JOANA VASCONCELOS VERSAILLES 19 juin – 30 septembre...

Joana Vasconcelos Versailles – Dossier enseignants Etablissement public du château, du musée et du domaine national de Versailles – www.chateauversailles.fr Bureau des activités éducatives - RP 834 - 78008 Versailles Cedex 01 30 83 78 00 – [email protected]

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JOANA VASCONCELOS VERSAILLES 19 juin – 30 septembre 2012

Dossier enseignants

Une introduction à l’œuvre Origines et choix

na Vasconcelos rentre au Portugal avec ses parents, exilés politiques, à zariste. Elle fait ses études supérieures de 1989 à 1996 au Centro de Arte

Lisbonne (Ar.Co), puis décide de rester définitivement au Portugal. Ce choix n’est pas anodin. Les cinquante années de dictature laissent le pays exsangue : arriéré, machiste et pauvre. Ce n’est rien de dire qu’il n’est pas prescripteur en art. Y faire carrière - et pour une jeune femme qui plus est ! - ce pari tient de l’engagement politique et idéologique. Il est mûrement réfléchi et cela au principe de son œuvre. Pour Joana Vasconcelos, quitter un Portugal en voie de démocratisation aurait été un abandon alors que tout est à construire. Petit pays de grands voyageurs, le Portugal est ouvert sur la mer. Ses marins furent les premiers à accoster au Brésil et au Japon. De ce passé mythique, il reste parfois une vue idéale du Brésil qui, lui, n’a pas attendu pour évoluer à sa façon : l’artiste le souligne. Le Brésil serait une Amérique version tropicale dans le rêve portugais. La question de l’autre ne s’en pose pas moins. Face aux identités fortes des « grands » pays européens, le Portugal peine à se distinguer, même si différences et similitudes apparaissent à l’artiste. Si l’artiste dit « s’intéresser à ces

petites choses iconiques du quotidien, ces codes que nous partageons tous, et qui construisent une communauté de signes », elle ne se nourrit pas moins de ses racines lisboètes pour porter un regard « dirigé vers l’horizon de la mer ». Pour elle ce besoin s’apparente aux utopies des grands voyageurs qui partaient pour la route des Indes, accomplissant ainsi une « action poétique ». Mais il lui manque la distance qui construit l’ailleurs : « La relation avec les autres cultures est un trait d’union fort pour la création ». Pour elle, l’Asie et l’Est apportent toujours quelque chose de nouveau, de différent de sa propre culture. Ces apports sont nécessaires à l’artiste qui cherche toujours « quelque chose qui lui paraisse nouveau ». Ce qui peut paraître poser un premier paradoxe, tant son engagement au Portugal est fondateur.

La création, l’atelier « …je suis un chef d’entreprise. L’image de l’artiste solitaire date du XIXe siècle, c’est une réalité qui n’a jamais vraiment existé…Les grands ateliers, eux, ont toujours existé. L’art ne peut pas être pensé en dehors de sa gestion économique et être artiste consiste également à se créer une identité, à gérer sa propre carrière. » L’immense atelier de Joana Vasconcelos à Lisbonne serait-il une Factory sur Tage comme on a pu le dire ? Des années de début, il est passé de trois personnes à une fréquentation fluctuant jusqu’à vingt-cinq selon les besoins du moment. Quelle est l’importance de cet atelier et comment intervient-il dans l’œuvre de l’artiste ? Ne dit-elle pas : « Dans mon atelier, je m’entoure de femmes et d’hommes dont les compétences sont diverses et complémentaires, et nous mettons à profit tous les savoir-faire, nous faisons dialoguer les gestes ».

Née en France en 1971, Joala chute de la dictature salae Comunicaçao Visual de


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Cette multiplicité des techniques est présente comme une ouverture conceptuelle : ainsi réglée la question du faire, il reste à mettre en œuvre les concepts, ce qui est de l’ordre de l’artistique. Vasconcelos travaille la tridimensionnalité, ce qui la classe, dans la catégorie classique de la sculpture. Mais elle s’inspire du quotidien pour créer des œuvres souvent drôles, toujours percutantes et critiques. Les objets sont donc présents en quantité, subissant des variations de sens de par les montages accumulatifs qui en font des œuvres questionnant notre vécu. Organisés selon des formules inventives et toujours nouvelles, ils acquièrent une nouvelle perfection à laquelle l’artiste est très attentive. En fait, ils sont bien « rééduqués » ! Plastiquement belles et très élaborées, les œuvres de Vasconcelos étonnent mais s’adaptent à chaque nouveau contexte. Cela apparaît à Versailles : l’artiste revisite les matériaux utilisés, la présentation des pièces elles-mêmes, les références esthétiques fondatrices et connues de tous. Un architecte fait d’ailleurs partie des personnes référentes qui lui permettent de penser la question de l’échelle des œuvres par rapport aux lieux. Si l’artisanat portugais apparaît sous différentes formes dans les œuvres réalisées, c’est qu’il lui permet de développer un double discours tout en réalisant des productions de haut niveau formel : la femme et son enfermement séculaire dans un monde machiste et rétrograde trouve sa matérialisation dans le « crochet » si typique des productions domestiques féminines. Il enferme les animaux sauvages de Rafaël Bordalo Pinheiro, les lions de jardin qui semblent y consentir, et il forme une partie des splendides décors des Valkyries. Paradoxalement, c’est dans l’atelier, lieu de création, que ces matières-matériaux issus de l’univers domestique confiné des femmes lui permettent de construire une œuvre. Elle crée à l’égal des hommes des temps anciens qui seuls avaient accès à cette transcendance. L’atelier fait d’elle un entrepreneur et un gestionnaire d’entreprise. L’artisanat, précieux et précis, joaillerie, tapisserie, ébénisterie, dorure, céramique, fait entrer les œuvres dans un long et lent temps de réalisation : la plupart d’entre elles, qu’elles soient faites dans l’atelier ou qu’elles soient externalisées, une fois conçues, dans des manufactures spécialisées, demandent des mois de travail. Cette démarche s’inscrit dans la préservation de ces savoir-faire et gestes portugais à une époque d’uniformisation et de globalisation des cultures. Ainsi, concept et objet, fabrication et collaboration sont-ils solidaires de l’atelier, où les compétences multiples se fédèrent dans un même but : la création d’une œuvre polymorphe très ancrée dans un contexte mais qui s’ouvre sur le monde.

Une œuvre ancrée dans l’art contemporain Pour Vasconcelos, un certain art contemporain « a commencé à produire des objets qui se voulaient anti-esthétiques et en rupture avec la dynamique consumériste. Les œuvres n’étaient plus finies, ont pris des dimensions hors-normes... Pourtant, l’art c’est l’objet. Dans mon œuvre, je fais exactement l’inverse, j’utilise tous les codes, du design, de la mode du luxe, et les déguise avec les matériaux du quotidien. » Après le Pop’Art et le Nouveau réalisme, les ready-made fondateurs de Marcel Duchamp, comment faire de l’art ? « Je construis des systèmes de comparaison, des situations de rencontre qui font que mon œuvre, si elle est enracinée dans l’histoire portugaise, se développe par des ramifications qui n’ont pas de frontières ». Au final, la dualité qui oppose culture populaire et culture d’élite est reformulée pour suggérer la vacuité de ces catégorisations. Bien entendu se pose la question de la réception de l’œuvre et de son interprétation : pour Vasconcelos, « les regardeurs font (toujours !) les tableaux ». Loin de vouloir brider les interprétations, de les canaliser dans une interprétation unilatérale, l’artiste accepte les différences d’approche et de sens attribuées à ses créations. Si les implicites sont nettement ancrés dans le domaine de production de son œuvre, Vasconcelos accepte une large ouverture du champ interprétatif. Des œuvres comme la série des Valkyries ou Marylin, par exemple, sont obligatoirement très ouvertes à différentes possibilités : les explicites sont infinis… Comment en serait-il autrement lorsque l’on sait qu’elle rapporte de ses voyages lointains, tissus et objets qui s’intègreront à ses créations dans un baroque décoratif stupéfiant de créativité


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décalée. Levez les yeux vers Mary Poppins ! Un nouveau luxe a envahi Versailles, temple des arts décoratifs du Grand Siècle. Ne dit-elle pas : « La France est le pays par excellence qui a créé l’idée du luxe. Et qui a cultivé l’idée que l’essentiel n’est pas ce que l’on fait mais plutôt l’idée que l’on s’en fait ». Le gigantisme de ses œuvres leur permet de résister aux lieux dans lesquels elles sont exposées. Dans le cas de Versailles il permet même un dialogue.

Travailler pour Versailles ? Le lieu et l’œuvre « Versailles fait la liaison entre le passé et ce nouveau pouvoir de l’art contemporain », car pour Joana Vasconcelos « La seule chose qui ne puisse finalement être copiée est la culture ». Là est notre richesse, notre identité. Et sans identité il n’y a pas de création. « Mon travail s’inscrit bien sûr dans une certaine rupture, mais les pièces qui y seront présentées conservent pourtant cette esthétique extravagante et excessive. Mon œuvre a toujours eu Versailles comme coulisse, elle appartient naturellement à cet environnement, seulement mes pièces sont faites d’objets du quotidien, du trivial, et l’essentiel se situe donc dans ce jeu subversif. » Les pièces créées pour Versailles font référence à l’enfermement : ainsi la jeune Marie- Antoinette est-elle convoquée, elle qui avait tenté une fuite partielle à Trianon. Lilicoptère, Dauphin et Dauphine, Valkyries, Gardes… Autant d’œuvres qui sont créées dans ce sens. Mais c’est « à l’œil du spectateur de s’exercer sur ces pièces, de définir la résonance que le « crochet » aura pour lui entre écrin et cachot ».

Œuvres exposées à Versailles

Le Dauphin, La Dauphine (2012) L’origine de ces œuvres est à l’initiative du Musée Bordalo Pinheiro de Lisbonne, qui a demandé à sept artistes, dont Joana Vasconcelos, d’imaginer des pièces à partir des créations en céramique de la Manufacture de Caldas da Rhainha. (Rafael Bordalo Pinheiro est un céramiste portugais de la fin du XIXe siècle, qui, très célèbre, a exposé à l’exposition universelle de 1889). C’est à cette occasion que l’artiste découvre l’existence de moules destinés à la fabrication des animaux monumentaux de ce célèbre céramiste tombé dans l’oubli.

al en voie de disparition : les splendides glaçures ur devenir unique et originale.

La tradition céramique est ancienne au Portugal. La réalisation de grandes pièces dans lesquelles excellait Bordalo Pinheiro a toujours été d’une grande difficulté. Les deux langoustes Dauphin Dauphine sont réalisées en trois pièces chacune, ce qui est peu mais de ce fait les rend fragiles.

Ici aussi, il s’agit de préserver un patrimoine nationsont retrouvées et chaque pièce est transformée po


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De façon générale les animaux choisis par Vasconcelos sont porteurs d’une violence implicite. Dans l’Antichambre du Grand couvert de la Reine, les deux langoustes précieusement ornées de résilles noires et blanches, masculin/féminin, renvoient avec humour à l’esthétique précieuse du XVIIIe siècle : un monde de dentelles qui les emprisonne alors qu’elles ne sont que sauvage liberté dans leur vie sous-marine. Le choix des couleurs les érotise : rouge et noir pour le masculin, rose et blanc pour le féminin. Les motifs sont également circulaires. Disposés sur cette table, Dauphin Dauphine s’observent comme des amants. Mais pour le visiteur une autre question se pose : sont-ils là pour être mangés ? Depuis Salvador Dali, le parallèle entre érotisme et gastronomie est évoqué en art. Unies, les deux compétences artisanales spécifiquement portugaises que sont la céramique et le crochet donnent naissance à une œuvre originale qui se définit dans le contexte du château de Versailles.

Gardes(2012)

Les deux lions et leurs socles, réalisés en marbre noir veiné de blanc de Port Laurent (Pakistan), sont revêtus d’une fine combinaison de dentelle blanche au crochet des Açores. Traditionnellement métaphore de puissance, force et robustesse, les lions deviennent ici, à l’entrée de la salle des Gardes de la Reine, et emprisonnés dans leur exo-structure féminine, porteurs des « valeurs » opposées de délicatesse et de soumission.


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Ces lions si virils deviennent ici les emblèmes de l’opposition des genres et produisent ainsi un certain trouble, celui justement de toute image transgenre. Les lions gardiens des portes de propriété ne sont pas nouveaux dans l’œuvre de Vasconcelos : Vigoroso et Poderoso apparaissent en 2006. De marbre blanc, vêtus de crochet noir, ils symbolisaient déjà cette opposition masculin/féminin faite ici de supériorité hiératique et d’emprisonnement consenti : l’enveloppe de crochet, fragile production féminine, domestique par excellence, enserre le marbre froid, dense et massif, celui du pouvoir. Mais une autre lecture est possible : à l’origine, ces lions de jardin (comme il existe des nains de la même catégorie) sont en ciment, matériau ordinaire s’il en est. Ainsi repensés en marbre, après six mois de travail consécutif, élégamment soclés, ils font référence au garde de la Reine qui cria à l’entrée de cette même pièce : « Sauvez la Reine ». Pour trois mois, ils sont les nouveaux gardes de cette salle richement décorée de marbres et de peintures de Noël Coypel dédiées à Jupiter.


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sage de tissus

sont présentes à Versailles.

l’escalier Gabriel : tel l’Archange, cette Mary Poppins ants au-dessus du visiteur. Fabriquée à l’origine e d’une infinité de tissus liberty, l’artiste cherchant tion.

Réalisée à Lisbonne dans l’atelier de l’artiste, cette sculpture textile, comme toutes celles de cette série, est d’une grande complexité. Il faut l’observer attentivement, de dessous, puis en montant l’escalier, pour en apprécier les qualités. Aux tissus anglais s’ajoutent le travail au crochet, proprement portugais, et les particularités de cet assemblage de tissus qui les travaille comme des écailles ou des petits fanions qui se superposent un peu. L’adaptation à l’espace de l’escalier se fait par les longueurs variables des câbles d’acier accrochés à la structure métallique fixée au plafond. Sur ce fond clair, les couleurs contrastent puissamment dans une infinité de tons et de matières.

Les Valkryies : un baroque décoratif fait de métis Quatre œuvres appartenant à la série des Valkyries La première à nous accueillir est située dans d’un nouveau genre déploie ses tentacules bienveillpour une exposition en Angleterre (2010), elle chatoitoujours à adapter ses créations au contexte d’exposi

La Galerie des Batailles voulue par Louis-Philippe voit se succéder trois Valkyries de natures différentes : La Royal Valkyrie (2012), fabriquée pour Versailles apparaît en premier lieu. Son corps principal est fait en feutre par des artisans portugais qui utilisent une technique spécifique : deux couches de feutre de couleurs différentes sont superposées, ornées de motifs piqués à la machine, puis découpés selon cet agencement graphique, laissant apparaître la couleur de dessous. Brodée, cette sculpture intègre des tissus très variés, dont certains fournis par la manufacture lyonnaise Prelle qui travaille pour le Château. Le métissage de tissus est ici remarquable par la juxtaposition d’étoffes de toutes natures, des plus populaires aux plus précieuses.

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La deuxième Valkyrie, dite Golden Valkyrie (2012), placée au centre de la galerie, joue sur

l’exubérance des brocards aux motifs floraux issus de la célèbre manufacture et mélangés à des fabrications industrielles des plus ordinaires. Préciosité et fausse apparence se côtoient pour glorifier le plus précieux des métaux dont les tons sont très variés. La base est réalisée à Lisbonne en maille jersey sur métier à tisser traditionnel. L’artiste en a choisi les dessins ainsi que les couleurs des fils de coton

achetés par ses soins. Six mailles différentes permettent de varier l’apparence visuelle de la texture. Les franges et les glands de passementerie sont fabriqués sur mesure par une entreprise spécialisée.

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Joana Vasconcelos ne laisse aucun détail au hasard et intervient à toutes les étapes de la réalisation de son projet.


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La Valquiria enxoval (Valkyrie Trousseau, 2009) fait référence au trousseau des riches mariées de la ville de Nisa dont elle utilise toutes les techniques artisanales : par exemple au fuseau, aux fils tirés ou

au découpage de feutre. Elle en décline les couleurs propres au milieu rural de l’intérieur du Portugal. De nature invasive ces trois sculptures transforment la linéarité militaire du lieu, rationnelle, symétrique et gardienne de l’ordre apollinien, en un espace bienveillant et tolérant dans lequel ces modernes divinités guerrières déploient leurs bienfaits envers les soldats des peintures. L’humour propre à beaucoup d’œuvres de Vasconcelos est partie intégrante du projet : les Valkyries redonneront-elles vie aux valeureux guerriers, comme dans la mythologie nordique dont elles sont issues ?



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Cœur Indépendant Rouge (2005), Cœur Indépendant Noir (2006) Ces deux œuvres accrochées respectivement dans les deux Salons de la Paix et de la Guerre, sont la brillante démonstration de cette transfiguration du banal que peut opérer Vasconcelos dans ses œuvres : fabriquées avec des couverts de plastiques reformés au pistolet thermique puis assemblés avec de la colle à chaud selon des schémas très précis, elles reproduisent la forme des cœurs de Viana do Castelo, ville située au nord du Portugal. Elles sont donc une référence directe à l’orfèvrerie traditionnelle portugaise du filigrane, qui est une esthétique du remplissage. Dans leur répétition et leur accumulation, la densité des surfaces créées, les couverts disparaissent en tant que tels et atteignent l’abstraction. Les deux cœurs géants tournent lentement et éternellement autour de leurs axes. Leur titre est le premier vers d’un des trois célèbres fados d’Amalia Rodrigues que l’on écoute dans le montage cinétique imaginé par l’artiste en 2005 lors de la création du cœur rouge.

Coraçao Independente Vermelho, est accroché au cede la Paix. Très visible depuis la Galerie des Glacesse détache et contraste avec le décor. Il s’insère dandu Salon de la Paix qui le cadre parfaitement et lui crée un écrigrande taille (371 x 220 x 75 cm), son rouge translavec le décor puissamment structuré des marbres et couleur annonce la chambre voisine de la Reine. Les schémas sociaux habituels, vernaculaire/rsont déplacés dans cette œuvre sophistiquéimmense savoir-faire et d’une grande qualité de réalisqu’après une longue observation que le spectateurquels matériaux l’œuvre est réalisée. Ses dimensibeaucoup ainsi que son épaisseur qui lui confèrsensualité. Chaque cœur est construit sur une structure de méd’armature : peinte de la couleur du cœur, elle compcercles et un tour ainsi que des tiges qui permettentl’écart entre les deux côtés visibles. Joana Vasconcelos avait eu l’idée de créer ce premipour répondre à la demande d’un restaurateur qui voulait associer gastronomie et art traditionnel portugais. Actuellement au nombre de six, rouges, noir ou jaunes, ils sont de différentes tailles. Ces cœurs de Viana restent aujourd’hui emblématiques d’une tradition : les femmes continuent à les porter, éventuellement en nombre sur leurs vêtements, les jours de fêtes

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Le rouge de ce cœur s’oppose au cœur noir du Salon de la Guerre : la passion amoureuse et la mort ponctuent la Galerie des Glaces. On trouve ici la dichotomie originelle de l’organisation de Le Vau en 1661 : le Nord du château, réservé aux hommes, le sud réservé aux femmes et à l’éducation des enfants. Vasconcelos a d’ailleurs axé ses installations en privilégiant le « côté Sud », féminin.

Coraçao Independente Preto, Salon de la Guerre : l’objet est plutôt discret mais tient un autre discours, ténébreux. S’il accroche moins la lumière, sa structure ornementale en fait un objet précieux inattendu de par sa forme et son matériau que l’on peine à reconnaître. Sa structure double lui donne une épaisseur qui permet d’observer le matériau de base. Evidemment, le contraste est absolu entre les couverts de plastique, les marbres et les stucs dorés, mais la qualité du travail artisanal magnifie ces objets par essence populaire. L’artiste joue de leur nouvelle

apparence : le luxe n’est pas seulement où l’on croit.


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Marilyn (2012)


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Les immenses escarpins de Cendrillon sortent de la cuisine. La femme éternelle est bien là entre séduction et casseroles, les deux pôles qui lui sont associés dans la vie contemporaine. « L’effet Gulliver » est certain pour le spectateur qui les voit dès l’entrée dans la Galerie des Glaces dédiée aux triomphes de Louis XIV et à la mise en place de son pouvoir. Les casseroles à riz Silampos et leurs couvercles sont au nombre de 596 ! Elles sont emblématiques de la cuisine portugaise et sont présentes dans la plupart des foyers. Les différentes pièces sont fixées entre elles, à l’envers, par des rivets et des tiges filetées revêtues de tubes d’inox. Ces casseroles ont été montées sur des formes de bois et de polystyrène sculptées par Vasconcelelles qui donnent la formedeux sculptures qui n’a structure. Une fois ce très montage terminé, elles sont retournées –par six personneune seule fois- pour livreaspect étincelant, froid Pour plus de légèreté, unspéciale a été réalisée double fond ce qconsidérablefinal, et pas de poignéeprésence couperait laescarpins. Ces objets parfaits s’oppleur aspect froid et clinquala Galerie des Gld’une certaine agressivitédonc conceptuelle. Leur froideujoue, sous certains angl i les reflètent en les fractionnant. De domin

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Perruque (2012)

D’une surprenante forme ovoïde, cette sculpture est une réminiscence des œufs de Fabergé. Adaptée au contexte Versaillais, celui des deux reines qui ont marqué cette chambre, Marie-Antoinette et Marie Leszczinska, elle est aussi une référence aux dix-neuf infants qui y sont nés. Sculpture-mobilier en acajou incrustée d’ébène, ornée de métal doré et de mèches de cheveux artificiels de différentes couleurs qui surgissent de dix-neuf cônes très protubérants, Perruque fait appel, pour sa réalisation, aux métiers d’artisanat d’art de la Fondation Ricardo. Objet complexe, gigantesque marotte de près de trois mètres, il scelle l’alliance entre les savoir-faire en ébénisterie des deux pays au XVIIIe siècle. Les sensationnelles coiffures portées par les dames les plus en vue de la fin du siècle sont ici brocardées ! Il faut cependant rappeler qu’au XVIIIe siècle, on ne portait pas de perruques mais des postiches. Les femmes ne se coupaient pas les cheveux : très longs, ils pouvaient être coiffés sur des structures de crin ou de métal léger, pour atteindre des hauteurs étonnantes. Mais il s’agissait de cheveux naturels. Imaginée pour Versailles, cette œuvre ironique s’insère remarquablement dans le lieu de par ses dimensions et ses matériaux de fabrication.


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Lilicoptère (2012)

Ce sensationnel « animal-machine » s’est posé dans la Salle 1830 : servira-t-il à la Reine pour fuir le carcan de Versailles ? Ici aussi la thématique de l’enfermement féminin est présente, mais matérialisée par son contraire : l’objet idéal de la fuite. Dans cette œuvre comme dans Perruque, de grandes compétences artisanales traditionnelles sont utilisées. Le paradoxe est de les avoir associées à un hélicoptère américain Bell de 1947. Ainsi revêtu de 6000 plumes d’autruches teintées de pigments naturels à l’atelier, dans une gamme qui va de l’orange saumon au rose et au rouge, il s’inspire de l’esthétique précieuse et exubérante de la fin du XVIIIe siècle. Les métiers d’art qui continuent à vivre à la Fondation Ricardo de Spiritù Santo sont presque tous représentés : marqueterie, peinture de faux bois, ciselage, dorure à la feuille, taille dorée… qui, chacun, trouvent un lieu d’application dans cet objet glamour digne de Lady Gaga. C’est un moderne carrosse volant, doré à la feuille. Le sol lui-même est couvert de tapis de l’Arraiolos (région de l’Alentajo) fabriqués sur mesure, dont les motifs ont été choisis par l’artiste. Le cuir travaillé et doré orne les parois intérieures. Le tableau de bord est une ébénisterie de noyer. Les applications de brillants visibles sur l’extérieur sont des cristaux Swarovski. Cette œuvre, fabriquée pour Versailles, raffinée et anachronique, crée un raccourci temporel entre les deux époques : elle est drôle, splendide et étonnante.


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Vitrail (2012)

Dans l’escalier de la Reine, la tapisserie Vitrail exploite le potentiel du point de Portalegre, ville du Haut Alentejo connue pour ses productions particulièrement lumineuses. Joana Vasconcelos a réalisé le carton de cette œuvre qu’elle a confié à la Manufacture de tapisseries. Insérée dans l’arc surbaissé qui domine l’escalier de la Reine, cette composition abstraite aux couleurs chaudes contraste avec les tons froids des marbres. Tel un vitrail aux couleurs chatoyantes, elle semble s’ouvrir sur un espace coloré.


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Blue champagne (2006)

Cette œuvre impose une verticalité absolue en contrepoint de l’horizontalité des parterres d’eau et des lignes architecturales du château. Déclinaison contemporaine du ready-made de Marcel Duchamp Porte bouteille (1914), elle joue d’une échelle considérablement augmentée (940 cm) pour nous offrir une vision nationale des plaisirs de la table. Cette œuvre s’adapte en effet aux pays dans lesquels l’artiste l’installe : au Japon, à Tokamochi en 2006, il s’agissait de bouteilles de saké, au Portugal en 2006, de bouteilles de vin. A Versailles, ce sont 4200 petites bouteilles de champagne Pommery Pop qui sont illuminées de LEDs la nuit venue. D’une grande densité colorée, ils nous font hésiter entre bougeoirs et pinacles gothiques. La structure réalisée en fer métallisé et thermolaqué intègre un système électrique qui permet de répartir également la lumière bleue donnée par la couleur des bouteilles. Minces sculptures parallèles, elles subvertissent l’histoire de l’art dans laquelle elles s’inscrivent par citation du Nouveau réalisme et du Post-modernisme. Comme le dit Joana Vasconcelos : « L’art c’est l’objet ». A la fin de notre visite, nous pouvons nous demander quel est l’objet de l’art.

Pavillons de thé, Pavillon de vin (2010) Sculptures d’extérieur de taille moyenne (successivement 359 x 509 x 345 cm et 550 x 330 cm), les deux pavillons jouent de leur perméabilité visuelle avec les parterres du midi dont ils encadrent assez discrètement l’entrée. Réalisés en fer forgé, ils font chacun référence à une pratique sociale de consommation de boissons : le thé et le vin. Deux pratiques sexuées, l’une féminine, l’autre masculine. Le fer forgé est par ailleurs utilisé pour les ornements des garde-corps de balcons et les grilles d’entrée. Ici, il devient structurel.


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Le Pavillon de thé est réalisé en fer rond soudé et assemblé par des anneaux plats. Deux charnières sur un côté permettent d’ouvrir une porte camouflée et donc d’entrer ; à l’intérieur, sur la structure même, sept sièges en porte-à-faux sont soudés sur trois points. Ce pavillon est donc destiné à la convivialité de « l’heure du thé ». Dans son devenir, des plantes viendront l’orner et en feront une pièce ombreuse. C’est donc une tonnelle destinée au partage.


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Le Pavillon de vin est en fer plat soudé et assemblé. Il n’est pas « pénétrable » et est constitué de plusieurs « morceaux » juxtaposés. Il n’y a pas de sièges à l’intérieur. Forme emblématique de la culture vernaculaire portugaise, cette carafe est encore déclinée de nos jours dans différentes formes et matériaux. Originellement créé en 2011, Le Pavillon de vin peut être habité de vigne.


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Ainsi considérablement agrandis, ces deux objets du quotidien changent de nature, tout en restant familiers. La lumière les traverse et leur structure de fer forgé s’insère dans les ornements du jardin, broderies de fer parmi les broderies des parterres.

Crédits photographiques Tous droits réservés

© F. Larrieu / château de Versailles, pages 3 à 6, 8 à 11, 13, 14, 17 à 21.

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