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1. Contexte et spécificité de l’oeuvre

1.1. Contexte de l’oeuvre

Comme je l’ai souligné dans mon développement sur les valeurs de la

société américaine, Andy Warhol estime que « l’idée d’Amérique est

formidable, parce que plus une chose est égale, et plus elle est américaine ».

J’ai donc choisi de vous présenter « Campbell’s Soup Cans » de cet artiste.

C’est vers la fin des années 50 que le Pop’ art apparaît aux Etats-Unis

sous l’impulsion d’artiste comme Roy Lichtenstein ou bien Andy Warhol.

Néanmoins il ne prendra son envol que pendant les années 60. La grande

différence entre le pop’art américain et anglais est que le pop’ art anglais a des traits très romantiques

et humoristiques alors que le pop’ art américain lui, présente des traits beaucoup plus agressifs.

C’est une série de 32 toiles représentant des boites de soupe. Je

trouvais très intéressant le lien entre la société de consommation et la

peinture, entre les procédés utilisés par Warhol et la production de masse.

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Un des points importants à retenir est le fait que ce tableau intervient

dans un contexte social particulier, les années soixante sont les années

prospères des Etats-Unis, bonne santé financière, peu de chômage... Les gens

sont heureux et consomment ! On voit se démocratiser la grande distribution et par la même

occasion l’apparition de la surconsommation.

1.2. Spécificité de l’oeuvre

L’oeuvre originale est composée de 32 toiles de polymère synthétique de 50.8 par 40.6 cm.

Andy Warhol a choisi une technique de production similaire à celle

utilisée dans le domaine de la publicité et opte pour un procédé sérigraphique

semi-mécanique.

Campbell Soup Company (Campbell's) est une multinationale agroalimentaire

américaine, active principalement sur les segments de la soupe, des biscuits, des boissons

(marque V8). Elle est régulièrement classée parmi les entreprises du Forbes 500. Son siège

social est situé à Camden dans le New Jersey aux États-Unis et elle est présente en

exportation directe ou par le biais de ses différentes filiales dans environ 120 pays dans le

monde entier.

peinture polymère = peinture acrylique

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Le fait d’utiliser une méthode de production industrielle fit débat et remit en cause la

philosophie de l’expressionnisme abstrait (courant dominant de l’après-guerre).

Lors de la première présentation de ces 32 toiles à la galerie Ferus, elles étaient alignées sur

un mur comme des boites de conserves sur une étagère. Aujourd’hui, elles sont rangées dans leur

ordre chronologique d’introduction à commencer par “Tomato” qui a été introduite en 1897. Chaque

boite de conserve représente une variété de soupe différente, mais attention,

toutes les boîtes ne sont pas identiques dans leur présentation. Sur la boite

La sérigraphie (du latin sericum la soie et du grec graphein l’écriture) est une

technique d’imprimerie qui utilise des pochoirs (à l'origine, des écrans de soie) interposés

entre l’encre et le support. Les supports utilisés peuvent être variés et pas nécessairement

plans (papier, carton, textile, métal, verre, bois, etc.). La forte émigration chinoise vers les

États-Unis au XIXe siècle marqua l’entrée de la sérigraphie dans l’ère moderne et favorisa

son éclosion outre-Atlantique. L’engouement fut immédiat et la technique se modernisa,

sous l’impulsion d’une industrie américaine très performante. Le racloir supplanta le

rouleau pour l’application de l’encre et le Nylon fit oublier la soie en guise d’écran. Andy

Warhol et Roy Lichtenstein s’adonnèrent sans modération à cette technique et lui

donnèrent ses lettres de noblesse.

L'expressionnisme abstrait est un mouvement artistique qui s'est développé peu après la Seconde Guerre mondiale aux États-Unis. C'est aussi un élément central de l'école de New York, « école » qui a rassemblé les artistes (poètes, peintres, musiciens...) d'avant-garde actifs à New York et aux États Unis avant et après la seconde guerre mondiale. On parle d'expressionnisme abstrait pour un certain type de peinture, de sculpture et de photographie.

Le mouvement est « né » dans le milieu artistique new-yorkais dans les années 1940.

Plusieurs dénominations sont apparues pour évoquer certains aspects de

l'expressionnisme abstrait américain : l'action painting, la colorfield painting ou la Post-

painterly Abstraction (de Sam Francis). • Jane Frank (1918-1986)

• Franz Kline (1910-1962) • Willem de Kooning (1904-1997) • Jackson Pollock (1912-1956) • Robert Rauschenberg (1925-2008) • Mark Rothko (1903-1970)

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“cheddar cheese”, on peut voir un bandeau jaune avec une inscription dessus

(5ème

boite en partant de la gauche, dernière rangée).

2. Analyse de l’Oeuvre

2.1. Pourquoi des boites de soupe ?

On ne sait pas réellement pourquoi Warhol a peint des boites de soupe, on sait

que Warhol mangeait de ces soupes à presque tous ses repas, il déclare même

à un critique d’art “J’avais l’habitude d’en manger, j’ai mangé le même repas

tous les jours pendant vingt ans”. On pourra remarquer que Warhol ne peint

que des choses qui lui tiennent à cœur. Ainsi il adorait l’argent, il a peint des

billets de dollar... D’autres raisons peuvent y être liées, lorsqu’un journaliste lui

rappela que sa mère faisait des fleurs à partir de boîte de soupe, il répondit au journaliste “Oh mon

Dieu, oui, c’est vrai, les fleurs en fer blanc étaient fabriquées à partir de conserves de fruit, c’est la

raison pour laquelle j’ai peint mes premières boîtes de conserve…” Une autre possibilité aurait été que

Muriel Latow lui ait conseillé de peindre des boîtes de conserves, c’est elle qui aurait expliqué à

Warhol qu’il faut peindre quelque chose que l’on voit tous les jours. Il semble évident que les

sujets de Warhol sont intimement liés à sa vie quotidienne et à la société de

consommation.

2- Quel message, quelle signification ?

Comme pour toutes les œuvres d’art, le message et la signification de la

peinture n’est pas fermé.

On peut y voir une critique de la société de consommation de l’artiste ; la

technique de la sérigraphie impliquant une reproduction en chaîne. Wahrol

remet ainsi en cause l’unicité de l’oeuvre qu’il rabaisse à un simple objet de

consommation.

Muriel Latow est à l’époque une aspirante décoratrice d’intérieur et la propriétaire de la

galerie Latow Art dans le Upper East Side à Manhattan.

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On pourrait étendre son travail à une critique plus global du capitalisme qui

pousse les sociétés à produire à la chaîne au détriment du travail personnel.

Mais on tombe ici dans une vision européenne car du point de vue de Warhol la culture ordinaire pour

le plus grand nombre constitue la réussite de l’Amérique à l’inverse du modèle libéral de la bourgeoisie

européenne.

Dans le cas présent, on observe finalement que Warhol se comporte comme

un artiste. Il peint ce qu’il vit, ce qu’il voit, ce qu’il aime. La signification de

l’oeuvre se résume alors à l’expression de l’artiste supporté par une technique

en accord avec sa société, la sérigraphie. L’artiste se nourrit de tout, il n’est

pas étonnement de retrouver des boites de soupe elles-mêmes consommées

par l’artiste ni ce format identifié par une marque lorsque l’on sait que Warhol

fut publiciste avant d’être artiste.

3. Une Révolution artistique ?

Le travail sur les boites de soupe ne s’est pas arrêté en 1962. En 1965 il remplace arbitrairement

les couleurs blanches et rouges originales par une plus grande variété de teintes. Puis à la fin des

années 1970 il revient une nouvelle fois aux boîtes de soupe en retournant et en inversant les images.

Les œuvres de Warhol sur les soupes Campbell s’inscrivent dans le temps (de 62 à 70). Elles

appartiennent à la phase majeure de « sérigraphies » qu’il réalise principalement entre 1962 et 1964

avec notamment les séries de sérigraphies de célébrités comme Elvis Presley, Marilyn Monroe, Liz

Taylor et Mao Zedong.

L’utilisation de procédés industriels a créé un réel débat au sein de l’opinion

artistique et au-delà publique. Le fait d’utiliser les mêmes procédés qui sont

utilisés dans la publicité a remis en question la philosophie de

l’expressionnisme abstrait. C’est la première fois dans le domaine de l’art que

l’on applique des procédés dit industriels.

Avec le recul d’aujourd’hui on constate que Warhol comme d’autres

précurseurs s’est approprié les moyens technologiques de son époque pour

produire. Il peint en série des objets courant sans profondeur, comme Duane

Hanson utilise la plasturgie pour sculpter des personnages de la vie courante

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( ex le femme au caddie), ou Jackson Pollock jette la peinture acrylique

, ou encore aujourd’hui David Hockney qui utilise l’Ipad pour peindre.

C’est l’essence même de l’artiste, ce n’est pas le support ou la technique qui

fait l’oeuvre mais son sens et l’expression qu’il témoigne de son époque.

Duane Hanson, né le 17 janvier 1925 à Alexandria et mort le 6 janvier 1996 à Boca Raton

(Floride), à l'âge de 70 ans, est un sculpteur américain du courant de l'hyperréalisme.

David Hockney, OM, né le 9 juillet 1937 à Bradford au Royaume-Uni, est un peintre et

photographe anglais habitant dans la ville californienne de Los Angeles, aux États-Unis.

Depuis 2005 il est revenu en Angleterre et réside dans le Yorkshire, la province de son

origine. Il est une figure du mouvement Pop Art des années 1960.

Jackson Pollock, né le 28 janvier 1912 à Cody, dans le Wyoming, et mort accidentellement le 11 aout 1956, à The Springs (New York), est un peintre américain de l'expressionnisme abstrait, mondialement connu de son vivant.

Pollock a eu une influence déterminante sur le cours de l'art contemporain. Le « dripping », qu'il a beaucoup employé de 1947 à 1950, l'a rendu célèbre grâce aux photos et aux films de Hans Namuth, réalisés dans le feu de l'action. Cette reconnaissance, tardive après toute une vie dans la gêne, a coïncidé avec l'émergence de New York comme nouvelle capitale mondiale de la culture, juste après la Seconde Guerre mondiale entre 1948 et 1950. Pollock fut le premier de la troisième vague d'artistes abstraits américains à être enfin reconnu, le premier à « briser la glace » (selon l'expression de Willem de Kooning), en ouvrant un passage dans le milieu des collectionneurs aux autres artistes de l'école de New York.