duos ensemble
MATERIAUX CREES : 1 duo comprenant des jeux de relations en contact.
INTERVENTIONS :
La situation ne marche pas :
Si le contact pose problème, privilégier des contacts spécifiques
(DOS/DOS, côté du corps contre dos...)
Ne pas hésiter à adapter la photo en fonction du niveau des élèves
(changer le contact, rajouter un appui, déconstruire la forme…)
Les faire travailler à 3 pour plus de facilité
2. Les connaissances indispensables pour le niveau 2
Deux notions de temps peuvent être distinguées selon l’organisation temporelle :
La structuration métrique basée sur la régularité de la pulsation et qui s’apparente à la structuration de la musique. Ses
différents éléments sont considérés internes ou externes selon que la structuration temporelle émane du mouvement du
danseur, sans accompagnement, ou qu’elle soit sous jacente à un accompagnement sonore.
La structuration non métrique basée sur la durée qui contrairement à la pulsation (valeur absolue) a une valeur relative. Les
éléments qui la constituent sont identifiés en terme de vitesse.
La structuration métrique
Elle est basée sur la régularité de la pulsation et s’apparente à la structuration musicale.
Elle peut être :
- interne : la structuration temporelle émane du mouvement du danseur sans
accompagnement sonore extérieur ;
- externe : la structuration temporelle correspond dans un premier temps à la
perception d’éléments sonores et à leur traduction en mouvement.
Qu’elle soit interne ou externe les éléments qui la constituent sont les suivants :
- La pulsation : élément fondamental de la structuration métrique du temps, elle
correspond à un battement régulier, continu et uniforme.
- L’accent : il ponctue la phrase musicale ou corporelle. Il se greffe à une pulsation
ou à une valeur de temps qui devient accentuée. Par sa répétition et sa périodicité
il permet de structurer la mesure.
- La mesure : elle est fortement liée à l’accent. C’est un regroupement d’un certain
nombre de pulsations autour d’un accent principal revenant à intervalle régulier
(mesure à 2,3,4,5, temps et plus) .
- Le rythme : il se structure sur la pulsation, les accents et la mesure. Le rythme
joue sur l’organisation et la modification de ces éléments.
La structuration non métrique
Elle est liée à la notion de durée.
Les éléments qui la constituent sont identifiés en terme de vitesse :
- vite : le mouvement est exécuté rapidement avec diminution de la durée du
mouvement.
- Lent : le mouvement est ralenti avec augmentation de la durée du mouvement.
- Accéléré : augmentation progressive et contrôlée de la vitesse d’exécution.
- Décéléré : diminution progressive et contrôlée de la vitesse d’exécution.
Pour parvenir à une danse qui trouve sa propre musicalité, nous passons par le étapes suivantes :
PRISE DE CONSCIENCE DE SES PROPRES RYTHMES
INTERNES (cardiaque – respiratoire – rythme déplacement).
JEU SUR LE PLACEMENT D’ACCENTS dans le
mouvement : saut – changement de direction – mouvement
d’un segment – changement d’énergie – arrêts.
JEU SUR LA DUREE DU MOUVEMENT et ses
contrastes :
→ vite – lent ;
→ accéléré – décéléré
PRODUCTION DES ELEMENTS SONORES avec le corps par
des frappers – sauts – sautillés – course – sons…
Pour parvenir à une danse qui entretient une relation dialoguée ou contrastée avec la musique, nous passons par les étapes suivantes :
RECONNAITRE ET RERODUIRE LA PULSATION
DE LA MUSIQUE par le mouvement :
→ jouer sur des intervalles de durée différentes, sur
différentes pulsations ;
→ conserver la régularité de la pulsation dans des
déplacements.
RECONNAITRE ET JOUER SUR LES ACCENTS DE
LA MUSIQUE dans le mouvement :
→ reproduire les accents par un saut, un changement de
direction, un arrêt… ;
→ décalage de l’accent musical et de l’accent corporel.
RECONNAITRE ET REPRODUIRE LA STRUCTURE
MUSICALE dans le mouvement.
EXEMPLE : La danse reproduit dans sa construction les
moments de couplets et de refrains de la musique.
TRADUIRE PAR LE MOUVEMENT (formes – dynamismes
- relation aux autres), les paroles et le climat de la musique.
TRADUIRE PAR LE MOUVEMENT, LA VITESSE de la
musique :
→ faire lent quand la musique est lente ;
→ faire vite quand la musique est rapide.
ETABLIR UN RAPPORT CONTRASTE entre le
mouvement est la musique :
→ faire lent quand la musique est rapide ;
→ faire vite quand la musique est lente.
OBJECTIF DESCRIPTION REMEDIATIONS ou EVOLUTIONS
Danser sur
une
structure
métrique et
apprendre à
se repérer
dans le
temps
ETAPE 1 : Jouer sur la structuration métrique
Inducteur : les verbes d’action et la structuration métrique
Organisation : Tous en dispersion dans la salle, musique « A Beautiful Mine »
Explorer (l’enseignant guide) : Se déplacer en développant un système d’écoute lié
aux mondes sonores
Réaliser les actions suivantes : marcher (en changeant de direction tous les X temps),
courir, s’immobiliser, descendre au sol, sauter sur différents temps dans une
structuration métrique.
Se déplacer sur des trajectoires directes ou indirectes
ETAPE 2 : Créer un duo ou trio à partir des verbes d’action : « marcher,
courir, sauter, s’immobiliser, descendre au sol »
Organisation :
Explorer Composer : Créer et composer un module sur 3 fois 8 temps organisée autour
des verbes « MARCHER, COURIR, S’IMMOBILISER, SAUTER, CHUTER » à partir de la
musique « A beautiful mine » Exemple de contraintes :
Dans chaque chorégraphie, les étudiants doivent utiliser la structuration métrique
- « Marcher » est une action qui permet de rentrer sur scène par exemple, ou bien elle se fait à
l’unisson ou en cascade pour donner une sensation.
- Chaque danseur entre sur scène avec une direction et un trajet différent.
« Courir » se réalise à l’unisson
Chaque action doit avoir une direction bien marquée et identifiable par le spectateur : marcher
en avant sur une diagonale ; courir en trajet curviligne, s’immobiliser de joie ou de
terreur…l’intention sert le mouvement et le guide dans sa dynamique de construction
L’espace d’évolution est vivant, orienté, investi de façon consciente.
Fixer, stabiliser une proposition
Répéter : ce duo ou trio
Présenter : à la classe
INTERVENTIONS :
Les interventions vont essentiellement se réaliser sur le système
d’écoute de l’élève pour qu’il puisse identifier la pulsation de la
musique.
Par ailleurs, les élèves doivent détourner les verbes d’action. Par
exemple, marcher peut de se réaliser de X façons : sur demi-pointe,
en flexion, vers l’arrière, avec un tour…
Les verbes d’action deviennent plus complexes : glisser, tourner,
dégouliner, exploser, se tordre, s’enrouler…
La situation ne marche pas :
-Garder le même principe de fonctionnement à la seule différence
que l’on repart d’un module. Les différentes actions se réalisent sur
différents temps.
-Proposer une autre musique qui motive plus les élèves
Lorsque les élèves créent leurs duos, il faut leur laisser du temps de
création pour qu’ils puissent réaliser la transformation suivante :
Passer d’une danse appliquée, concentrée en rythme avec la musique
à une danse vivante et précise dans le temps
Découvrir et
intégrer les
différentes
possibilités
de jeu avec
la musique
pour entrer
dans un
univers
sonore
ETAPE 1 : Découvrir le jeu avec la musique
Inducteur : le module
Organisation : à partir d’un module appris, les élèves vont réaliser les consignes
d’exploration suivantes :
Explorer (l’enseignant guide) :
1. réaliser le module en jouant sur l'énergie pour produire un accent corporel (
changement de direction , changement d’intensité, saut) traduisant l'accent
musical (musique : « L’Hiver » des « Les 4 saisons de Vivaldi », musique hip
hop)
2. traduire corporellement la vitesse de la musique (musique : « Kika » de
Ezekiel, musique rigolote, musique jazz, « Get free » de Major laser )
3. établir un rapport contrasté avec la musique (même musique que l’étape
précédente)
4. danser en silence
Critères de réussite : les effets provoqués
1. Percevoir un changement d'énergie lors de la traduction de l'accent
2. La vitesse des mouvements correspond à la vitesse de la musique
3. Les mouvements ne correspondent pas à la vitesse de la musique et créent un
sentiment de malaise, d’interrogation
ETAPE 2 : Créer un duo ou trio en modulant la structuration métrique et
non métrique pour argumenter un propos chorégraphique
Inducteur : le travail précédent
Organisation : mêmes groupes
Explorer Composer : Dans ce travail de création, les étudiants sont libres au niveau des choix dans les relations et
de l'espace. Ils doivent illustrer le thème suivant : « Pas vu/ Pas pris » sur la musique : « A
beautiful mine »
Les seules contraintes sont :
Critères de réussite :
Les étudiants créent sans suivre systématiquement la musique.
Le jeu avec la musique sert l'interprétation.
Répéter : ce duo ou trio
Présenter : à la classe
Illustrer un thème par une chorégraphie
7h45 trafic perturbé
Idées fortes Paramètres du mouvement Choix chorégraphiques
Foule et Stress
Vitesse
Personnes différentes
Bousculade
Chacun dans sa bulle
Corps Corps différents symbolisant
plusieurs personnes
Espace scénique Plusieurs orientations Trajets qui se croisent et
indirects Utilisation de plusieurs niveaux
Temps Différentes vitesses sans se baser sur la pulsation de la
musique
Espace corporel Travail sur le contact dû au croisement des personnes
Relations Travail en duo sur le contact Possibilité du contrepoint pour mettre en évidence l’isolation
d’une personne Cascade pour faire l’écho d’une
bousculade Etat de corps Energies différentes en fonction
de la personne symbolisée
Regard Regard lointain qui se croisent sans se voir
FICHE D'OBSERVATION
(La fiche sur l'espace est aussi à utiliser pour le niveau 2)
N1 N2 N3 CONTACTS - Contacts privilégiant les mains
- Formes quotidiennes - Face à face
- Contacts variés - Formes originales utilisant différents
niveaux - Orientations diverses
- Parties du corps différentes pour les contacts
- Jeux sur le contrepoids et les portés
- Contacts complexes et sur différents appuis
- Jeux sur les déséquilibres, rattrapés et portés
- Les contacts créent des images fortes et renforcent l'interprétation
- Les contacts font partie intégrante du mouvement
RELATIONS - L'unisson est mal maîtrisé - Les élèves se cherchent du
regard
- L'unisson est maîtrisé - Relations variées et riches (utilisation de la répétition, cascade, question/réponse,
canon)
- Relations maîtrisées précises dans le temps et dans l'espace
- Utilisation du contre-point et du lâcher/rattrapé
- Les relations renforcent l'interprétation JEU AVEC LA
MUSIQUE - Aucune prise en
compte de la musique
- Elèves concentrés qui dansent sur la pulsation de la musique
- Traduisent parfois les accents de la musique
- Les élèves jouent sur les accents - Traduisent la vitesse de la musique - Dansent parfois en contraste avec la
musique Donner deux éléments
d'observation aux observateurs
Ex :
- Contact
- Orientations
Fiche évaluation niveau 2
CAPACITES
REFERENCE
Niveau non acquis
En cours d’acquisition Acquis
CHOREGRAPHE
Sur 8 points
HORS SU JET (0 à 2)
Pas d’intention.
Pas de scénario, mais des
séquences juxtaposées.
Gestuelle stéréotypée.
PERTINENT MAIS BANAL (2 à 5,5)
Intention et choix
pertinents et permanents
mais le traitement du
thème reste banal, dans
les choix de formes et
procédés.
SURPRENANT (6 à 8)
Le traitement du thème est
original et développé selon des
formes corporelles originales
des procédés de composition
variés et enrichis.
DANSEUR
Sur 10 points
IMPRECIS QUI SUBIT (0 à 3)
Réalisation monocorde et
étriquée.
Nombreux gestes
parasites et déséquilibres.
APPLIQUE ET PRUDENT
(3,5 à 7)
Trajets moteurs clairs et
appuis précis mais dans
un registre corporel
simple.
Est à l’écoute de ses
partenaires dans des
relations simples.
IMPLIQUE,VIVANT (7,5 à 10)
Nuance ses propositions et
prend des risques et explore le
détail du mouvement et/ou la
difficulté technique (équilibres,
amplitude des sauts, sort de
l’axe)
SPECTATEUR
sur 2 points
DISTRAIT ET IRRESPECTUEUX (0 à
0,25)
Bavarde, rit.
Aucune mise en relation
entre la prestation et les
critères.
RESPECTUEUX ET PARTIEL (0,5 à 1)
Se concentre .
Met en relation les choix
les plus visibles avec le
thème, en oublie d’autres.
EXPLICATIF (1,5 à 2)
Concentré et attentif en
permanence.
Est exhaustif dans sa lecture et
détaille les mises en relation
avec le propos.
NIVEAU 4
1. Les connaissances indispensables au niveau 4
A. Energie : C’est la force et l’intensité appliquées au mouvement (quantité et Qualité) : on parlera d’énergie saccadée, fluide, mécanique, percutante,
explosive … Elle colore le mouvement et se trouve très caractéristique de la danse contemporaine dans la mesure où elle permet de donner du sens, inscrit
par sa spécificité un message, dynamise et joue sur l’interprétation des danseurs
L’énergie est source de vitalité. Elle est ce qui colore le mouvement et renvoie au principe de qualité
o Le poids caractérise la quantité d’énergie utilisées : fort( grande tension musculaire), léger ( faible tension musculaire)
o L’espace et le temps caractérisent la libération d’énergie : soudain (temps court, direct), maintenu (temps long, trajet
indirect)
- MOYENS
Jouer avec le poids Faire sentir à l’élève les notions de contraction et de relâchement Prendre conscience des étirements musculaires : durée, localisation, chemin d’étirement. Connaître les contrastes quant aux qualités du mouvement comme: dur / mou, fluide/saccadé, lourd/léger, tonique/relâché, doux/brusque...
- EN TERME DE PRATIQUE Utiliser des verbes d’actions variés, faisant appel à des mouvements contrastés et utilisant les paramètres du mouvement (poids = quantité d’énergie, temps = la libération d’énergie, espace =trajet) : tapoter : léger (Energie), soudain, rapide (Temps), direct (Espace) frapper : fort (En), soudain, rapide (T), direct (Es)glisser : léger (En), maintenu, soutenu (T), direct (Es) effleurer : léger (En), soudain, rapide (T), indirect, courbe (Es) fouetter : fort (En), soudain, rapide (T), indirect, courbe (Es) presser : fort (En), maintenu, soutenu (T), direct (Es) tordre : fort (En), maintenu, soutenu (T), indirect, courbe (Es) gifler : léger (En), soutenu, rapide (T), indirect, courbe (Es) flotter : léger (En), soutenu, rapide (T), indirect, courbe (Es)
B. Interprétation : C’est un jeu de rôle, investir le mouvement en lui donnant une qualité
Ce qui différencie la Danse des autres techniques corporelles se situe au niveau des motivations « intérieures » du geste ; en effet, il faut certes exécuter des
formes mais pour qu’elles fassent sens chez le spectateur, elles doivent être « interpréter, jouer ».
Danser, c’est donc gérer dans le même temps, engagement moteur et engagement émotionnel :
- au plan moteur, il faut réaliser, exécuter de façon exacte et précise les formes
- au plan émotionnel, il faut jouer de façon juste le personnage, l’idée, le sentiment, l’état, la sensation, c’est – à – dire transmettre de manière
subjective le message contenu dans le propos
- Le danseur
C’est l’interface entre le chorégraphe et le spectateur
Etre danseur interprète c’est : - Jouer juste un personnage ou une idée
- Pouvoir transmettre personnellement un propos au moyen d’une communication de nature émotionnelle
- Produire de l’émotion tout en contrôlant son émotion face à lui
Etre danseur exécutant c’est : - Réaliser des formes de corps et les combiner
- Entrer en relation corporelle avec l’autre
SITUATION 1 :Adapter un module à un thème
Utiliser son
répertoire
moteur à des
fins
expressives
Inducteur : La reproduction d'un module jouant sur les coordinations
complexes et les états de corps
Organisation : Les élèves sont en quinconce derrière l'enseignant
A. Etape 1 : REPRODUIRE (l’enseignant guide) :
reproduire le module présenté par l'enseignant
pour un niveau 4, nous insistons sur les moteurs du mouvement, l’amplitude des
mouvements, la mobilité du buste et de l’axe vertical, la gestion du poids du corps et
de l’équilibre/déséquilibre
Critères de réalisation : l’élève utilise différentes régulations toniques pour réaliser
son module
MATERIAUX CREES : Module
B. Etape 2 : ADAPTER le module à un thème
Déconstruire le module pour adapter le tonus, la respiration, l’espace et le temps des formes corporelles et
le regard au thème. L’élève tire au sort un thème parmi : Divinité, Gourmandise, « Qui es-tu ? », Animalité,
« Pas vu, Pas pris ». Ce travail peut se réaliser sans musique ou laisser le choix aux élèves de choisir la
musique parmi 3.
Critères de réussite : le spectateur devine le thème et peut argumenter son avis en se
basant sur l’énergie, le regard et l’expression du visage
INTERVENTIONS :
Comment adapter un module ?
Pour un niveau 4, les trajets et les formes sont complexes (appuis
divers, régulation tonique différenciée, gestions du poids du corps)
Lorsque vous apprenez un module, il faut savoir faire des temps
d'arrêt pour éclairer l’élève sur l’enchaînement des actions et les
coordinations
La situation ne marche pas :
Si les élèves n'adhérent pas, proposez leur de construire leur propre
module à partir de vidéos dont ils vont extraire les formes
corporelles qu'ils vont devoir lier entre elles en jouant sur la
complexité des coordinations
SITUATION 2 :Découvrir les différentes intensités du geste
OBJECTIF DESCRIPTION REMEDIATIONS ou EVOLUTIONS
Explorer différentes actions (à partir d’un objet)
pour découvrir la régulation du tonus pour ensuite
l’intégrer dans une chorégraphie collective
ETAPE 1 : Découvrir l’intensité du mouvement
Inducteur : Les objets
Organisation : Les élèves sont répartis par groupes de 3 chaque
groupe travaillant. Répartition libre dans l’espace scénique délimité
Explorer (travail par 3) :
L e travail d’exploration peut se réaliser de plusieurs façons (au choix): les
contraintes sont à amener progressivement durant le cycle et différents
objets sont travaillés dans des leçons différentes. Il est possible de
travailler uniquement sur un seul type de contraintes durant une leçon.
Les contraintes corporelles : trouver 6 mouvements où la seule
contrainte est de garder un pied dans une chaussure toujours collé
au sol. Ce pied peut se déplacer mais reste toujours collé au sol. Les
autres parties du corps sont libres
Le ballon, le sac plastique, le pull : trouver six mouvements utilisant
6 parties du corps différentes pour manipuler l’objet
Composer : Sélectionner la formule la plus originale
L'enchaîner sans temps d’arrêt
Répéter : le trio
MATERIAUX CREES : 1 trio.
Elève passif (timidité) : s’approcher, l’encourager en
l’aidant à verbaliser les différents possibles pour
chaque verbe d’action
Elèves discutant : les séparer dans l’espace et leur
demander de montrer les solutions trouvées pour
prendre conscience rapidement du travail à fournir
Le travail peut se réaliser en individuel.
INTERVENTIONS :
1. EXPLORATION
Pour obtenir des réponses variées et originales, il est
possible d'intervenir sur les appuis, les niveaux sur les
moteurs du mouvement, sur la vitesse d'exécution et
sur la force dans le mouvement. On peut également
partir d'une attitude originale proposée par
l'enseignant
2. COMPOSITION
Identifier avec les élèves les différentes tonicités
possibles grâce à la manipulation de l’objet.
3. REPETITION
Lorsque les élèves se lassent de répéter, il est
important de faire intervenir le spectateur ; ce dernier
doit identifier si les danseurs utilisent différentes
régulations toniques
ETAPE 2 : Réaliser la chorégraphie sans l’objet
et identifier l’énergie
Inducteur : les réponses précédentes des élèves avec les objets
Organisation : Par 2 (même groupe que précédemment)
Composer : Retrouver la chorégraphie sans utiliser l’objet (
possibilité de l’associer à un thème)
Répéter : répéter en identifiant les trajets moteurs précis, une
amplitude dans le mouvement, la contraction musculaire
Présenter : à la classe. Le spectateur réalise un « retour poétique ».
Cela permet de comprendre comment est interprétée l’intensité du
mouvement par le spectateur et de mettre en évidence l’effet émotionnel du
mouvement sur le spectateur. Critères de réussite : les énergies sont identifiables et
créent un effet sur le spectateur
MATERIAUX CREES : 1 duo avec des énergies identifiables dans le
mouvement
COMPOSITION : les élèves vont avoir tendance dans
cette phase de recomposition à oublier l’intensité et la
tonicité du mouvement. Il est important d’intervenir
pour permettre aux élèves d’identifier un trajet moteur
précis, une amplitude dans le mouvement, la contraction
musculaire. Il est possible de donner à nouveau l’objet à
l’élève pour identifier à nouveau l’énergie à mettre dans
le mouvement.
SITUATION 3 : La vidéo pour identifier l’énergie
OBJECTIF DESCRIPTION REMEDIATIONS ou
EVOLUTIONS
Identifier
l’effet de
l’énergie sur
l’expressivité
du danseur
ETAPE 1 : Utiliser la vidéo pour identifier les états de corps et s’en servir
comme inducteur
Inducteur : Séquence vidéo
Organisation : par groupe de 4
- Explorer :
Plusieurs étapes : 1/ Se laisser imprégner par l’œuvre : faire verbaliser les élèves sur les émotions ressenties
2/ Donner une description générale de l’œuvre : possibilité de présenter de façon globale l’œuvre (titre,
chorégraphe, contexte de la pièce)
3/ Identifier dans la vidéo les différents paramètres concernant le corps : mobilité des segments, formes
corporelles, les déplacements,
4/ Identifier dans la vidéo les différents paramètres concernant le mise en scène:
le TEMPS : identifier les vitesses, les accents et les arrêts sur images
l’ESPACE : identifier les trajets, les volumes , les niveaux
les PROCEDES DE COMPOSITION
5/Identifier les éléments concernant l’interprétation
L’ENERGIE : état de corps, rythmicité, phrasé
le TONUS MUSCULAIRE : les contractions musculaires utilisées
Le REGARD : le placement du regard
L’EXPRESSION du REGARD et du VISAGE : Quelle émotion est transmise par le visage du danseur ?
6/ Donner les IMAGES FORTES (Temps forts et marquants de la pièce) et expliquer l’effet sur le public
Composer : Choisir un thème parmi : « Terrain vague » et « Sacrifice »
Sélectionner pour chaque thème l’idée prioritaire mise en évidence et choisie dans le groupe. Faire des choix sur
les paramètres énoncés précédemment. Les marquer sur un papier. Construire une chorégraphie de 45’’ à 1’
Répéter : ce quatuor
Présenter : à la classe
● Jouer sur le rapprochement ou l’éloignement
des thèmes des chorégraphies présentées. Plus
les élèves sont compétents dans l’analyse vidéo,
plus les chorégraphies présentées peuvent avoir
un thème proche. Il s’agit d’identifier les
subtilités de chaque chorégraphe.
INTERVENTIONS :
1 EXPLORATION/COMPOSITION
La difficulté réside dans les choix réalisés par me
groupe. Il faut les aider soit en étant la personne
qui prend la décision, soit en faisant émerger la
réponse qui va le plus surprendre le spectateur.
2 REPETITION
Durant cette phase, l'enseignant devra intervenir
pour permettre aux élèves de clarifier leur propos
en ajustant leur mouvements à leurs choix.
ETAPE 2 : Remédiation Chaque groupe a la responsabilité d’observer particulièrement un autre groupe à partir d’une fiche, afin
d’améliorer et d’enrichir la prestation du groupe. Chaque élève, dans chaque groupe, observe un seul critère et met
en relation un paramètre avec un symbole.
Présenter à nouveau sa composition pour identifier l’évolution de la prestation après remédiation.
● Support musical choisi par les élèves pour
créer un univers chorégraphique et mettre en
évidence leur thème
● l’enseignant doit veiller au bon déroulement de
la phase de remédiation. Certains élèves peuvent
être vexés des suggestions de leurs camarades.
LA PLACE DE L’ENSEIGNANT AU LYCEE
Aider les élèves à mener à bien LEUR projet
Faire explorer des éléments variés pour enrichir le
répertoire de formes, de procédés…
Individualiser les inducteurs vis-à-vis du projet
Faire évoluer les formes et leur maîtrise par rapport
au vécu des élèves
Etre force de proposition en cas de doute
FICHE D'OBSERVATION INTERPRETATION
N1 N2 N3
REGARD Regard hasardeux Cherchent ses partenaires
Regard projeté, cherche ses partenaires sur des relations complexes
Regard projeté, participe aux relations, renforce l'interprétation
ENERGIE Utilisation unique du fluide et du saccadé
Énergie modulée mais pas toujours en rapport avec le thème
Énergie identifiée, renforce le propos chorégraphique
COORDINATION Simple détournement des gestes quotidiens
Coordinations variables mais pas toujours en rapport avec le thème
Coordinations complexes créant des images fortes
VITESSE D'EXECUTION
Vitesse uniforme Variée mais reste sur une utilisation du lent/vite
La vitesse est modulée et au servie de l'interprétation
Lexique
Création : C’est à la fois un processus (être en création, c’est-à-dire chercher, innover, inventer en structurant de novelles formes corporelles) et un produit
(l’œuvre finie).
Créativité : Aptitude intellectuelle et opératoire faisant appel à l’imagination et permettant de trouver des solutions inédites.
Composition : Etape durant laquelle il faut organiser les éléments découverts dans la phase de création dans le but de construire « l’œuvre » ; La raison prend le
relais de l’intuition.
Cette étape est la dernière en danse. Elle consiste à faire des choix : de tout le matériel émergeant de l’improvisation que va-t-on utiliser, valoriser, exploiter ?
Composer une chorégraphie demande de choisir, trier le plus percutant, le plus original …
Improvisation : Moment où l’on propose des solutions sur le champ. C’est en improvisant que l’on collecte plusieurs formes : l’improvisation peut se faire seul ou en
groupe ; ce travail d’improvisation est le premier stade d’une formation à la chorégraphie ; à la fois sollicitation de l’imagination, développement de l’intuition et de
la spontanéité, entrainement à la créativité et stockage d’expérience.
Interprétation : C’est un jeu de rôle, investir le mouvement en lui donnant une qualité
Ce qui différencie la Danse des autres techniques corporelles se situe au niveau des motivations « intérieures » du geste ; en effet, il faut certes exécuter des
formes mais pour qu’elles fassent sens chez le spectateur, elles doivent être « interpréter, jouer ».
Danser, c’est donc gérer dans le même temps, engagement moteur et engagement émotionnel :
- au plan moteur, il faut réaliser, exécuter de façon exacte et précise les formes
- au plan émotionnel, il faut jouer de façon juste le personnage, l’idée, le sentiment, l’état, la sensation, c’est – à – dire transmettre de manière
subjective le message contenu dans le propos.
Espace scénique : Espace délimité par le lieu dans lequel se produit la danse : ce peut-être un théâtre, une rue, une piscine, un mu d’escalade ;
Cet espace possède des dimensions et des caractéristiques particulières ; on y trouve :
des directions
des niveaux
des orientations du corps par rapport au public
des trajectoires
des lieux de force …
Espace corporel : Espace délimité par l’allongement de mes segments : on parle d’une bulle entourant le corps qui structure cet espace personnel.
Temps : On entend par temps la structure rythmique soit du mouvement, soit du support sonore sur lequel il s’applique ; il existe donc des structures métriques
(la pulsation et le rythme sont reconnaissables) et des structures non métriques ( le tempo est variable, nous parlerons plus de vitesse de mouvement en terme de
« vite « ou « lent ».)
Energie : C’est la force et l’intensité appliquées au mouvement (quantité et Qualité) : on parlera d’énergie saccadée, fluide, mécanique, percutante, explosive …
Elle colore le mouvement et se trouve très caractéristique de la danse contemporaine dans la mesure où elle permet de donner du sens, inscrit par sa spécificité
un message, dynamise et joue sur l’interprétation des danseurs.
Module : C’est une suite de formes qui constitue une structure dansée.
Enchainement : idem que module.
Production chorégraphique : Œuvre finalisée, on peut aussi parle de composition chorégraphique
Séquence : Moment dansée appartenant à une structure plus large
Procédé de composition : Outil du chorégraphe pour organiser sa mise en scène : question /réponse, contre point, polyphonie, auto-reverse, accumulation (voir
Karin Waener : outillage chorégraphique).
Thèmes niveau 1/2
Thèmes niveau 2/3/4
Les thèmes de niveau 1 doivent faire rentrer les élèves dans un univers
simple et facile d'accès. Par ailleurs, ils doivent représenter des « impulsions
motrices ». En d'autres termes, ils doivent permettre la création de formes
corporelles.
- labyrinthe
- soulèvement
- élastique
- ressort
- étirement
- vertige
- pas vu/pas pris
- balle rebondissante
- gestes sportifs déformés
- aimant
- boule de neige
Les thèmes de niveau 2 engagent les élèves dans un univers chorégraphique
plus riche. Des choix vont être réalisés au niveau de l'espace et des relations.
Certains de ces thèmes, en fonction du niveau et de l’imagination de vos
élèves, peuvent être envisagés en niveau 1.
- « Oups, attention la marche »
- « Où sont passées mes clés »
- « Stress, pète pas les plombs »
- « Macadam, Macadam »
- « Je t’aime, moi non plus »
- « Jeux de mains… jeux de vilains »
- « La pause s’impose »
- « Pieds et poings liés »
- « Trafic perturbé »
- « 8h45, je vais rater l’avion »
- « Bol d’air »
- « Ca colle, ça glisse, ça gratte »
Autres thèmes possibles :
VOLUME RISQUE NAUFRAGE CONTACT
VERTIGE EQUILIBRE
REGARD DETOUR HANDICAP DELIRE
MECANIQUE AIMANT
MINUSCULE DOUCEUR D’ARTIFICE EXPLOSION
VIBRATION FELIN
PROLONGEMENT RESPIRATION JUNGLE POINT FIXE
TENTATION AIR
EVASION RAIDEUR COMBAT ATTITUDE
CAUCHEMAR SPIRALE APPUIS AFFRONTEMENT
USINE PRUDENCE ATTIRANCE RESISTANCE
ALTERNANCE LIMITES CHUTE SONS CREES
OSCILLATION OBSESSION MECANIQUE REBONDS
URGENCE TRAVERSEE RUE GLISSE
CIRCULATION METAMORPHOSE FOLIE MOU
COLLANT RUPTURE LEIT-MOTIV
Ressources Internet :
Culture Chorégraphique :
-Numeridanses : http://www.numeridanse.tv/fr
-Culture Box: http://culturebox.francetvinfo.fr/
Outils pédagogiques et didactiques :
- http://www.passeursdedanse.fr/
DISCOTHEQUE
Trip hop, hip hop, techno
- Fingathing (The main event)
- Air (Talkie Walkie, 10000 HZ Legend)
- Archive (Londinium)
- Wax Tailor (Hope & Sorrow, Tales of the forgotten melodie)
- Justice
- Masive attack
- Mando Ranks
- Beasty boys
- Costes étage 3 (mixé par S. Pompignac)
- Wiseguys
- Asian Dub fondation
- Electronicat
Musique classique
- Philip Glass (Glassworks, Masterworks, Concerto pour violons)
- Mozart (K626 Requiem)
- Beethoven (Symphonie No. 7)
- Prokoviev (Roméo et Juliette)
- Brahms (Requiem)
- Pergolese & Vivaldi (Stabat Mater)
- Michael Nyman (The essential Michael Nyman Band)
Musique de film
- Armand Amar
- Bruno Coulais (Les rivières Pourpres, Belphegor)
- Craig Armstrong (the bone collector)
- Emilie Simon (La marche de l’empereur)
- Erwann Kermovant & Axelle Renoir (36 quai des Orfèvres)
- Goran Bregovic (Le temps des gitans)
- Hans Zimmer (La ligne rouge, Gladiateur)
- In the mood for love
- James Horner (Apocalypto)
- John Powell (La mémoire dans la peau)
Musique de danse
- Kafig (Corps et graphique, Terrain vague, Tricoté)
- Ez3kiel
- Les yeux noirs (Balamouk)
- Plaid (Rest proof clockwork)
- Rekid (Made in menorca)
- Plastikman
- Lisa Gerrard
- Craig Armstrong (As if to nothing, the space between us)
- Mig (Yamatna, Dhikrayat)
- Claire Diterzi (Boucle)
- Gotan Project (Lunatico, Vuelvo al sur)
- Mirwaïs
- Barbatuques
- Troublemakers
Rock
- Radiohead (Kid A, Amnesiac, Hail to the thief)
- Charlotte Gainsbourg
- Feist
- Nine Inch Nails (The fragile, With teeth,)
- Muse