Les chefs qui dirigent les concerts scolaires de l’Orchestre symphonique de Toronto sont généreusement soutenus par Mme Gert Wharton. Les concerts scolaires de l’OST bénéficient du

soutien de la William Birchall Foundation et d’un donateur anonyme.

Guide pédagogique

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Table des matières

Présentation du concert

Préparation en vue du concert

Notes du programme

Plans de leçons Biographies des artistes

Glossaire des termes musicaux

Les instruments de l’orchestre

Les musiciens de l’OST

Formulairesd’évaluation

3 4 - 7 8 - 18

L’OST remercie Christina Huang pour avoir rédigé les plans de leçons.

19 - 3334 - 36 37 - 38

39 - 50 51 52 - 53

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Présentation du concert

Parmi les œuvres au programme*:

• Prokofiev: La Danse du châle, de Cendrillon

• Grieg: Dans l'antre du Roi de la montagne, de Peer Gynt

• Ravel: Les entretiens de la Belle et de la Bête, de la suite Ma mère l'Oye

• Jon Deak: Jacques et le Haricot magique

• Peter Yarrow: "Puff, le dragon magique"

• Dukas: L'Apprenti sorcier• Humperdinck: Prélude d'Hansel et

Gretel• Stravinsky: Finale, de L'oiseau de feu

*Programme sujet à des changements

Contes symphoniquesLundi, le 20 avril 2020

De la maternelle à la 4e année

Dina Gilbert, chef d'orchestreJeffrey Beecher, contrebassiste solo

Revisitez les contes traditionnels de l’enfance, racontés en musique. La chef d’orchestre Dina Gilbert et le contrebassiste Jeffrey Beecher vous feront découvrir l’orchestre grâce aux contes musicaux. Incluant la musique des compositeurs français Ravel et Dukas, ceci est un concert merveilleux à ne pas manquer !

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Préparation en vue du concert

Avant « Regarder et Écouter » Écouter les pièces musicales• As-tu déjà entendu certaines de ces pièces? • Laquelle est ta préférée, et pourquoi?• Entends-tu quelque chose de nouveau ou d’intéressant? • Tu peux employer un journal de l’auditeur pour y noter tes observations.

Lire les biographies et les notes du programme • Y a-t-il des compositeurs dont tu n’avais jamais entendu parler?• Qu’as-tu appris de nouveau ou d’intéressant au sujet d’une pièce, d’un compositeur, des instruments ou des musiciens de l’OST?

Regarder l’orchestre et la salle• Est-ce que c’est ta première visite à Roy Thomson Hall? • Y a-t-il des instruments que tu n’as jamais vus? • Remarques-tu quoi que ce soit d’inhabituel au sujet de l’orchestre?

Écouter l’orchestre et le chef• Est-ce que l’expérience d’écouter un orchestre en personne est différente de l’écoute d’un enregistrement orchestral? • Pense aux sentiments évoqués par les différentes pièces.• Y a-t-il un instrument ou une partie de la pièce que tu aimes particulièrement?

Pendant « Regarder et Écouter »

Ta classe s’en vient à Roy Thomson Hall pour voir et entendre l’Orchestre symphonique de Toronto? Formidable! Voici quelques suggestions de choses à faire avant, pendant et après la performance. Que ce soit ton premier concert symphonique ou que tu sois un(e) habitué(e), il y a toujours de nouvelles choses à apprendre et de nouvelles expériences à vivre!

Préparons-nous!

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Préparation en vue du concert

Discuter et réfléchir avec tes camarades de classe• Est-ce qu’il y a quelque chose qui t’a surpris(e) pendant le concert?• Quelle a été ta pièce préférée? Quelle est celle que tu as le moins aimée, et pourquoi?• Ton expérience était-elle différente de celle de tes camarades?• Remplis le formulaire de rétroaction des élèves pour partager tes impressions avec nous!

Revoir les règles et les rappels suivants avec tes camarades de classe • On ne peut pas apporter de boissons ni de nourriture à Roy Thomson Hall.• Pas d’enregistrements ni de photos avec flash.• Assure-toi d’aller aux toilettes avant le début — les allées et venues du public sontune distraction pendant la performance.• Nous t’encourageons à applaudir et à montrer ton appréciation — les musiciens ont besoin de ton énergie pour donner le meilleur d’eux-mêmes. • Si tu ne sais pas si une pièce est terminée, regarde le chef et les musiciens — le chef se tournera pour faire face au public lorsque la pièce sera finie.

Nous te souhaitons une expérience amusante et stimulante!

Après « Discuter et Réfléchir »

Règles et rappels

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Préparation en vue du concert

Journal de l’auditeur / auditriceNom : ____________________________ Date : _________________________

1) Quelles sortes de sons entends-tu? As-tu l’impression d’entendre un grand groupe de musiciens ou un petit groupe?

2) Quelles différences entends-tu au niveau des dynamiques? La musique est-elle forte ou douce, ou entre les deux? Est-ce que le volume augmente ou diminue lentement? (p. ex., pp, p, mp, mf, f, ff, crescendo, diminuendo, etc.)

3) Comment décrirais-tu le tempo? Est-il rapide, lent ou les deux?

4) Quels sentiments éprouves-tu en écoutant cette pièce? (p. ex., je suis triste, je suis heureux/se, j’ai peur, j’ai sommeil, etc.)

5) Quels sont les deux mots que tu emploierais pour décrire cette pièce?

6) As-tu aimé cette pièce? La recommanderais-tu à un(e) ami(e)? Pourquoi (ou) pourquoi pas?

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Concert Preparation

Balado Contes symphoniquesJournal de l’auditeur / auditrice

Name: ____________________________ Date: _________________________

1) En musique, c'est quoi le timbre?

2) C'est quoi un thème musical?

3) Comment peut-on représenter la tension en musique?

4) Quels éléments nous faut-il pour raconter une bonne histoire?

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Que racontent ces histoires?

Notes du programme

Les contes de fées changent tout le temps et il y en a partout sur la planète, tous différents, comme les personnes qui les racontent. Aujourd’hui, vous lisez ces contes dans des livres, mais dans le temps, c’était des personnes qui les disaient, des conteurs. Chaque personne disait le conte à d’autres, qui le répétaient à d’autres, de génération en génération. Ces contes vivaient dans la mémoire des gens, pas sur du papier.

Il existe plusieurs versions d’une même histoire. Chaque conteur aime changer quelques détails pour rendre sa version plus intéressante. Certains conteurs ajoutent des personnages, des lieux ou des choses de leur communauté pour rendre l’histoire plus facile à comprendre. D’autres conteurs rajoutent des détails effrayants pour faire peur aux enfants. Il y a des conteurs qui veulent vous enseigner une leçon, et il y en a d’autres qui veulent simplement vous amuser.

Voici une description de chacune des histoires.

CendrillonUne jeune fille est traitée méchamment par ses belles-sœurs et sa belle-mère. La magie la transforme complètement pendant quelques heures, pendant qu’elle va à un bal où elle rencontre un prince. Elle quitte le bal en courant avant que la magie finisse, mais elle perd un soulier. Le prince demande à toutes les femmes du royaume d’essayer ce soulier jusqu’à ce qu’il retrouve Cendrillon, qu’il finit par épouser.

Peer GyntUn homme égoïste et paresseux part à l’aventure autour du monde. Dans un épisode, il refuse d’épouser la fille du Roi de la montagne et il doit fuir le royaume, pourchassé par des trolls furieux.

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Notes du programme

Les entretiens de la Belle et de la BêteUne femme réussit à briser un enchantement et à rendre à un prince sa forme humaine en l’aidant à abandonner ses mauvais traits de caractère.

Jacques et le Haricot magique Un garçon aide sa famille pauvre en volant à un méchant géant des objets magiques et des animaux.

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Notes du programme

Hansel et GretelUn garçon et sa sœur réussissent à vaincre une méchante sorcière sans l’aide d’adultes.

L’Oiseau de feuUn prince sauve un groupe de princesses des mains d’un méchant roi avec l’aide d’un oiseau magique.

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Prokofiev Biographie

La Danse du châle, de Cendrillon

Quand il était jeune, Sergei Prokofiev était connu comme un mauvais garçon et pour jouer toutes sortes de tours. Il a commencé à montrer un grand talent musical dès l’âge de cinq ans. Quand il a eu 13 ans, ses parents, qui espéraient que ce talent l’empêcherait d’avoir des problèmes, l’ont envoyé étudier la musique à temps plein à Saint-Pétersbourg. Mais Sergei est resté trouble-fête toute sa vie, même quand il composait de la musique. En effet, il n’a jamais voulu rester dans les limites permises de la musique et il se moquait de ce que les gens pouvaient penser. C’est cette attitude qui lui a permis de composer de la musique créative qui plairait aux gens pour les générations à venir. Il a notamment composé une des plus belles histoires connues en musique, Pierre et le Loup.

La Danse du châle est la version musicale d’une dispute. Dans l’histoire, la danse a lieu alors que les deux belles-sœurs de Cendrillon créent un nouveau châle pour le bal au palais. Les trémolos des cordes au début évoquent l’urgence de finir le châle, et les notes en staccato rappellent que le temps s’écoule. Une fois le châle terminé, les deux belles-sœurs se disputent pour décider celle des deux qui le portera. Les arguments de chacune sont évoqués par la succession aux cordes de triolets rapides, alors que chaque sœur arrache le châle des mains de l’autre. La dispute s’envenime jusqu’au moment où les deux sœurs tirent sur le châle en même temps et le déchirent.

Écoutez

Notes du programme

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Grieg Biographie

Dans l’antre du Roi de la montagne, de Peer Gynt

Edvard Grieg a appris la musique à partir de l’âge de six ans. Sa mère a commencé par lui enseigner le piano et le talent d’Edvard lui a valu d’être remarqué par d’autres personnes, qui ont recommandé de l’inscrire au conservatoire. Le père d’Edvard était d’origine écossaise, mais sa mère était norvégienne. Quand Edvard a commencé à composer, il s’est inspiré des mélodies folkloriques traditionnelles de la Norvège, un patrimoine dont Edvard était très fier et qui l’a éventuellement poussé à ouvrir une école de musique consacrée à la beauté de la Norvège. Quand Edvard a rencontré le grand écrivain Henrik Ibsen, ce dernier lui a demandé de composer la musique d’une de ses pièces de théâtre, Peer Gynt. L’air le plus connu de cette musique est Dans l’antre du Roi de la montagne, un air que l’on entend encore aujourd’hui dans des films et des émissions télévisées.

À ce moment de l’histoire, le héros est en train de fuir, pourchassé par un groupe de trolls furieux. Cet air illustre parfaitement les changements de tempo et de volume. Il commence lentement par un thème tout simple joué par les instruments les plus graves de l’orchestre : les contrebasses, les violoncelles et les bassons. Puis le tempo accélère et le volume augmente progressivement chaque fois qu’un nouvel instrument s’ajoute. La tension est de plus en plus vive jusqu’au moment où tous les instruments réunis finissent sur des notes fortes et rapides.

Écoutez

Le savais-tu?

Grieg avait toujours en poche un bibelot porte-bonheur en forme de grenouille, qu’il touchait pour s’attirer la chance.

Notes du programme

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Ravel Biographie Né en France dans une famille d’amoureux de la musique, Maurice Ravel a grandi en entendant sa mère lui chanter des mélodies folkloriques basques. Son père l’a emmené écouter de nombreux concerts, et Maurice a adoré toutes ces expériences. À l’âge de sept ans, il a commencé à apprendre le piano, démontrant un talent que ses parents ont encouragé. Maurice s’est donc inscrit à l’un des meilleurs conservatoires de la France. Malgré son intelligence, cependant, il a été chassé du conservatoire parce qu’il ne respectait pas les exigences de ses professeurs! Heureusement, certains de ces professeurs ont reconnu son potentiel et l’ont encouragé à poursuivre son apprentissage. Maurice préférait composer par-dessus tout et son œuvre la plus connue est son Boléro. Il était également un arrangeur habile qui adaptait la musique des autres, ayant notamment adapté pour orchestre les Tableaux d’une exposition de Moussorgsky.

Les entretiens de la Belle et de la Bête, de la suite Ma mère l’Oye

Ravel a composé la suite Ma mère l’Oye pour les deux enfants d’un couple d’amis, chacun des morceaux de la suite s’inspirant d’un conte de fées. La suite a été interprétée pour la toute première fois par deux petites filles, âgées de six et de sept ans. Devant son succès, Ravel a décidé d’adapter pour orchestre la musique de la suite. Dans ce morceau, vous entendrez la voix de la Belle, jouée par la clarinette. Puis vous entendrez la Bête, interprétée par le contrebasson. Écoutez bien le glissando de la harpe vers la fin, qui évoque la transformation de la Bête en un beau prince.

Écoutez

Le savais-tu?

Après avoir écrit son Boléro, Ravel l’a jugé médiocre et insignifiant comparé au reste de ses compositions. Pourtant, cette pièce a fini par devenir son œuvre la plus connue!

Notes du programme

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Jon Deak BiographieEncore actif de nos jours, le compositeur Jon Deak est né au sein d’une famille artistique américaine, d’un père sculpteur et d’une mère peintre. Il a lui aussi été artiste visuel quand il a commencé sa carrière, mais il a fini par se consacrer exclusivement à la musique. Il a joué de la contrebasse pendant plus de 30 ans dans l’Orchestre philharmonique de New York. Il a notamment joué pour le réputé Leonard Bernstein, un merveilleux professeur pour de jeunes musiciens. Jon a fini par lancer son propre programme pour les jeunes. Ce programme, appelé les Très Jeunes Compositeurs, permet à des enfants aussi jeunes que huit ans de créer de la musique pour un orchestre professionnel! Les jeunes commencent par travailler avec un vrai musicien qui les aide à traduire leurs idées en musique, même si les jeunes n’ont jamais joué une note de musique de leur vie! Une fois terminée, leur composition est interprétée par l’orchestre au complet pendant un concert jeunesse.

Jacques et le Haricot magiqueCette composition de Jon Deak est en fait un concerto pour contrebasse. La contrebasse soliste est la voix de Jack, et toute la section des contrebasses est celle de sa mère inquiète. La partition est écrite pour un orchestre réduit. Pour se faire entendre, la contrebasse de Jack joue presque toujours dans le registre aigu de l’instrument, proche du registre du violoncelle ou de l’alto. Jon Deak avoue avoir été inspiré par John Cage, Spike Jones et Walt Disney, mais aussi par la musique indienne, le blues et le funk.

Le savais-tu?

Jon Deak est aussi alpiniste. Il a dirigé plusieurs expéditions dans les Rocheuses canadiennes, en Alaska et dans l’Himalaya!

Notes du programme

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Dukas Biographie

L’Apprenti sorcier

Élevé à Paris (en France) par une mère pianiste talentueuse, Paul Dukas a subi son influence pour ses goûts musicaux. Hélas, sa mère est morte à la naissance de sa sœur, alors que Paul n’avait que cinq ans. Malgré sa grande tristesse, Paul a continué de se perfectionner en musique. Élève moyen à l’école, ce n’est que vers l’âge de 14 ans qu’il a vu son talent vraiment remarqué. À 16 ans, il s’est inscrit dans un conservatoire important pour suivre les cours des meilleurs professeurs de musique du temps et où il est devenu très ami avec un autre compositeur réputé, Claude Debussy. Paul avait du talent, mais ne croyait pas que ses compositions étaient bonnes. Il en a même détruit beaucoup, contre l’avis de ses amis. Il n’a autorisé la publication que d’un petit nombre de compositions et sa partition la plus connue est L’Apprenti sorcier.

Des générations de spectateurs de cinéma connaissent la partition de Dukas comme étant la trame sonore des pitreries de Mickey Mouse dans le film animé de Walt Disney sorti en 1940, Fantasia. Ce qui devait à l’origine être un court dessin animé s’est révélé si génial que Disney a proposé d’en faire un film plus long, de la durée d’un concert. Il s’est associé au chef d’orchestre pour choisir les autres morceaux, donnant ainsi naissance au film Fantasia.

Écoutez

Le savais-tu?Cette musique légère se voulait une blague, sa grande précision descriptive se moquant

d’autres musiques. Pourtant, la popularité de cette composition a éclipsé toutes les autres partitions de Dukas.

Notes du programme

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Humperdinck Biographie

Prélude d'Hansel et Gretel

Engelbert Humperdinck adorait la musique. Il a commencé le piano à l’âge de sept ans et a écrit sa première musique de scène quand il avait 13 ans. Il avait du talent et de la passion. Quand il a dit à ses parents qu’il voulait devenir compositeur, ils ont refusé et lui ont répété de plutôt devenir architecte. Heureusement, Engelbert n’a jamais arrêté d’étudier la musique et a fini par travailler avec des compositeurs très connus, comme Richard Wagner. Dans sa famille, Engelbert était l’« oncle amusant », et pas seulement pour sa belle moustache. Quand ses deux nièces ont voulu faire un spectacle de marionnettes avec l’histoire de Hansel et Gretel, il a décidé de composer quatre morceaux de musique pour elles. Sa famille a été tellement impressionnée qu’elle lui a demandé d’écrire une partition plus longue, ce qu’il a fait. La petite musique qu’il avait composée à l’origine pour ses nièces est devenue un grand opéra!

L’opéra Hansel et Gretel est la partition la plus connue d’Engelbert. L’ouverture présente les plus beaux thèmes de l’opéra, en commençant par la prière des enfants. La musique débute avec les cors et les bassons, qui jouent une mélodie majestueuse et réconfortante. Le thème est ensuite repris par les cordes et gagne du volume. Divers instruments de l’orchestre jouent la mélodie chacun à leur tour, comme les trombones, les hautbois et enfin les flûtes.

Écoutez

Le savais-tu?Il existe deux Engelbert Humperdinck. Dans les années 1960, un chanteur populaire

britannique a décidé de changer son vrai nom, Arnold George Dorsey, et de s’appeler lui aussi Engelbert Humperdinck.

Notes du programme

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Stravinsky Biographie

Finale, de la suiteL'Oiseau de feu

Igor Stravinsky ne savait vraiment pas ce qu’il voulait faire quand il serait grand. Ses parents voulaient qu’il étudie le droit. Igor a pris longtemps avant de se rendre compte qu’il était bon en musique, mais il ne pensait pas gagner sa vie avec ça. Quand il est allé à l’université, il a donc étudié le droit comme voulaient ses parents. Mais la vie lui a joué un tour : à l’université, il est devenu ami avec le fils d’un compositeur bien connu, Nikolay Rimsky-Korsakov. Grâce au fils, Igor a rencontré le père et lui a montré ses compositions. Rimsky-Korsakov a immédiatement reconnu le talent brut d’Igor et a accepté d’être son professeur, recommandant à Igor de ne pas aller dans les conservatoires conventionnels. C’est donc sans formation officielle et avec l’aide d’un professeur de calibre international qu’Igor est devenu un compositeur original et influent.

Au début, remarquez le très beau solo de cor sur un fond de trémolos joués aux cordes. La mélodie du cor est simple, utilisant les cinq premières notes d’une gamme majeure. À la fin du solo, la mélodie passe aux cordes puis au reste de l’orchestre, créant l’impression d’un hymne choral. Stravinsky fait ensuite revenir la mélodie aux cuivres, mais beaucoup plus rapidement. Le reste de l’orchestre se joint aux cuivres, poussant le nouveau tempo jusqu’à un autre changement de rythme et le retour de l’hymne choral qui marque la fin de la suite L’Oiseau de feu.

Écoutez

Le savais-tu?Le père d’Igor était un chanteur très connu. Igor a donc passé beaucoup de temps à

l’opéra, où il a rencontré des musiciens réputés, et où il a même vu Tchaïkovski diriger l’orchestre!

Notes du programme

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Comment raconter une histoire en musique?L’Apprenti sorcier de Dukas

L’histoireCette composition de Dukas s’inspire d’une ballade du réputé auteur allemand Johann Wolfgang von Gœthe, publiée en 1797 et basée à son tour sur un conte beaucoup plus vieux de l’auteur grec Lucien de Samosate (ayant vécu de l’an 120 à l’an 200 de notre ère). Ce conte, intitulé Le Menteur d’inclination ou l’incrédule, relate l’histoire d’un jeune homme qui apprend la magie auprès d’un vieux sorcier, et qui tente de jeter certains sorts pendant que son maître est absent. Chargé de remplir un puits d’eau pendant cette absence, le jeune apprenti enchante un balai et lui ordonne de faire cette corvée à sa place. Une fois le puits rempli, cependant, le jeune apprenti n’arrive pas à se rappeler le sort qui ordonnerait au balai d’arrêter. Il prend alors une hache et tranche le balai en deux, mais les deux parties du balai continuent toujours d’apporter de l’eau, provoquant une inondation. Seul le retour du vieux sorcier permet de mettre fin à l’enchantement.

La musiqueLa partition de Dukas démontre une maîtrise incomparable d’un grand orchestre romantique, et un talent incroyable pour décrire une atmosphère inhabituelle. Ces aptitudes de Dukas se comparent à celles d’autres compositeurs russes de son époque, comme Nikolay Rimsky-Korsakov. La musique de Dukas raconte l’histoire de façon très précise et permet donc d’en suivre facilement le déroulement.

L’ambiance surnaturelle de l’histoire est évoquée dès les premières notes, alors qu’un thème « magique » est interprété en sourdine par les violons, les flûtes et la harpe. Un silence inquiétant suit le sort lancé par le jeune apprenti. Puis émergent des bruits sinistres qui évoquent le début d’une mélodie. Cette mélodie finit par apparaître au complet et devient le thème du balai enchanté. Dukas lance le thème de façon humoristique, en faisant appel à un trio de bassons (ce qui contribue à la réputation de cet instrument comme étant le « clown » de l’orchestre, une réputation que les bassonistes détestent).

Une fois le balai tranché en deux, le thème se resserre davantage, étoffé par les grognements encore plus grotesques du contrebasson. Après que le vieux sorcier est revenu et a mis fin à l’enchantement, Dukas s’amuse quelques secondes avec les auditeurs en faisant semblant de vouloir faire renaître le thème du balai. Cependant, le thème « magique » du début revient et efface le thème du balai une fois pour toutes. Les toutes dernières mesures, plus abruptes, évoquent comment le vieux sorcier renvoie son jeune apprenti, honteux, à ses corvées.

Notes de programme : Don Anderson

Notes du programme

Pour mieux expliquer à vos élèves comment la musique peut raconter une histoire,

écoutez avec eux notre balado dans votre salle de classe.

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Plans de leçons : Contes de fées symphoniques

Plans de leçonsL’OST remercie Christina Huang

pour avoir rédigé les plans de leçons.

Partout dans le monde et dans n’importe quelle culture, un « conte de fées » est une histoire folklorique transmise oralement d’une génération à l’autre. Les contes de fées partagent généralement trois caractéristiques :

• Il y a des « bons » et des « méchants » personnages;

• Il y a aussi un peu de magie

• Les contes finissent souvent bien.

Les contes peuvent aussi faire intervenir des rois ou des princesses, des animaux qui parlent et vivent comme les humains, et les chiffres 3 ou 7. Vos élèves peuvent réfléchir aux autres éléments communs à beaucoup de contes de fées, comme des forêts, des châteaux ou de méchantes belles-mères!

Vos élèves connaissent peut-être déjà les contes de fées ci-dessous, ou ils en connaissent peut-être une variante, puisque beaucoup de contes existent en différentes versions selon les cultures. D’autres contes pourraient être moins connus. Nous vous avons donc fourni un résumé de chaque conte, ainsi que des suggestions sur la façon de les présenter. Vous pouvez soit présenter chaque pièce l’une après l’autre, soit les présenter toutes ensemble.

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Plans de leçonsL’OST remercie Christina Huang

pour avoir rédigé les plans de leçons.

Yarrow: Puff le dragon magique (à chanter ensemble)

Puff le dragon magique

Paroles

Vocabulaire- Les paroles, c’est quoi? (Les mots, parlés ou chantés qui racontent l’histoire sur la musique.)-Un morceau de musique peut-il raconter une histoire sans paroles? Bien sûr! La majorité des morceaux que nous entendrons pendant le concert sont des histoires sans paroles. Comment ces morceaux réussissent-ils à raconter l’histoire sans utiliser de mots? (Avec les éléments musicaux!)-Expliquez le type de paroles : couplets et refrain (chaque couplet ayant des paroles différentes, mais le refrain restant le même) en commençant et en finissant par le refrain.

Activités complémentaires ::Théâtre/danse - Vos élèves peuvent-ils inventer des gestes pour accompagner le chant?

Arts visuels - Vos élèves peuvent dessiner leur version de Puff pendant qu’ils écoutent la musique, puis ajouter des mots ou des phrases pour décrire Puff.

Dragons et mythologie - Un dragon, c’est quoi? De quoi ont-ils l’air et comment est-ce qu’ils bougent, respirent, vivent, communiquent? De quoi sont-ils capables? Existent-ils vraiment? Il existe plusieurs espèces de dragons : un dragon anglais, un dragon magique et un dragon chinois ne se ressemblent pas et présentent des caractéristiques différentes. Étudiez et comparez.

Écrivez l’histoire de Puff du point de vue de Jackie.

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Plans de leçonsL’OST remercie Christina Huang

pour avoir rédigé les plans de leçons.

Prokofiev: La Danse du châle, deuxième mouvement de l’acte 1 de Cendrillon

• Trame sonore : Orchestre philharmonique de Bruxelles: https://youtu.be/tRW_PWcvuc8 • Vidéo : Orchestre philharmonique de la Radio des Pays-Bas

• Ce morceau est tiré d’un ballet basé sur le conte de fées Cendrillon, du Français Charles Perrault. La Danse du châle a lieu vers le début de l’histoire. Les deux belles-sœurs de Cendrillon sont en train de créer un nouveau châle et de se disputer pour décider celle des deux qui le portera. Elles finissent par déchirer le châle en deux et la belle-mère ordonne à Cendrillon de nettoyer les dégâts.

• Même si cette danse tourne autour d’un châle, plusieurs chorégraphes lui ont donné d’autres interprétations. (extrait dansé par le Ballet royal de Birmingham)

• L’objectif reste le même : évoquer la relation entre Cendrillon et ses deux belles-sœurs. Ces belles-sœurs sont souvent interprétées par des hommes déguisés et trop maquillés, pour les rendre « laids ». (extrait d’une répétition dansée par le Ballet du Colorado)

VocabulaireLes scènes montrant les belles-sœurs font ressortir le côté « pantomime » du ballet : une histoire racontée en danse et en mime, avec des expressions faciales.

Activité complémentaire :Langue et théâtre : demandez à vos élèves d’écrire et d’interpréter un dialogue entre Cendrillon et ses belles-sœurs (ou beaux-frères!). À quel autre sujet pourraient-elles se disputer? Un ballon de soccer? Une manette de jeu vidéo? Le dernier biscuit de la boîte?

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Plans de leçonsL’OST remercie Christina Huang

pour avoir rédigé les plans de leçons.

Humperdinck: Prélude d'Hansel et Gretel• Cet opéra est basé sur le conte du même nom écrit par les frères Grimm. Un opéra, c’est

quoi? (une histoire en musique où les paroles sont chantées au lieu d’être parlées)• Le compositeur allemand Engelbert Humperdinck a collaboré avec sa sœur Adelheid, qui a

écrit le livret de l’opéra. • Un livret, c’est quoi? (le texte des mots de l’opéra)• Adelheid a transformé le conte original pour le rendre moins sinistre. Dans l’opéra, les enfants

ne sont pas abandonnés dans la forêt par leur méchante belle-mère. Ils sont plutôt envoyés dans la forêt par leur mère trop occupée pour aller cueillir des fraises. L’opéra a aussi des personnages supplémentaires, comme le Marchand de sable qui aide les enfants à s’endormir dans la forêt, les anges qui veillent sur leur sommeil, et la Fée Rosée qui les réveille.

• L’opéra commence par une ouverture, et les ouvertures comprennent souvent un prélude, comme dans Hansel et Gretel. Un prélude, c’est un court morceau de musique qui fait entendre des motifs musicaux qui reviendront plus tard dans l’œuvre. (extrait interprété par l’Orchestre philharmonique de Vienne)

• Écoutez la Prière du soir qui est chantée dans la deuxième scène de l’acte 2.• Est-ce qu’elle vous rappelle le prélude? C’est parce que le prélude fait entendre :

• Le thème de la prière (trois fois)• Le sort de la sorcière• La musique de la rencontre de la sorcière• Le chant de la Fée Rosée• La musique festive des bonshommes en pain d’épice

• Dans l’opéra, le rôle d’Hansel est un « rôle en pantalon », c’est-à-dire un rôle d’homme, mais chanté par une femme. N’oubliez pas qu’Hansel est censé être un enfant : si un homme adulte chantait ce rôle, ce serait bizarre!

Activités complémentaires :Initiation médiatique - Thème ou motif musicalUn thème musical est généralement un court extrait qui vous fait immédiatement penser à quelque chose ou à quelqu’un quand vous l’entendez. Comment la musique du thème réussit-elle à évoquer un personnage ou une émotion? (Pensez à Darth Vador!) Comment la musique peut-elle annoncer ce qui va se passer? (Pensez à Jaws!) Mettez vos élèves au défi de trouver d’autres exemples de thèmes dans des films, des émissions télévisées ou des jeux vidéo. Demandez-leur de jouer le thème, et aux autres élèves de deviner de qui ou de quoi il s’agit!

Comment lire une carte géographique - Hansel et Gretel auraient probablement bénéficié d’avoir une carte! Savoir lire une carte géographique est une activité vraiment utile, qui fait appel aux connaissances linguistiques, mathématiques et sociales (pour comprendre les étiquettes, les repères, les points cardinaux, les coordonnées, la distance).

Activité manuelle - construisez votre propre maison en pain d’épice (mangeable ou non)! Utilisez l’espace de votre école consacré aux travaux pratiques ou sortez dehors pour utiliser le sable, la terre et les autres choses que vous trouverez dans la nature.

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Plans de leçonsL’OST remercie Christina Huang

pour avoir rédigé les plans de leçons.

Grieg: Dans l’antre du Roi de la montagne, de Peer Gynt• Cette histoire est tirée de l’acte 2 de la pièce de théâtre écrite par le Norvégien Henrik Ibsen.

Le héros, Peer Gynt, est dans le château du Roi de la montagne et tente de s’enfuir. (extrait interprété par l’Orchestre philharmonique de Berlin)

• Quoi écouter :: https://www.youtube.com/watch?v=A-p9v5hed0w

Voici une autre version, cette fois avec un chœur:Extrait interprété par l’Orchestre de Sydney https://www.youtube.com/watch?v=BLZl-hhbXDI Le chœur chante « Slagt ham! » (ce qui veut dire « Tuez-le! » en danois), et les trolls discutent ensuite comment faire cuire Peer Gynt, mais la décision revient au Roi.

Ce morceau est très connu, et il en existe beaucoup d’interprétations différentes, de tous les genres :• Version de l’Electric Light Orchestra, un groupe rock anglais des années 1970 https://www.

youtube.com/watch?v=ytHimKBPy1U • Version heavy metal https://www.youtube.com/watch?v=2gS9oAX1bnE • Version jazz avec Duke Ellington https://www.youtube.com/watch?v=_021-dJ-NJ4

Demandez à vos élèves d’expliquer la version qu’ils préfèrent — avec ou sans chœur. Vos élèves doivent justifier leur préférence!

Information en français:https://edutheque.philharmoniedeparis.fr/0763433-peer-gynt-de-edvard-grieg.aspx

Activités complémentaires :Arts visuelsDessinez ce que vous entendez! Donnez à vos élèves du papier et des crayons, des crayons de couleur, des feutres, des pastels, de la peinture, ce que vous avez. L’objectif ici est de tracer des lignes ou des formes ou de dessiner ce qui « ressemble » à ce qu’ils entendent. Exemple: https://kinderart.com/art-lessons/painting/musical-art/

Direction d’orchestre Ce morceau est à quatre temps. Montrez à vos élèves comment battre une mesure 4/4. Ils devraient s’amuser à vouloir battre la mesure très, très vite!

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Plans de leçonsL’OST remercie Christina Huang

pour avoir rédigé les plans de leçons.

Dukas: L'Apprenti sorcier• Cette histoire est basée sur un poème allemand de Johann Wolfgang von Gœthe, en version

originale.

• Ce morceau de musique s’appelle un « scherzo » : un morceau court faisant généralement partie d’une symphonie, ou encore un morceau rapide et amusant.

• Extrait interprété par l’Orchestre philharmonique de Russie: https://www.youtube.com/watch?v=U4yH4B9deok

Guide audio : Orchestre philharmonique de Paris https://pad.philharmoniedeparis.fr/CMDA/CMDA100003900/default.htm

• Un apprenti, c’est quoi? Pourquoi est-ce que les gens avaient des apprentis à l’époque? Est-ce que les gens ont encore des apprentis aujourd’hui? Pourquoi est-il important d’être apprenti?

• Beaucoup de gens connaissent cette musique parce qu’elle a été utilisée dans le film de Disney Fantasia, sorti en 1940, et aussi dans le film Fantasia 2000. Mickey Mouse était l’apprenti du sorcier. Dans le film Fantasia, l’apprenti s’appelait Yen Sid : quel autre nom apparaît quand vous lisez le nom de l’apprenti à l’envers? https://www.youtube.com/watch?v=Rrm8usaH0sM

• En français

Activités complémentaires :

Théâtre - Et si l’apprenti sorcier avait choisi de donner vie à une chaise plutôt qu’à un balai? Ou à un autre objet? Mettez en scène cette histoire.

Initiation médiatique - Écrivez une annonce d’emploi pour rechercher un « apprenti sorcier ». Quels traits de caractère cherchez-vous? Quelles compétences devrait avoir cette personne?

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Ravel: Les entretiens de la Belle et la Bête from Ma mère l'Oye• Comme Cendrillon, ce conte de fées est bien connu, même s’il est légèrement différent du

dessin animé que vos élèves connaissent.

• « Voulez-vous être ma femme? » est une question qui revient souvent, y compris dans la musique. Extrait interprété par les élèves musiciens de l’orchestre de l’Université de musique Frantz-Liszt de Weimar

9:25–10:33 la Belle10:33–10:58 la Bête10:58–11:18 les deux ensemble11:18 Crescendo - « Voulez-vous être ma femme? »11:31 Decrescendo puis dialogue (entendez-vous les deux thèmes interprétés simultanément? Qu’est-ce que ça veut dire? Une conversation.)12:05 crescendo(pouvez-vous dire quand la Bête se transforme en beau prince?)12:19 Transformation (cymbales, silence) 12:23 Glissando à la harpe12:24 solo de violon (la Bête)

• La partition originale était pour quatre mains (deux personnes) au piano : comment le compositeur a-t-il réussi à avoir avec un seul instrument le même impact qu’avec tout un orchestre?

https://m.youtube.com/watch?v=q3VFSI2sXJE

Activités complémentaires :Équité - La plupart des élèves reconnaîtront cette chanson du dessin animé La Belle et la Bête : https://www.youtube.com/watch?v=u2dRMBQsq_M

La différence ici est que l’orchestre français qui joue la musique est spécial. Les musiciens de l’ensemble musical Tétras Lyre comprennent des personnes qui ont des déficiences intellectuelles et des gens qui jouent des instruments que l’on ne retrouve généralement pas dans un gros orchestre : flûte à bec, guitare acoustique, guitare basse électrique, djembé. Les musiciens sont accompagnés par la fanfare de cuivres des mineurs slovènes d’Idrija, une des plus vieilles fanfares de cuivres d’Europe et qui existe depuis plus de 350 ans! Ah, au fait, est-ce que vos élèves ont remarqué que le chef d’orchestre était une femme, Isabelle Herlin?

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Stravinsky: Finale, de L’Oiseau de feu• L’Oiseau de feu est un conte folklorique russe interprété en ballet. (Zhar’-ptitsa est

l’orthographe occidentale du nom russe.)• La partition demande un grand orchestre, car la musique commence doucement, mais

augmente progressivement de volume, la fin faisant appel à tous les instruments.• Extrait vidéo interprété par l’OST sous la direction de Peter Oundjian:

At 18:19, le solo de cor débute. Le prince Ivan cherche l’œuf qui renferme l’âme de Koschei.At 18:51, on entend la harpe.At 19:26, un crescendo commence. Le prince Ivan casse l’œuf, détruit Koschei et brise l’enchantement pour libérer tous les prisonniers, dont Tsarevna. Le prince Ivan remercie l’Oiseau de feu, qui s’envole.At 20:02, les cuivres commencent à jouer une fanfare. Une fanfare, c’est quoi? (Un morceau de musique court, animé, généralement interprété par les cuivres et qui annonce l’arrivée d’une personne ou d’un événement. Les fanfares sont souvent de la musique festive, comme ici, alors que la fanfare souligne le mariage du prince Ivan et de Tsarevna.)Même le triangle, à 20:18 aide à marquer la joie en tintant à répétition.

• Ce morceau est la pièce finale du ballet L’Oiseau de feu. Lors de son concert, l’OST a programmé ce morceau à la toute fin du concert. Pourquoi, d’après vous? (Dans sa partition, Stravinsky fait jouer tous les instruments à la fin du morceau, pour que les auditeurs quittent la salle avec tous ces sons différents à l’oreille. Peut-être que l’OST voulait faire pareil?)

• Comparez les caractéristiques du ballet (mouvements précis et synchronisés, jambes droites, pieds pointés, etc.) aux mouvements d’autres formes de danse, comme le hip-hop, la danse en ligne, le mambo, la danse folklorique irlandaise, la danse sociale.

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Leçon 1 : Tempo et volume

Tempo

• Écoutez les morceaux suivants (ou des extraits, en fonction de vos élèves). Demandez aux élèves d’identifier le tempo de chaque morceau (rapide ou lent) en battant la mesure avec le pied. Est-ce que le tempo change pendant le morceau? (Non.) Identifiez le tempo de chaque morceau.

Puff le dragon magique (lent)

Cendrillon (rapide)

Prélude d’Hansel et Gretel (lent)

• Maintenant, écoutez ces morceaux en demandant aux élèves de battre la mesure avec le pied. Que se passe-t-il pendant ces morceaux? (Le tempo accélère.)

Dans l'antre du Roi de la montagne

L'Apprenti sorcier

Mouvement et danse :Demandez à vos élèves d’utiliser leur corps pour montrer qu’ils comprennent le tempo de la musique. Si vous avez l’espace nécessaire dans votre classe ou à l’extérieur, vos élèves peuvent utiliser tout leur corps. Sinon, ils peuvent n’utiliser que leurs mains et leurs bras, ou encore une marionnette ou une poupée.

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Volume

• Écoutez le morceau suivant :

Puff le dragon magique (doux)• Demandez aux élèves de dire si le volume de ce morceau est doux ou fort. Est-ce que le

volume change pendant le morceau? (Non.)• Et maintenant, écoutez ces morceaux (ou extraits) et demandez aux élèves de montrer avec

leur main le niveau du volume. Montrez-leur ce que vous voulez en montant votre main dans les airs quand le volume est fort et en la baissant vers le plancher quand le volume est doux.

• Que se passe-t-il dans ces morceaux? (Le volume change.)

Dans l'antre du Roi de la montagne:• Ce morceau commence doucement. Pourquoi? Qu’est-ce que vous pensez que Peer Gynt

est en train de faire? Est-il en train de marcher sur la pointe des pieds dans le château pour ne pas se faire entendre? Est-il en train de fuir?

• Pourquoi est-ce que le volume de la musique augmente? Que fait Peer Gynt maintenant? Est-il en train de courir? Est-ce que les trolls le pourchassent? Ou est-ce qu’ils se disputent de plus en plus fort sur le sort qu’ils lui réservent?

• Carte d’écoute : https://www.youtube.com/watch?v=A-p9v5hed0w

Les entretiens de la Belle et la Bête• Entendez-vous le crescendo? La Bête est en train de demander à la Belle si elle veut devenir sa

femme.• Entendez-vous le decrescendo? Le thème de la Belle et celui de la Bête sont joués en même

temps, ce qui représente leur conversation.• Entendez-vous le deuxième crescendo? La Belle se précipite vers la Bête qui est mourante

parce qu’elle vient de se rendre compte qu’elle l’aime. Grâce à elle, il peut se transformer en un beau prince.

L'Oiseau de feu• Entendez-vous le crescendo qui indique quand le prince Ivan trouve l’œuf et le brise? D’après

vous, pourquoi est-ce que le compositeur a mis un crescendo ici? (Pour marquer le moment fort de l’action.)

Théâtre :Ces moments sont amusants à mettre en scène, soit toute la classe ensemble, soit en petits groupes. Par exemple, comment est-ce que Puff bouge quand il est avec Jackie Paper? Est-ce qu’il bouge différemment quand il est triste? Comment marche un troll? Est-ce que tous les trolls marchent de la même façon, ou de plusieurs façons en fonction de leur grandeur et de leur forme? De quelle taille est l’œuf de Koschei? Comment ramasseriez-vous cet œuf s’il était gros? Petit? Lourd? Léger? Gros, mais léger? Petit, mais lourd?

Leçon 1 : Tempo et volume

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Leçon 2 : Hauteur du son et timbre

Hauteur du son• Écoutez le morceau (ou extrait) suivant :

Les Entretiens de la Belle et la Bête• Demandez à vos élèves de nommer l’instrument qui joue la mélodie au début du morceau.

(La clarinette.) Quel personnage est représenté par cette mélodie? (La Belle. Écoutez bien, la mélodie revient plus tard.) Comment savez-vous qu’il s’agit de la Belle? (La mélodie est aiguë et douce.)

• Quel instrument joue la deuxième mélodie? (Le contrebasson.) Quel personnage est représenté par cette mélodie? (La Bête. Cette mélodie reviendra plus tard, elle aussi.) Comment savez-vous qu’il s’agit de la Bête? (La mélodie est grave et plus forte.)

• Après la transformation de la Bête en prince, sa mélodie est jouée différemment. Comment? (Au violon et au violoncelle, deux instruments plus aigus.) Pourquoi pensez-vous que le compositeur a choisi de jouer la mélodie plus aiguë pour représenter le prince?

TimbreComment pouvez-vous reconnaître l’instrument que vous entendez? Les voix et les instruments se reconnaissent à leur timbre, c’est-à-dire à la couleur du son qu’ils produisent. Mettez vos élèves au défi de reconnaître le plus d’instruments qu’ils peuvent en leur faisant écouter la musique, mais sans leur montrer la vidéo de l’orchestre qui joue.

Danse du châlePrélude d'Hansel et GretelDans l'antre du Roi de la montagneL’Apprenti sorcierLes entretiens de la Belle et de la Bête Finale, de l'Oiseau de feuMoments à ne pas manquer : les violons dans Dans l’antre du Roi de la montagne, le glockenspiel dans L’Apprenti sorcier.

Donnez vie aux instruments :De quoi aurait l’air un piccolo s’il pouvait marcher? Et la contrebasse? Ou un tambour? Et si les instruments étaient des animaux? Quel animal serait une harpe? Un hautbois?

Activité complémentaire Science (unité sonore de quatrième année)Visualisez un contrebasson : le son qu’il produit est plus grave que celui d’un basson. Pour produire ce son, pensez-vous que le contrebasson est plus gros ou plus petit que le basson? (Plus gros.) Pourquoi?

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Leçon 3 : Ambiance

• L’ambiance d’un morceau de musique, c’est l’impression que vous ressentez quand vous l’écoutez. Comment est-ce que les éléments d’un morceau, comme son tempo, son volume et la hauteur des sons, vous font ressentir certaines émotions?

• Écoutez le morceau suivant :Cendrillon

• Pensez-vous que l’ambiance du morceau évoque le calme et l’harmonie, ou plutôt le conflit et la dispute? (Le conflit.) Les sons courts et rapides et les changements de hauteur des sons imitent les insultes et les moqueries que les belles-sœurs de Cendrillon lui lancent.

• Comparez la Danse du châle au Minuit qui est joué plus tard pendant le ballet. https://youtu.be/N92-mcfLEzI

• Comment sont représentés les tic-tac de l’horloge? (Par des notes répétées au xylophone.) Est-ce que l’ambiance est détendue ou nerveuse? (Pas calme non plus!) Pourquoi? (Quelque chose d’important est en train de se produire. Quoi? Indice : il est minuit!)

• Un morceau peut avoir plus qu’une seule ambiance.• Écoutez les morceaux suivants et demandez aux élèves de trouver le mot qui décrit

l’ambiance à divers moments du morceau. Faites jouer les morceaux sans les nommer, pour ne pas influencer l’impression des élèves, chacun pouvant ressentir une ambiance différente de celle du morceau. Voici quelques suggestions de mots descriptifs de l’ambiance.

L'Oiseau de feu (plein d’espoir, excité, nerveux, festif)

L’Apprenti sorcier(sombre et mystérieux au début, puis excité, enjoué, nerveux, troublé, paniqué, dépassé par les

événements, violent, triomphal, honteux)

Prélude d'Hansel et Gretel(apaisé, doux, relax, enjoué, excité, joueur, en paix, passionné, mélancolique)

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Quelle musique serait la plus appropriée pour décrire :• Quand quelqu’un a réussi quelque chose?

• (la fanfare à la fin de L’Oiseau de feu)• Quand il se passe quelque chose de fou ou de terrifiant?

• (Dans l’antre du Roi de la montagne, L’Apprenti sorcier, le thème de la Bête dans Les entretiens de la Belle et de la Bête)

• Quand quelqu’un est triste parce son meilleur ami s’en va?• (Puff le dragon magique)

• Quand deux personnes dansent ensemble?• (Le thème de la Belle dans Les entretiens de la Belle et de la Bête)

• Quand quelqu’un se réveille le matin?• (Le début du prélude d’Hansel et Gretel)

Leçon 3 : Ambiance

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Leçon 4 : Après le concert

Il y a tellement de choses à discuter après avoir assisté à un concert en salle!

Activité 1 :

Un ostinato, c’est quoi? (Un motif rythmique ou une mélodie qui se répète)

Pouvez-vous trouver un morceau dont une partie se répète? (il y a de nombreux exemples)

Écoutez le morceau suivant :Dans l'antre du Roi de la montagne

La même mélodie n’arrête pas de se répéter. Écoutez comme les cordes sont pincées (pizzicato): comment est-ce que ça sonne? (Des notes courtes, interrompues, staccato.) D’après vous, pourquoi est-ce que le compositeur a demandé ces notes courtes et interrompues? (Pour évoquer quelqu’un qui marche sur la pointe des pieds.) Même lorsque les violons recommencent à jouer des notes avec l’archet, l’articulation est encore staccato.

Vos élèves peuvent composer un ostinato, qu’ils pourront jouer individuellement ou en groupe. Vous pourrez ensuite les combiner pour créer un morceau de musique original de votre classe.

Activité 2 :

Comparez la disposition des musiciens de l’OST à celle des autres orchestres : l’OST est-il disposé comme un orchestre baroque, classique, romantique ou moderne?

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Activité 3:

Créez votre propre conte de fées, de l’une de deux façons!1. Les contes de fées en fragments sont une version humoristique d’histoires connues. Vos élèves peuvent lire quelques exemples et préparer leur propre version!

2. Lisez à vos élèves le conte de fées russe Baba Yaga. Est-ce que certaines parties de l’histoire vous rappellent les histoires que vous avez entendues durant le concert? (Cendrillon, Hansel et Gretel, L’Oiseau de feu.)

Mélangez des parties d’histoires connues pour créer une toute nouvelle histoire, comme celle des trois ours qui se perdent dans la forêt et qui rencontrent le grand méchant loup!

Activité 4: Commentaires personnels

Vos élèves peuvent écrire leurs commentaires sur le sujet de leur choix.

Exemples: • Quelle musique avez-vous préférée et pourquoi?• Quelle histoire avez-vous préférée et pourquoi?• Qu’est-ce que vous avez le plus aimé de voir un orchestre en vrai sur scène?• Si vous vouliez écrire à un(e) musicien(ne) de l’OST, qu’est-ce que vous voudriez lui

demander?• Quel instrument de l’orchestre voudriez-vous jouer et pourquoi?• Pensez à l’un des traits de caractère du mois à votre école (si elle le fait). Est-ce qu’une des

histoires du concert montre ce trait de caractère? Comment?• Les contes de fées peuvent aider à enseigner de bons comportements aux enfants.

Choisissez un conte et expliquez le(s) comportement(s) qu’il enseigne.

Leçon 4 : Après le concert

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Biographies des artistes

Fondé en 1922, l’Orchestre symphonique de Toronto (OST) réunit plus de 90 musiciens et est l’une des plus grandes formations musicales au Canada et l’une des meilleures au monde. Sous la baguette de son directeur musical, et d’autres chefs d’orchestre invités connus dans le monde entier, l’OST interprète un large éventail de pièces et se produit avec des artistes invités des quatre coins de la planète.

Outre les nombreuses séries de concerts qu’il présente chaque année au Roy Thomson Hall, l’OST compte toute une gamme de programmes éducatifs qui se déroulent dans les écoles et dans sa salle de concert. Sa programmation éducative, qui compte parmi les plus vastes offertes par un organisme nord-américain des arts de la scène, touche annuellement plus de 37 000 jeunes. Aux Concerts jeunesse (concerts de l’orchestre entier conçus pour les élèves en fonction du curriculum), s’ajoutent d’autres initiatives majeures comme l’Orchestre symphonique des jeunes de Toronto (un orchestre-école réunissant de talentueux musiciens de 22 ans et moins) et les Concerts familiaux (une série de concerts pour toute la famille mettant en vedette des danseurs, des comédiens et des conteurs dans un contexte symphonique). L’OST diffuse aussi des balados de ses concerts pour les élèves et pour les jeunes sur son site Web, au TSO.CA.

Orchestre symphonique de Toronto

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Dina GilbertChef d'orchestreJe m’appelle Dina et j’ai commencé à jouer du piano et à chanter dans des chorales quand j’avais cinq ans. J’ai fait comme mes grandes sœurs et choisi de faire de la musique. Plus tard, j’ai décidé d’apprendre la clarinette et, quand j’ai eu 15 ans, j’ai dirigé pour la première fois la fanfare des Cadets de l’air! Je n’arrive toujours pas à croire la chance que j’ai de diriger des orchestres. Quand j’ai entendu que ce travail existait vraiment, je ne le croyais pas. Ça m’avait l’air aussi improbable que… d’être astronaute! Mais un chef d’orchestre, ça fait quoi, exactement? J’étudie beaucoup de partitions, je pense à de la musique toute la journée, je bois beaucoup de café et j’ai la chance de travailler avec des musiciens merveilleux de partout au Canada et d’ailleurs!

Biographies des artistes

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Jeffrey BeecherContrebassiste soloLes casseroles et les poêles qui se trouvaient sous l’évier de la cuisine ont été les premiers instruments de musique de Jeff. Plus tard, il a décidé d’apprendre la contrebasse pour se tenir avec ses « grands » amis pendant les cours de musique. Depuis, Jeff et sa contrebasse voyagent partout dans le monde et jouent des notes graves pour les premiers ministres, les présidents, les sultans, les princesses et les impératrices qu’ils rencontrent. Sa contrebasse est vraiment vieille : elle a été fabriquée il y a près de 330 ans en Italie. Jeff aime beaucoup le basketball, cuisiner des plats délicieux et regarder des films. Il est encore très bon percussionniste quand il est dans sa cuisine.

Biographies des artistes

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A capella : Musique vocale jouée sans accompagnement instrumental.

Accord : Un accord est un ensemble de notes jouées simultanément.

Adagio : Adverbe italien (à l’aise); tempo assez lent, compris entre lento et andante.

Allegro : Adverbe italien (gai, allègre); tempo vif, compris entre allegretto et vivace.

Andante : Adverbe italien (allant); tempo modéré, compris entre adagio et moderato.

Archet : Bâton que l’on utilise pour obtenir le son des instruments à cordes.

Arrangement : Transcription d’une œuvre musicale pour un ou plusieurs instruments différents de ceux pour lesquels elle a été écrite.

Articulation : Élément du phrasé dont dépend la clarté du discours musical.

Baroque : La musique baroque désigne celle généralement écrite entre le XVIIe et le milieu du XVIIIe, soit de 1600 à 1750. Ce mouvement s'est aussi manifesté dans d'autres domaines artistiques, comme la peinture, l’architecture et la littérature.

Cantabile : De l’italien, en chantant. Notation incitant le musicien à timbrer ce qu’il joue, c’est-à-dire à rendre sa phrase musicale brillante.

Cantate : Pièce musicale profane ou religieuse, pour une ou plusieurs voix accompagnées par un ensemble instrumental.

Clef : Symbole posée en début de portée afin d’indiquer la hauteur des tons inscrits sur celle-ci.

Coda : Mot d’origine italienne, une coda désigne les mesures finales d’un mouvement ou d’une pièce. Elle reprend un thème déjà entendu précédemment dans l’œuvre.

Concerto : Une composition musicale, habituellement en trois mouvements, dans laquelle un instrument soliste joue une partie solo, en « dialoguant » avec un orchestre complet. Cette forme prit son essor lors de la période baroque et connut son apogée lors des périodes classiques et romantiques.

Crescendo : Terme italien qui signifie de plus en plus fort.

Decrescendo : Terme relatif à l’intensité d’un son signifiant de moins en moins fort.

Durée : Longueur d’un son (fait partie des quatre paramètres du son).

Ensemble : On appelle « ensemble » les « groupes » de musique classique. Cela peut aller de quelques musiciens à plusieurs dizaines. Un ensemble instrumental est composé uniquement d’instruments; celui vocal uniquement de chanteur. Quand il réunit les deux, on parle plutôt d’ensemble musical.

Gavotte : Danse ancienne originaire de Basse-Bretagne, de tempo modéré. Populaire à la Renaissance, notamment à la Cour de France.

Largo : Adverbe italien (large); tempo très lent et majestueux.

Legato : Expression indiquant que des notes d’une mélodie doivent être interprétées d’une façon liée.

Lento : Adverbe italien (lent); tempo lent, compris entre largo et adagio.

Mélodie : Une suite de notes qui crée une chanson ou un thème.

Mouvement : Une section d’une œuvre qui comprend des idées musicales. C’est comme le chapitre d’un livre.

Orchestre symphonique : Ensemble des familles instrumentales utilisées pour exécuter la musique occidentale, à savoir les cordes, les bois, les cuivres et les percussions.

Glossaire des termes musicaux

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Glossaire des termes musicaux

Ostinato : Élément mélodique ou rythmique, plutôt court, constamment répété.

Ouverture : Pièce orchestrale servant d’introduction à un ballet ou un opéra.

Prestissimo : Adverbe italien (très rapide); tempo très rapide.

Presto : Adverbe italien (rapide); tempo rapide, compris entre vivace et prestissimo.

Pizzicato : Adjectif italien (pincé); technique propre aux instruments à cordes (violon, alto, violoncelle, contrebasse) consistant à jouer les cordes avec les doigts et non l’archet. Cette technique a été popularisée par Niccolo Paganini.

Rythme : Organisation des durées des sons dans le temps.

Staccato : Terme italien qui signifie « son détaché », par opposition à « son lié ».

Suite : Succession de pièces instrumentales écrites dans la même tonalité et

relevant de la danse.

Symphonie : Une longue composition très structurée pour grand orchestre, généralement en quatre mouvements.

Tempo : L’allure d’exécution d’une œuvre. Les différents tempi sont exhaustivement décrits dans ce lexique (andante, allegro, moderato, presto, etc.)

Temps : Unité de mesure de la durée musicale, relative au rythme d’un morceau. À distinguer du tempo, qui en sanctionne l’allure d’exécution.

Thème : Idée musicale, motif mélodique ou rythmique servant de point de départ à une composition musicale. Il peut revenir identique ou faire l'objet de variations.

Trémolo : Répétition rapide d’une note; par exemple au violon, rapides allers-retours

de l’archet.

Tutti : Passage joué par tous les musiciens d’un ensemble, par opposition à soliste, duo, etc.

Valse : Danse à trois temps. Peut aussi n’être qu’un morceau musical pur à trois temps.

Vivace : Adverbe italien (vif); tempo très vif, compris entre allegro et presto.

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La famille des cordes est la plus grande famille d’instruments de l’orchestre. Le violon, l’alto, le violoncelle et la contrebasse sont faits de bois sculpté avec soin, et ont chacun quatre cordes tendues dans le sens de la longueur. Ces cordes sont faites de nylon et d’acier. L’archet est fait de bois ou de fibre de carbone, et le crin de l’archet est parfois synthétique, parfois fait de poils provenant de la queue d’un cheval! La harpe est différente des autres instruments de la famille, et a 47 cordes en tout.

On produit un son en pinçant ou en frottant l’archet sur les cordes, ce qui les fait vibrer. La caisse de résonance des instruments à cordes est creuse, ce qui permet la vibration du son à l’intérieur. Sur l’archet, les musiciens appliquent de la résine, qui provient de la sève des pins; avec cette substance, l’archet adhère mieux aux cordes, ce qui accentue la vibration. Pour la harpe, le son est produit en pinçant ou en grattant les cordes; contrairement aux autres instruments de la famille, la harpe n’est pas jouée avec un archet.

On accorde le violon, l’alto, le violoncelle et la contrebasse au moyen de chevilles situées au bout du manche ou d’un tendeur situé à l’autre extrémité de l’instrument. La harpe a aussi un tel mé-canisme, mais on doit employer une clé spéciale pour l’accorder. Pour jouer différentes notes, on appuie les doigts de la main gauche sur les cordes à des points précis sur le manche, tandis que la main droite tient l’archet ou pince les cordes. Quant à la harpe, on en joue avec les deux mains — et les deux pieds! Il y a sept pédales pour les pieds, qui permettent de jouer les dièses

et les bémols. Ensemble, ces instruments forment la section des cordes au sein de l’orchestre.

Jonathan CrowViolon solo

Theresa Rudolph1er assistant, alto

Winona ZelenkaVioloncelle

associé

Jeffrey BeecherContrebasse

solo

Heidi Van Hoesen Gorton

Harpe solo

Les instruments de l’orchestre

La famille des cordes

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L’altoL’alto ressemble au violon, mais il est légèrement plus gros. Ses cordes sont plus épaisses et produisent un son plus grave et chaleureux. De la plus grave à la plus aiguë, les quatre cordes sont accordées à do, sol, ré et la. Donc, l’alto est accordé une quinte parfaite au-dessous du violon. Bien que les deux instruments aient trois cordes en commun (sol, ré, la), leur timbre et leur sonorité sont très différents. La musique pour l’alto est habituellement écrite dans la clé de do (aussi appelée clé de contralto). Dans cette clé, l’ut (ou do) central est situé sur la troisième ligne de la portée. Dans l’orchestre, il y a habituellement de dix à quatorze altos.

Le violonLe violon est le plus petit membre de la famille, et celui qui possède la « voix » la plus aiguë. Il y a plus de violons au sein de l’orchestre (parfois jusqu’à 30!) que de n’importe quel autre instrument. Les quatre cordes du violon, de la plus grave à la plus aiguë, sont accordées à sol, ré, la et mi. Dans l’orchestre, les violons sont divisés en deux groupes : les premiers et les seconds violons. Les premiers jouent habituellement la mélodie et les seconds appuient les premiers en jouant des harmonies et des rythmes complexes. Ils travaillent en équipe pour produire des voix intérieures et des harmonies d’une grande richesse. Le premier violon solo, qui est assis immédiatement à gauche du chef d’orchestre, dirige la section des premiers violons.

Le violoncelleLe violoncelle ressemble à un très gros violon. Il mesure environ quatre pieds de hauteur et ses cordes sont plus épaisses que celles du violon ou de l’alto. Elles sont accordées à do, ré, sol et la, tout comme l’alto! Toutefois, le violoncelle est accordé une octave au-dessous de l’alto. On tient le violoncelle entre les genoux plutôt que sous le menton, comme l’alto et le violon. Le violoncelle repose sur le sol, et il est soutenu par une tige de métal qu’on appelle la pique. Le ton du violoncelle est dans une tessiture qui se rapproche de la voix humaine, ce qui explique pourquoi les gens trouvent cet instrument si calmant! Au sein de l’orchestre, il y a habituellement de huit à douze violoncelles.

Les instruments de l’orchestre

La famille des cordes

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La contrebasseLa contrebasse est le plus gros des instruments de la famille, et celui qui produit le son le plus fort. Il mesure plus de six pieds de hauteur et a donc les cordes les plus longues. De la plus grave à la plus ai-guë, celles-ci sont accordées à mi, la, ré et sol. Pour augmenter la tessiture de leur instrument, les contrebassistes ajoutent parfois une cinquième corde, ou alors ils rallongent la corde de mi au moyen d’un mécanisme spécial pour qu’elle atteigne le do grave. La contrebasse est le seul instrument de la famille à être accordé en quartes, bien que certains musiciens préfèrent l’accorder en quintes. L’instrument est tellement gros que le musicien doit rester debout ou s’asseoir sur un tabouret pour en jouer. Comme le violoncelle, la contrebasse a une pique ajustable, ce qui permet de la reposer au sol. Dans l’orchestre, on trouve habituellement de six à huit contrebasses.

La harpeLa harpe est un des instruments les plus anciens. La harpe de concert mesure environ deux mètres de hauteur et sa tessiture couvre six octaves et demie. Elle a 47 cordes et sept pédales, et on en joue en grattant ou pinçant les cordes avec les deux mains, et en appuyant sur les pédales avec les pieds. Ces pédales permettent de jouer les dièses et les bémols, pour que l’instrument puisse être joué dans n’importe quelle tonalité. Bien qu’elle fasse partie de la famille des cordes, elle se distingue des autres instruments à cordes parce qu’on n’en joue pas au moyen d’un archet, donc on peut dire qu’elle appartient à une catégorie à part.

Les instruments de l’orchestre

La famille des cordes

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Bien qu’aujourd’hui, les instruments de la famille des bois soient faits de nombreux matériaux, y compris le bois, le métal et le plastique, cette famille tient son nom du fait qu’à l’origine, ils étaient faits de bois. Tous ces instruments possèdent une embouchure et ont la même forme : ce sont des cylindres percés de trous. On produit un son en soufflant dans l’instrument. Certaines embouchures, comme celles de la clarinette, du hautbois et du basson, emploient une mince tige de bois appelée une anche, qui vibre lorsqu’on souffle dessus. La clarinette emploie une anche simple faite d’une mince lamelle de bois, tandis que le hautbois et le basson emploient une anche double, faite de deux lamelles de bois l’une contre l’autre.

Le ton est modifié en bouchant ou débouchant les trous avec les doigts. Des clés métalliques couvrent les trous de la plupart des instruments à vent. Tout comme les instruments à cordes, les plus petits instruments de la famille des bois jouent les notes les plus aiguës, et les plus gros jouent les notes les plus graves. La flûte, le hautbois, la clarinette et le basson forment la famille des bois.

Julie RantiFlûte associé

Sarah JeffreyHautbois solo

Joaquin ValdepeñasClarinette solo

Michael SweeneyBasson solo

Les instruments de l’orchestre

La famille des bois

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La flûteÀ l’origine, la flûte était faite de bois, de pierre, de terre glaise ou de bambou. Les flûtes modernes sont faites d’argent, d’or ou de platine. La flûte est tenue à l’horizontale, à la droite de la bouche. On produit un son en soufflant au-dessus d’un trou situé dans l’embouchure, ce qui fait vibrer l’air à l’intérieur du tube. La plus petite version de la flûte, qu’on appelle piccolo (« petit », en italien), est deux fois plus courte que sa grande sœur; c’est un des instruments les plus aigus de l’orchestre. Il y a habituellement de deux à quatre flûtes dans l’orchestre.

Le hautboisLe hautbois est le premier instrument que l’on entend lors d’un concert symphonique. Il joue d’abord une note (la), et tous les autres instruments s’accordent en fonction du ton qu’il produit (en français, l’expression « donner le la » signifie aussi « montrer l’exemple qui doit être suivi »). On produit un son en soufflant dans l’anche double située dans l’embouchure de l’instrument. Cette anche est composée de deux minces lamelles de bois qui sont attachées ensemble et vibrent lorsque l’air les traverse. Dans l’orchestre, il y a habituellement de deux à quatre hautbois. On confie souvent à cet instrument des mélodies importantes en raison du son très distinctif qu’il produit.

Les instruments de l’orchestre

La famille des bois

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La clarinetteLa forme et les dimensions de la clarinette sont très similaires à celles du hautbois. Toutefois, son enbouchure emploie une anche simple. La clarinette est faite de bois ou de plastique moulé et possède un ton doux et feutré. Il existe différentes dimensions de clarinettes, allant de la plus petite (en mi bémol) à la plus grosse, la clarinette basse. Au sein de l’orchestre, il y a habituellement de deux à quatre clarinettes.

Le bassonComme le hautbois, le basson est un instrument de la famille des bois qui emploie une anche double. Comme le hautbois, le basson mod-erne est fait de bois ou de plastique. Le basson est le deuxième plus gros instrument de la famille des bois; seul le contrebasson, la voix la plus grave de l’orchestre, est plus gros. Si l’on démontait le basson pour en aligner les pièces de bout à bout, il mesurerait deux mètres et demie de longueur; quant au contrebasson, il mesurerait cinq mètres! Dans l’orchestre, il y a habituellement de deux à quatre bassons, dont la tes-siture se rapproche de celle du violoncelle. Contrairement à la plupart des bois, qui n’exigent pas d’utiliser le pouce, le basson a treize clés que l’on joue uniquement avec le pouce.

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La famille des bois

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Les premiers ancêtres de la famille des cuivres étaient faits de cornes et de défenses d’animaux, de bois et même de coquillages. Les cuivres modernes sont faits de cuivre, mais aussi d’or et d’argent. Les instruments de cette famille sont constitués d’un long tuyau qui a été courbé et enroulé en différentes formes, ce qui permet de les tenir et d’en jouer plus facilement. Saviez-vous que si vous étiriez un cor d’harmonie, il mesurerait plus de six mètres?

Pour produire un son, il faut faire vibrer ses lèvres dans l’embouchure de l’instrument. La trompette, le cor d’harmonie et le tuba ont des valves attachées à leur long tuyau. Afin de produire les dif-férentes notes, il faut appuyer diverses combinaisons de valves, ou bien changer la pression et la forme des lèvres sur l’embouchure. Parfois, on emploie ces techniques simultanément pour changer le ton. À la place des valves, la plupart des trombones emploient un mécanisme de coulisse, où l’on change de ton en faisant coulisser l’instrument. La trompette, le cor d’harmonie, le trombone et le tuba sont les cuivres le plus fréquemment employés dans l’orchestre.

Audrey GoodCor

Steven WoomertTrompette associé

Vanessa Fralick Trombone associé

Mark TetreaultTuba solo

Les instruments de l’orchestre

La famille des cuivres

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La trompetteSouvent employée pour sonner l’alarme, appeler les soldats au combat, ou pour la chasse, la trompette a une longue et fascinante histoire. Ses ancêtres étaient fait de conques, de cornes d’animaux, de bois ou de métal. La trompette est le plus petit des membres de la famille des cuivres, et possède le son le plus aigu. La trompette moderne a trois valves qui lui donnent une plus grande tessiture que les versions primitives de l’instrument. Habituellement, on trouve de deux à quatre trompettes au sein de l’orchestre.

Le cor d’harmonie Les tout premiers cors étaient faits de cornes d’animaux et servaient à envoyer des messages sur de longues distances. Le cor de chasse est l’ancêtre du cor d’harmonie; il était conçu de façon à ce que le tube forme un cercle, pour que le chasseur puisse le porter sur l’épaule. Au XIXe siècle, on y ajouta des valves, ce qui augmenta la tessiture de l’instrument. Dans un orchestre, on trouve entre deux et huit cors d’harmonie. L’instrumentiste emploie la main gauche pour appuyer sur les valves, et insère la main droite dans le pavillon de l’instrument pour en changer le son.

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La famille des cuivres

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Le trombone Inventé au XVe siècle, le trombone s’appelait d’abord la saqueboute. C’est le seul instrument de la famille des cuivres à employer une coulisse au lieu de valves pour changer de ton. Deux tuyaux en forme de « U » sont joints à leurs extrémités pour former un « S ». Un des tuyaux glisse dans l’autre, de façon à allonger ou raccourcir la longueur totale du tuyau. Pour changer la hauteur du son, le tromboniste fait coulisser le tuyau avec la main droite. En 1808, Beethoven contribua à la popularité de l’instrument en écrivant une partition pour trombone dans la finale de sa cinquième symphonie. La famille des trombones compte trois membres : alto, ténor et basse. Au sein de l’orchestre, il y a habituellement deux trombones ténor et un trombone basse. Leur tessiture correspond à celles du violoncelle et du basson, respec-tivement.

Le tuba Le tuba est le plus gros et le plus grave des instruments de la famille des cuivres. Inventé en 1835, le tuba est aussi le cadet de la famille. Il possède un son très riche et profond, et si on le déroulait son tuyau, il mesurerait plus de cinq mètres! En général, on ne trouve qu’un tuba au sein de l’orchestre, auquel on confie les harmonies plutôt que la mélodie. Les cousins du tuba sont l’euphonium (une version plus petite du tuba, à la tessiture plus aiguë) et le sousaphone (instrument inventé par John Philip Sousa, et fréquemment employé dans les fanfares).

Les instruments de l’orchestre

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La famille des percussions comprend habituellement tout instrument qui produit un son lorsqu’on le frappe, le secoue ou le gratte. Les instruments de cette famille sont répartis en deux vastes catégories, selon qu’ils produisent des sons à hauteur déterminée ou indétermi-née. Par exemple, le xylophone, les timbales ou le piano produisent des sons à hauteur dé-terminée (do, ré, mi...) comme toutes les autres familles d’instruments. Par contre, la grosse caisse, le tambourin ou les cymbales ne produisent pas de sons à hauteur déterminée.

Les percussionnistes sont souvent appelés à jouer de plusieurs instruments dans une même pièce. Au sein de l’orchestre, la section des percussions est une des plus polyvalentes, produisant une grande variété de timbres, de rythmes, d’effets et de textures uniques. La caisse claire, la grosse caisse, le glockenspiel, le xylophone, le triangle, le tambourin, les cymbales, les timbales et le piano sont les instruments de percussion le plus fréquemment employés dans l’orchestre.

David Kent Timbales solo

Les instruments de l’orchestre

La famille des percussions

Charles SettlePercussion solo

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Les timbalesLes timbales sont composées d’un fût de cuivre couvert d’une peau tendue. On emploie souvent ces gros tambours accordés dans la musique symphonique. La tessiture de chaque timbale dépend des dimensions du fût et de la tension de la peau : plus celle-ci est tendue, plus le son est aigu. La tessiture de l’instrument est d’environ deux octaves. Pour changer de note, on appuie sur les pédales à la base de l’instrument. Les timbales furent les premiers tambours à être employés dans l’orchestre; la plupart des orchestres en emploient trois ou quatre.

La caisse claireComme son nom l’indique, la caisse claire produit un son sec et d’une grande clarté. Elle a deux peaux tendues aux deux extrémités d’un fût de métal ou de bois. La peau du dessus est frappée au moyen de deux baguettes de bois. Sur la peau du dessous se trouve un timbre composé de filaments de métal ou de boyau. Lorsqu’on frappe la peau supérieure, c’est la vibration de ces filaments sur la peau inférieure qui produit le son caractéristique de la caisse

claire. On peut tendre et détendre le timbre pour produire un son plus ou moins sec.

La grosse caisseLa grosse caisse, qui est le plus gros tambour de l’orchestre, produit un son grave et profond. Sa construction ressemble à celle de la caisse claire, mais sans les timbres. On place la grosse caisse sur le côté, de façon à pouvoir en frapper les deux peaux en même temps. On emploie une baguette dont un des bouts est couvert de laine de mouton ou de feutre. Tout comme la caisse claire, la grosse caisse était employée par l’armée avant de rejoindre la famille des

percussions au sein de l’orchestre.

Le tambourin Le tambourin est un petit tambour sur cadre, dont un côté est couvert d’une peau de vélin ou de plastique. Dans le cadre, on fixe une série de petits disques de métal qui tintent lorsqu’on secoue l’instrument. On produit des sons en secouant, frottant ou frappant la peau.

Les instruments de l’orchestre

La famille des percussions

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Le piano Le piano est un instrument de percussion qui produit des sons à hauteur déterminée. Ses 88 touches noires ou blanches, qui couvrent plus de sept octaves, en font l’instrument de l’orchestre à la plus large tessiture. Lorsqu’on appuie sur une touche, un petit marteau à l’intérieur de l’instrument frappe les cordes correspondantes. Le piano est souvent considéré comme un instrument de percussion car le son est produit par les coups du marteau sur les cordes.

Le xylophoneLe xylophone est un instrument qui produit des sons à hauteur déterminée. Il est composé de lames de bois accordées et montées sur un cadre de métal. Les lames sont habituellement faites de bois de rose, mais peuvent aussi être faites de matériaux synthétiques. Elles sont disposées en deux rangées, un peu comme le clavier du piano. On frappe les lames du xylophone au moyen de baguettes dures, ce qui produit un son clair, brillant et bref. Le son produit par le xylophone se situe une octave au-dessus des notes indiquées sur la partition. Ses origines sont obscures, mais on trouve des instruments similaires en Afrique et en Asie depuis

le XIVe siècle.

Le glockenspiel Le glockenspiel est également un instrument à hauteur déterminée dont le nom, en allemand, signifie « carillon ». Il est composé de lames de métal accordées et disposées en deux rangées, un peu comme le piano. Le glockenspiel a un son très clair et perçant. Sa tessiture est habituellement de deux octaves et demie, et le son qu’il produit se situe deux octaves au-dessus des notes indiquées sur la partition. On fait sonner les lames en les frappant au moyen de baguettes dures.

Le triangle Le triangle est un morceau de métal (habituellement de l’acier) plié en forme triangulaire. On accroche un boucle de nylon à l’un de ses pointes. On en joue en le frappant au moyen d’une baguette de métal. Le triangle

produit un son scintillant qui ressemble à celui d’une cloche.

Les cymbalesLes cymbales sont deux plateaux de cuivre légèrement convexes, que l’on tient au moyen de courroies de cuir. Lorsqu’on les frappe l’une contre l’autre, elles résonnent avec force. Il existe différentes dimensions de cymbales, pour produire une vaste gamme d’effets sonores. Une seule cymbale peut être suspendue à un cadre et frappée au moyen d’une baguette ou d’un maillet coussiné.

Les instruments de l’orchestre

La famille des percussions

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LES CORDES

VIOLINSJonathan Crow, VIOLON SOLOTom Beck Concertmaster Chair

Ze Yu (Victor) Li, VIOLIN SOLO ASSOCIÉMark Skazinetsky, VIOLIN SOLO ASSOCIÉMarc-André Savoie, 1er ASSISTANT, VIOLON SOLOEtsuko Kimura, 2e ASSISTANT, VIOLON SOLOPaul Meyer, PRINCIPAL SECOND VIOLINWendy Rose, SECOND VIOLIN ASSOCIÉEri Kosaka 1er ASSISTANT, SECOND VIOLONAtis BankasYolanda BrunoAmalia Joanou-CanzoneriSydney ChunCarol FujinoAmanda GoodburnTerry HolowachBridget HuntMi-Hyon KimShane KimDouglas KwonLeslie Dawn KnowlesDouglas (Ku Won) KwonSergei NikonovYoung Dae ParkSemyong PertsovskyClare SemesPeter SeminovsJennifer ThompsonAngelique ToewsJames WallenbergVirginia Wells

ALTOSVictor Fournelle-Blain ALTO SOLORémi Pelletier 1er ASSISTANT, ALTO

Theresa Rudolph 2e ASSISTANT, ALTODaniel BlackmanIvan IvanovitchGary LabovitzDiane LeungCharmain LouisMary Carol NugentChristopher RedfieldAshley Vandiver

VIOLONCELLESJoseph Johnson, VIOLONCELLE SOLOPrincipal Cello Chair funded by Dr.

Armand Hammer

Emmanuelle Beaulieu Bergeron VIOLONCELLE ASSOCIÉWinona Zelenka, 1er ASSISTANT, VIOLONCELLEAlastair EngIgor GefterMarie GélinasRoberta JanzenBritton Riley+

CONTREBASSESJeffrey Beecher, CONTREBASSE SOLOPrincipal Double Bass Chair annually funded by the

Saunderson Family

Michael Chiarello CONTREBASSE ASSOCIÉTheodore ChanTimothy DawsonChas ElliottDavid LongeneckerPaul Rogers

LES BOIS

FLÛTESKelly Zimba FLÛTE SOLOToronto Symphony Volunteer

Committee Principal Flute Chair

Julie Ranti, FLÛTE ASSOCIÉELeonie WallCamille Watts

PICCOLOCamille Watts

HAUTBOISSarah Jeffrey, HAUTBOIS SOLOPrincipal Oboe funded by Pam and

Chris Hodgson

Keith Atkinson, HAUTBOIS ASSOCIÉCary EbliHugo Lee

COR ANGLAISCary Ebli

CLARINETTESJoaquin Valdepeñas, CLARINETTE SOLOSheryl L. & David W. Kerr Principal

Clarinet Chair

Eric Abramovitz, CLARINETTE ASSOCIÉMiles JaquesJoseph Orlowski

CLARINETTE BASSEMiles Jaques

BASSONSMichael Sweeney, BASSON SOLODarren Hicks, BASSON ASSOCIÉSamuel BanksFraser Jackson

CONTREBASSONFraser Jackson

LES CUIVRES

CORSNeil Deland, COR SOLODr. Michael Braudo Principal Horn

Chair

Christopher Gongos, COR ASSOCIÉAudrey GoodGabriel RadfordNicholas Hartman

TROMPETTESAndrew McCandless, TROMPETTE SOLOToronto Symphony Volunteer Committee Principal Trumpet

Chair

Steven Woomert, TROMPETTE ASSOCIÉJames GardinerJames Spragg

TROMBONESGordon Wolfe, TROMBONE SOLOVanessa Fralick, TROMBONE ASSOCIÉ

TROMBONE BASSEJeffrey Hall

TUBAMark Tetreault, TUBA SOLO

LES PERCUSSIONS

TIMBALESDavid Kent, TIMBALES SOLOJoseph Kelly, ASSISTANT

PERCUSSIONSCharles Settle, PERCUSSION SOLOJoseph KellyJohn Rudolph

HARPEHeidi Van Hoesen Gorton, HARPE SOLOPrincipal Harp funded by Richard Rooney and Laura Dinner

MUSIOTHÈQUEGary Corrin, MUSIOTHÈCAIREPrincipal Librarian funded by Bob

and Ann Corcoran

Kim Gilmore+

*Congé sabbatique+Congé exceptionnel

Les musiciens de l'OST 2019/20

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Formulaire d’évaluation de l’élève

Date de la performance : __________________________________________

Nom de l’école (facultatif) : __________________________________________

1. Quel a été ton moment préféré du concert, et pourquoi?

2. Quel moment as-tu aimé le moins, et pourquoi?

3. Décris les sentiments que tu as éprouvés à n’importe quel moment du programme. Pourquoi penses-tu que tu éprouvais ces sentiments?

4. Est-ce qu’il y a quelque chose qui t’a surpris(e) pendant le concert?

5. Si tu avais la tâche de programmer un concert pour l’OST, quelles sont les deux pièces que tu recommanderais, et pourquoi?

Autres commentaires ...

VEUILLEZ RETOURNER À : POSTE : School Concerts - Toronto Symphony Orchestra, 500-145 Wellington St W, Toronto ON M5J 1H8 (Poste ou courriel) COURRIEL : schoolconcerts@tso.ca

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Formulaire d’évaluation de l’enseignant (e)

Date de la performance : ____________________________________________

Nom de l’école (facultatif) : __________________________________________

1. Veuillez encercler les réponses correspondant à votre évaluation :

Réaction du public Excellente Très bonne Bonne Passable MauvaiseValeur éducative Excellente Très bonne Bonne Passable MauvaiseRapport entre le chef Excellent Très bon Bon Passable Mauvais et les élèvesGuide du professeur Excellent Très bon Bon Passable Mauvais

2. Est-ce la première fois que vous amenez un groupe d’élèves à un concert jeunesse de l’OST? Oui Non Si ce n’est pas la première fois, depuis combien d’années amenez-vous les élèves à de tels concerts?

3. Qu’est-ce que vos élèves ont aimé le plus?

4. Vous êtes-vous servi du Guide de l’enseignant(e)? Oui Non Si oui, quelle section vous a paru la plus utile?

5. Vous êtes-vous servi du balado? Oui Non Si oui, l’avez-vous trouvé utile?

6. Y a-t-il quelque chose que vous aimeriez communiquer aux généreux donateurs qui soutiennent les concerts jeunesse de l’OST?

Avez-vous d’autres commentaires? La rétroaction des enseignants nous est très utile, et toutes vos impres-sions sont les bienvenues!

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Des questions?

Appelez-nous au 416 598-5386(du lundi au vendredi, de 9 h à 17 h)

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La traduction française de ce guide pédagogique a été rendu possible grâce au gouvernement du Canada