Idomeneo, Re di Creta Wolfgang Amadeus Mozart

Opera seria en trois actes Livret de Giambattista Varesco

Création à Munich le 21 janvier 1781

Tous droits réservés, diffusion gratuite à usage pédagogique

Orchestre et chœurs de l’Opéra Orchestre national Montpellier Languedoc-Roussillon

Vendredi 26 décembre 20h Dimanche 28 décembre 15h

Vendredi 2 janvier 20h Dimanche 4 janvier 15h

Jeudi 8 janvier 20h Opéra Comédie

Durée : 3h Cahier pédagogique Saison 2014-2015 Service Jeune Public et Actions Culturelles – 04 67 600 281 - www.opera-orchestre-montpellier.fr

Idomeneo WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756-1791) OPERA SERIA EN TROIS ACTES LIVRET DE GIAMBATTISTA VARESCO CRÉÉ LE 29 JANVIER 1781 AU THÉÂTRE CUVILLIÉS DE MUNICH Nouvelle production Sébastien Rouland direction musicale Jean-Yves Courrègelongue mise en scène Brendan Tuohy Idomeneo, roi de Crète Marion Tassou Ilia, fille de Priam, roi de Troie Anna Manske Idamante, fils d’Idomeneo Clémence Tilquin Elettra, fille d'Agamemnon Antonio Figueroa Arbace, confident d'Idomeneo Matthieu Lorry-Dupuy décors Yashi costumes John Torres lumières Noëlle Gény chef de chœurs Chœurs et chœur supplémentaire de l’Opéra national Montpellier Languedoc-Roussillon Orchestre national Montpellier Languedoc-Roussillon

Wolfgang Amadeus Mozart

« Mozart voulait plaire, et d’ailleurs Mozart avait besoin de plaire, premier musicien de l’histoire de la musique qui, rompant avec le service des Grands, ait pris le risque d’aller chercher son argent dans la poche du public payant. Mais il entendait plaire dans ses termes propres »

André Tubeuf

André Tubeuf écrit ceci à l’occasion du bicentenaire du compositeur. Celui-ci se définit lui-même, dans une lettre à son père, de la façon suivante, en 1777 :

Papa chéri, Je ne puis écrire en vers, je ne suis pas poète.

Je ne puis distribuer des phrases assez artistement pour leur faire produire des ombres et des lumières, je ne suis pas peintre.

Je ne puis non plus exprimer par des signes et une pantomime mes sentiments et mes pensées, je ne suis pas danseur.

Mais je le puis par les sons : je suis musicien. Musicien. Un musicien engagé, même s’il ne théorise jamais sur sa musique. En 1878, au moment où il compose Don Giovanni, Mozart a 31 ans. Il ne lui reste que quatre années à vivre. Quatre années pendant lesquelles les embarras financiers qui sont depuis longtemps son lot ne cessent de le harceler. Les années les plus noires de sa vie, au cours desquelles il compose ses ultimes chefs d’œuvre. Sa carrière a commencé, incroyablement, 29 ans plus tôt. Grâce à son père, Leopold, violoniste compositeur, maître de chapelle du Prince-Archevêque de Salzbourg et auteur du plus important manuel de violon du XVIIIème siècle, le jeune Mozart, à peine âgé de six ans, parcourt alors l’Europe entière en compagnie de sa soeur : Paris, Londres, où il se lie avec Jean-Chrétien Bach, l’Italie, Vienne et Munich, Amsterdam... Il compose sa première symphonie à huit ans, puis, quatre ans plus tard, un singspiel Bastien et Bastienne et son premier opéra, La finta Semplice. Des voyages successifs en Italie entre 1770 et 1773 confirment sa renommée de musicien prodige. Son opéra Mitridate, re di Ponto reçoit un accueil triomphal à Milan. De retour à Salzbourg, les Mozart doivent subir les humeurs et les caprices du nouveau Prince-Archevêque, le comte de Colloredo. En dépit de cette situation difficile, Mozart n’arrête pas de composer : six quatuors viennois, un opéra-bouffe La Finta Giardiniera (La Fausse jardinière), son premier concerto pour piano. En 1777, Mozart excédé par le comportement de Colloredo, se démet de ses fonctions et ce, contre l’avis de son père. Un voyage à Mannheim puis à Paris lui réserve pourtant quelques désillusions : l’enthousiasme d’autrefois cède la place à un accueil plutôt mitigé de la part du public. Le décès de sa mère, l’année suivante, le ramène dans sa ville natale. Mozart s’aperçoit alors qu’il n’est plus l’enfant prodige qui a tant ému les foules. Il doit donc à vingt-trois ans, se plier de nouveau à la volonté paternelle et à l’autorité du Prince-Archevêque. Tout en occupant, à contrecœur, un poste d’organiste à la Cour de Colloredo, Mozart compose la Symphonie concertante pour violon et alto et achève l’opéra Thamos, Roi d’Egypte.

En 1781, il se rend à Vienne pour la création d’Idoménée. A cette occasion, un nouveau différend avec le Prince-Archevêque entraîne une rupture définitive entre les deux hommes. Désormais installé à Vienne, Mozart doit donner des leçons pour vivre. Contre le gré de son père, il se marie avec Constance Weber à qui il dédie L’Enlèvement au Sérail en 1782. Les symphonies « Haffner » et « Linz » sont également composées à cette époque. Le bonheur avec Constance est de courte durée. Le couple perd son premier enfant et les dettes commencent à s’accumuler. En 1784, Mozart entre dans la franc-maçonnerie. Il manifeste tout son génie musical en écrivant cinq concertos pour piano et six quatuors à cordes qu’il dédie à son ami Joseph Haydn. Il met en musique la pièce de Beaumarchais, le Mariage de Figaro qui devient Les Noces de Figaro. L’opéra obtient un succès très relatif à Vienne, mais triomphe à Prague l’année suivante. Il compose encore la petite musique de nuit, la Symphonie « Prague » et surtout Don Giovanni qui remporte un grand succès à Prague. En 1787, Mozart est nommé par l’Empereur Joseph II compositeur de la Chambre Royale, succédant ainsi à Gluck qui vient de mourir. Mais ses gages modestes ne le délivrent pas des soucis matériels : peu à peu, la misère s’installe chez les Mozart. C’est toujours dans les moments tragiques que Mozart écrit ses musiques les plus fortes. Malgré le récent décès de son père, des difficultés financières inextricables et la maladie de Constance, il compose en 1789 Cosi fan tutte, un opéra bouffe pour Joseph II. Mais la mort de ce dernier le laisse sans protecteur. Mozart va d’échec en échec. Les concerts qu’il tente d’organiser sont désertés. Dans les derniers mois de sa vie, Mozart, dont la santé se détériore, trouve pourtant le force d’écrire des pages exceptionnelles : deux opéras, La Flûte enchantée et la Clémence de Titus, un concerto pour clarinette et un Requiem qu’il ne pourra pas achever. Epuisé, Mozart meurt le 5 décembre 1791. Le mauvais temps oblige la dizaine d’amis venus accompagner le cercueil à déserter le cimetière. Ses deux fils resteront célibataires, la lignée du génie s’éteint.

Mozart peint par Lange en 1789

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Le temps de Mozart… 1756 Alors que Mozart naît à Salzbourg... ...la guerre de 7 ans commence, opposant la

France et l’Angleterre.

1763 La tournée « enfant prodige » débute....

...et la guerre de 7 ans se termine : la France cède le Canada à l’Angleterre.

1765 Mozart compose sa 1ère Symphonie

...et Watt perfectionne sa machine à vapeur.

1768 Pendant que Mozart écrit son premier Singspiel, Bastien et Bastienne...

....la France achète la Corse aux Génois. Lambert démontre l’irrationalité du nombre Pi.

1775 Mozart compose un opéra-bouffe, La Finta Giardiniera

(La Fausse jardinière)...

...et Beaumarchais écrit Le Barbier de Séville. De son côté, Lavoisier démontre que l’oxygène et l’azote sont des corps simples.

1779 Mozart, au service du Prince Archevêque de Salzbourg, compose la

Messe du Couronnement.

L’Iron Bridge, premier pont métallique, est construit par Abraham Darby III.

1781 Idoménée est créée à Munich. Uranus est découvert par Herschel. De son côté, Kant publie La critique de la raison pure.

1782 Mozart se marie avec Constance Weber à laquelle il dédie L’Enlèvement

au Sérail...

...Choderlos de Laclos publie Les Liaisons dangereuses.

1785 Mozart met en musique Le Mariage de Figaro

de Beaumarchais, qui devient Les Noces de Figaro...

...tandis qu’en France, l’Affaire du collier de la reine déchaîne les passions.

1787 Mozart compose La Petite Musique de Nuit

et Don Giovanni.

Aux Etats-Unis est adoptée la Constitution. Au Japon a lieu l’Emeute du Riz.

1789 Mozart compose Cosi fan Tutte pour Joseph II...

...en France, c’est la Révolution, sur le Bounty, c’est la révolte. De son côté, Casanova écrit ses Mémoires.

1791 Dans les derniers mois de sa vie, Mozart compose entre autres deux

opéras, La Flûte enchantée et La Clémence de Titus,

ainsi que son Requiem. Il meurt le 5 décembre...

... soit six mois après l’arrestation du Roi de France à Varennes.

Argument Acte I Ilia, princesse troyenne, vit à la cour d’Idoménée roi de Crète, un des vainqueurs de sa patrie. Pour son plus grand malheur, elle aime Idamante, le fils d’Idoménée. De surcroît, elle a une rivale : la princesse grecque Electre, également réfugiée à Crète après la tragédie qui a frappé la cour royale de Mycènes. Comment réconcilier en son cœur la loyauté envers les siens, et l’amour pour l’ennemi ? Idamante annonce l’arrivée prochaine de la flotte de son père ; pour fêter un si beau jour, il rend la liberté à tous les prisonniers troyens. Il le fait par amour d’Ilia dont il ne peut comprendre la froideur. Au moment où l’on rompt les chaines des troyens, provoquant l’ire d’Electre, Arbace, le conseiller du roi, apporte une nouvelle atroce : les navires d’Idoménée ont sombré, le roi est mort. Cela ne laisse plus d’espoir à Electre, dont la colère éclate. Nous nous transportons sur le rivage, où l’on entend les cris des marins combattant la tempête. Neptune calme les flots, Idoménée est sauf. Mais à quel prix ! Afin de se sauver, n’a-t-il pas promis à Neptune la vie du premier humain qu’il rencontrera sur la rive ? Le malheureux s’avance, et c’est Idamante. Après une déchirante scène de reconnaissance, Idoménée repousse son fils et s’enfuit, laissant Idamante désorienté. On célèbre le retour d’Idoménée. Acte II Idoménée révèle à Arbace toute l’horreur de sa situation. Il ne reste qu’une solution : renvoyer Idamante de Crète, par exemple en lui faisant raccompagner Electre en Grèce. Ilia remercie Idoménée de l’accueil qui lui est réservé ; en lui, elle a retrouvé un père. Hélas ! Idoménée a bien compris le sens de ses paroles : elle aime Idamante. Ainsi, en tuant son fils, fera-t-il non pas une mais trois victimes. Seule Electre est ravie : loin de sa rivale, elle pourra reconquérir le cœur d’Idamante. Le navire attend sur le rivage. Le cœur brisé, Idamante prend congé de son père, de sa patrie, et d’Ilia. Une soudaine tempête fait surgir des flots un monstre horrible : c’est Neptune qui’ s’insurge contre la ruse d’Idoménée. Idoménée affronte le dieu injuste, tandis que les crétois s’enfuient, épouvantés. Acte III Ilia hésite toujours à avouer son amour pour Idamante. Il vient ; avant d’affronter le monstre, il veut voir une dernière fois celle qu’il adore, et celle-ci ne peut plus lui refuser un tendre aveu. Surpris par Electre et Idomémée, ils entendent la confirmation du verdict : Idamante doit partir. Maintenant c’est le peuple qui se soulève, voulant connaître le coupable du malheur qui s’abat sur lui. Arbace pleure les malheurs de sa patrie. Au nom des Crétois, le Grand Prêtre demande le nom de la victime désignée par les dieux, et Idoménée finit par prononcer celui de son fils, suscitant la stupéfaction générale. On pénètre dans le temple de Neptune où doit s’accomplir le sacrifice, et où parviennent soudain des bruits d’allégresse : Idamante a vaincu le monstre. Il s’approche, prêt à mourir. Mais Ilia arrête la main d’Idoménée, offrant sa vie à la place de celle de son bien-aimé. Au moment où elle s’agenouille devant l’autel pour recevoir le coup fatal, la voix de Neptune retentit : Idoménée doit abdiquer en faveur d’Idamante qui régnera désormais sur Crète avec Ilia comme épouse. Electre éclate de fureur, alors qu’Idoménée remercie le ciel, et les Crétois se réjouissent.

Mille et un opéras, Les indispensables de la musique, Piotr Kaminski, éd. Fayard Tous droits réservés, diffusion gratuite à usage pédagogique

Des dieux et des héros Les suites de la guerre de Troie. Ce récit d’Homère est à la source de nombreuses légendes. L’origine du conflit est l’enlèvement de la belle Hélène, épouse du roi grec, Ménélas, par le fils du roi Priam qui règne sur Troie. La Grèce, composée d’une multitude de petits états se lance dans une expédition pour récupérer Hélène. Parmi les chefs de guerre se trouve Idoménée, roi de l’île de Crète. Il part avec une flotte de quatre-vingts vaisseaux. Son nom apparaît dans les épisodes les plus marquants du conflit. Ainsi, après dix années d’affrontement, les pertes s’accumulant, on pense en trouver l’issue par un combat singulier entre Hector, fils du roi de Troie et un grec : Idoménée fait partie des volontaires (Achille sera choisi). Il pénètre dans la ville caché avec d’autres grecs à l'intérieur du cheval de Troie. Après la prise de la ville, ce prince, chargé de butin, ayant réduit en esclavage de nombreux troyens, comme après tout conflit antique, retourne en Crète. L’opéra de Mozart évoque le destin de ces esclaves à travers le personnage d’Ilia. Son prénom rappelle le nom grec de Troie : Ilion (d’où le titre de l’épopée de la guerre: l’Iliade). Electre, fille d’Agamemnon, est également présente dans l’œuvre. Dans toutes les légendes grecques, les humains sont le jouet des dieux. La guerre de Troie n’échappe pas à la règle. Mais chaque dieu grec a ses protégés mais aussi ses ennemis qu’il persécute avec acharnement. Dans une région entourée de mers, la plupart des expéditions doivent en affronter les dangers. Les héros grecs doivent naviguer sur la mer Egée et les dieux ne leur facilitent pas la tâche. Le retour, après la victoire sur Troie, est souvent hérissé d'obstacles difficiles à surmonter. L'acharnement du dieu de la mer, Poseidon (appelé Neptune chez les Romains) empêche pendant dix ans Ulysse de revenir à Ithaque : l'Odyssée raconte ses nombreuses mésaventures. Le roi Ménélas met huit ans à errer avant de retrouver sa patrie, Sparte. Mais c'est rarement l'action des humains qui parvient à calmer l'ire divine. Dans la mythologie, dans les récits homériques, c'est généralement la protection d'un autre dieu qui sauve le héros. La déesse Athéna qui veille sur Ulysse le sauve de bien des périls. Dès le début de l’expédition vers Troie, on trouve cette intervention divine : la flotte grecque, prête à voguer vers Troie, est bloquée au port par l’absence de vent. En effet, Agamemnon qui dirige l'expédition, a déclenché la colère de la déesse Artémis. Le seul moyen d'apaiser celle-ci est de lui offrir un sacrifice et le roi promet de choisir la première personne qu'il croisera. Idoménée, lui non plus, n’échappe pas à l’ire divine. L’opéra de Mozart rappelle la destruction de la flotte crétoise : le premier air que chante Ilia évoque son naufrage. Idoménée soumis à cette terrible tempête essaie d’apaiser le dieu Neptune. Il promet de lui immoler, s'il revient sain et sauf dans son royaume, le premier être vivant qui se présentera à lui sur le rivage de Crète. On trouve une similitude dans ces deux épisodes tirés d'Homère. En effet, si Idoménée a la malchance de voir son fils Idamente dès qu'il a posé pied à terre, la première personne que rencontre Agamemnon est sa fille Iphigénie. Dans les deux cas, un père est dans l'obligation, pour respecter le serment fait à une divinité, de sacrifier son enfant. Dans les récits antiques, les deux pères sont décrits accablés, mais se sentent contraints d'obéir. Leur enfant (Iphigénie ou Idamente) accepte le sort qui lui est fait. L’issue de cette terrible situation donne lieu à des

variantes selon les légendes. Ainsi, certaines adoptent le versant tragique et racontent qu'Idoménée accomplit la promesse faite au dieu Poséidon, mais que la peste s'abat sur la ville. De même la famille d'Agamemnon sera poursuivie par la malédiction des dieux et l'épouse d'Agamemnon ne lui pardonnera jamais d'avoir voulu obéir à l'ordre d'Artémis. Mais dans les deux cas, d’autres versions rapportent qu'une intervention extérieure renverse la situation. Ainsi Artémis, déesse de la chasse, aurait remplacé Iphigénie par une biche et la fille d’Agamemnon serait devenue prêtresse dans son sanctuaire de Tauride. L'opéra de Mozart Idomeneo reprend l’une des variantes de la légende : le peuple horrifié protège Idamente et chasse le roi de sa patrie. Ces histoires de puissances divines exigeant d'un homme le sacrifice de son enfant ne sont pas l'apanage de la mythologie. La Bible rapporte de tels récits. Le plus connu est le sacrifice d'Abraham : Dieu lui a demandé de tuer son fils Isaac pour éprouver sa fidélité. Mais il remplace le jeune enfant par un bélier au dernier moment. Dans le Livre des Juges (la Bible), Jephté, un des chefs des Hébreux doit livrer bataille à des ennemis et fait le vœu d'offrir à Dieu, s'il est vainqueur, la première personne qui viendra à sa rencontre : ce sera sa fille unique. Comment interpréter ces récits ? Les mythes de sacrifices humains abondent dans la Grèce ancienne. Peut-on considérer qu’ils ont été réellement pratiqués dans un lointain passé, avant d’être remplacés par des sacrifices d’animaux ? Un héros lié par une promesse faite à une instance supérieure peut aussi être un exemple à suivre. Pensons aux contes que l’on raconte aux enfants et qui leur donnent des modèles de volonté malgré les épreuves (Cendrillon etc.). N’est-ce pas pour les citoyens des états grecs un modèle d’obéissance, un idéal d’abnégation envers la patrie ? De même les récits bibliques montrent que Dieu a en aversion les sacrifices humains. C’est pourquoi, il fait surgir un bélier lorsqu’Abraham allait immoler son fils. Quant à Jephté voulait- il dire en prononçant ces paroles « je l’offrirai en holocauste » qu’il donnerait sa fille en sacrifice ? La suite de cet épisode permet d’en douter. En effet, celle-ci lui demande l’autorisation de pleurer sur sa virginité pendant deux mois et ensuite d’accomplir sa promesse. On peut l’interpréter comme la décision de se mettre au service exclusif de Dieu en lui consacrant toute sa vie. Se priver ainsi de descendance pour Jephté est déjà un très grand sacrifice. Ces épisodes ont inspiré de nombreux artistes, musiciens, hommes de théâtre, peintres. Voici une sélection de quelques œuvres les illustrant.

Le Sacrifice d’Iphigénie (Pompéi, Maison du poète tragique) entre 10 et 79.

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Cette fresque serait peut-être inspirée de Timanthe de Cythnos (fin Vème avant J.C) Iphigénie au centre est emmenée par Ulysse et Diomède vers le lieu du sacrifice. À gauche, son père se couvre le visage en signe de chagrin ; à droite, le prêtre qui doit accomplir le sacrifice paraît hésiter. Dans les nuées, Artémis, tenant son arc accueille la jeune fille sur le dos d’une biche.

Prenons un autre exemple de ce thème exécuté en 1757 par Carle van Loo. Mozart aurait pu le contempler.

Carle Van Loo, Le sacrifice d’Iphigénie, château de Potsdam

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Dans une scène beaucoup plus complexe, on identifie facilement les protagonistes du drame : Iphigénie, le prêtre. À gauche Agamemnon et son épouse Clytemnestre perdus dans leur douleur ne se sont pas encore rendu compte de l’intervention divine d’Artémis. Des soldats expriment leur stupéfaction devant cette apparition. Sur la mer, les voiles des bateaux gonflent sous l’effet du vent tant attendu.

L’épisode du retour d’Idoménée a donné lieu a beaucoup moins d’illustration. Un peintre assez obscur, Jacques Gamelin (Carcassonne, 1738 - Carcassonne, 1803) en donne sa version. Idamente gît sans vie. La foule se lamente pendant que les soldats horrifiés apostrophent Idoménée. Quant au prêtre, situé au centre de l’œuvre, il semble inciter le roi à quitter sa patrie.

Jacques Gamelin, Le retour d'Idoménée, Musée des Augustins, Toulouse

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Le thème de la tempête est lui aussi un sujet inépuisable. Exprimer le déchainement des éléments a interpellé les artistes à toutes les époques. Un grand nombre de musiciens l’ont illustré. Pensons aux oeuvres très connues : Vivaldi (Les Quatre saisons), Beethoven (la Symphonie Pastorale). 1 Mais les peintres ne sont pas en reste. Le XVIIIème siècle, entre autre, est friand de sentations fortes. Beaucoup de tableaux mettent en scène une mer déchainée. L’exposition « Le Goût de Diderot », présentée au musée Fabre d’octobre 2013 à janvier 2014 en a montré de beaux exemples avec en particulier un tableau de Joseph Vernet, excellent peintre de marines.

Claude –Joseph Vernet, Tempête et naufrage d’un navire (1770), Munich, Alte Pinakotek

Tous droits réservés, diffusion gratuite à usage pédagogique Il faut dire que si les héros antiques et Poseidon sont sortis de l’imagination des hommes, les naufrages étaient un phénomène très fréquent. Nos fonds marins sont jonchés d’inombrables épaves de toutes les époques.

Monique Morestin

                                                            1« Musique classique : tempête et diableries » vous permettra si vous le souhaitez de découvrir d’autres œuvres musicales sur le thème des tempêtes : <http://opus100.free.fr/fr/tumulte.html>

Idomeneo, une œuvre créée à Mannheim… 10 choses à savoir :

1. Cette école tient son nom de la ville de Mannheim, sur le Rhin. 2. À partir de 1745, elle fut dirigée par Johann Stamiz (Jean Stamic) qui était chef d’orchestre, compositeur et violoniste. 3. Stamitz fit de l’orchestre un des meilleurs d’Europe en le faisant notamment évoluer par son souci des nuances et de l’orchestration. 4. On parle beaucoup de l’avant-garde de l’école de Mannheim mais certains des éléments novateurs qu’elle pratiquait avaient déjà germés en Italie et pouvaient se retrouver ailleurs, particulièrement à Vienne. 5. Ce cercle musical était composé de 48 chanteurs et instrumentistes en 1745, de 61 en 1747 et de 90 en 1777 ! 6. Les membres de l’orchestre étaient des musiciens talentueux et virtuoses qui écrivaient aussi de la musique. Cela eut pour conséquence la composition de nombreux concertos et symphonies concertantes (spécialité de Mannheim) afin de mettre en valeur l’orchestre. 7. Ce dernier ne jouait pas seulement de la musique instrumentale mais aussi de l’opéra et de la musique religieuse. 8. Avant la dissolution de l’orchestre, Mozart a passé du temps à Mannheim. Il connaissait plusieurs interprètes, notamment le ténor Anton Raaf et le chef d'orchestre qui avait remplacé Stamitz, Christian Cannabich. Ces deux hommes eurent un rôle décisif dans la commande d’Idomeneo. 9. Malgré le fait que Mozart ne soit pas satisfait du ténor Anton Raaf -pour son âge trop avancé- et du jeune castrat dal Prato -pour son manque de technique-, il fut entouré d’une équipe d’exception composée notamment du chorégraphe Pierre le Grand, du scénographe Lorenzo Quaglio, de Cannabich et des chanteuses interprétant les rôles d’Ilia et d’Electre. 10. L’orchestre de Mannheim brilla jusqu’en 1777, lorsque le mécène Karl Theodor devint prince-électeur de Bavière et partit pour Munich, avec la plupart des musiciens.

Biographie : L’école de Mannheim, Histoire de la musique occidentale, Sous la direction de Jean et Brigitte Massin Mille et un opéras, Les indispensables de la musique, Piotr Kaminski, éd. Fayard

Charles Théodore de Bavière (1742, 1799) par Johann Georg Ziesenis

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Johann Stamiz

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Johann Christian Innocenz Bonaventura Cannabich

Gravure sur cuivre par Egid Verhelst II (1779) Tous droits réservés, diffusion gratuite à usage pédagogique

En savoir plus… C’est à Mannheim en 1777, que Mozart renoua ses contacts avec l’électeur palatin Karl Theodor et son impresario, le comte Seeau. Après la succession de Karl Theodor à l’électorat conjoint de Palatinat et de Bavière, sa cour déménagea à Munich, emportant dans ses valises le célèbre orchestre de Mannheim, le meilleur ensemble d’Europe, dirigé par Christian Cannabich. C’est encore à Mannheim que Mozart avait fait la connaissance de quelques virtuoses, et notamment du flutiste Johann Baptist Wendling, dont l’épouse Dorothea allait devenir la première Ilia, et la belle-sœur Elisabeth, la première Electre. En 1778, tous ces musiciens suivirent Karl Theodor à Munich d’où, en 1780, vint la commande d’un opéra, non pas en allemand, comme l’espérait Mozart, mais en italien. Le livret choisi une adaptation de la tragédie Idoménée écrite en 1712 par Antoine Danchet pour André Campra, était l’œuvre du salzbourgeois, l’abbé Gianbattista Varesco. Poète et dramaturge médiocre mais obéissant, il fut soumis à une forte pression de la part de Mozart qui voulait un opéra plus proche des modèles français, avec chœurs et ensembles, que du carcan strict de l’opéra seria. Mozart entama le travail en octobre 1780, pour partir à Munich le 5 novembre. S’ouvrit alors une longue et passionnante correspondance qui permet de suivre de près tout le processus créatif. Nous apprenons que Mozart n’est guère satisfait des deux protagonistes : le ténor Anton Raaff, excellent artiste, mais d’ores et déjà trop âgé (66 ans), et le jeune castrat dal Prato (« qui n’a pas pour un sou de technique », écrit Mozart). Pour le premier il fallut réécrire trois fois l’air final « Torna la pace » (qui finira par être coupé) ; quant au second, Mozart dût lui enseigner son rôle note après note. Les deux s’avérèrent, en outre, d’exécrables comédiens. Pourtant, Mozart ne travaillera plus jamais dans de pareilles conditions, entouré d’aussi grands artistes (le chorégraphe Pierre le Grand, le scénographe Lorenzo Quaglio, et Cannabich pour la direction d’orchestre) et d’une aussi bienveillante sollicitude de son noble protecteur. C’est cela sans doute qui explique son insatiable activité, corrections, ajouts, coupures et révisions. À la première répétition d’orchestre, le 1er décembre, on trouva la musique extraordinaire mais difficile ; il fallut doubler les violons jusqu’à douze, Raaff était émerveillé par « Fuor del mar », et l’électeur déclara qu’il n’avait jamais été ému à ce point – comme on le comprend ! La dernière lettre du 18 janvier annonce la suppression de deux airs, « No, la morte » et « Torna la pace », pour faire plus court. Le 27, jour anniversaire de Mozart, après la répétition générale, on remplaça « d’Oreste, d’Ajace » par un récitatif (afin de ne pas obliger tout le monde à sortir « uniquement pour laisser chanter Mlle Electre », écrit Mozart). Toute la famille Mozart étant désormais présente à Munich, rien ne nous est parvenus sur les détails de la création, nous savons seulement que l’opéra fut donné trois fois, sans être repris par ailleurs. Il ne quitta cependant jamais l’esprit de Mozart qui, ayant découvert les formidables talents de Ludwig Fischer, son premier Osmin de l’Enlèvement au Sérail, rêvait un instant d’en produire une nouvelle version, en allemand et avec le rôle-titre transcrit pour basse. Quelques numéros se trouvèrent dans les programmes de Mozart à Vienne, mais c’est seulement en 1786 qu’une reprise eut lieu : en privé, au palais du prince Auersperg. A cette occasion, Mozart procéda à d’importantes coupures, transcrivit le rôle d’Idamante pour ténor, et composa deux nouvelles pièces, probablement sur des textes de da Ponte : un récitatif et rondeau avec violon obbligato « Non temer amato bene » (qui, avec un texte révisé et un piano obbligato, deviendra l’immortel « Ch’io mi scordi di te » K.505 dédié à Nancy Storace, la première Susanne), et un autre duo – très supérieur – à la place de « S’io non moro ». […]

L’œuvre L’abbé Varesco changea la fin tragique du scénario de Dancher (lui-même adapté de Crébillon, 1705) le ramenant ainsi dans le giron de Métastase, afin de célébrer une fois de plus les vertus de l’absolutisme éclairé. Le troisième acte se traîne ; on comprend les migraines qu’il donna à Mozart, et les difficultés jamais résolues qu’il provoqua. Certaines solutions dramatiques frisent l’absurde : que penser d’Idoménée qui, afin d’éviter la vengeance de Neptune, envoie son fils faire une promenade en mer ? D’autant qu’en éliminant de l’intrique la rivalité entre le père et le fils pour la main d’Ilione (Danchet), Varesco supprima par la même occasion l’inquiétante ambigüité des motivations d’Idoménée, qui seule justifiait cette étonnante décision. Admettons que le comportement de Neptune qui, plutôt que d’attendre tranquillement que la victime tombe entre ses mains, empêche son voyage en envoyant le monstre, n’est guère plus rationnel ; nous le devons à Danchet. Quant à Electre, si chez Danchet elle provoque la tragédie finale, celle de Varesco n’agit plus du tout, oubliant de justifier sa présence dans l’opéra autrement que par sa musique, génialement inutile. Parmi les protagonistes, deux chanteuses d’exception enflammèrent l’imagination de Mozart. Ilia est dessinée en trois airs incomparables, riches de toutes les ressources du langage musical, déclamation syllabique et mélodie la plus épanouie, ruptures harmoniques et magie concertante des quatre vents solistes du « Se il padre perdei ». L’amour s’y décline entre angoisse, gratitude et espoir, l’auditeur attentif pouvant d’ores et déjà y lire les traits de Pamina de La flûte enchantée. Electre, quant à elle, évolue entre deux extrêmes, son tempérament infernal martellato, qui la rapproche de la Reine de la Nuit (« D’Oreste, d’Aiace » s’achève sur un rire de pure folie), et l’introuvable tendresse de « Idol mio », suivi du solo nostalgique dans « Placido è il mar ». Ainsi, Ilia et Electre nous plongent – déjà dans l’opéra psychologique que Mozart développera par la suite. Idoménée et Idamante, en revanche, portent toujours les stigmates de l’opera seria, mais ô combien transformés. Raaff était peut-être un chanteur vieux, fatigué et piètre comédien ; pourtant, ses deux premiers airs et ses récitatifs accompagnés font surgir un héros volontaire, fier et torturé, digne d’un artiste en pleine possession de ses moyens. Rien d’étonnant à ce que le rôle ait séduit quelques grands ténors de notre temps (Gedda, Pavarotti, Domingo), et cela même lorsqu’ils n’étaient pas en mesure d’affronter les vocalises meurtrières du « Fuor del mar ». On peut lire les limites du castrat del Prato dans l’absence, chez Idamante, de traits héroïques le plus souvent associés aux grands rôles dévolus à ce type de voix ; rien n’évoque ici l’éclat d’un Rauzzini. Mozart semble avoir misé sur la jeunesse de son chanteur : Idamante est un noble adolescent plein d’ardeur et d’incertitudes, impatient de se trouver, toujours soutenu par un orchestre nerveux et rutilant. L’usage de confier ce rôle à un ténor, justifié par les changements opérés en 1786, semble désormais abandonné au profit de la tessiture originale, psychologiquement et musicalement plus juste. Les quatre personnages se réunissent, au IIIème acte, dans le quatuor, un des sommets de la partition. Comme dans le trio du Ier, mais avec plus de raffinement encore, Mozart utilise une forme musicale complexe afin de construire une situation dramatique et d’exprimer une non moins complexe vérité humaine : quatre monologues intérieurs que seule le musique pouvait harmonieusement unir. S’il n’est pas le premier à y avoir recours (le quatuor du premier acte de Sémélé de Haendel vient immédiatement à l’esprit), il ressuscite une méthode qui produira d’autres fruits superbes, pour ne citer que le quatuor du Rigoletto de Verdi.

Mille et un opéras, Les indispensables de la musique, Piotr Kaminski, éd. Fayard Tous droits réservés, diffusion gratuite à usage pédagogique

Remerciements à Patrick Taïeb, professeur au département de musicologie de l’Université Paul-Valéry – Montpellier III, chercheur à l’Institut de Recherche sur la Renaissance, l’âge Classique et les Lumières du

CNRS de Montpellier, ayant accepté que nous partagions son article « Éléments pour l'analyse de l'Idomeneo de Mozart »

Biographies des artistes Jean-Yves Courrègelongue Originaire d’Aix-en-Provence, Jean-Yves Courrègelongue suit des études cinématographiques avant d’étudier l’esthétique théâtrale à Paris. Intéressé par le rapport du son et de l’image, il se consacre alors à la mise en scène lyrique. Il devient l’assistant de Jean-Marie Simon (Cenerentola en1984, Un Ballo in Maschera en 1985 à l’Opéra de Lyon, Rigoletto en 1988 à l’Opéra Garnier, Manon en 1989 au Grand Théâtre de Genève et à l’Opéra de Montpellier), puis de Pierre Constant (Trilogie Mozart Da Ponte avec J.-C. Malgoire en 1996 au Théâtre des Champs Elysées). En 1988, il est engagé en tant qu’assistant à la mise en scène pour l’Opéra de Paris. Il travaille alors avec de nombreux metteurs en scène notamment Peter Sellars (Saint François d’Assise de Messiaen), ainsi que Lev Dodine (La Dame de Pique). En 1991, il participe à la création de La Flûte enchantée de Robert Wilson à l’Opéra Bastille. Suite à cette rencontre, il participe aux différentes productions wilsoniennes pour l’Opéra de Paris : Madama Butterfly en 1993, Pelléas et Mélisande en 1997 et Die Frau ohne Schatten en 2002. En 1999, il quitte l’Opéra de Paris et collabore essentiellement aux projets de Robert Wilson. Osud de Janacek au Théâtre national de Prague 2002. Aïda de Verdi au Théâtre de la Monnaie de Bruxelles 2002, Covent Garden 2003, Rome 2009. Les Fables de La Fontaine à la Comédie Française 2004, New York 2007. Le Ring de Richard Wagner au Théâtre du Chatelet 2005/2006. La Passion selon St Jean de Bach au Théâtre du Chatelet 2006, Vilnius 2007, Kiel 2009. Faust de Gounod au Théâtre Wielki, Varsovie 2008. Katia Kabanova de Janaceck, Théâtre national de Prague 2010. Depuis 2002, il collabore également avec Jean Paul Scarpitta : Hary Janos de Kodaly à Montpellier en 2002, puis au Châtelet en 2004. Sancta Susanna de Hindemith, Opéra national de Montpellier en 2003. Jeanne au Bûcher de Honegger au Festival de Radio France Montpellier 2005. Don Giovanni de Mozart, Opéra national de Montpellier 2007. Le Château de Barbe-Bleue de Bartok, Opéra national de Montpellier 2009. Nabucco de Verdi, Opéra de Rome 2011. Manon Lescaut de Puccini, Opéra national de Montpellier 2011. La Bohème de Puccini, Opéra national de Montpellier 2012. En 2008, il signe la mise en scène de Pelléas et Mélisande à l’Opéra Comédie de Montpellier, dans la version de 1895 écrite par Debussy pour le piano. En mars 2012, il met en scène à l’Opéra national de Montpellier Elektra de Richard Strauss Brendan Tuohy Originaire de l’Etat de Washington, le ténor Brendan Tuohy étudie à l’Université de Cincinnati. En 2008, il accède à la demi-finale des auditions du Metropolitan Opéra National Council à New York. Il intègre ensuite l’Opéra Studio de Portland où il chante le Comte Almaviva (Le Barbier de Séville, Rossini), Tchaplitski et le Maitre des Cérémonies (La Dame de pique, Tchaikovski) et le Premier noble (Lohengrin, Wagner). Puis il rejoint l’Opéra Studio de Houston, où il vient de terminer sa troisième et dernière saison après avoir interprété le rôle-titre d’Albert Herring de Britten, Gastone (La Traviata, Verdi) et le Narrateur du Tour d’écrou de Britten.

Parmi les rôles qu’il a incarnés depuis, citons Martin (The Tender Land, Copland) à l’Opéra de Vashon, Pong (Turandot, Puccini) à l’Opéra de Portland et Ulrich Eisslinger (Les Maîtres chanteurs, Wagner) à l’Opéra de Cincinnati. En 2012, il a été la doublure du Podestat (La finta giardiniera, Mozart) au Festival d’Aix-en-Provence, Ferrando (Così fan tutte, Mozart) à l’Opéra de Vashon et le ténor soliste des Chemises de Noces de Dvorak au Festival de musique de Grant Park à Chicago. Cette saison, il interprète Nemorino (L’Elixir d’amour, Donizetti) à l’Opéra de Memphis, le ténor soliste dans la Neuvième symphonie de Beethoven et dans La Ballade des héros de Britten avec l’Orchestre symphonique d’Oregon, et Alfredo (La Traviata, Verdi) à l’Opéra de Tacoma. Il fait ses débuts avec l’Orchestre symphonique de Seattle dans la Neuvième symphonie de Beethoven. Marion Tassou Marion Tassou intègre la maîtrise de l'opéra de Nantes à l’âge de 9 ans où elle fait la découverte du répertoire lyrique et c'est tout naturellement qu'elle poursuit son travail au Conservatoire National de Région de Nantes dans la classe de Maryvonne Jaffré. Elle poursuit ses études de chant au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Lyon dans la classe d'Isabelle Germain et Fabrice Boulanger et y obtient en 2008 son prix avec mention. Parallèlement, elle suit l'enseignement de personnalités musicales telles que Donatienne Michel-Dansac, Cécile de Boever et Alain Garichot, ainsi que de François Leroux et Udo Reinemann. Passionnée de l'art vocal dans sa diversité, Marion Tassou explore toutes les possibilités expressives de la voix, de la musique ancienne au répertoire contemporain. Elle se produit d'abord dans Il segreto di Susanna de Wolf Ferrari (Suzanne), Le Carnaval et la Folie de Destouches (Vénus), Le Pierrot Lunaire de Schönberg, La Fiancée vendue (Marienka) et Die Zauberflöte (Pamina). Elle incarne par ailleurs Pauline dans La Vie Parisienne à Montpellier, Blanche de La Force dans Dialogues des Carmélites avec l'Atelier Lyrique des Pays de Savoie, Pamina dans Die Zauberflöte au Festival de Saint-Céré et en tournée en France avec la compagnie Opéra éclaté, Eurydice dans Orphée et Eurydice à l'Opéra de Limoges. Au cours de l'été 2013, on peut l'entendre dans Don Giovanni (Zerlina) au Festival de Saint-Céré et dans Béatrice et Bénédict (Héro) au Festival Berlioz à La Côte Saint André, sous la direction de François-Xavier Roth. En 2013/14, Marion Tassou est membre de l'Académie de l'Opéra-Comique à Paris. Parmi ses projets : L’Autre hiver, une création mondiale de Dominique Pauwels à Gand. Anna Manske D’origine viennoise, Anna Manske étudie le chant au Mozarteum de Salzbourg dans la classe d’Albert Hartinger, puis à l‘Universität für Musik und Darstellende Kunst de Vienne dans la classe de Robert Holl. Elle se perfectionne depuis auprès d’Helena Lazarska. En 2011, elle est lauréate de l’Académie d’été du Mozarteum de Salzbourg et a l’opportunité de chanter en concert dans le cadre du Festival de Salzbourg. Sur scène, elle s’est produite dans Hänsel und Gretel (Hänsel) au Schloßtheater de Schönbrunn, dans Le Nozze di Figaro de Cherubino) au Festival Mozart de Hallstatt, dans Le Grand Macabre (Armando) avec le

Neue Oper Wien et dans le rôle-titre de Gänsemagd d’Iris ter Schiphorst, une création du Wiener Taschenoper. Elle a récemment participé à la création autrichienne d’un opéra de la période pré-classique, Talestri, Regina delle Amazoni de Maria Antonia Walpurgis au Kosmos Theater de Vienne. Anna Manske se produit régulièrement en concert en Allemagne, en Pologne et en Espagne. On a pu l’entendre récemment dans le Stabat Mater de Szymanowskis Stabat Mater avec l’Orchestre Philharmonique de Cracovie, dans Wie es wär wenn es anders wärs au Musikverein de Vienne et dans Lieder enes fahrenden Gesellen de Mahler avec l’orchestre Musique des Lumières. En 2014/15, on la retrouve en particulier dans Le Cinesi de Gluck au Schloß Hof (Autriche, lieu où l’oeuvre fut créée). Elle fait ses débuts en France à l’Opéra natioal de Montpellier avec Idomeneo (Idamante). Clémence Tilquin Dès l’âge de six ans, Clémence Tilquin étudie le violoncelle à Lyon, puis à Genève (Diplôme de Soliste, F. Guye). Elle commence sa carrière soliste-chambriste à travers l’Europe, ainsi qu’au Japon. Le lyrisme de son jeu l’amène à explorer le chant auprès de Paul Guigue puis Danielle Borst : elle décroche en juin 2010 le Master Soliste avec Distinction, ainsi que le Prix de la ville de Genève. Lauréate des prestigieuses fondations Leenaards et Mosetti, la jeune soprano est conseillée par Eda Moser, Teresa Berganza, Jean-Paul Fouchécourt, Haken Hagegard à Oslo et Sue MacCulloch à Londres. Sur scène, elle incarne Poppea (Le Couronnement de Poppée de Monteverdi), Angelica (Orlando Paladino de Haydn), Bastienne (Bastien et Bastienne de Mozart), Dalila (Il Sansone d’Aliotti) et au concert elle chante Carmina Burana, le Magnificat de Bach, La Petite messe solennelle de Rossini, l'Oratorio de Noël de Saint-Saëns, Pierrot lunaire de Schönberg, un programme Dallapiccola et Francesconi à Amsterdam avec l’Ensemble Contrechamps… Clémence Tilquin a été dirigée notamment par John Nelson, Michel Corboz, Gabriel Garrido, Leonardo Garcia, Alexander Lazarev, James Loughran, Wolfgang Rihm, Emmanuel Krivine, Yves Abel et Michail Jurowski. Récemment, elle a enregistré le rôle-titre de Cendrillon de Frank Martin pour la Radio Suisse Romande puis elle a interprété Papagena à l’Opéra Royal de Wallonie sous la direction de Patrick Davin, Amour (Orphée et Eurydice), Ninetta (Les Vêpres Siciliennes) et La Princesse Ninette (L’Amour des trois oranges) au Grand Théâtre de Genève, Clairette (La Fille de Madame Angot) à Liège, Adina (L’Elisir d’amore) à Bregenz, L’enfant et les sortilèges (La Princesse, la chauve-souris et la Pastourelle) au festival d’Aix en Provence… En concert elle a également chanté avec grand succès le Gloria de Poulenc, ainsi que la Messe en do opus 86 et Opferlied opus 121b au Victoria Hall de Genève. Parmi ses projets, Gianni Schicchi (Lauretta) à Tourcoing sous la direction de Jean-Claude Malgoire, L’Italiana in Algeri (Elvira) à Avignon… Elle se produira également en concert avec l’Ensemble intercontemporain et l’orchestre de Suisse Romande.

Antonio Figueroa Originaire de Montréal, Antonio Figueroa est diplômé de l’Université de cette ville. Il débute sa carrière en entrant à l’Atelier lyrique de l’Opéra de Montréal. Il reçoit le soutien financier de la Fondation Jacqueline Desmarais pour jeunes chanteurs d’opéra canadiens, ainsi que du Conseil des Arts du Canada. Plusieurs fois récompensé, il est notamment remarqué par L’International Vocal Art Institute qui lui décerne le Silverman Price pour son interprétation de Belmonte (Die Entführung auf dem Serail). Après ses débuts dans Turn of the Screw et Il Mondo della Luna (Ecclitico) il chante dans plusieurs productions d’opéra telles que Il Tabbaro, La Traviata, L’Étoile à l’Opéra de Montréal. On lui confie également des rôles de premiers plans comme Ferrando (Cosi fan Tutte), Almaviva (Il Barbiere di Siviglia) ou Gontran (Une Éducation manquée). Ses débuts très remarqués dans le rôle de Nadir (Les Pêcheurs de perles) à l’Opéra d’Avignon lui ouvrent les portes de l’Europe. Il est alors invité à incarner, Lorenzo dans Fra Diavolo d’Auber à l’Opéra Comique et à Liège, Fenton (Falstaff) à Lausanne ainsi que Laërte (Hamlet), Nemorino (L’Elisir d’amore), Tebaldo (I Capuleti e i Montecchi), Almaviva (Il Barbiere di Siviglia) dans divers théâtres français. Il développe sa carrière outre-Atlantique en participant aux productions de Cosi fan tutte (Ferrando) en tournée en France mais aussi au Pacific Opera, I Pagliacci (Beppe) à Québec et Ottawa, Die Zauberflöte (Tamino) à Ottawa, Les Pêcheurs de perles à Montréal… Très apprécié dans le répertoire baroque et la musique sacrée, Antonio Figueroa chante des œuvres telles le Messie de Haendel, le Requiem de Mozart, le Magnificat et la Passion selon saint Jean de Bach. Il a par ailleurs l’occasion de se produire en concert avec différents orchestres canadiens, dont l’Orchestre symphonique de Montréal (dans L’Or du Rhin ou dans Norma, sous la direction de Kent Nagano) et les Violons du Roy. Récemment, sa collaboration avec Peter Brook dans Une Flûte enchantée (Tamino) lui donne l’opportunité de se produire dans les plus grandes villes du monde entier (Paris, Rome, Milan, Madrid, Bruxelles, Genève, Québec, New-York…). On a également pu l’applaudir dans les productions de The Tempest de Thomas Adès à Québec, Falstaff à Québec, Montréal et Lausanne, La Belle Hélène au Capitole de Toulouse, Cosi fan tutte et Les Femmes vengées à Washington, New York et Versailles, Lakmé (Gérald) à Santiago du Chili… Parmi ses projets scéniques, Fortunio (rôle-titre) à Saint-Etienne, Castor et Pollux à Toulouse… Matthieu Lorry-Dupuy Né à Sarlat en 1978, Mathieu Lorry-Dupuy entre à l’Ecole Nationale Supérieure des Arts Décoratifs en 2000. Il se spécialise en scénographie et sort premier de sa promotion en 2004. Durant deux saisons, il est assistant scénographe au bureau d’études du Festival International d’Art Lyrique d’Aix-en-Provence. Il collabore aux productions : Das Reingold, La Périchole, L’Italiana in Algeri, Cosi fan tutte, La clemenza di Tito, Il Barbiere di Siviglia. En 2004, il rencontre Bob Wilson et participe à différents projets élaborés au Watermill Center aux Etats-Unis, ainsi qu’au tournage de « Vidéo Portraits » signés par l’artiste. Il assiste Daniel Jeanneteau.

Depuis 2006, il travaille comme scénographe : Crave pour Thierry Roisin, Chez les nôtres pour Olivier Coulon Jablonka, Et pourtant ce silence ne pouvait être vide... pour Michel Cerda, Colombe et Le Nombril pour Michel Fagadau, Beyrouth hôtel pour Niels Arestrup. Le Cerceau et de Pornographie et du Petit Poucet pour Laurent Gutmann. Récemment, il a créé les scénographies de Mô et Até pour Alain Béhar, des Vagues avec Marie-Christine Soma. Avec Jacques Vincey, il a créé les espaces du Banquet, de Jours souterrains, de Amphitryon à la Comédie Française, de La vie est un rêve, de L’Ombre et de Yvonne Princesse de Bourgogne. Avec le chorégraphe Salia Sanou, Doubaley et Clameur des arènes au Festival Montpellier Danse. Il collabore actuellement aux prochaines créations des metteurs en scènes : Cédric Gourmelon, Claire Devers, Jean Pierre Baro, Thierry Roisin et Alexandra Lacroix. Après Pelléas et Mélisande et Elektra, Idomeneo marque sa troisième collaboration avec Jean-Yves Courrègelongue à l’Opéra national de Montpellier. Yashi Née à Berlin, Yashi étudie les costumes et la scénographie à l’Université des Beaux-arts de Berlin dans les classes de Martin Rupprecht et Vivienne Westwood. En 1999, elle rencontre le metteur en scène américain Robert Wilson lors d'un séjour au Centre Watermill / Long Island à New-York. Depuis, elle travaille dans son équipe en tant que costumière, en collaboration avec Jacques Reynaud et Moidele Bickel dans des productions internationales, telles que White Raven (New York), Wozzeck (Copenhague), Die Frau ohne Schatten (Paris), Leonce et Lena, L’Opéra de quatre sous et Sonette (Berlin). Elle a créé les costumes pour Rumi / In the blink of the eye, Krapp´s Last Tape et Katia Kabanova, sous la direction de Robert Wilson. Depuis 2000, Yashi crée, en free-lance, les costumes et les décors pour le théâtre, l'opéra et le cinéma. Elle a travaillé avec des réalisateurs tels que : Adriana Altaras, Hans Neuenfels, Ullrich Rasche, Daniel Schmid et Robert Wilson. En 2009, elle a reçu le Prix Jeunes scénographes « Hein-Heckroth ». A l’Opéra national de Montpellier, en mars 2012, elle a réalisé les costumes d’Elektra de Richard Strauss, dans une mise en scène de Jean-Yves Courrègelongue. John Torres Parmi ses récentes réalisations lumières figurent... Toss et Rogues, spectacles chorégraphiés par Trisha Brown au Théâtre national de Chaillot, Paradisiacal Rites de Saint Genet, au théâtre On the Boards à Seattle, On the Beach, en collaboration avec Robert Wilson, au BAC à New York, Three Cases of Amnesia chorégraphié par Jonah Boaker, au Volcan, scène nationale du Havre. John Torrès est assistant aux lumières sur le spectacle Einstein on the Beach, en tournée mondiale 2012/2013, il est aussi l’assistant de Jennifer Tipton pour La Clemenza di Tito au Festival d'Aix 2011, Pygmalion au Festival d'Aix 2010, Winterreise au Lincoln Center Festival 2002. De 2002 à 2010, il est directeur de production et directeur lumières de la Trisha Brown Dance Company. En septembre 2013, à l’Opéra national de Montpellier, il a mis en lumières Orfeo ed Euridice de Gluck.

Noëlle Geny Initiée au piano par sa mère, concertiste, élève de Walter Gieseking, Noëlle Gény étudie à Nancy où elle obtient ses prix de piano, solfège, musique de chambre et contrebasse. Elle se perfectionne à Paris auprès de Catherine Collard. De 1984 à 1992, elle débute sa carrière en tant que chef de chant au Grand Théâtre de Genève. Placé sous la direction d’Hugues Gall, elle collabore avec des chefs d’orchestre renommés : Armin Jordan, Jesus Lopez Cobos, Christian Thielemann, Jeffrey Tate, Carlo Rizzi, Louis Langrée, Marko Letonja, Alberto Zedda, Emmanuel Krivine, Emmanuel Joel Hornack, Georges Prêtre. Elle est également chef de chant au Festival d’Aix-en-Provence sur Die Entführung aus dem Serail, dirigé par Armin Jordan. Elle participe à de nombreux concerts avec les Chœurs du Grand Théâtre et des artistes prestigieux tels que Natalie Dessay, Roberto Alagna, Thomas Hampson, Chris Merritt, José Van Dam… Elle assure également les parties de continuo dans la plupart des opéras de Mozart et de Rossini. Après avoir travaillé avec les chefs de chœur Jean Laforge et Gunther Wagner, elle est nommée Chef des Chœurs de l’Opéra de Nantes. En 1994, à la demande d’Henri Maier, elle prend en charge la direction du Chœur de l’Opéra national de Montpellier. Elle dirige de nombreux concerts avec des programmes très étendus, allant de l’opéra baroque au grand répertoire du XXème siècle. Elle est également très impliquée dans l’Action Culturelle en direction du Jeune Public. Ses chœurs sont régulièrement invités dans les différentes maisons d’opéra en France, dans des festivals tels qu’Orange en 2009 dans les productions de Cavaleria rusticana et I Pagliacci sous la direction de Georges Prêtre. En 2006, elle dirige les chœurs dans Jeanne d’Arc au bûcher, lors du Festival de Radio France et Montpellier Languedoc-Roussillon, dont le DVD est récompensé lors des Victoires de la Musique classique 2008. En avril 2008, les chœurs d’hommes de l’Opéra de Montpellier sont également sollicités pour renforcer le Chœur de l’Opéra de Bordeaux sur Tannhäuser. En 2009, les Chœurs de l’Opéra de Montpellier sont invités à participer à Turandot à l’Opéra de Monte-Carlo. En février 2010, les chœurs de l’Opéra national Montpellier Languedoc-Roussillon se produisent dans des extraits du Prince Igor et de La Traviata pour l’émission des Victoires de la Musique classique, retransmis en direct sur France Télévision. Elle est régulièrement invitée à l'Opéra de Dublin, elle y fait travailler les chœurs attachés à cet Opéra.

Chœurs et chœur supplémentaire de l’Opéra national Montpellier Languedoc-Roussillon L’histoire du Chœur de l’Opéra national Montpellier Languedoc–Roussillon commence en 1982. C’est en 1994 que Noëlle Gény en prend la direction. Loin de se spécialiser dans un genre, ses 32 chanteurs abordent un large répertoire composé de grands chœurs d’opéras, d’opérettes, de comédies musicales, de mélodies françaises, italiennes, allemandes et slaves, ainsi que de musique sacrée et de musique contemporaine. En juin 2004, il est invité au « Festival des Régions » du Châtelet pour Hàry Jànos et Antigona de Traetta. Il participe 2007, à la production nantaise de Jenufa de Janáček, à laquelle la critique attribue le prix de la meilleure production de l’année. En plus des quatre grands concerts dirigés chaque saison par Noëlle Gény, le chœur se rend très régulièrement en région et prend également une part active dans la programmation des spectacles destinés au public scolaire. Régulièrement invité au Théâtre des Champs-Elysées, au Théâtre du Châtelet, à la Salle Pleyel, au Festival Musica de Strasbourg ou encore aux Chorégies d’Orange, le Chœur de l’Opéra national de Montpellier est aussi accueilli par toutes les scènes lyriques françaises. Le chœur a ainsi travailler avec de nombreux chefs, tels Gianfanco Masini, qui a sans conteste marqué l’histoire de l’Opéra national Montpellier Languedoc-Roussillon, Friedemann Layer, Lawrence Foster, Alain Altinoglu, Jean-Yves Ossonce, Marco Guidarini, Emmanuel Joel-Hornak, Enrique Mazzola, Marko Letonja, Emmanuel Krivine, Hervé Niquet, Christophe Rousset … ainsi que les grands chefs russe Evgeny Svetlanov et italien Riccardo Muti. Aux Chorégies d’Orange 2009, le chœur participe aux productions de Cavaleria rusticana et I Pagliacci avec Roberto Alagna sous la direction de Georges Prêtre. En septembre 2008, le chœur participe à la production de Aida à Montpellier, puis à Paris, salle Pleyel et en septembre 2009 à Die Zauberflöte donnée au Théâtre du Châtelet, puis à l’Opéra national Montpellier Languedoc-Roussillon. Le chœur travaille régulièrement avec des metteurs en scène de renommée internationale : Nicolas Joel (actuellement Directeur de l’Opéra de Paris), Jean Claude Auvray, Petrika Ionesco, Giancarlo del Monaco, Daniel Mesguisch, René Koering, Davide Livermore, Jean-Paul Scarpitta, Jérôme Savary, Jean-Louis Martinoti, Alfredo Arias… Le Chœur de l’Opéra national Montpellier Languedoc Roussillon apparaît entre autres dans les enregistrements des Huguenots de Meyerbeer, de Roméo et Juliette et Perelà de Pascal Dusapin, de Goya de Jean Prodomidès, de Gogol de Michaël Levinas par Radio France, de Marion Delorme de Ponchielli, de Cyrano de Bergerac d’Alfano, de Hàry Jànos de Janáček, de Salomé de Mariotte et de Jeanne d’Arc au bûcher de Honegger, récompensée aux Victoires de la Musique 2008, et tout dernièrement dans Thérèse de Jules Massenet dans la collection « Opéra français » du Palazzetto Bru Zane en partenariat avec le Festival de Radio France et Montpellier Languedoc-Roussillon. Orchestre national Montpellier Languedoc-Roussillon En trente ans de carrière, l’Orchestre national Montpellier Languedoc-Roussillon a connu un essor spectaculaire, qui en fait aujourd’hui l’une des formations les plus dynamiques du paysage musical français. Contrairement à la plupart des orchestres de région créés sous le ministère d’André Malraux par Marcel Landowski, l’Orchestre de Montpellier n’est pas né d’une structure préexistante. Lorsqu’en 1979, Georges Frêche, maire de Montpellier, fonde l’orchestre, il s’agit de relever un défi : initier le mouvement nouveau d’une véritable politique artistique et musicale à Montpellier.

La création de l’Orchestre a représenté un formidable espoir de renaissance. Très vite, le tout nouveau Conseil Régional et le Conseil Général de l’Hérault ont pris conscience de sa nécessaire existence. Sous l’impulsion de son fondateur, l’Orchestre s’est développé et a adapté son répertoire à ses effectifs croissants : entre les trente musiciens de la formation initiale et ses quatre-vingt-quatorze musiciens aujourd’hui, l’orchestre a pu progressivement assumer avec bonheur l’ensemble du répertoire symphonique du XVIIIe siècle à l’époque contemporaine. Ce développement força l’admiration et grâce à la reconnaissance de l’Etat en 1985, il devient Orchestre de Région. C’est en 1990 que René Koering, alors directeur du Festival de Radio France et Montpellier, prend la direction générale de l’Orchestre Philharmonique de Montpellier. Se développe alors à Montpellier une structure originale et particulièrement dynamique : René Koering, responsable de la programmation artistique et de la gestion de la formation, dote parallèlement l’orchestre d’un directeur musical. Les apparitions de l’orchestre vont connaître dès lors un retentissement nouveau, et asseoir sa réputation à l’échelle régionale, nationale, et aujourd’hui internationale. En 1989, l’orchestre Philharmonique de Montpellier s’installe au Corum inauguré en novembre. Il y trouve l’année suivante une salle de répétition, la salle Beracasa, un lieu de concert prestigieux, l’Opéra Berlioz, et une salle parfaitement adaptée à la musique de chambre, la salle Pasteur. Une installation remarquable que bien des orchestres peuvent envier à Montpellier. En 1992, René Koering fait appel à Gianfranco Masini pour assurer la direction musicale : la disparition brutale du maestro italien l’année suivante met fin à une précieuse collaboration, dont la création d’œuvres de Busoni et du Christophe Colomb de Franchetti laisse la trace dans la mémoire de l’Orchestre. De 1994 à 2007, Friedemann Layer prend la tête de l’Orchestre, participant activement au dynamisme et à la grande qualité des saisons musicales. En 1999, l’orchestre de Montpellier devient Orchestre national.. De septembre 2009 à juin 2012, Lawrence Foster a été directeur musical désigné. Un nouveau directeur musical devrait être nommé en cette année 2013. Attentif à ne jamais négliger les grandes œuvres du répertoire, l’Orchestre national Montpellier Languedoc-Roussillon mène toutefois une véritable politique de création et de sensibilisation à la musique du XXe siècle. Des compositeurs tels que Maderna, Adams, Cage, Pärt, Penderecki, Korngold, Henze, Ligeti, Dusapin ou Xenakis font partie désormais de la vie musicale montpelliéraine. Par ailleurs, depuis 2000, l’Orchestre accueille des compositeurs contemporains en résidence : Jean-Louis Agobet (2000-2001), Jean-Jacques Di Tucci (2002), Marco Antonio Pérez-Ramirez (2002- 2006), Richard Dubugnon (2006-2008), Philippe Schoeller en 2008. Le prestige de l’Orchestre national Montpellier Languedoc-Roussillon, qui en fait aujourd’hui l’un des meilleurs de l’hexagone, se laisse mesurer aux grands noms qu’il ne cesse de rencontrer. Des chefs tels que Ivan Fischer, Marek Janowski, Armin Jordan, Emmanuel Krivine, Antonio Pappano, Nello Santi, Pinchas Steinberg, Jerzy Semkov, Riccardo Muti…; des solistes comme Pierre Amoyal, Augustin Dumay, François-René Duchâble, Evgeni Kissin, Radu Lupu, Nikita Magaloff, Maria Joao Pires, Mistilav Rostropovitch, David Fray… ; des chanteurs tels que, Montserrat Caballe, Jennifer Larmore, Rockwell Blake, Béatrice Uria-Monzon, Pauletta de Vaughn, Gary Lakes, Katia Ricciarelli, Giuseppe di Stefano, Chris Merritt, Hildegard Behrens, Margaret Marshall, Karen Huffstodt, José van Dam, Thomas Moser, Leonie Rysanek, Viorica Cortez, Nathalie Stutzmann, Jean-Philippe Lafont, Juan Diego Florez, Daniela Barcelona, Nora Gubisch, Roberto Alagna, sont autant de preuve de confiance et de haute exigence artistique. Et de fait, l’Orchestre depuis quelques années développe une carrière internationale, invité au cours des saisons musicales de Milan, Barcelone, Athènes, Beyrouth, Budapest, Bratislava ou Prague. Outre sa participation active au Festival de Radio France et Montpellier, l’Orchestre se produit dans de nombreux festivals français. Régulièrement invité sur les grandes scènes parisiennes, il s’est produit à la salle Pleyel, en septembre 2008, dans une version concert d’Aida, sous la baguette d’Alain Altinoglu. Il

donne 3 représentations de Die Zauberflöte en octobre 2009, sur la scène du Châtelet, et en 2011 Aida au Stade de France. Depuis 1999, l’Orchestre national Montpellier Languedoc-Roussillon a soin de graver son histoire, grâce à une discographie proposant plus d’une quarantaine d’enregistrements publics, lors de la saison ou à l’occasion du Festival de Radio France et Montpellier. Ainsi, il a pu créer sa propre ligne de disques en coproduction avec Actes Sud, et travailler en partenariat avec les Editions Naïve. Depuis 2002, l’Orchestre national Montpellier Languedoc-Roussillon est sous contrat avec Universal Music France, et développe sous le label Accor, trois collections : Opéra, Symphonique, Musique de chambre. Consacrés à des œuvres à découvrir ou redécouvrir, ces enregistrements sont souvent devenus des disques de référence. L’Orchestre national Montpellier Languedoc-Roussillon entretient une collaboration étroite avec Deutsche Grammophon. En janvier 2012, dirigé par Riccardo Muti, il a soulevé l’enthousiasme du public montpelliérain avec le Requiem de Verdi.